RHAPSODY OF FIRE
‘GLORY FOR SALVATION’
AFM Records

No engaño a nadie, a estas alturas, si digo que la salida de un nuevo disco de Rhapsody of Fire (o Rhapsody en cualquiera de sus versiones y formas) es, para mí, motivo de alegría.

En esta ocasión, además, estamos ante lo que debería ser la consagración de este ‘nuevo’ quinteto comandado por el ínclito Alex Staropoli y encabezado por Giacomo Voli (de ‘La Voz’ al cielo). Porque sí, es innegable que ‘The Eighth Mountain’, primer trabajo oficial (‘Legendary Years no dejaba de ser un refrito) con el vocalista de Correggio, fue sólido y agradó a los fans, pero quedó lejos de los grandes hitos de una banda que aglutina algunos de los mejores LPs y temas de la historia del heavy/power metal.

Teniendo en cuenta todo esto, la trayectoria de Staropoli, la calidad de los músicos que lo acompañan y, por qué no decirlo, el enorme peso que supone cargar el nombre de Rhapsody y la responsabilidad que ello conlleva, seguramente no sea del todo justo enfrentarse a un trabajo como ‘Glory for salvation’. Por el agravio comparativo, claro.

Pero, qué narices, el metal, la música, se basa en emociones, en sensaciones, en momentos vitales (aunque hay quien, de forma respetable, prefiere ahondar más en cuestiones técnicas) e intentando liberar mi mente de prejuicios y abandonar mi propio bagaje con la historia de los italianos, me lancé a escuchar, no con voracidad sino con cierta distancia, un trabajo que, sin duda, me ha sorprendido y gustado a partes iguales.

Cabe destacar, para más inri, que el primer single que se pudo escuchar, ‘I’ll be your hero’, me dejó frío como un témpano (y, a la postre, por suerte, ha acabado siendo el tema más plano y ‘olvidable’ del álbum).

Sin embargo, podemos decir casi con rotundidad que lo que Staropoli y los suyos nos presentan en ‘Glory for Salvation’ es un ejercicio de brillantez al alcance de unos pocos.
Rhapsody lo hace, además, de forma inteligente; adentrándose en caminos que sabe que domina, que tiene bajo control, que puede recorrer con comodidad, esto es, moviéndose entre el power metal más clásico, la épica absoluta y la narrativa lírica y teatral que envuelve un conjunto, aunque con algún altibajo, en general, fantástico.

La sensación, en definitiva, que invade mientras el disco va avanzando, es la de estar recorriendo el camino con el protagonista, con el héroe. Las letras, llenas de valentía, garra, lucha, amor, decepción y redención, ayudan obviamente a ello.

De esta forma, mientras que el inicio con «Son of vengeance» apuesta descaradamente por la épica más coreable (con ese teclado casi militar y esos coros grandilocuentes), lo sucesivo se moverá, como decía antes, entre el power metal más canónico de «The kingdom of ice» y «Glory for salvation» y temas marca de la casa, que podrían encajar en casi cualquier trabajo previo, como el tremendo «Maid of the secret sand». Claro está, con la sorpresa de «Eternal snow» / «Terial the hawk», con las que Staropoli se deja mecer por un sonido folk que dista mucho de ser definitorio del quinteto pero que, a mi juicio, encaja a la perfección en la globalidad del LP.

Ahora bien, es en la segunda mitad donde llega el do de pecho. ¡Y de qué manera! «Abyss of pain II», que recoge el guante de la intro de «The Eighth Mountain», y que se convierte en el segundo tema más largo de la banda, es el resumen, la muestra, de las raíces clásicas que siguen inundando la música de Rhapsody of Fire y del propio Staropoli como compositor. Una ópera en sí misma. Una tragedia (desde el punto de vista narrativo) que te lleva, te estremece y te deja vacío al finalizar y que pasa, directamente, a mi top de temas favoritos de la banda.

De ahí, como decía, hacia arriba. Una dosis descomunal de heavy metal -power ballad incluída, ojo- que finaliza con otro HIMNO como es -será… al tiempo- «Chains of Destiny». Vello de punta.

Querría destacar también la labor del propio Voli. En la primera escucha del trabajo tuve la sensación de que sonaba poco heavy, de que su voz estaba muy escondida, tapada por una producción que casi había decidido dejarla en segundo plano. Y… nada más lejos de la realidad. Lo que han conseguido entre Staropoli y el propio Voli es aprovechar los casi infinitos recursos del bueno de Giacomo, no solo en lo vocal sino en lo interpretativo. Y es que estamos ante un cantante que es más, mucho más, que un tipo que puede gritar muy agudo. Puede emocionar, puede guiarte por el camino que dictan la letra y el ritmo, puede transmitir pasión y violencia con una naturalidad pasmosa. La labor de Giacomo Voli en ‘Glory for Salvation’ es SUPERLATIVA y, sin atisbo de duda, es mucho más vocalista e intérprete de lo que habíamos comprobado hasta ahora. Muestra inequívoca de madurez y de conexión orgánica con la banda.

Así pues, estamos ante un trabajo que presenta muy pocas fisuras, que, sin innovar en demasía, nos zarandea con calidad, con un sonido cristalino y con la fuerza y la épica que, a día de hoy, se exige a una banda como esta y a unos músicos como los que la componen.

Es posible que los laureles de Rhapsody (al menos, de la parte capitaneada por Alex Staropoli) ya nunca puedan lucir tan verdes como hace 20 años, pero hay motivos para ponerse en pie, levantar el puño, mover convulsivamente el cuello y sonreír con agradecimiento.

¡Por siempre Rhapsody of Fire!

