SMITH/KOTZEN
‘Smith/Kotzen’
BMG

A veces, las uniones en el mundo de la música se producen de la manera más insospechada. Es habitual ver como las carreras musicales confluyen en un mismo río y acaban formándose esos supergrupos que acaban por desaparecer bajo el mal de las agendas incompatibles. En el caso de nuestros protagonistas, su unión resulta sorprendente. Sí, ya se que a priori ambos músicos podrían tener más puntos de conexión que cualquiera de los duetos con los que Montserrat Caballé ofreció en su disco (muy destacables los temas junto a Bruce Dickinson o Steve Lee), pero aun así se hace extraño que ambos mundos se junten. Fue la esposa de Adrian Smith la que convenció al guitarrista para ver uno de los conciertos de Kotzen, tras el cual se conocieron entre bambalinas para descubrir que tenían muchas más cosas en común en la música de lo que pensaban. Ambas parejas se hicieron amigas y cada vez que quedaban la noche terminaba con alguna jam por parte de los dos guitarristas. Poco a poco, ambos músicos fueron dejándose llevar por la inspiración y decidieron aprovechar un hueco en sus agendas para emprender el proyecto de un disco conjunto. Las redes sociales mostraban sólo como los cuatro pasaban unos días de relax y asueto en las Bahamas, pero en realidad lo que allí se estaba gestando es el disco que ahora tenemos en nuestras manos. De aquellas sesiones surgieron casi todos los temas que lo componen, ya que “Running” es fruto de una de esas jams previas, dejando el trabajo de mezcla a un primera espada como Kevin Shirley.

La primera sensación que tienes cuando se confirma una noticia así te lleva a pensar en qué tipo de disco puede salir de una unión así. ¿Seguirá una línea más heavy clásica? ¿Harán un disco de raíces basado en sus influencias? ¿O quizás aprovechen para experimentar nuevas sonoridades? El resultado está más cerca de responder a la segunda pregunta que de las otras dos. Imagino que por un lado Adrian ya tiene a Maiden para componer en esa línea más clásica y proyectos como Primal Rock Rebellion para esas nuevas sonoridades. Y lo mismo sucede con Kotzen y su amplia discografía. Y a nivel musical… ¿Sería Kotzen la única voz cantante?¿O quizás harán un disco instrumental? Con su primer single de presentación fueron capaces de responder a todas las preguntas.

“Taking My Chances”, tema con el que abren el disco, muestra un equilibrio entre las dos diferenciadas técnicas de guitarra y la sorpresa de escuchar cantar a ambos, repartiéndose
equitativamente la parte vocal, un protagonismo que no esperaba por parte de Smith, al que no oíamos cantar (más allá de los coros en los temas de Maiden) desde ASAP. Ambos muestran en cada tema un excelente estado de forma en la voz, en la que Adrian ofrece un registro más grave y roto que contrasta y empasta a la perfección con los agudos tonos de Kotzen. Y con las guitarras pasa lo mismo, han sabido combinar ambos estilos sin pisarse ni quedar uno por encima de otro como se demuestra en el solo de este tema. La mano de Adrian Smith se nota en el riff inicial de “Running”, con una batería pesada y machacona que pasa de la oscuridad inicial a un estribillo que rompe el tema abriéndolo y que realmente da la sensación de ser una carrera que desemboca en una nueva muestra de técnica compartida en el solo iniciado de nuevo por Smith y rematado por Kotzen. La salida del tema deja constancia del feeling y el buen gusto de las guitarras de Smith en un final muy interesante. Si con estos dos temas no te han acabado de convencer, es probable que “Scars” lo haga. Su introducción nos evoca a algunos pasajes acústicos de los últimos trabajos de Maiden para ofrecer un poderoso blues rock que recuerda a los mejores temas de Joe Bonamassa tranquilamente. La travesía por este desierto musical, pesado y polvoriento, destaca por la voz desgarradora de Kotzen y las lacrimógenas guitarras de Smith, y como en los grandes westerns clásicos nos conduce hasta un duelo entre ambos guitarristas en el que se van sucediendo unos fraseos que se van diluyendo a medida que
vamos cabalgando en dirección a la puesta de sol. Y nos lleva hasta los terrenos mas próximos al funky de “Some People” en la que no desentonaría Glenn Hughes. De hecho hay algo de este tema que me lleva a los Deep Purple de “Come Taste The Band”. Este tema representa un ligero alto en el camino, en el que junto a “Glory Road” bajan un poco las revoluciones ofreciendo una muestra de lo que el sticker de la portada anuncia que te vas a encontrar en el interior, rock clásico claramente inspirado en los 70’s, ya que los ecos de Free o Bad Company e incluso un pequeño recuerdo al “Come Together” de The Beatles se dejan escuchar en ella.

Los que hayan seguido la carrera en solitario de Kotzen sabrán que es propenso a grabar todas las partes de los temas, así que cuando uno lee los créditos comprende que haya esta variación en el groove de “Solar Fire”, ya que es nada más y menos que Nicko McBrain el que se encarga de los parches en un tema en el que se dan la mano la Creedence Clearwater y Deep Purple para ofrecernos una poderosa muestra de lo que son capaces dos (o tres) monstruos de la música como estos. Pero Nicko no es el único baterista invitado a la fiesta. Tal Bergman, un viejo conocido de Kotzen, coge las baquetas a partir de aquí para los últimos temas del disco, y lo hace para llevar el ritmo de uno de los destacados del disco. “You Don’t Know Me”, un oscuro y pesado tema, con cierto regusto a las composiciones de Smith con Bruce Dickinson en sus discos en solitario, en el que Kotzen saca sus mejores registros de voz para hacernos recordar al mejor Cornell y en el que durante siete minutos fluye hasta la catarsis de un duelo final de guitarras de dos minutos en el que podrían haber estado hasta el amanecer tranquilamente. Con “I Wanna Stay” nos acercamos al final con este medio tiempo evocando la imagen de dos viejos amigos que conversan en el porche de su casa sobre algún viejo amor. Una canción que habría funcionado mucho mejor como cierre del disco, pero ellos han decidido que los rasgos arabescos Zeppelianos de “‘Til Tomorrow” sean los que rematen este trabajo.

Un disco que resulta una grata sorpresa, cuyo primer gran acierto es dejar que un tema como “Taking My Chances” lo inicie con una melodía completamente adictiva y un estribillo sencillo pero efectivo. El segundo es sacar a Smith del hábitat musical al que tiene acostumbrado a la mayoría para acercarse a los registros y sonoridad de Kotzen, que es quien ligeramente se lleva el conjunto del disco a su terreno en esta pequeña obra de orfebrería musical que ambos guitarristas nos ofrecen y que genera ciertas ganas de escucharlo en bucle. Ojalá no se quede en única y hayan nuevas entregas y, si es posible, podamos disfrutar de alguna fecha de presentación en directo.

Maese Leiva

STEVEN WILSON
‘THE FUTURE BITES’
Caroline Records

Han pasado treinta años desde que Porcupine Tree publicara su primer disco. Treinta años de una evolución constante en la música que Steven Wilson ha ido creando hasta llegar al reciente ‘The Future Bites’. Un trabajo que tiene tantas posibilidades de gustar como de provocar una calvicie provocada por los tirones de pelo al escuchar este giro evolutivo hacia la música electrónica. Pero… ¿es realmente un cambio tan radical?

Cuenta la leyenda, bueno y el propio Wilson, que antes de que Porcupine Tree apareciera, él hacía música electrónica. Así que en realidad este nuevo trabajo casi podría considerarse una vuelta a los orígenes. Pero más allá de la anécdota, lo interesante es comprobar si ‘The Future Bites’ supone un cambio tan radical. Que Wilson es un enamorado de la música ha quedado claro durante su carrera en cada una de las facetas posibles, ya sea como compositor, productor, ingeniero de sonido o con las múltiples y variadas remezclas que ha ido confeccionando en los últimos años. Así que partiendo de esa base, lo que está claro es que en ‘The Future Bites’ no hay puntada sin hilo.

El disco se inicia con la dupla “Self” / “Unself”. La primera es una breve introducción para la segunda en la que la guitarra tiene una de las pocas apariciones claras de todo el disco. Tomada como una única canción podría, en cierto modo, recordar a la estructura de “Space Oddity” de Bowie, en la que “Self” ocuparía el espacio de esa introducción antes del lanzamiento de Major Tom a explorar un espacio que bien podría representar “Unself”. Ésta muestra el camino sonoro al que Wilson nos invita, en este presente con tintes distópicos sobre cómo las redes sociales y la tecnología están acelerando a demasiada velocidad los matices de las relaciones sociales. No deja de ser curioso que en un tema como este uno pueda apreciar ciertos matices de “Fame” de David Bowie en el retrogusto de nuevo, en la que ambas coinciden en concepto pero adaptado a la actualidad.
“King Ghost” es uno de los temas que ha ido dejando escuchar durante el tiempo en que el disco ha visto su fecha retrasada. Y si en ‘To The Bone’ el pop de los ochenta tenía un especial protagonismo, los aires electrónicos de la época toman el relevo y filtran entre sus compases recuerdos a Tangerine Dream, como en este caso, o a Kraftwerk. De hecho estos dos temas no están tan lejos de “Song Of I” de ese mismo disco. En “12 Things I Forgot” los seguidores de Wilson se reencuentran con el de anteriores trabajos y ofrece una sencilla pero efectiva balada con un estribillo tan pegadizo como chicle. Un soplo de aire fresco dentro del universo artificial que Wilson ha creado, un tema emocional dentro de la frialdad de las modernas relaciones.
“Eminent Sleaze” crece sobre la base de un simple aplauso, convirtiéndose en un tema de aires funky donde Prince se mezcla con The Temptations y un estribillo que recuerda a los The Beach Boys de ‘Kokomo’ (sí, ya se que no es el mejor trabajo de los californianos pero el oído lleva hasta allí) y en el que uno puede encontrar en ese solo de guitarra un punto de Robert Fripp en el tema “Fashion”. Otra vez aparece el duque blanco y con otro tema ahondando en esta sensación de “Sin likes no eres nadie”. La sombra de ‘To The Bone’ vuelve a planear para acercarnos a los ambientes a los que Wilson nos tiene más acostumbrados cuando escuchamos “Man Of The People” con un estilo más bien floydiano, pero rápidamente vuelve a la senda marcada de la electrónica en cuanto “Personal Shopper” entra en escena. Este fue el primer tema que salió a la luz del disco y el que hizo saltar las alarmas entre los seguidores de los sonidos más rockeros. Sintetizadores, beats sacados de los ochenta, coros femeninos… pero el bajo y la manera en que camina durante todo el tema hace que acabes entrando en el tema, tanto que los nueve minutos de duración no se hacen para nada largos. Todo eso, acompañado de un puente que los oídos mas rockeros podrían relacionar con Ghost tranquilamente, hacen de este tema uno de los cortes más interesantes del disco y el que mejor explica el concepto global del trabajo, que queda muy claro con el videoclip que le acompaña. Como curiosidad, la profunda voz narradora de la parte central no es otra que la de Sir Elton John.
“Follower” se presenta como una ligera subida en las pulsaciones, una especie de carrera de fondo desesperada que representa de manera musical el estrés que para muchos supone conseguir tener muchos seguidores.
Cierra el disco “Count Of Unease”, un tema tranquilo de despedida, algo habitual en los últimos trabajos de Wilson, una especie de canto al relax, al salir de toda esa vorágine creada por extraños algoritmos que deciden qué es o no de interés para nosotros.