Dani Ruiz

MARY’S BLOOD
‘MARY’S BLOOD’
Tokuma Japan Communications

En ocasiones, de un evento traumático y explosivo puede nacer algo nuevo y hermoso. Algo así sucedió cuando Destrose se fragmentó allá por 2008; de los restos del naufragio nacieron Lovebites y Mary’s Blood. Casi nada.

En el caso de Mary’s Blood, a pesar de constituirse en 2010 de forma oficial, no escucharíamos un álbum hasta 2014 (tremendo debut aquel ‘Countdown to Evolution’); auténtico power metal, melódico pero potente, accesible pero complejo. Una bofetada en la cara de todos los amantes del género.
Sin embargo, cabe destacar que la carrera de la banda podría resumirse en una palabra: heterogeneidad. Y es que cada LP del cuarteto nipón es sustancialmente diferente al anterior. Esto nunca supuso un problema, ciertamente, porque la frescura de cada trabajo calaba rápidamente en los oídos del fan (‘Re>Animator’, su último disco, al ser de versiones, algo menos) y, además, servía como excusa para no entonar el manido mantra de “banda que no evoluciona”.

Ahora bien, con el reciente ‘Mary’s Blood’ (ya dijo Tom Angelripper que una banda que se precie siempre ha de tener un disco titulado como la propia banda) tengo sentimientos encontrados al respecto. Y, lo digo ya, creo que de forma injusta.
En su sexto álbum de estudio, las japonesas demuestran muchas cosas: que van sobradas de talento, de tablas y de actitud, que están al mejor nivel compositivo de su carrera y que tienen un don para crear temas directos y pegadizos sin caer en lo comercial. Pero, y aquí viene el problema, también demuestran que lo que los fans enterrábamos sistemáticamente bajo el manto de la frescura quizá sea incapacidad para encontrar un sonido definitorio y para dotar de consistencia al conjunto de un trabajo completo.

Además, esto queda patente desde el mismo inicio de ‘Mary’s Blood’. Los tres primeros temas, sin contar la intro, «Without a Crown», «Blow up your fire» y «Joker» se mueven en una senda diferente al power metal más definitorio del cuarteto y se adentran en un sonido mucho más crudo, menos brillante, más oscuro y con melodías que coquetean con el nu-metal o el hardcore. Esto ya choca debido a que se mantiene el aire clásico de los solos de guitarra (sigue fantástica Mari en ese aspecto, aunque se gusta algo menos de lo habitual y va más al grano). Pero el shock llega al comprobar que ni siquiera han apostado por hacer un disco que cumpla íntegramente con esos cánones; «Be myself», el quinto corte, nos lleva a ritmo de galope de nuevo al power metal más edulcorado (también en la letra) y, en otro giro inexplicable, «Umbrella» se tiñe de gótico y taciturno para que escuchemos a una Eye cantando de forma pasional pero trágica.
Huelga decir que este baile sin sentido va a seguir así el resto del LP (prueba de ello son «Ignite» y «Hunger», de nuevo yéndonos al sonido moderno y áspero del inicio del disco) aunque con un respiro en «Mad Lady», a mi juicio el mejor tema, recogiendo la esencia del heavy/power metal del que siempre han hecho gala, cañero, directo y con actitud.
En definitiva, al acabar de escuchar este ‘Mary’s Blood’ uno no tiene muy claro si se ha enfrentado al trabajo de una banda o a un recopilatorio de discográfica en el que cada tema pertenece a una formación distinta.

He echado de menos el sonido limpio y lúcido que, para mí, resume lo mejor de las tokyotas
(curiosamente lo encontraremos en «Starlight», el cierre) y se me ha hecho algo cuesta arriba
toparme con una mezcolanza carente de melodía y brillo, tan -como decía al inicio- heterogéneo en sí mismo que suena tan deslavazado como poco compacto. Y, esto, en una formación con músicas de tanto nivel y con tanto recorrido, es una falta flagrante.

Eso sí, si hablé de injusticia es porque, como es normal al valorar una expresión artística como es la música, mis sensaciones priman sobre cualquier otro criterio; no puedo decir que haya malas canciones en este trabajo, porque no es así. ¡Al contrario! Pero igual que un buen puñado de jugadoras no hace, necesariamente, un buen equipo, un buen puñado de temas no hacen, necesariamente, un buen álbum. Estoy convencido que con un sonido más definido (elijan el que elijan, más melódico y clásico o más crudo y moderno) sus siguientes producciones lucirán mucho mejor y evitarán esta sensación de desconcierto que, a pesar de haber disfrutado con la escucha, no puedo evitar percibir.
Así pues, nos quedamos con buenos temas pero un irregular disco. Qué pena, Mary’s Blood.

Dani Ruiz

https://www.youtube.com/watch?v=rZOFROdFjZk

https://www.youtube.com/watch?v=wJcSx3UfmAk

https://www.youtube.com/watch?v=CrTHVXZm_d8

https://www.youtube.com/watch?v=MLM2unV0kwU

https://www.youtube.com/watch?v=_JyWeBOtoRs

https://www.youtube.com/watch?v=wkgBcrwj7C0

https://www.youtube.com/watch?v=9SMPk5TmSCs

https://www.youtube.com/watch?v=KRLt_FcFyhc

SALDUIE
‘AMBAXTOS’
Autoeditado

Aquellos que disfrutamos con el folk metal, tradicionalmente hemos acudido a saciar nuestra sed al norte, muy al norte: sobre todo a países escandinavos y Alemania… ¡incluso Francia! Sin embargo, y pese a la enorme Historia (e historias) con la que cuenta España, pocas son las bandas que han profundizado en ella, y menos desde un estilo que, si bien empieza a florecer desde diferentes perspectivas, quedaba relegado a la marginalidad hasta no hace mucho.

Por ello, desde su debut discográfico en 2014 (‘Imbolc’), Salduie se convirtió, primero, en una grata sorpresa y, después, en un oasis en el que refugiarse.
Ahora, 7 años y 4 discos después, regresan con ‘Ambaxtos’ para contarnos, de nuevo, historias fantásticas, de aquí, de esas que, como decía, abundan pero pasan desapercibidas o son desconocidas para la mayoría de nosotros.
En este caso, centrándose en la figura de aquellos que dan título al álbum, sirvientes de alto
rango en la sociedad íbera, y en diversas figuras históricas como Asdrúbal (general cartaginés) o Escipión (militar romano que comandó una ofensiva en Hispania).
Así, tema tras tema, diez componen el LP, la banda zaragozana nos lleva de la mano, explicándonos con el pormenor habitual los avatares de batallas, mitos y, también, sociedad
de la época; y lo hace, a mi parecer, más que nunca al resguardo del folk y a costa del
metal.
Los vientos están casi omnipresentes, así como los ritmos más pesados, enfatizando el aspecto marcial de muchas de las historias que se van desgranando.

He de reconocer que tras la primera escucha mi sensación inicial fue la de echar de menos
canciones con más nervio, más rápidas, más apegadas al heavy y al power, que parecían tener más protagonismo en trabajos anteriores del octeto. Sin embargo, una vez más han conseguido crear un álbum que -si bien exige bastante atención por parte del oyente y no supone en absoluto una digestión ligera- atrapa sin remedio, y casi de forma inconsciente; por ello, una vez escuchado en esa primera ocasión, no pude sino adentrarme en él muchas veces más.

Y es que la capacidad de generar interés que tiene ‘Ambaxtos’ es enorme. Las letras, sinceras, punzantes y pedagógicas, me parecen de las mejores de Salduie.
En lo musical, todos los elementos definitorios de los maños se encuentran presentes, empezando, como decía, por los elementos más apegados al folk, y continuando con ese juego de voces limpias / guturales que llevan a cabo dos bestias como Diego Royo y Diego Bernía, junto al siempre impecable Nehemías Sebastián (que estuvo un tiempo alejado de la banda pero confirmó posteriormente su regreso).

Curiosamente, en este cuarto disco, el grupo se permite coquetear, o aún más, adentrarse
directamente en el terreno de lo progresivo (con, seguramente, ‘El último Olcade’ como
punta de lanza), sin perder de vista nunca la esencia folclórica, claro está, y pasear por
paisajes oníricos y, como decía antes, marciales, llenos de pasión y conflicto.
En ese sentido, me gustaría destacar el último tercio del CD, que se encuentra, a mi juicio,
entre lo mejor que ha compuesto la banda en toda su trayectoria. Poniendo énfasis en ‘Ataecina’, el que es, lo digo sin temor a equivocarme, el mejor poema romántico (entiéndase, en lo formal, no en lo sentimental) que se ha hecho en el metal español.

También quisiera poner en valor el hecho de que Salduie se atrevan a seguir escudriñando en la Historia para explicarnos todas estas epopeyas que, más allá del indudable calado musical, tienen un poso educativo / divulgativo que ha de ser ensalzado.
Así pues, teniendo en cuenta que nos encontramos ante el disco más folk y menos metal del conjunto aragonés, y dejando que el tópico fluya en mí tranquilamente, de forma honesta creo que ‘Ambaxtos’ es el álbum más complejo, completo y maduro de una banda que ha conquistado lo más alto del folk metal en España; no necesita más dosis de power, ni más velocidad. Con 3 o 4 escuchas es suficiente para quedar embelesado con flautas, gaitas, guitarras y voces descarnadas.
¿De lo mejor de 2021? Yo digo sí.

Dani Ruiz

https://www.youtube.com/watch?v=d1ZZ1CLTtYg

https://www.youtube.com/watch?v=XSrXgyyl2_4

https://www.youtube.com/watch?v=piIc-i8Nya4

https://www.youtube.com/watch?v=p_0izVbq4MQ

https://www.youtube.com/watch?v=RWraHSka8Ng

https://www.youtube.com/watch?v=WoTalk2vUaY

GALNERYUS
‘UNION GIVES STRENGTH’
Warner Music Japan

Emocionado, presiono el botón -digital- de play para adentrarme, una vez más, en esa nebulosa sónica que son las canciones de Galneryus. No obstante, para mí, el lanzamiento de nuevo material de la banda tokiota es siempre motivo de celebración y de inmersión musical y ya tenía el vello de punta ante la expectativa de lo que iba a encontrarme en ‘Union gives strength’.

Así que me dispongo a disfrutar, casi relamiéndome del gusto y… ¿QUÉ NARICES ES ESTO? Despierto bruscamente de mi ensoñación y miro la pantalla de nuevo, atentamente, creyendo haberme equivocado y estar escuchando (que Raijin y Fujin me fulminen con su furiosa tormenta si miento) Stravaganzza… pero no.

Aún tardo unos segundos en recomponerme del shock. Y es que “The howling darkness” da lo que promete. Un sonido pesado, oscuro, una línea de teclado propia de un tema de King Diamond o incluso -permitidme el atrevimiento- del black metal sinfónico sobre la que, eso sí, la voz de Ono Masatoshi se desliza, tenebrosa pero firme, a las mil maravillas.

Este impacto viene acompañado por un Syu que saca de sus seis cuerdas un lamento tan veloz como trágico que, pondría la mano en el fuego, no recuerdo anteriormente en Galneryus.