Como a todo en esta vida, el tiempo pondrá en su sitio a este trabajo. Reconozco que la primera escucha del mismo puede llegar a ser chocante, y quizás hasta decepcionante, pero no son necesarias muchas oportunidades para poder apreciar algunos de los muchos detalles que esconden sus canciones. Cierto es que es difícil que desbanque a discos como ‘The Raven…’ o ‘Hand.Cannot.Erase’ en la lista, pero ‘The Future Bites’ es un buen disco en el que, para bien o para mal, sus cuarenta minutos de duración lo hacen perfecto para no cansarse de esos toques electrónicos en caso de no convencerte. Y si te ha gustado y quieres más, en su edición de luxe, además de versiones extendidas, puedes escuchar varios temas extra, de los que alguno podría haberse incorporado al equipo titular como por ejemplo “Move Like a Fever”, en la que añade al frasco de las inspiraciones a los Depeche Mode de la primera época, o “Wave The White Flag”, que se aleja ligeramente del concepto del disco pero nos acerca al Wilson de los últimos discos. Si ‘To The Bone’ era un homenaje al pop-rock de los 70-80 y recordaba a Tears For Fears, Peter Gabriel o incluso ABBA, en ‘The Future Bites’ la música electrónica de los 80 toma el relevo.

Quién sabe qué es lo que puede pasar por la cabeza de Wilson para preparar su próximo disco, si volverán las oscuras guitarras en nuestros tocadiscos a girar. De momento, se puede disfrutar de los beats, de los tintes de música electrónica, y si necesitas más caña, cada uno que tire de lo que tenga en las estanterías, es simplemente cuestión de encontrar un momento para cada música.

Maese Leiva

Pese a la difícil situación que estamos viviendo sigue habiendo bandas dispuestas a publicar nuevo material e incluso aventurarse a vivir la experiencia de tocar en directo en esta «nueva normalidad». Este es el caso Pinball Wizard que recientemente publicaban su nuevo EP «Make The Millenials Great Again». Para conocerles, saber de sus inquietudes, sus influencias y sus inminentes planes de futuro de cara a los próximos meses Rockeandobcn y Empire se pusieron en contacto con su vocalista Memphis.

Por Alfonso Díaz (reseña en colaboración con www.rockeandobcn.com)

EMPIRE MAGAZINR (EM): Buenas tardes Chicos, primero que nada me gustaría felicitaros por la edición de vuestro nuevo E.P. “Make The Millennials Great Again”. Pero antes de empezar a conversar sobre los nuevos temas y vuestros próximos planes me gustaría saber ¿Qué tal estáis y como estáis llevando todo el asunto de la pandemia y la cuarentena?
MEMPHIS (M): ¡Hola, aquí Memphis! Un placer estar con vosotros. Estamos bien dentro de lo que cabe, gracias, esperamos que vosotros también. La pandemia la estamos sobrellevando al igual que hicimos con la cuarentena, no podemos quejarnos, hemos sacado disco nuevo y hemos dado algunos conciertos, nos sentimos incluso privilegiados dentro de las circunstancias por como está el panorama.

EM: Aunque lleváis varios años en activo, hay bastante gente que todavía no os conoce. Así que os parece si para empezar nos hacéis un breve resumen de lo que ha sido la trayectoria de la banda hasta el momento.
M: Claro, encantada. Pinball Wizard fue fundada en 2007 por Joey DeadCat, guitarrista de la formación. Desde entonces, se han sacado varios trabajos discográficos que comenzaron en 2008 con el estreno de ‘Let My Head Fly’ y ‘Rock And Roll Ladies’. A continuación, hubo un amplio periodo de inactividad porque la formación cambió. Cuando entré en 2014, la banda se puso de nuevo en marcha y lanzamos en 2015 dos sencillos como antesala de nuestro LP que vio la luz en 2017 y lleva por nombre ‘Shout It Out and Break the Sound’. Con él tuvimos la oportunidad de realizar dos giras nacionales con las bandas The Quireboys y Thundermother, entre muchos otros conciertos y festivales.
En 2019 sacamos nuestro primer videoclip con el tema “The New Generation” y en septiembre de 2020 estrenamos el EP que actualmente estamos presentando, ‘Make Millennials Great Again’.

EM: Sino me equivoco el núcleo de la banda lleva estable desde hace bastante tiempo, pero creo que habéis ido probando con varios baterías a lo largo de este tiempo. ¿Creéis que por fin habéis conseguido alcanzar la estabilidad que todo grupo necesita para afianzarse?
M: Esperamos que sí (risas). En Pinball hemos sufrido varios cambios de formación, es algo inevitable, no para todo el mundo la prioridad es la música y surgen circunstancias que hacen que las cosas cambien (estudios, trabajos…) pero la incorporación de David Gatica al bajo y de Álvaro León a la batería nos ha hecho sentir casi una banda nueva, nos ha consolidado y afianzado como bien dices.

EM: Personalmente he de reconocer que hasta que no llegó a mis manos este Ep no os había escuchado. En cualquier caso, he intentado hacer los deberes. Así que además de escuchar en profundidad “Make The Millennials Great Again”, también he pegado una escucha a vuestros anteriores lanzamientos, y creo sinceramente que la evolución en vuestro sonido es bastante acusada. ¿Cuáles describirías como las principales diferencias entre este nuevo trabajo y vuestro anterior material”?
M: En los trabajos anteriores, excluyendo al single “The New Generation”, teníamos unas influencias hardrockeras muy marcadas y seguimos esa estela fuertemente, no solo a nivel musical sino también en las letras, podríamos decir que no éramos fieles a nosotros sino a un estilo que nos encantaba hacer.
Con el paso del tiempo nuestra mentalidad ha cambiado y fuimos conscientes de que teníamos que aportar más de nosotros, de quienes somos y qué sentimos, así que abrimos nuestras miras, no nos pusimos límites y mezclamos nuestro sonido clásico con ritmos latinos, sintetizadores industriales, efectos, instrumentos que anteriormente no hemos usado… y hablamos de lo que nos pasaba.

EM: Otro detalle que me ha llamado la atención, es el titulo y la simbología de la portada del EP ¿Qué habéis querido plasmar en ella?
M: El nombre nace de un eslogan muy famoso transformado a modo de sorna. Nosotros somos “Millennials”, nos han denominado así y nuestra generación está jodida, hemos nacido en una época complicada, las cosas como son, pero eso no significa que no tengamos nada que decir. Reivindicamos una nueva forma de afrontar la realidad bailando sobre nuestras peores pesadillas y estas, están contadas en nuestras canciones, representadas en la portada. Por ejemplo, “We Will Burn” son las llamas o “I’mYour Crush” el corazón sobre el que se encuentra el águila de su centro. Todos estos elementos se encuentran en las Marismas del Guadalquivir (se ven en el fondo), que es de donde venimos y los colores cálidos representan el sur.

EM: Particularmente creo que los temas de este nuevo EP tienen un punto más contemporáneo, aunque sin perder en ningún momento la influencia clásica de vuestro sonido.
M: Totalmente, al fin y al cabo vivimos en el siglo XXI y hay que abanderar las nuevas posibilidades que tenemos para hacer música y explorar otros terrenos.

EM: Además también me ha dado la sensación de que habéis intentado explorar otros terrenos dentro del hard rock. Por ejemplo me ha llamado mucho la atención ese toque “latino” que tiene “Blah Blah Blah”.
M: (Risas) ¡Qué maravilla que lo hayas visto! En trabajos anteriores hubiéramos desechado directamente ese tema pero a día de hoy nos aventuramos a hacer de todo. Un día llego Joey al local con el riff principal, le salió después de estar estudiando ritmos latinos y tenía tanto rollo que comenzamos a desarrollarlo.

EM: En cambio vuestras raíces más sureñas quizás las podemos apreciar en “Crazy Horse” y “I ́m Your Crush”…
M: ¡Por supuesto! Nos flipa la música sureña. “Crazy Horse” quizás es el tema más clásico, mi favorito del EP sin duda, me encanta el soul y tiene mucha reminiscencia, especialmente en los coros. “I’m Your Crush” tiene ese riff potente que no se te quita de la cabeza, un solo espectacular y un final psicodélico como antesala de “Magic Tree”

EM: Tampoco habéis querido dejar de lado las pinceladas de corte psicodélico en “Magic Tree”, con unos teclados de lo más envolventes y sugerentes.
M: ¡Por supuesto! ¡Nos alegramos que te guste! Además se estrena Joey a la voz y David a los teclados.

EM: Como carta de presentación de “Make Millennials Great Again” optasteis por “We Will Burn”, ¿Por qué elegisteis este tema en concreto?
M: Elegimos “We Will Burn” como single porque recoge parte de las innovaciones musicales que hemos incluido en este nuevo trabajo y una fuerza descomunal. Desde que lo compusimos pensamos que tenía carne de single por su batería disco, estribillo machacón y el solo de guitarra ¡Nos volvió absolutamente locos! Tanto que lo estrenamos en un festival y había compuesto la letra dos días antes, la tocamos sin ser la letra definitiva incluso (risas).