En esas tribulaciones (¿me ha encantado el tema? ¿me ha parecido fuera de lugar? ¿me siento ‘traicionado’ por mis ídolos?) ando mientras se van sucediendo los más de 9 minutos que dura la canción; pero, sin darme cuenta, me voy acomodando, respiro aliviado, me relajo, empiezo a ceder y a sonreír cuando compruebo que “Flames of rage”, el segundo corte, suena 100% a Galneryus. También 9 minutos en los que el quinteto nipón enarbola de nuevo la bandera de la épica y, en el fondo, se ajusta el brazalete de capitán del neoclásico japonés (¿mundial?) y mira al frente, desafiante, sabiéndose los amos de la montaña, los emperadores en el trono.
«Hold on» -el tema más melódico y edulcorado del EP- y «Bleeding Sanity» -una canción que debería enseñarse en la Universidad del Power Metal- terminan por derrumbarme del todo, por vencerme irremediablemente.

La puntilla llegará al final, claro, tanto como con los dos siguientes temas nuevos, «See the light of freedom» y «Whatever it takes (raise our hands)» como con las nuevas versiones de «Deep Afection» y «Everlasting», que agradarán tanto al fan acérrimo que las conociera ya como a quien se acerque de nuevas a esta enorme banda.

Por tanto, es imposible acabar estos 58 minutos de música (sí, es un EP…) y no darle de nuevo al play de forma compulsiva. Todos los elementos que han hecho grandes a Galneryus no solo están ahí, sino que siguen desarrollándose, afianzándose y conjuntándose a la perfección una vez más: velocidad endiablada tanto en la base rítmica (donde debuta el descomunal Lea a la batería, por cierto) como, sobre todo, en esa dupla Syu-Yuhki, guitarra y teclado, las dos almas del grupo, cuyo talento no parece tener fin, épica y, por supuesto, esa pátina de tragedia y dramatismo que desprende cada composición y que hace las delicias de aquellos que disfrutamos con lo teatral, lo orquestal, lo grandilocuente.

Por cierto, no voy a despedir esta breve reseña sin contestar las preguntas lanzadas anteriormente: no solo el primer tema del EP ha acabado enamorándome sino que se ha convertido en mi favorito del álbum y se ha colado en el top 10 de mis canciones preferidas de la banda. ¡Qué barbaridad!

Así pues, cuando despierto del éxtasis, cuando logro deshacerme de ese hechizo, ese encantamiento que lanzan -siempre certeramente- sobre mí estos genios de la música, no solo no me siento traicionado sino que me siento, una vez más, agradecido de que sigan creando un metal de tantísimo nivel. Por ello, antes de pulsar ‘play’ de nuevo, solo me queda decir: Galneryus han lanzado un nuevo trabajo. Todos en pie.

Dani Ruiz

TEMPLE BALLS
‘PYROMIDE’
Frontiers Records

La vida se fundamenta, esencialmente, en las casualidades. Lo casual suele traernos lo bueno, y lo malo, que afrontamos día a día, aunque no queramos reconocerlo.
Y en el mundo del rock y el metal, esta regla inamovible también rige; solo cabe pensar en cuántas bandas y cuántas canciones hemos escuchado por pura casualidad. De hecho, aún recuerdo cómo una buena amiga descubrió a Iron Maiden tras encontrarse, hace años, un colgante de Bruce Dickinson tirado en el suelo. Alguien perdió un pequeño objeto, pero ella descubrió un inabarcable universo de heavy metal.

Pues bien, algo así -desde un punto de vista digital- me sucedió a mí hace relativamente poco con estos fantásticos Temple Balls. Un click allí, un vídeo allá y… boom. Tenía delante de la cara el primer single del álbum que hoy nos ocupa: ‘Pyromide‘. Y sí, fue un flechazo. Amor a primera escucha.

No obstante, el tema que abre el disco, y efectivamente ese primer single, es 100% definitorio, no solo del propio trabajo sino de la banda. Y es que nunca un título dijo tanto con tan poco. «Thunder from the North» es, casi literalmente, lo que nos vamos a encontrar en ‘Pyromide’.
Y es que este (casi) ínclito quinteto de Oulu, Finlandia, es eso: un trueno convertido en hard rock. Una descarga eléctrica de pura energía que te pone las pilas en cuanto te acercas.
Lo cierto es que no podemos decir algo que no sea… ¡han dado en el clavo! Por una parte, porque el LP aglutina todos los tópicos que uno puede esperar en un trabajo de hard rock; desde temas cañeros y coreables hasta power ballads de esas que, aunque no estén de moda ni llenen horas y horas de programación en la MTV, seguimos escuchando y echando de menos en la intimidad (confesad).

Por otra, porque la banda pivota en 3 aspectos fundamentales como son unas composiciones de muchos quilates, una interpretación brillante en lo técnico y una actitud y un carisma del más alto nivel.
Curiosamente, Temple Balls lo hacen moviéndose como peces en el agua entre un sonido puramente europeo, que nos puede recordar a bandas como The Poodles o, sobre todo, H.E.A.T. y un aire más que evidente al hard rock estadounidense de los ochenta y los noventa.
Así, vamos a topar con himnos inmediatos como «T.O.T.C.» (acertadísimo segundo single), una de esas canciones pensadas para tocar en directo y corear con el público, temas más pesados y épicos, que se sumergen en la problemática social u odas al hard rock más canalla (que no chabacano) como «Bad, bad, bad» o «Unholy Night».

De todas formas, he de reconocer que, donde creo que el quinteto da en el centro de la diana es en «Heart of a Warrior». Como fan de la saga cinematográfica Rocky no puedo dejar de imaginarme una de esas maravillosas escenas de entrenamiento del bueno del Potro Italiano con este temazo de fondo. ¡Como anillo al dedo!

En definitiva, un álbum sólido, plagado de canciones magníficas, que evocan al hard rock más clásico pero, a la vez, abrazan un sonido limpio, moderno, fresco y ‘europeo’, que entra de primeras y que obliga a la reescucha -y, dicho sea de paso, que invita a escuchar los dos trabajos anteriores de la banda-; Un álbum al que solo le falta no flaquear en los dos temas
finales para convertirse en una auténtica obra maestra. Y con ello no quiero decir que no sea un pedazo de trabajo; ¡Al contrario! Han conseguido un puesto entre mis favoritos del año y, sin duda alguna, se alzará en todos los tops de mejores discos de hard rock de 2021.

Tras Traded Dreams (2017) y Untamed (2019), con este ‘Pyromide’ Temple Balls se han doctorado con honores y se han ganado el derecho a ser tratados de usted en la escena rockera internacional. Así pues, con ustedes…Temple Balls. ¡Todos en pie!

Dani Ruiz

LOVEBITES
GLORY, GLORY TO THE WORLD
Victor

Ah, Japón. Qué tierra, la del Sol Naciente. Una mezcolanza perfecta de tradición y modernidad. De respeto por lo ancestral y, a su vez, feroz vanguardia tecnológica y económica. De una sociedad con claroscuros (algunos, muy oscuros…) que sigue persiguiendo los ideales del honor, de la apariencia, de la exquisitez. De una abrumadora obsesión por la excelencia.
Todo ello se ve reflejado en este quinteto de mujeres de Tokyo que es Lovebites. Solo 5 años de trayectoria como banda han bastado para despertar el interés global (como sucede con otra fantástica banda japonesa contemporánea como es Gyze) del mundo del heavy / power. Y no es para menos.

Tras 3 descomunales álbumes de estudio, el último de ellos ‘Electric Pentagram’, que fue mi favorito de 2020, ahora regresan con un EP de 5 temas titulado ‘Glory, Glory to the World’. ¡Y qué 5 temas!
Ha sido, de hecho, toda una sorpresa. No por la cuestión estilística, claro. Lovebites tienen muy claro qué estilo quieren afianzar y cómo quieren sonar. No, la sorpresa ha venido porque, siendo totalmente honesto, no creí que pudieran tocar aún mejor que en su anterior trabajo. Y lo hacen, vaya si lo hacen.
La sensación que me quedó después de escuchar este ‘Glory, Glory to the World’ por primera vez fue de éxtasis total; pensando en que quizá algún sádico gerifalte de discográfica las había encerrado durante unos meses en un estudio, a pan y agua, hasta que grabaran nuevas canciones, y ellas, ebrias de rabia e ira, hubieran desatado toda su furia en 5 canciones sublimes, rapidísimas, trágicas y punzantes, que mudarán el gesto hasta del más escéptico. ¿Pueden tocar aún más rápido? ¿Pueden aún ser más cañeras? ¿Pueden transmitir aún más energía? ¡Sí, pueden!
Al fin y al cabo, eso es lo que vamos a encontrar en el EP. Las fuerzas de la naturaleza volcadas en forma de un heavy/power metal contundente y melódico pero también agresivo.

Si bien es cierto, en algunas ocasiones he comentado que ‘Electric Pentagram’, siendo un discazo de inicio a fin, era muy heterogéneo en su composición y su sonido. Como si Lovebites mostraran al mundo que son capaces de tocar cualquier cosa. No sucede así en esta ocasión; ‘Glory, Glory to the World’ suena tremendamente homogéneo y compacto. Como decía antes, canalizando un sonido que ya es marca de la casa, reconocible, y unas composiciones nivel cinturón negro. Quizá poniendo la puntilla en «Paranoia», cuyo inicio mataría por firmar cualquier banda actual de thrash metal, y, por supuesto, «Dystopia Symphony», donde encontramos a las Lovebites más reconocibles.

Ritmos endemoniados, guitarras punzantes (y solos a la velocidad de la luz, claro) no exentos de melodía, un teclado omnipresente pero no estomagante, quizá con un punto menos de relevancia que en anteriores discos de la banda, y esa pátina, ese velo de tragedia con el que visten sus temas la mayoría de bandas japonesas. Temas, en definitiva, complejos, largos -casi 6 minutos de media-, en los que batallan esa fuerza y esa melodía de las que hablábamos.
Y es que, a pesar de que Lovebites cantan al optimismo y sus letras suelen ser luminosas y vitalistas, siempre da la sensación de que, de fondo, lo que escuchamos son tormentas, truenos, lluvia incesante. Luz y oscuridad confluyendo a golpe de heavy metal.
No obstante, el quinteto se hace fuerte, por una parte, en la inconmensurable dupla que forman Miyako y Midori a las 6 cuerdas -al nivel de cualquier guitarrista que se os venga a la mente- y, claro, en una Asami que canta mejor cada vez que se pone delante del micro.
Reconozco que, siendo fan irredento desde la primera vez que la escuché, actualmente canta mucho mejor, sabe contenerse donde antes se limitaba a chillar (y puede chillar mucho) con esas notas agudas inherentes a las vocalistas japonesas, que se quedan al borde de provocar algún que otro derrame en el oído.

Por tanto, a pesar de ser solo 5 temas, recomiendo este EP a cualquier fan de la banda, que quedará, espero, ampliamente satisfecho y, en general, a cualquier aficionado al heavy y power metal, porque encontrará todos los ingredientes necesarios para cocinar un discazo enorme. Ingredientes que pueden venir de mercados “exóticos”, por lo que es hora de levantar la cabeza y empezar a mirar más allá de Europa y EEUU. Japón tiene talento a raudales que ofrecer, y bandas que cada vez son más conscientes de su altísimo nivel y de que no tienen nada que envidiar a los grandes titanes que dominan el universo del metal.
Así pues, solo queda decir Glory, Glory to the World…¡y Gloria a Lovebites!