EM: Como veníamos hablando en “Make Millennials Great Again” es un trabajo de tan solo cinco temas, pero en el que abarcáis diferentes estilos dentro del rock. Así que me gustaría saber ¿cual es vuestro tema favorito y porque?
M: El mío ya te lo he dicho antes (risas) pero es difícil elegir uno porque los vemos tan dispares que parece que tienen personalidad propia casi.

EM: Cada vez resulta más habitual que las bandas confíen en el formato EP a la hora de presentar sus trabajos. En vuestro caso ¿porque apostasteis por este formato?
M: Primeramente porque el público de hoy en día ha cambiado. Vivimos en la sociedad de las prisas y pocos somos los que escuchamos un disco completo, hemos podido observarlo en las escuchas de nuestros trabajos anteriores. Por otra parte, también ha sido por el nuevo camino que hemos elegido, queríamos ver cómo cuajaba.

EM: ¿Qué objetivos os habéis fijado de cara a la edición de este “Make The Millennials Great Again?
M: Afianzarnos en la escena musical del país, poder acceder a los grandes festivales del mismo (aunque ahora está la cosa complicada) y poder dar el salto a Europa.

EM: En el pasado habéis tenido ocasión de abrir para bandas importantes como Thundermother o The Quireboys ¿Qué tal resultó la experiencia?
M: Increíble, aprendimos muchísimo en todos los aspectos, especialmente cómo estar en un escenario, cómo dar un show y la dinámica que debe tener. Son bandas que admiramos, con un gran recorrido y han estado en los festivales más importantes, son grandes maestras de cómo hacer rock ‘n’ roll.

EM: Sino me equivoco otra de las actuaciones importantes en vuestra trayectoria fue la final en Barcelona de la Royal Battle de WOA….
M: Si, uno de los momentos más felices que ha vivido esta banda, una gran experiencia cargada de aventuras. No llegamos a Alemania pero conocimos a gente maravillosa, nos dimos un viaje para recordar a Barcelona y nos pasó de todo (risas).

EM: Pese a lo difícil que está en este momento tocar en directo teníais previsto presentaros en Vitoria, Madrid y Sevilla ¿Cómo fueron esos conciertos en la llamada «nueva normalidad»?
M: Vitoria y Madrid fueron estupendamente. Muy contentos con la acogida del público pues no sabíamos hasta qué punto podrían concebir un conciertos sentados y con mascarilla, pero se respetaron las medidas de seguridad y pudimos ofrecer nuestro show sin ningún problema, además lo disfrutamos como nadie.

EM: Y en cuanto al resto del país ¿Tenéis previstas más fechas para presentar en directo “Make Millennials Great Again”?
M: Sí, el sábado 14 de noviembre estaremos en Bilbao, en la Sala Santana 27 junto a la banda Indrid y el 28 de noviembre en la Sala X de Sevilla donde contaremos con colaboraciones especiales. Ambas fechas las esperamos con muchas ganas al igual que la gira nacional prevista para febrero de 2021 con VA Rocks, ojalá podamos realizarla.

EM: Ya para ir terminando me gustaría que nos hablarais un poco de cómo veis vosotros la escena andaluza, y a nivel nacional.
M: En Andalucía tenemos una buena cantera de bandas dentro de la escena rock/metal con una calidad espectacular, pero lo cierto es que el público no es muy amplio y carecemos de oportunidades para salir de la denominación “banda emergente”. Otras comunidades de la península, aunque también lo tienen complicado, poseen más apoyo no solo procedente del público sino de los poderes políticos y de las salas consiguiendo un mayor resultado. Por ejemplo, en el País Vasco han estado dando subvenciones a las salas para realizar conciertos y que no tengan que cerrar, en el sur no tenemos ni una sala abierta.

EM: ¿Algún último mensaje para vuestros seguidores?
M: Muchísimas gracias por leernos, por apoyarnos y por estar ahí. Esperamos poder volver a los escenarios y disfrutar con vosotros.

EM: Pues por mi parte es todo simplemente agradeceros vuestro tiempo, desearos muchas suerte, y que ojala pronto tenga la ocasión de veros en directo. Un abrazo.
M: Gracias a vosotros por vuestro interés en nuestro nuevo trabajo, por vuestro tiempo y por hacerme pasar un rato estupendo. ¡Nos vemos pronto en la carretera! Un fuerte abrazo.

Majestica están sacuediendo el Power Metal con su fantasía desbordante y con uno de los más talentosos músicos del momento como es Tommy Johansson. La entrevista fue realmente accidentada con múltiples problemas de conexión. Pese a todo pudimos llevarla a cabo y el resultado es el que tienes aquí.
Por Carlos De La Puente

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas tardes Tommy ¿Qué tal estáis tú y tu familia en esta época tan extraña?
TOMMY JOHANSSON (TJ): ¡Buenas Carlos!, la verdad es que estamos todos bien, es un año muy extraño con eso de no salir de gira, todas las cancelaciones y todo lo que está sucediendo en el mundo.

EM: Antes de comenzar, supongo que vuestro nuevo disco A Christmas Carol, tiene relación con el cuento de Charles Dickens. ¿Has visto las películas de Jim Carrey o de los Teleñecos?
TJ: Exactamente. Y he visto todas las versiones, creo que mi favorita es la de los Teleñecos (The Muppets, ndr).

EM: ¿De dónde surgió la idea de realizar un disco en relación a este cuento?
TJ: La verdad es que queríamos hacer algo innovador, siempre hemos visto a bandas que hacen discos conceptuales en torno a algo que les guste, pero nunca entorno a un cuento / historia y como yo soy muy fan del cuento de Charles Dickens, pensamos que podría ser una muy buena idea.

EM: ¿Habéis pensado en hacer algún disco con villancicos en algún momento?
TJ: Esa era nuestra idea al principio pero luego ves a mil bandas realizar villancicos y al final decidimos realizar otra cosa más original. No me malinterpretes, hubiéramos hecho el disco de villancicos pero si realizas una versión del “Jingle Bells” sabes que otras 50 bandas ya la han realizado en su estilo y acaba siendo otra versión más.

EM: Volviendo un poco al disco, ha sido toda una sorpresa para mí. Me ha gustado mucho, pero por ejemplo en “Ghost of Marley”, hay un momento que me recuerda a una escena de
la película de “La Bella y La Bestia”. ¿Ha sido intencionado o simplemente dejáis que la gente
saque sus propias conclusiones?
TJ: Siempre habrá partes que te recuerden a otras cosas, piensa que muchas veces los músicos están inspirados por otras canciones. Puede que te recuerde a Disney por algún caso en especial, de hecho, soy muy fan de Disney y he visto varias veces las películas, así que lo mismo a la hora de componer puede que se me quedara algo en la cabeza.

EM: ¿Os gustaría realizar un disco de algún cuento en concreto? ¿Por qué?
TJ: ¡Ésta es difícil! Puede que de algún cuento sobre el antiguo oeste, la verdad es que me gustan mucho. Puede que también sobre Disney aunque el teclista de Nightwish (Tuomas Holopainen, ndr.) ya hizo eso con el personaje del Tío Gilito (ndr: Scrooge), así que no sé si la gente lo vería bien o mal.

EM: Si tuvierais la oportunidad de crear la BSO de una película, ¿A qué tipo de película le pondríais vuestra música?
TJ: A alguna película de Regreso al Futuro, son mis favoritas.

EM: ¿Hay algún tipo de plan para presentar este disco en directo? ¿Vendréis a España a
interpretarlo?
TJ: La verdad es que no demasiados. Si hiciéramos algo sería a finales de año aunque lo dudo mucho por tal y como están las cosas. Además, ¿te imaginas que tocáramos Ghost of Marley en pleno verano en un Graspop? Sería bastante raro.

EM: Sois de Suecia, como Hamerfall y Sabaton… ¿Cómo creéis que está la escena del Power Metal actualmente?
TJ: Tenemos Sabaton, tenemos Hammerfall y tenemos Majestica. Desafortunadamente no tenemos tanto Power Metal como antes, quizás en un futuro, pero ahora mismo hay otras vertientes que venden mucho más.

STÄLKER
‘BLACK MAJIK TERROR’
Napalm Records

Aunque Stälker no son para nada una formación nueva, ‘Black Majik Terror’ es su segundo largo, me da la impresión de que este trío neozelandés, que ya ha descargado en nuestro país, sigue siendo una de esas gemas que todavía está por descubrir dentro de la gran familia metalera a excepción de los más devotos del estilo que practican: un speed metal salvaje, incendiario, con registros agudos y acometidas aniquiladoras que seguro te traerán al recuerdo nombres míticos y clásicos como Exciter, Venom, Raven o los germanos Vectom. Y es que todo, absolutamente todo, te hace retrotraerte a épocas pasadas, ya que la efectividad de su sobria producción se acabará convirtiendo en el mejor aliado de unas composiciones que suenan directas, explosivas y potentes. Además para acabar de poner la guinda a esta segunda entrega la banda ha apostado por una sugerente portada obra del prestigioso artista americano Bob Eggleton (Benediction, Burning Point, Sinister…).

Tal vez pueda sonar a obviedad, e incluso llegar a caer en la redundancia, pero lo cierto es que en líneas generales las nueve composiciones contenidas en ‘Black Majik Terror’ suenan más veloces, incisivas y amenazantes que las que facturaron en su antecesor ‘Shadow Of The Sword’. Además, el trío ha añadido en esta ocasión una dosis extra de épica, con lo que han conseguido que sus nuevos temas suenen todavía más aniquiladores y adictivos. Y eso queda patente desde la inicial “Of Steel And Fire”, una carrera desatada en la que el trío neozelandés parece no querer hacer prisioneros y esta dispuesto a aniquilar al oyente desde el mismo arranque, invitándole al headbanging en un corte directo y certero que servirá para poner de manifiesto su devoción por la velocidad, los coros, y los fraseos aniquiladores de guitarra.
Seguramente tras degustar el corte de apertura los menos avezados a este estilo habrán tenido suficiente y optarán por pulsar al stop de sus reproductores. Pero para los que adoramos esta forma de metal la fiesta no ha hecho más que comenzar. Un órgano lejano y con tintes fúnebres será el encargado de abrir la pieza que presta título al álbum ‘Black Majik Terror’, sumergiéndonos de lleno en una ambientación propia del heavy metal épico. Pero será tan solo un espejismo porque la maquinaria de Stälker no tardará en ponerse en marcha para hacernos cabalgar propulsados por la dinámica avasalladora de la base rítmica y esos coros que corean una y otra vez el nombre del tema para acabar rematando la jugada con otro de esos gritos ultra-agudos marca de la casa.