Dani Ruiz

DURBIN
‘THE BEAST AWAKENS’
Frontiers Music

El nombre del joven James Durbin, aunque aún no sea relevante, empieza a despuntar y ser conocido por más y más gente.
Tras tener un papel destacado en la décima edición del programa American Idol, saltó -brevemente- al primer plano del hard rock, Quiet Riot mediante. Con la legendaria banda cantó dos años (2017-2019) en los que tuvo tiempo de grabar dos lp’s y un directo.
Una vez fuera de la formación de Los Angeles, Durbin -también californiano- ha decidido, seguramente con buen criterio, lanzarse a la piscina en solitario. Dejar de ser una pieza más en una maquinaria ajena, en la cual no es sino un elemento útil y prescindible, y formar un proyecto propio, que se ha condensado en su debut ‘The Beast Awakens’. Veamos, pues, qué hay del chico que maravilló en aquel ya lejano talent show de 2011.

De entrada, cabe destacar que si Durbin ha hecho algo bien ha sido contar con pesos pesados del hard rock para acompañarle en la grabación del álbum. Nada más y nada menos que Barry Sparks (Dokken, Marty Friedman, Yngwie Malmsteen, Vinnie Moore) al bajo y Mike Vanderhule (Y&T) a la batería; además de cameos de peso como Chris Jericho o Phil Demmel (Machine Head). Eso dota de entidad y, por qué no decirlo, notoriedad a un trabajo que, seamos sinceros, genera expectación sin llegar a destacar del todo. Y es que Durbin, lejos de marcar una línea clara, un sonido identificativo, ha creado una mezcolanza, un pastiche más bien, de estilos e influencias que acaba desdibujando un poco el conjunto final.

Además, viendo el aspecto del joven vocalista, los vídeo-clips grabados a modo de promoción o el deje que ha dado, en algunos momentos puntuales, a su interpretación, uno podría llegar a pensar que estamos ante una parodia, ante alguien que no se toma el metal muy en serio y lo utiliza como medio para crear un esperpento sónico con el que hacer que los oyentes se echen unas risas.
Pero no. Tras darle varias escuchas al disco, tenemos claro que esto va muy en serio; vamos a encontrar temas que, de forma notoria, nos van a recordar a los Judas Priest más contundentes, a Rob Rock, a Iron Maiden, a Dio (este caso es exageradamente flagrante en «The Sacred Mountain») o a cualquier banda europea de power metal que se nos pase por la cabeza.
Curiosamente, el propio Durbin aglutina lo mejor y lo peor del disco. Encargado de la composición, las voces y las guitarras, brilla por encima de todo y todos a la hora de cantar (dejando claro que los temas son suyos y, obviamente, están hechos a su medida), permitiendo que su portentosa voz llegue a agudos imposibles, dotando de un carácter muy necesario a cada canción, y flojea de forma manifiesta en las guitarras, que parecen estar ahí casi por obligación, como pidiendo disculpas, en segundo plano o como si -rodeado como está de tanto talento- no quisiera arriesgar lo más mínimo por miedo a fallar y ser señalado con el dedo. Algo casi imperdonable en un trabajo de heavy metal, claro.

No me gustaría llevar a error, sin embargo. The Beast Awakens es un buen disco de puro heavy / power metal, de corte clásico, que contiene un puñado de temas destacables, desde el obvio y predecible pero hímnico «The prince of metal» (reúne todos los clichés que nos encantan a los fans del power metal) hasta el épico cierre, «Rise to Valhalla», que bebe sin complejos, como decía anteriormente, del power del norte de Europa (destacando una melodía central y un solo que hemos escuchado miles de veces en miles de bandas).

Por tanto, siendo franco, creo que el debut de Durbin muestra potencial, aunque no acierte aún en la diana. Queda claro que debe encontrar su sonido, alejarse un poco de la imitación de sus referentes (producto, probablemente, de la mezcla de inexperiencia y corta edad), arriesgar más en las composiciones y las guitarras, tomar el camino de la elegancia y no el cliché más rancio, y dar rienda suelta a una de las mejores voces del panorama actual del heavy metal. Todo no ello, no obstante, no debería deslucir un debut muy disfrutable en términos generales, que deberíamos escuchar sin prejuicios y sin más pretensiones que disfrutar de temas de corte clásico pasados por el filtro del sonido más moderno, y darle una oportunidad a un músico que apunta maneras y que puede darnos muchas alegrías -y mucho dolor cervical- en un futuro próximo.
Apuesto por James Durbin. ¿Y tú?

Dani Ruiz

MICHAEL SCHENKER GROUP
‘INMORTAL’
Nuclear Blast

Michael Schenker es una leyenda. Un rock star 100%. Un genio. Y cuando aparece un nuevo disco bajo un nombre así, puede ser, en muchas ocasiones, un lastre más que una ayuda.
Sin embargo (spoiler), ‘Immortal’ no ha de preocuparse por lastre alguno. ‘Immortal’ es una pieza memorable de puro hard rock, una obra cumbre, un reflejo de la esencia del talento de Schenker y del rock mismo.

Claro está, 11 años de “silencio” son una eternidad, y teníamos muchas ganas de volver a escuchar un álbum editado, precisamente, bajo la bandera de MSG. Y para el retorno (aunque Michael Schenker nunca se fue, obviamente), el guitarrista alemán lo ha hecho todo bien.
De entrada, se ha rodeado de enormes talentos. Algunos, veteranos, veteranísimos en esto del metal, como Ralf Scheepers, Derek Sherinian o Michael Voss y otros, estrellas emergentes, como Ronnie Romero (que, ya sabéis, tiene el don de la ubicuidad).

Pero, ojo, la cuestión no radica solo en contratar buenos músicos, o vocalistas mediáticos, sino en componer canciones que encajen con sus respectivos estilos. Y ahí, el bueno de Schenker ha dado absolutamente en el clavo.
No podemos pasar por alto, ante todo, que nos encontramos ante un disco de hard rock y heavy metal con unas composiciones de muy altos quilates. Y, por qué no decirlo, algo heterogéneo. Creo que los fans reconocerán al Schenker de UFO, al de Scorpions y al del propio MSG. Para todos los gustos.

Lo más destacable, a mi juicio, es que el genio alemán ha reunido en ‘Immortal’ todos y cada
uno de los elementos clave que debe tener un disco de hard / heavy: temas veloces y directos, auténticos himnos coreables, de esos de poner los puños en alto («Drilled to kill», «Knight of the dead»), temas capaces de absorber, como decía anteriormente, la esencia pura del rock, ese ritmo, esa personalidad y ese carisma macarra y canalla que tanto nos gusta («Devil’s daughter», «Come on over» o «The queen of thorns and roses», que parece sacada directamente de, qué sé yo, 1983), una balada -qué digo, un BALADÓN-, edulcorada, pasional y casi mística («After the rain»… hasta el título es tópico; saquen los mecheros), un sonido DESCOMUNAL, potente y agresivo pero limpio y cristalino y, no lo olvidemos, aunque en este caso sea apenas un destello, algo de crítica social / política (de nuevo «Drilled to kill», que abre el trabajo y fue el primer single, es toda una declaración).
Quisiera, también, hacer un aparte para hablar de «Sangria Morte» e «In search of the peace of
mind», que cierran el disco y se desmarcan completamente de las ocho canciones que las preceden. En la primera, el guitarrista, con Joe Lynn Turner -casi declamando, más que cantando- a las voces, apuesta por la épica al más puro estilo Sabaton (por poner un ejemplo actual), con un tema más pesado y menos incisivo, denso y, quizá, demasiado repetitivo. Por contra, en la segunda da rienda suelta a su versión más excéntrica, pseudo-psicodélica, y nos presenta algo que me recordó -disculpen la comparación- a la mítica «Innuendo», de Queen. Para todos los gustos, sí.
No podemos dejar de banda otro aspecto fundamental, que muchas veces pasamos por alto. Es un disco de la banda de Michael Schenker. Los temas son de Michael Schenker. Las guitarras, los solos (¡qué solos!) son de Michael Schenker… pero es capaz de ser humilde, de brillar sin eclipsar; de ceder protagonismo a las canciones, a la música, a quienes le acompañan. A girar la cara al concepto de guitar hero, y poner su clase y su carisma al servicio de esos temas y el resto de músicos, y no al revés. Y eso, no nos engañemos, beneficia el conjunto final.

Así pues, ‘Immortal’ se posiciona como un álbum de hard rock sólido, sin fisuras, repleto de temas que son oro molido, incluidos dos clásicos inmediatos -«Drilled to kill» y «Knight of the dead», que sonarán seguro en directo mientras Schenker siga girando-, con el propio Michael Schenker a su nivel habitual, es decir, estratosférico, en la composición y la ejecución, encajando todas las piezas del puzzle a la perfección y redondeando un LP que, lo digo ya, será de los mejores de 2021, y que contiene todo aquello que hace grande al género y todo lo que un fan quiere escuchar.

Una auténtica maravilla capaz de hacer que quien se acerca a él se emocione, vibre, tenga ganas de menear la cabeza adelante y atrás, hacer cuernos con las manos y disfrutar de la
vibración de las cuerdas y los parches. ¿Y qué es el rock, sino pura pasión?
Gracias, Michael. Lo has vuelto a hacer.

Dani Ruiz

INCURSED
‘BASKAVIGÍN’
Helheim Records

En octubre del pasado año 2020 llegó a mis oídos el primer single de ‘Baskavígin‘, titulado como el propio disco, y me golpeó tan fuerte que lo escuché tres veces seguidas. Y, justo después, solo pude exclamar ¡la hostia puta! O algo así. Al fin y al cabo, no es ningún secreto que soy un devorador de folk metal cinturón negro.

Rápidamente me puse a indagar acerca de Incursed, la banda autora del tema. Banda joven, nueva, reluciente, pensé para mis adentros, a la que pensaba profesar mi amor
absoluto por haber parido ese temazo. Imaginad cuál fue mi sorpresa al comprobar que la banda llevaba diez años en activo y tenía ya cuatro discos a sus espaldas. ¡Y habían escapado a mi radar!
Por supuesto, fui mitigando la espera (‘Baskavígin’ salió a la venta el 5 de febrero de 2021)
devorando todos los trabajos previos, así como los otros dos singles aparecidos («Patxi
Porroi» y «Who Stole my beer») y mi expectación fue creciendo y creciendo.
Ahora, tras haber podido darle unas cuantas escuchas al nuevo álbum, solo puedo decir que, efectivamente, voy a hincar la rodilla en el suelo y, anillo en mano, declararme fan absoluto de los euskaldunes.

Con ‘Baskavígin’ han conseguido aunar con éxito no solo los elementos clave del folk y el viking metal más al uso, sino también pasar del death metal melódico más profundo al heavy e incluso power metal de corte más clásico. Y esa mezcolanza, lejos de sonar ridícula o inconexa, da en el clavo tema tras tema.
Como decía, cabe destacar que el disco viaja desde temas como el propio «Baskavígin» (basado en una historia -real- tan fantástica como increíble), «Eusko Troll Label», «Patxi Porroi» o «Souls of fire», enraizados en el folk / viking más puro, ése que hemos escuchado y disfrutado de mano de bandas del norte de Europa, generalmente, hasta los más festivos «Who Stole my beer» o «Into the curse» -que nadie se preocupe, nada que ver con bandas como Korpiklaani-, pasando por la épica más heavymetalera que, en lo personal, consigue ponerme el vello de punta, encarnada en auténticos himnos como «The Black Hunter» o «Paganauts» (mi tema favorito del disco).