La estrecha línea que separa el speed del thrash llega a confundirse en “Sentenced To Death”, y no porque la propuesta de la banda cambie o modifique sustancialmente sus parámetros, sino más bien por el propio título, la temática ocultista de su letra y por el mayor protagonismo de una sección rítmica que en esta ocasión llegará a eclipsar la catártica sucesión de hirientes riffs de Chris Calavrias. Como habrás podido suponer a estas alturas, el sonido de Stälker bebe en gran medida de algunas de las bandas que fueron pioneras de la N.W.O.B.H.M., y es en cortes como el propio “Stalker” en el que el trío deja patente esas influencias.

Será durante “Holocene´s End” cuando la formación de Wellington levante por primera vez el pie del acelerador para sonar más oscura y demoniaca si cabe, dejando que sea el registro más teatral de Daif -recurriendo en varios pasajes a las voces dobladas y sus desquiciantes carcajadas- los que acaben marcando una pieza que destila un aroma ocultista y demoniaco durante su primera mitad para acabar desembocando en una cabalgada repleta de aromas clásicos. Nuevamente volverán a repetir una fórmula similar a lo largo de “Domolition”, con una primera mitad en la ponderarán la velocidad para dejar que una crujiente parte intermedia sirva como reclamo para conectar con el oyente antes de noquearle definitivamente en su salvaje andanada final.

Como buenos discípulos del heavy metal más clásico y añejo tampoco podía faltar esa especie de tributo a Black Sabbath durante los compases iniciales de “The Cross”, en el que bajarán notablemente el nivel de velocidad y la afinación de los instrumentos para posteriormente hacer estallar otra tormenta de watios y velocidad. Con la banda absolutamente desatada y un grito marca de la casa se abre “Iron Genocide”, esta vez apostando por una estructura más lineal y en la que la caña, los contagiosos coros, y el soberano trabajo de Nick Oakes acabarán siendo lo más destacable. El capítulo final para un trabajo cuya escucha pasa volando llegará con “Intruder”, que curiosamente pasa por ser uno de los cortes más pegadizos de todo el plástico, ya que la reiteración de su estribillo y la explosividad de sus riffs lo convierten en un arma segura de cara a los próximos directos de la banda.

No creo que ‘Black Majik Terror’ sea un trabajo en el que pueda haber mucho debate. No pienso que haya medias tintas: o te encanta o lo aborreces. Así que como comenté al principio de la crítica si te gusta el metal ultra-rápido, afilado y deudor del material clásico de la década de los ochenta no debes dejar de escuchar este segundo largo de Stälker, seguro que no te defraudará.

Alfonso Díaz (en colaboración con www.rockeandobcn.com)

Si hay un músico agradable y simpático en el metal ese es, sin duda, Mikael Stanne, el chico de la sonrisa eterna. Los suecos Dark Tranquillity están de actualidad porque esta semana publican su nuevo trabajo, ‘Moment’, con el que confirman su alto nivel compositivo y el momento dulce que viven. Contactamos con Mikael para que nos de algunos detalles sobre ‘Moment’, para hablar de giras y hasta de video juegos.

Por Carlos De La Puente
Foto de directo: Irene Serrano

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas noches Mikael, ¿qué tal llevas este año tan extraño?

MIKAEL STANNE(MS): Estoy bastante bien, esta ya es la última entrevista y hace muy buena noche. La verdad es que es extraño… ¿qué puedo decir? Es bastante duro lidiar con ello, pensar que es lo que puedes hacer… En Suecia las cosas han ido bastante mejor y no hemos tenido que hacer un cierre tan extremo como en otros países pero también he estado bastante ocupado con la banda, con el disco, con la promoción correspondiente…


EM: Vamos a hablar de ‘Moment’, vuestro nuevo lanzamiento. ¿Qué me puedes contar acerca de él? 

MS: Al principio fue algo estresante debido a ‘Atoma’, por un lado queríamos volver a ese trabajo pensando que eso era bueno pero por otro lado queríamos hacer algo mejor. El año pasado ya teníamos la mayoría de las canciones hechas aunque muchas las deshicimos porque poco tenían que ver con nuestra identidad… ya sabes, queríamos hacer algo bastante diferente, evolucionar, así que empezamos a trabajar juntos con Johan y Chris (los guitarristas), ya que ellos tienen una perspectiva diferente a nosotros sobre las canciones y eso nos ayudó bastante a la hora de componer. A la hora de la verdad es algo que llevamos haciendo durante treinta años, pero también contiene elementos nuevos.

EM: Christopher Amott y Johan Reinholdz son vuestros nuevos guitarristas ¿Han aportado algo a la creación de ‘Moment’?

MS: Sí. En el proceso de composición ambos nos ayudaron bastante a la hora de saber por dónde queríamos llevar este disco, si una parte era más dura, si otra parte era más melódica. Estuvieron presentes desde el principio y aportaron mucha frescura al nuevo material, especialmente Johan, que era el que nos traía más ideas y pensábamos que eran interesantes, así que queríamos ver cómo trabajar sobre ellas. Johan ha sido una pieza importante a la hora de componer y Chris ha trabajado en un solo bastante potente. Ha sido un proceso creativo bastante emocionante.

EM: «Phantom Days», «Identical To None» y «The Dark Unbroken» han sido vuestros adelantos ¿Por qué habéis decidido que estas canciones sean singles? 

MS: Bueno… «Phantom Days» fue la elección fácil, es el primer track del disco y tenía mucho sentido. Fue de las primeras canciones que compusimos y la letra habla de esos momentos en los que pierdes a alguien y te sientes mal contigo mismo, a veces la gente no lo comprende pero es algo con lo que tienes que acabar lidiando. Además es lo mismo que veníamos haciendo en los últimos discos, así que pensamos que sería bien recibida… El disco tiene diferentes facetas y ésta representa lo que hemos venido haciendo estos últimos tiempos. Por otro lado, hoy hemos lanzado «The Dark Unbroken» con su correspondiente vídeo, que es otra faceta bastante diferente del resto del trabajo.
«Identical To None» es una de las canciones que más he disfrutado, creo que será de las que acabemos tocando en directo. Es muy intensa y su letra habla de la división, de la exclusión o del rechazo hacia aquello que es diferente sin darnos cuenta de que los humanos no somos iguales y viendo lo que está sucediendo ahora mismo en el mundo pensé que sería una buena manera de dar mi opinión (ndr: aquí se ríe).

EM: Ahora mismo tenéis gente de Arch Enemy y de In Flames ¿Cómo te sentirías en un tour europeo con ambas bandas?

MS: (ndr: aquí se vuelve a reír) Eso sería increíble y la verdad es que no se ha dado el caso anteriormente (recordemos que ya lo hicieron en 1999., ndr.), así que sí, espero que en el futuro lo podamos hacer… quizás en un futuro cercano, no estoy seguro de eso.

EM: Supongo que para cuando acabe el tema del covid, realizaréis la correspondiente gira ¿Habrá fechas en España?

MS: Por supuesto, queremos volver a España, ese es el plan. Creo que nuestro nuevo tour europeo iba a comenzar en Francia y eso iba a ser en Abril del año que viene, pero no creo que eso suceda… Nos estamos concentrando en después del verano si las cosas mejoran, los países abren sus fronteras y la gente está más protegida, seguramente se haga. No puedo esperar a volver a salir de gira y ver a nuestros fans pasarlo bien con nosotros. 



EM: ¿Dónde os gusta actuar más, en festivales o en conciertos propios de gira?

MS: ¡Amo los festivales! Son muy diferentes, a veces son extraños. Por un lado sabes que la mayoría no son tus fans pero por otro, tocar ante audiencias tan grandes te hace tener unos sentimientos de entusiasmo enormes. Hemos tocado ante 20.000 o 50.000 personas y ha sido increíble, pero no es lo mismo que realizar una gira con gente que te presta atención, con la que estableces una conexión, que sabes que va a disfrutar de lo que vas a tocar… Ambos me gustan bastante, la verdad (ndr: se sigue riendo)

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EM: Si tuvierais que tocar en un ambiente distinto al que estáis acostumbrados, ¿dónde os gustaría tocar en directo? 

MS: ¡Ésta es difícil de contestar! A veces desearía tocar en el Roskilde de Dinamarca con más frecuencia, creo que es el festival más grande de esta zona, de hecho, desde aquí no necesitamos volar, simplemente coger un autobús o un tren hacía Dinamarca. Sería increíble ya que en ese festival han tocado Mötley Crüe, Bjork, Evil Dead, Testament, Napalm Death y nosotros tocamos allí el año pasado. Solía ir con más frecuencia cuando tenía dieciséis o diecisiete años y siempre soñé con tocar en ese festival. Es bastante diferente, suele ser más tolerante con la música y está abierto a todo, eso es maravilloso, tocar ante gente que le gusta otros estilos musicales pero las cosas ya no son como en los noventa, ahora en esta zona de Europa la gente va más a su estilo, la gente que escucha hip hop se centra más en sus artistas, los del metal en los suyos… Es una pena, pero de vez en cuando molaría tocar para una audiencia que no fuera la tuya.

EM: ¿Te gustaría colaborar en un futuro con algún artista externo? ¿O realizar una versión?

MS: Creo que este año se han cancelado todos los tours, así que básicamente teníamos más tiempo libre para hacer algo y me propusieron varias cosas para hacer y yo pensé ¿por qué no?. Así que estoy colaborando con otras bandas, otros músicos y amigos en varias colaboraciones para videojuegos. Hemos grabado algo de Goth Metal, algo de Death Melódico de la vieja escuela, simplemente lo hacemos porque tenemos tiempo y pensamos que era algo interesante, pienso que es algo único. No es algo que realizara anteriormente pero ahora, con toda la situación, simplemente me apunté. No te puedo hablar de él, porque todavía no se ha hecho oficial, pero hay cosas muy interesantes.

EM: Vi hace unos días en el Facebook de Wacken que ibas a jugar al Call of Duty.

MS: ¡Oh,si! (ndr: aquí interrumpe emocionado)

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EM: ¿Eres un gran fan de los videojuegos?

MS: Muchísimo. Siempre he sido un gamer, he jugado a varios Call of Duty, también al World of Warcraft, juegos de coches, juegos de deportes, es un mundo bastante interesante. Ahora casi no tengo tantos juegos porque no tengo tiempo (risas), es algo triste pero me tiraría todo el día jugando a videojuegos. Creo que es algo genial, es una muy buena manera de desconectar, coger un juego súper violento y olvidarte de los problemas diarios, así como del estrés, es algo que adoro.

EM: ¿Y te gustaría que hubiera alguna canción de Dark Tranquillity en un videojuego, película o serie de televisión?

MS: Eso sería genial. Sería fantástico encontrar una canción de tu propia banda en un videojuego, anteriormente solo hemos aparecido en un videojuego, el ‘Brutal Legend’ con Jack Black y que contenía varias canciones de metal, fue algo guay. Lo verdaderamente guay es que el año que viene habrá un videojuego con un cantante de Metal y será bastante épico. Aún no he visto la portada y no será como un Guitar Hero, pero adoro la violencia (más risas). La música que toca es un Death Metal intenso y una de las canciones es una banda sonora, así que sería algo maravilloso el poder estar jugando y escuchar una canción que has compuesto tú. También hay otros artistas como Matt Heafy de Trivium o Alyssa de Arch Enemy y creo que también hay gente de Lamb of God.


EM: ¿Con que grupos te gustaría realizar una extensa gira? 

MS: Eso es algo de lo que siempre hablamos cuando vamos a salir de gira. No es tan fácil como decir porque son mis amigos, como pasa con At The Gates, In Flames o Evergrey y de hecho ya hemos salido de gira con ellos (risas). Creo que realmente amaría salir de gira con los chicos de Oceans of Slumber, tienen discos bastante increíbles. Me encantaría salir de gira con ellos y espero que eso suceda en un futuro. Personalmente creo que con sus discos han llegado a otro nivel y que son bastante buenos, aunque al final se reduce a que sean amigos porque si no los tours van a ser una pesadilla.

PAIN OF SALVATION
‘PANTHER’
Inside Out

Tres años han tenido que esperar los seguidores de la banda sueca para poder disfrutar de nuevo material desde su excelente ‘In The Passing Light Of Day’ (Inside Out, 2017). Si en aquella ocasión Daniel Gildenlöw nos hacía partícipes de lo que supuso para él poder escapar de las garras de la parca y nos brindó un disco conceptual en el que se abría y mostraba todas aquellas sensaciones y sentimientos, con este ‘Panther’ pasa a la acción y se mete en la piel de quien tiene que seguir luchando por mantener vivo su espíritu. Cada vez resulta más evidente que Pain Of Salvation es más un proyecto individual de Daniel que no un grupo en su concepto clásico. Si bien es cierto que la formación ha pasado estos años sin cambios desde la reincorporación a la banda de Jonah Hallgren, la grabación del disco ha sido trabajo de un solo hombre en el que, salvo las baterías de Léo Margarit y un solo de guitarra, todo ha sido compuesto, interpretado y grabado por Gildenhöw. Y es que da la sensación de que la idea sobre cómo debía sonar el disco la tenía muy clara, y que para que se pudiera reflejar en los surcos no había otra opción que encargarse de todo.

El disco comienza con lo que fue el primer adelanto, “Accelerator”, un tema en el que las texturas iniciales generan una agobiante sensación, recrean la opresión que el protagonista del tema está sufriendo hasta que la canción se abre y comienza su particular lucha a medida que aumenta la intensidad del tema. Los arreglos más propios de la música electrónica, que por otra parte son una tónica general en este “Panther”, demuestran una ambición por evolucionar y crecer en los amplios parámetros del prog metal. Es muy interesante la transición hasta “Unfuture”, donde recuperan la sonoridad más clásica con unas graves guitarras acústicas, potentes riffs y la expresividad vocal de Gildenhöw, en el que el ambiente distópico se mueve entre la densidad y la oscuridad siempre acompañada del excelente trabajo de baterías de Léo Margarit. Las nuevas sonoridades electrónicas vuelven con “Restless Boy” donde el continuo tic tac de un reloj va quedando oculto tras los ritmos y la modulada voz robótica de una forma calmada hasta que las guitarras y la batería irrumpen cuando menos lo esperas, transformando el tema en una curiosa mezcla en la que podrías reconocer elementos de grupos tan dispares como Depeche Mode, Meshuggah o Shinedown, y todo eso en apenas tres minutos de canción. Pero si hay algún tema en el que el sello clásico de Pain Of Salvation se pueda estampar es en “Wait”, una auténtica delicia donde destaca el inicio, con un piano en bucle haciendo sonar una hipnótica melodía mientras Gildenhöw usa el famoso auto-tune como un efecto (el que conozca la banda sabe que no necesita de un elemento así para afinar) para dotar a la voz de cierto tono oscuro y sombrío que contrasta con claridad del tema cuando rompe en el sencillo pero efectivo estribillo. Por supuesto los elementos electrónicos no desaparecen pero es, junto con “Icon”, probablemente el tema más puramente progresivo de los que componen el disco.
“Keen To A Fault” sigue un poco esa línea del sonido clásico de la banda aunque a más de uno la construcción del tema podría llevarle a pensar en alguno de los últimos trabajos de Anathema. Para el que escribe este es un tema de transición que es posible que pase algo más desapercibido, quizás por romper con la línea del disco. Eso sí, su letra refleja perfectamente la intención de ‘Panther’ de mostrar la continua lucha que los protagonistas de esta historia han de realizar por ser considerados “normales” en esta sociedad. Es posible que este vuelo bajo el radar sea buscado y deliberado, ya que tras “Fur”, un breve instrumental con ciertos aires a Danny Elfman, llega el tema que da título al disco. La introducción de “Panther” con bases electrónicas lo ponen como gran candidato a iniciar los (ojalá) conciertos de presentación. El scatting vocal que usa Daniel, propio del rap o hip hop junto con las afiladas guitarras hacen de este un tema cercano al nu-metal en alguna de sus partes, para pasar a la delicadeza de una voz limpia acompañada de un piano mientras repite “que se siente como una pantera en un mundo de perros”. Pero todas las historias tienden a terminar, y las contundentes capas sonoras de las que está compuesto este disco ceden el protagonismo a una intensidad más emocional con un par de temas que
podríamos decir que llevan la marca de la casa. “Species” con esa narrativa lírica que llevan brindando desde “Road Salt One” en la que pone de manifiesto algo que también suscribo, y es que a veces, cuando miras a tu alrededor, uno lo que quiere es cambiarse de especie.
Y al igual que en su último trabajo, el tema final queda reservado para uno de esas canciones que hacen que el tiempo se reduzca a la mitad mientras lo escuchas sin darte cuenta de que los trece minutos que dura ya han pasado. El contraste del bello pasaje de piano y las delicadas notas de bajo con la entrada de las guitarras y la batería le dan a “Icon” un cierto aire épico de tema de conclusión de una banda sonora.

Y es que ‘Panther’ no deja de ser la banda sonora de una historia en la que ese personaje que Gildenhöw ha creado representa y defiende las voces de todos los que han tenido que luchar por superar una dificultad tras otra y que tienen que enfrentarse a ella cada día. De hecho ya lo avisa en cuanto abres el libreto: “La normalidad no tiene cura”. Que Pain Of Salvation es el proyecto personal de Daniel queda muy claro desde ‘In the Passing Light Of Day’ en el que la enfermedad que estuvo a punto de acabar con él sirvió de inspiración y motivación para escribir el disco. En este ‘Panther’ es el autismo, que Gildenhöw conoce tan bien, el que sirve como hilo narrativo de esta historia. Quizá esa complejidad sonora que ha querido darle y el uso de elementos electrónicos sea lo que puede hacer que la primera escucha del disco resulte extraña, pero es realmente interesante ir descubriendo los diferentes matices y cómo es capaz de reflejar con su música sentimientos y sensaciones como la angustia o el miedo para acompañar las letras. Destacar no solo la música si no también el apartado gráfico y el diseño de su edición especial, en el que curiosamente no hay ninguna foto para mantener ese aire de cómic de superhéroes, sólo que esta vez el héroe es mucho más humano y cercano aunque por dentro sea una pantera.

Maese Leiva

Después de sus inicios en 2014, Beyond the Black se han convertido rápidamente en una de las bandas ascendentes del metal melódico y sinfónico, siguiendo el camino de otras como Within Temptation o Delain. Ahora publican su cuarto disco, ‘Hørizøns’, con el que se reinventan hacia un sonido menos sinfónico y más pop y electrónico, y también tienen planes para una gran gira junto a Amaranthe el próximo año. Nos sentamos un ratito con su vocalista, Jennifer Haben, para hablar de la banda, de su evolución, de sus influencias y de sus planes futuros…

Por Vivien Scalbert

EMPIRE MAGAZINE (EM): Primero de todo me gustaría hablar de Beyond the Black porque en apenas unos años habéis tenido un ascenso meteórico dentro del metal moderno y melódico y acabáis de sacar vuestro cuarto disco, ‘Hørizøns’ ¿Me puedes hablar del origen de la banda y su viaje como banda hasta ahora?
JENNIFER HABEN (JH): ¡Hay mucho que decir pero voy a intentar resumirlo! Empezamos como Beyond the Black en 2014, con mucho metal sinfónico en los discos anteriores y hemos cambiado un poco el sonido y las letras para ese nuevo disco, ‘Hørizøns’. Han pasado muchas cosas, hemos tocado mucho en Wacken Open Air y tuvimos muchas oportunidades fantásticas de abrir para bandas increíbles como Within Temptation, Scorpions, Aerosmith… Me parece una locura hablar de todas estas cosas y creo que tenemos mucha suerte de haber podido vivir todo esto.
Pero Beyond the Black también tuvimos malos momentos en estos seis años, como el cambio de formación… Así que es un viaje con sus altibajos, pero para mí lo que importa son los buenos momentos.
Con el nuevo disco, ‘Hørizøns’, creo que, de verdad, hemos ampliado nuestro horizonte y es la razón por la cual lo hemos titulado ‘Hørizøns’, como para demostrar los nuevos estilos de Beyond the Black. Todos hemos cambiado un poco, en la banda y a nivel personal, y no nos vemos como una banda que siempre tiene que sonar igual. Sé que hay bandas de las que se espera que suenan de una cierta manera pero para mí, Beyond the Black siempre ha tenido un sonido muy variado, y todavía lo tiene. Intentamos no repetirnos y seguir haciendo una misma cosa, hacemos lo que sentimos.