Y me alegra, la verdad. Me alegra esa mezcla, me alegra que se perciban todas esas influencias -no obstante, varios de sus miembros pertenecen también a bandas de heavy y power metal- y me alegra que sigan surgiendo bandas que se adentren en el folklore y la épica en un territorio donde, desde luego, aún no abundan.
Más teniendo en cuenta el nivel espectacular que muestra el quinteto actualmente afincado en Bilbao, y formado en su mayoría por músicos con un bagaje de muchos quilates.
Aún siendo injusto, también me gustaría destacar el juego de voces, rasgadas, limpias y
cavernosas, que se reparten entre Lander, Jones y Jonkol, y que me traen reminiscencias de Vintersorg a Dan Swanö o Martin Akesson. Sencillamente espectacular.

Así pues, no puedo más que recomendar un disco que me ha calado hasta lo más profundo y que, salvo sorpresa mayúscula, se colará en mi top 10 de 2021.
Además, creo que, más allá de a los fans del folk / viking, puede enganchar tanto a aquellos que disfruten con el death metal melódico y también, por qué no decirlo, con la épica del heavy metal que no rehuyan voces rasgadas.
Vamos a escuchar hablar mucho de Incursed, amigos y amigas; y ojalá podamos verlos presentar este ‘Baskavígin’ en directo muy pronto.

Hostia puta. O algo así.

Dani Ruiz

https://www.youtube.com/watch?v=m5DTCA-C-1Y

https://www.youtube.com/watch?v=LZfd5CgTfxo

https://www.youtube.com/watch?v=UcMsX0CELCw

https://www.youtube.com/watch?v=8MYRF4n7RYQ

https://www.youtube.com/watch?v=PJLOuzc9IwE

ROSS THE BOSS
‘BORN OF FIRE’
AFM Records

Siendo totalmente honesto, el disco que tengo hoy entre manos podría resumirse en cuatro simples palabras: heavy metal y punto.
Pero no estamos hablando de un músico cualquiera, ni de una banda cualquiera, ni de un disco cualquiera, ni de un legado cualquiera. Estamos hablando del jefe. Del puto jefe, de hecho. De Ross The Boss.

Y Ross The Boss, como banda, son YA y desde hace unos años, un espejo en el que los músicos que quieran hacer heavy metal de verdad deberían mirarse. Un cuarteto tremendo, que rebosa talento, claro, pero sobre todo dos aspectos que, para mí, son más fundamentales aún: actitud y carisma. ¿Qué tenemos cuando aunamos talento, actitud y carisma? Un discazo como este ‘Born of Fire‘, cuarto de la banda, que recoge la estela del espectacular ‘By blood sworn’ de hace un par de años y la lleva más allá si cabe.

Claro está que editar un trabajo como banda novel o como banda (o músico) consagrada es diferente a varios niveles; especialmente, por las expectativas. Las mías estaban altísimas, no voy a negarlo. Si, además, tienes la sombra de una obra como ‘By blood sworn’, la presión de hacerlo bien crece exponencialmente. Así pues, Ross the Boss han hecho lo que se debe hacer. Por una parte, mantener la línea firme de aquello que mejor saben componer y tocar y que saben que encanta a sus fans. Por otra, empezar ‘Born of Fire’ con toda una declaración de intenciones; una patada en la boca de las que te quitan el sentido durante varios minutos. «Glory to the Slain», el tema de apertura, te pone en tu sitio rápidamente y te deja claro qué te vas a encontrar de ahí en adelante. Además, genera esa sensación maravillosa que no sucede muy a menudo… te descubres a ti mismo, en la primera escucha, moviendo el cuello, el pie, el puño, y deseando tomar más de eso que te están ofreciendo… y que te está encantando.

Así discurre el disco. Temas densos, pesados y potentes (al loro con «The blackest heart») se entrelazan con auténticos mandobles sónicos, veloces e hirientes (a mi juicio, donde más destacan tanto la banda como el álbum); siendo la sección central -compuesta por «I am the sword», «Shotgun Evolution», «Born of Fire» y «Godkiller»- una maravilla, una descomunal oda al true heavy metal, ejecutada a la perfección y (tengo debilidad por las voces portentosas) con un Marc Lopes que se sale. Se sale del altavoz, el auricular, la pantalla… se sale de las tablas, se sale de la puta estratosfera impregnando su voz con una garra y una fuerza casi imposibles de describir.
Lo cierto es que he disfrutado el disco al 100% y no he encontrado altibajo alguno en las emociones que me ha transmitido. No he encontrado canciones que quiera pasar, ni me he aburrido con ninguno de los doce cortes. El chute de heavy en sangre que nos ofrece Ross the Boss es de 98 octanos y hace que quieras más y más cada vez.

‘Born of Fire’ es continuísta, sí. No innova (¡¿para qué!?), aunque realmente no creo que nadie busque una fórmula novedosa en una banda como esta ni en un disco como este. He escrito varias veces que no tengo problema alguno con que un grupo mantenga un estilo inamovible en sus trabajos si estos mantienen también la frescura y la calidad. Y, en este caso, así es. Pura potencia. Pura actitud. Puro carácter.
Estamos ante uno de los discos del año; una bofetada que, además, grita de fondo una sentencia que resuena alto y claro: Si no te gusta Ross the Boss, no te gusta el heavy metal. Y punto.

Dani Ruiz