EM: La verdad, es gracioso que me hables sobre nuevos horizontes como la razón del titulo del nuevo disco porque era precisamente mi próxima pregunta. Quería preguntarte si el título tiene que ver con nuevos horizontes para la banda, cambios y nuevos retos…
JH: Exacto. Y saber quién eres o lograr saberlo… Es algo que ha estado muy presente en nuestros últimos dos o tres años con la nueva formación. Estábamos como flotando al principio e intentando que todo funcionara entre nosotros… Pero con los años hemos encontrando quienes somos y todo lo que hacíamos bien, solo teníamos que hacer música, y nos dijimos “vale, pues solo tenemos que concentrarnos en lo que queremos hacer ahora”. Solo escuchábamos lo que nos gustaba en privado, durante las giras, y buscábamos lo que queríamos añadir a nuestra música al instante. Este tipo de cosas modernas, electrónicas… nos encanta y lo queríamos añadir a lo que ya teníamos antes.

EM: Vuestro nuevo disco también es muy pop. Ya teníais influencias pop antes pero ‘Hørizøns’ se acerca más a la música pop moderna en mi opinión. Muchísimas bandas de metal han aportado influencias pop a su música antes pero pienso que pocas mezclan tan bien los sonidos y tendencias pop actuales dentro de su sonido y me pregunto si era lo que queríais hacer en este disco, mezclar pop y metal… ¿o tal vez el sentido inverso?
JH: No nos importa mucho si a la gente le gusta el sonido pop o no y no es que quisiéramos añadir más pop. Creo que ya teníamos esos elementos en nuestra música pero nunca fueron tan evidentes y cuando escuchas diferentes canciones de Beyond the Black no puedes decir que “Misery” o “Golden Pariahs” representan el disco entero porque son muy variadas. “Misery” era una canción con la que decir que no nos importaba una mierda si la gente piensa que somos demasiado pop. Queríamos un verso que fuera súper pop y también para enseñar a la gente lo que es el pop porque siempre escuchamos a la gente decir lo que pop es y nosotros no lo vemos así. Queríamos mostrar nuestra visión del pop y luego volver a lo que hacíamos antes.
Nunca dije que no queríamos pop en nuestra música. Sé que hay un montón de fans o bandas de metal que no quieren esos elementos en su música. Cada uno tiene su estilo pero a nosotros nos gusta la música pop así que no es nada prohibido. Siempre quiero probar cosas así que no es que quisiera añadir pop a nuestra música sino que quizás es lo que surge de nosotros para combinar todos los elementos que nos gustan… Pop, metal, también hay muchas cosas electrónicas que no son exactamente pop… No sé exactamente como definir el pop y pienso que cada uno tiene su propia definición.

EM: Hay otra banda que tiene muchas influencias pop y sonidos electrónicos, imagino que que sabes a quien me refiero…
JH: ¡Amaranthe!

EM: Exacto y es una banda con quien parece que compartís una conexión importante porque no solo Elize (cantante femenina de Amaranthe) aparece como invitada en vuestro nuevo disco sino que también os vais a embarcar en una gran gira co-headliner con ellos el proximo año ¿Me puedes contar de la conexión que tenéis con Amaranthe?
JH: No nos conocíamos personalmente antes del principio de este año y tuvimos como cuatro conciertos juntos en Finlandia en enero, creo. Ambas bandas teníamos la idea que nuestros sonidos podrían combinarse muy bien y como siempre se piensa en el publico creímos que hay mucha gente a la que le podría gustar pero que todavía no nos conoce. Y, personalmente, he de decir que me encanta la voz de Elize y las de los chicos también, pero soy muy fan de las voces femeninas poderosas y me gusta mucho que lo puedan hacer en vivo también. Creo que Elyze es increíble. Y también escucho a Amaranthe cuando hago deporte así que bueno…

EM: Claro, es muy apropiado. Es muy motivante, de hecho.
JH: ¡Si lo es!

EM: Y hablando de otras bandas, antes has dicho que habéis girado con bandas como Within Temptation o Epica y me pregunto si vuestra evolución musical de un estilo más sinfónico ha podido estar influenciada por estas bandas…
JH: Bueno a Within Temptation les escucho mucho, sí, y también a Evanescence, Amaranthe… Para se honesta escucho menos las voces operísticas. Conozco lo que hacen esas bandas pero en casa escucho principalmente voces rockeras poderosas… ¡Pero para mí, ir de gira con Within Temptation fue increíble! Girar con Evanescence también fue fantástico aunque pienso que Within Temptation es lo más cercano a lo que hacemos y me encanta la voz de Sharon pero también las de Amy Lee o Floor Jansen… Ahora te podría hablar de todas pero el sentimiento que tengo con Within Temptation fue realmente increíble y estábamos entre el publico cada noche viendo su concierto. Era fantástico (risas).

EM: A propósito de la actividad en directo, todo esta suspendido actualmente debido al COVID-19 pero hace unos días disteis un concierto online para Wacken WorldWide. ¿Cómo fue la experiencia?
JH: ¡Fue bastante loco! (risas) Fue algo enorme y combinaba directo con realidad virtual. Ningún festival había hecho algo así antes, Wacken fue el precursor. Tuvimos unas semanas para prepararnos y ver todo lo que podíamos hacer y esa tecnología te permite hacer todo lo que quieras si tienes mucho tiempo. Fue genial entender lo que podíamos hacer, ver a las cosas en 3D, el pueblo de Wacken atrás, el escenario, todas esas cosas… fue bastante loco.
Fue muy especial, tuvimos mucha suerte y me siento muy agradecida de poder hacer algo así junto a cinco o seis bandas más. También fue muy extraño no tener a público enfrente nuestro, solo a cinco personas (risas). También fue muy, muy extraño porque nadie podía aplaudir porque era malo para el sonido así que todo eran festejos a modo de aspavientos pero sin hacer ningún ruido. Entre las canciones no se escuchaba nada. En el streaming se pueden escuchar ruidos de ambiente y aplausos y todo eso pero nosotros no oíamos nada (risas). Así que fue loco pero familiar porque hice unas apariciones en Instagram con canciones acústicas pero obviamente eso era otra dimensión muy distinta a tener canciones poderosas con toda la banda y luego solo tener el silencio. Fue muy divertido y me encantaría hacerlo de nuevo pero con mucho más tiempo para prepararnos y realmente hacer las cosas de la forma más grande posible. ¡Eso será fantástico!

EM: Supongo que fue como tocar para un público fantasma: sabes que están pero no puedes verlos o oírlos…
JH: Sí, pero estaba bien porque teníamos una pantalla para ver lo que la gente veía y, a veces, había vistas de la gente en casa así que los podíamos ver. Tendríamos que haber tenido más imágenes de la gente pero sí, veíamos que había gente mirando. ¡Eso era bueno! (risa)

EM: A propósito de la historia de Beyond the Black, la banda estuvo unos años separada y tuviste que buscar nuevos músicos ¿Cómo trabajáis ahora mismo como banda?
JH: No escribo las canciones sola, siempre lo hago con otras personas. Chris, nuestro guitarrista, Stefan, nuestro bajista, y también Kai han escrito canciones como “Misery” y “Paralyzed” conmigo así que intentamos juntarnos lo más frecuentemente posible pero mayormente escribimos como duo y luego nos sentamos con nuestros productores para acabar el proceso. “Misery” y “Paralyzed” son canciones que hemos creado toda la banda entera junta en una casa con mesas de billar y todas esas cosas… ¡Era como en las películas! (risas) ¡Fue muy divertido y pienso que tendríamos que hacerlo más!

EM: ¿Tienes una canción favorita on ‘Hørizøns’ o quizás una canción que piensas que representa mas al disco?
JH: Creo que las primera canción que la gente tendría que escuchar son“Wounded Healer” o “Welcome to My Wasteland”, que son las más parecidas a lo que habíamos hecho antes. Y, personalmente, diría “I Won’t Surrender” y “Human”.

EM: “Human” también es mi favorita. Pienso que tiene un poco de los elementos sinfónicos que teníais en el pasado pero bastante discretos y también tiene un sentido un poco blues, es poderosa, y creo que tiene un poco de todo en ella.
JH: ¡Sí, pienso lo mismo! Creo que hay mucha gente que no tiene mucha paciencia para entender las canciones y creo que tiene mucha profundidad… Algunos dicen que tiene como un sentido country o western y estoy bastante de acuerdo y creo que tiene su propio sentido. Cuando escuché la primera demo que tuvimos solo eran guitarras acústicas y voces y la mantuvimos de esa forma. ¡Es lo que la hace especial y a mí me encanta esa canción!

EM: Y creo que tiene un video interesante también…
JH: ¡Sí, totalmente! ¡Algo diferente que nunca hicimos antes! ¡Fue muy divertido! Fue un poco difícil a causa de la pandemia y por eso tuvimos que prepararnos, llevar mascarillas y todo… Pero pudimos sacar lo mejor de esa situación ¡Los efectos especiales con los ojos ensangrentados, me encantan esas cosas! Estoy muy contenta con el resultado y que hayamos podido hacer algo así.

EM: He de decir que un aspecto sorprendente de Beyond the Black, para mí, es tu voz porque suena muy segura y madura aunque empezaste con la banda cuando eras muy joven (18 años) cuando empezaste con la banda… ¿Me puedes hablar de tu educación musical y formación vocal?
JH: ¡La verdad, no hay mucho que decir! (risa) Cuando era muy joven estuve en un coro durante mucho tiempo pero nunca hice clases de canto. Solo una vez cuando sentí que mi forma de cantar no era sana y di unas diez clases de canto porque quería estar segura que a los treinta años no perdería mi voz y podría seguir cantando. Pero durante muchos años, hasta ahora, no tuve cursos de canto. Para mí, es mucho más interesante y más importante tener emociones. Y pienso que si de verdad das lo mejor de ti y dejas que la gente pueda sentir lo que estás sintiendo, es más importante que tener la mejor técnica del mundo. Siempre me pareció que cuando recibes formación y unas técnicas especificas como musicales u opera, puede ser increíble pero la mayoría de la gente pierde su emoción. Y me preocupa perder mi emoción, es una de las razones por la que nunca he tomado clases de canto. Por eso solo canto en mi casa y para mí, en el escenario sintiendo lo que siente la gente y grabo con productores que me entienden mucho mejor y a la inversa también. Todo eso me ayuda mucho para saber lo que puedo hacer con mi voz y lo que quiero crear. Y no quiero que otros cantantes me digan lo que tengo que hacer, lo quiero aprender yo misma. ¡Todo eso es una repuesta muy larga para una gran nada! (risas) Pero sí, me siento segura cuando canto porque sé que hay gente que siente lo que siento yo… ¡Y es una cosa con la cual me siento cómoda en mi vida y creo que es muy bueno! (risas) ¿Puede que sea la clave? ¡No lo sé!

EM: Quería hablarte de la canción “Misery” porque me hace pensar un poco en Lady Gaga… No sé si te gusta esta comparación…
JH: ¡Ay! Me encanta Lady Gaga pero no veo qué te hace pensar en ella…

EM: Tal vez el coro de la canción o su principio, no sé… Bueno, me preguntaba si ella puede haber sido una influencia para ti porque hace música pop pero siempre dice que le encanta el metal y a veces se ve como una metalera…
JH: ¡Sí, es cierto! Y también me encanta porque muestra tantas facetas diferentes de ella, tiene tantas emociones que ofrecer a la gente… escuchas todos los discos que ha hecho y son muy, muy diferentes y eso me encanta porque también es un poco lo que hacemos Beyond the Black. No te voy a decir que intento seguirla porque su viaje es muy distinto al mío pero sí, Lady Gaga puede ser una inspiración para mí a nivel vocal porque tiene esa actitud y también canta perfectamente. Sí, usamos autotune y todo eso pero sé que lo puede hacer todo muy bien en vivo por lo que sí, puede ser que sea una inspiración para mí aunque no tan presente en mi vida como Freddie Mercury. Es alguien que muchas veces tengo en mi cabeza cuando intento dar más personalidad a mi voz… ¡Y también Adele! Tiene una actitud que puede adaptarse al rock también. Diría que esos tres ejemplos pueden ser una inspiración para lo que hago con mi voz.

EM: Entonces, Lady Gaga, Freddie Mercury y Adele…
JH: ¡Si! Esta bien, ¿verdad?

EM: Claro. Y creo que Lady Gaga también ve a Freddie Mercury como una influencia mayor para ella así que entonces todo es lógico. Una última pregunta ¿qué tal ha sido la repuesta de los fans a ‘Hørizøns’ hasta ahora?
JH: Diría que ahora todo está bien. Sé que mucha gente tuvo que escuchar al nuevo disco mucho más que los anteriores pero no es nada que no hubiéramos previsto así que bueno… Siempre es así cuando una banda cambia su estilo. Al principio la gente siempre esta como “¿Joder qué es eso?” Pero la gente nos ha dicho que es un gran disco y que les gusta más que lo que hacíamos antes. Así que para mí todo es genial. Hay gente gritando con nosotros cuando tocamos esas nuevas canciones y nos encanta tocarlas en vivo. Estoy muy contenta con ese disco y su repuesta.

After its debut in 2014, Beyond the Black has quickly become one of the growing forces in
symphonic and melodic metal, following the footsteps of acts like Within Temptation or Delain.
They are now releasing their fourth album, ‘Hørizøns’, which sees the band reinvent itself towards less symphonic and more pop and electronic sound, and also have plans for a large co-headlining tour with Amaranthe next year. We sat down a little while with Beyond the Black’s singer, Jennifer Haben, to talk about the band, its evolution, its influences and touring plans…

By Vivien Scalbert

EMPIRE MAGAZINE (EM): First, I would like to talk about Beyond the Black as a band because within a few years, it has become one of the rising stars of modern melodic metal and you just released what is already your fourth album, ‘Hørizøns’. Can you tell me about the origin of Beyond the Black and your journey as a band so far?
JENNIFER HABEN (JH): That’s a lot but I’ll try! We started as Beyond the Black in 2014 with a lot of symphonic metal in the previous albums and we changed a bit in the sound and the lyrics for this new album, ‘Hørizøns’. A lot of stuff happened, we were playing at Wacken Open Air a lot and we had a lot of amazing chances to make support shows for a lot of amazing bands like Within Temptation, Scorpions, Aerosmith… and all of that stuff. For me, when I talk about things like that, it seems super crazy. I feel so lucky about what we could do.
Of course, Beyond the Black also had its bad times since these six years, like the change of the band and all that stuff… So it’s a journey with its highs and lows but for me, the important thing is the highs.
With this new album, ‘Hørizøns’, we really opened up our horizon and that’s the reason why we called it ‘Hørizøns’, like showing new styles that Beyond the Black are, we all changed a bit, in the band and personally and we don’t see ourselves as the band that should sound the same all the time. I know there are bands that are expected to sound in a way but for me, Beyond the Black has always been super various and still is. That is the reason why we don’t try to stay in one thing and do what we feel.

EM: You know, that’s funny what you just said because what you said about new horizons being the reason behind the title of the new album because it was precisely my next question. I wanted to ask you about the title and if it was a new horizon you were looking for, if this is what the album is about: changes and taking new paths…
JH: Right. And knowing what you are or getting to know… I think it is something that was really present in our last two or three years with the new line-up. We were like swimming in the beginning and trying to keep everything together… But then during the years, finding out what we are, that we were good and everything was fine, that we just had to make music, we said “OK let’s just focus on what we want to do for now”. That is the reason we were just listening to what we like to listen to in private, on tour, and search for the thing we wanted to add to our music right now. This kind of modern, electronic stuff… We love that and we added that to what we already had before.

EM: Your new album also is really pop. You already had pop influences before but this new album leans more towards modern pop music I think. Of course, many metal bands brought pop influences into their music but I think few incorporate so well the current pop sounds and trends into their sound and I wonder if that was what you were aiming for with this album, bringing pop music into metal… or maybe the other way around ?
JH: I would say that we don’t really care if people like the poppy sound or not and it’s not that we wanted
to add more pop. I would say we already had these elements in our music but it was never that clear and when you listen to different songs by Beyond the Black, you cannot say that “Misery” or “Golden Pariahs” stand for the whole album because they are super various. “Misery” was actually a song that says that we don’t give a fuck if people think we are too poppy. So we really wanted to make one verse that would be super poppy and also show people what pop is because we always hear people say what pop is and we don’t think it is like that. So we wanted to show what we think it is and then get back to what we were before.
But we never said we don’t wanted pop in our music. I know that there are a lot of metal fans or bands that really don’t want these elements in their music. And maybe it’s their kind of style but for us, we like pop music and there was no no-go. I always want to try things out and it’s not that I really wanted to add pop in our music but maybe that’s what comes out of us, to match with all the elements that we love… Pop, metal, there is also a lot of modern electronic stuff that you cannot really say is pop. But I don’t really know how to define pop and I think everyone has their own definition for it.

EM: There is also a band that has a lot of pop influences and electronic sounds, I guess you know where I’m getting at…
JH: Amaranthe!

EM: Yes and it’s a band with whom you seem to share a deep connection because not only Elize (Amaranthe female singer) is featured as a guest on your new album but you will also embark on a large co-headlining tour with them next year. Can you tell me about the connection you have with Amaranthe?
JH: To be honest, we did not really know each other personally before the beginning of this year so we had like four shows in Finland together, in January, I think. So we did not meet before but we had in mind both of our sounds could fit together really well and also you always think about the crowd and there are a lot of people that could like it but are not into it now. And personally, I must say I love her voice, and the voices of the boys as well of course, but I am a fan of powerful women voices so I really love that she can do that live as well. She’s really amazing. And I’m also listening to their music when I’m doing sports so…

EM: Yeah, it really fits. It’s very motivational indeed.
JH: Yes it is!

EM: And speaking about other bands, as you said before, you have toured with many famous bands like Within Temptation or also Epica… I wonder how the experience was because you were very symphonic before, a little less now, and I wonder if these bands you toured with could have been an influence for you.
JH: I know I listen to a lot of Within Temptation, yes, and also Evanescence, Amaranthe… A bit less to opera voices to be honest. Of course, I knew what they did, but at home I mostly listen to powerful, rock voices… But for me, to tour with Within Temptation was the high-go! Touring with Evanescence would be amazing as well. I think they really are the closest to what we do and I really love her voice and also Amy Lee’s but also Floor Jansen… I could tell you everyone right now but especially the feeling with Within Temptation was really amazing and we were in the crowd every evening, watching the show. It was amazing. (laughter)

EM: About the live shows, everything is currently on hold because of the COVID-19 but you recently performed an online live show for Wacken Worldwide and how was the experience of doing that?
JH: It was kind of crazy! (laughter) It was really huge and mix reality and virtual, no festival really did that before, it was pioneer. We had some weeks to prepare for that and find everything that we could do and this technology allows you to do everything if you have a lot of time and having, like, one year to prepare one show, it would be incredible! But for now, it was really amazing to understand what you could do, see the 3D stuff, the Wacken village behind, the stage, all of that stuff, it was kind of crazy. That was super special, we are very lucky and I feel really grateful that we could do something like that, among five or six bands and also crazy because there were no people in front of us so we had to do this enormous show in front of like five people. (laughter) That was also very, very funny because they did not clap because that was bad for the sound. They just were like they were partying with their arms and stuff but without a sound! And we did not hear anything between the songs. On the stream, you could hear ambiance and clapping sounds and all but we did not hear anything! (laughter) So that was crazy but I knew something like that from the Instagram lives I did with acoustic songs but of course it was another dimension with having powerful songs with the whole band and then going through that silence! But it was cool and I would love to do that again but with a lot more time to prepare for that and really do the biggest thing you could do. That would be amazing!

EM: I guess it was like performing for a ghost audience: you know they’re out there but you can’t see them or hear them either…
JH: Yeah but it was cool because we had a screen to see what people were seeing. So, sometimes, there were screens from people at home, so we could see them. There should be a bit more of that I think but yes, we saw that there were people watching! That was good!

EM: About the history of Beyond the Black, you disbanded a few years ago and hired new members. How do you work now as a team, with the current members?
JH: I don’t write the songs alone, I always wrote with other people together. But also a lot of stuff with Chris, our guitarist, and with Stefan, our bassist, and also Kai this time wrote songs like “Misery” and “Paralyzed” with all of us together. So we try to come together as often as we can but most of all we write as teams of two people and then go to our producers and finalize everything. But this time, with “Misery” and “Paralyzed”, as I said before, these were two songs we created as whole band sessions in a band house with billiard tables and all of that stuff… It was like in these movies! (laughter) We had a lot of fun and I think we’ll definitely do that more often!

EM: Do you have a favorite song on ‘Hørizøns’ or maybe one song that represents the album best for you?
JH: I think the first song people should hear is the one that’s most similar to what we did before, to understand Beyond the Black in general, maybe “Wounded Healer” or “Welcome to My Wasteland”. And personally, I would say “I Won’t Surrender” and “Human”.

EM: “Human” is my favorite too. I think it as a bit of the symphonic elements you had in the past but quite subtle and it also has some kind of blues feeling, it is powerful and I think it has a bit of everything in it.
JH: Yeah I think so too! I think there are a lot of people that do not really have the patience to understand the songs but I think it has such a deep stuff in it… Some people say a country kind of feeling, or western, and I feel something like that as well with this song. But it has its own kind of feeling, to me.
When I listened to the first demo that we had, it was just acoustic guitars and vocals and it kept this kind of feeling. That’s the special thing about it and I love that song!

EM: And I think it has a really interesting video as well…
JH: It has! Definitely! Something different that we never did before! It was a lot of fun! Of course, it was a bit difficult because of that pandemic so we had to prepare and wear masks and all… But we did the best out of it! The special effects with the bloody eyes, I love that stuff! I was super happy with the result and that we did something like that.

EM: I must say one surprising aspect of Beyond the Black, for me, is your voice because it sounds very confident and mature even though you started the band at a very young age because I think you were around eighteen when you started the band… Can you tell me about your musical education and your vocal training?
JH: It is not much to talk about to be honest! (laughter) When I was very young, I was in a choir for a long time but I never had single vocal lessons. Just one time when I felt I was not singing healthy, I had like ten vocal lessons or something like that because I wanted to make sure I would not end up not being able to sing anymore when I’m thirty. But for years now, I did not have vocal lessons. For me, it’s much more interesting and more important to have the right emotion. And I think if you really give your best and let people feel what you are feeling, that is more important than to have the best technique in the world. Because I always felt like when you are trained to some techniques like musicals or opera, it can be amazing but most people that are trained to these techniques are losing their emotions. And I fear I would lose my emotions so that’s one of the reasons why I never had vocal lessons. Or once in my life. (laughter) That’s why I’m just singing at home and for me to be on stage and sing on stage, to feel what the people feel the most and also to record with the producers who understand me a lot more and the other way around, that is helping me a lot to know what I can do with my voice and what I want to create. And I don’t want other vocalists to tell me what to do, I want to learn it myself.
And that is a long answer to such a nothing! (laughter) But yeah, I feel comfortable and when I sing because I know there are people out there who are feeling what I feel… and that’s one thing I’m comfortable about with my life and that’s very good I think! (laughter) Maybe that is the key? I dunno!

EM: I wanted to talk about the song “Misery” because it reminds me a bit of Lady Gaga… I hope that’s OK with you…
JH: Oh I love Lady Gaga but I don’t know where it reminds you of her…

EM: Maybe the chorus a bit or the way the song starts, I don’t know… Well I wondered if she could have been an influence to you because she really is into pop music but she says all the time she loves metal and consider herself kind of a metalhead…
JH: Yeah I know that! I also love her because she shows so many different sides of her, she has so many emotions that she gives to the people and listening to all the albums she made, it’s so, so different and I love that and that is also kind of what Beyond the Black is doing. I would not say I try to follow her journey because it is so different but I would say she could be an inspiration for me, vocally, because she has that attitude but also sings perfectly in tune. Of course, because of autotune and stuff but I know she can do that live very good too so I guess she could be an inspiration for me but not as present in my life as, like, Freddie Mercury. That is someone I often have in my mind when I try to put more attitude into my vocals… But also Adele! She has some attitude and you can do that in rock as well. I would say these three could be an inspiration for what I’m doing with my voice!

EM: So Lady Gaga, Freddie Mercury and Adele…
JH: Yeah, that’s good, right ?

EM: It is. And I think Lady Gaga herself considers Freddie Mercury as a major influence for her so it all makes sense! So, one final question: how is the feedback so far on ‘Hørizøns’ from the fans, the medias…?
JH: I would say everything is fine, now. I know a lot of people had to listen to the new album a lot more than the previous ones but that is nothing we didn’t expect so… It’s always like that when a band changes its sound, at first, people always are like “OMG what is that?” But for now, a lot of people have told us it is an amazing album and that they love it much more than what we did before. So, for me, everything is amazing with this album! I know people are screaming with us when we are playing these songs and it feels great to play it live. I’m very happy with this album and its response.

Ailyn surely has become the most famous Spanish metal frontwoman through a rather impressive career, after her debut in Spain (including a participation in the X Factor TV show), she rose to international fame in 2008 when she joined Sirenia as their new lead vocalist. Although Ailyn joined the norwegian band for what already was their fourth album, she was the first singer to stay in it for more than one record. Moreover her unique voice contributed in building the sound and identity of Sirenia. So, for many, and although she wasn’t the first singer of the band, Ailyn was the voice and the face of Sirenia.

On top of it all, Ailyn did many collaborations as a guest (Serenity, Leaves’ Eyes, Diabulus in Musica, Mägo de Oz…) and also has been a part of the metal opera project Melted Space since the last two albums, right next to prestigious guests like Mikael Stanne (Dark Tranquillity), Clémentine Delaunay (Visions of Atlantis), Mariangela Demurtas (Tristania), Silje Wergeland (The Gathering), Jeff Scott Soto…

In 2016, and after four albums together, Sirenia announced that Ailyn was no longer part of the band, following a common agreement, which was denied by Ailyn who said this was never her decision to leave. However, Ailyn would not let this be « the end of it all » and kept recording collaborations and being a member of Melted Space… But now she finally is back, stronger than ever, with her own new band, Her Chariot Awaits, founded together with the American guitarist Mike Orlando (Adrenaline Mob), which recently released its first self-titled album.

Ailyn accepted with much kindness to speak with Empire Magazine about her new band, her career, her dismissal from Sirenia and how she always remained true to herself despite the fame…

By Vivien Scalbert

SPANISH EDITION:http://empirezone.es/2020/06/27/entrevista-con-her-chariot-awaits/

EMPIRE MAGAZINE (EM): Hello Ailyn ! First, I’d like to ask you how you are doing, especially in these weird times with the COVID and all…
AILYN (A): Well I’m doing just fine, thanks. This whole situation had stuck me in Spain. Early march, I went to visit my family and I had to remain there for three months and a half. Last week they finally let me go back to Norway, and so right now I have to stay in a quarantine house. The truth is it all is quite weird. In Spain, it is all very different from Norway so I just have to adapt a little bit…

EM: Well I hope the lockdown was OK for you, it seems like the situation was worse in Spain than it was in Norway…
A: Yes, the good thing was that I was with my family so there was no problem. Since in Spain we were not allowed to go out for any reason, we had to find things to do to spend the time without getting on top of each other…

EM: And you had the release of your new album with Her Chariot Awaits planned right in the middle of it all !
A: Yes, the truth is our album was supposed to be out in April and eventually, with the whole COVID-19 issue we had to postpone it to May. And well, what can I say, there was nothing we could do about all this, but we are willing for everything to go back to normal a bit so we could go on tour and promote the album.

EM: About that, I know that right now, the question of going back on stage is suspended for now but do you have plans for touring with Her Chariot Awaits in the future ? For when all goes back to normal…
A: Right now, it is all uncertain, but yes the truth is our plan was to go on tour when the album was released. The whole band agrees on this, we don’t want Her Chariot Awaits to be a project for one album only, we want to be a real band, with which we could go on tour and make more albums in the future.
I hope it all goes back to normal soon so we could start looking for tourdates.

EM: Well I hope it will so you could go on tour ! Maybe with more dates in the United States now that you are part of an American band, as I know you also have many fans there…
A: I would love to ! Before this new experience, I had never been to the US before, so I really hope we could tour there !

EM: Can you tell me the backstory of Her Chariot Awaits ?
A: Of course ! It all comes from Frontiers Records, they already were negotiating with Mike to create a new hard rock band when they got in touch with me. I had just collaborated with the band Chaos Magic who also are signed with Frontiers. After that, they got in touch with me and talked about this new project.
Then, they got me in touch with Mike to talk about what was his idea for the band. And well, after we talked, we realized that we both we looking for the same thing and so we got on board of this new project.
Working with Mike has been a great honor and experience. This man is a working machine and an awesome person. He supported a lot during the whole process and he gave me the push I needed as I came from a completely different style and I had to change my ways for carrying this project.

EM: Of course, it is a huge metamorphosis for you ! In Sirenia, you kind of had the image of the « gothic princess », a bit fragile, with a high and sometimes lyrical voice, and with your new band, the audience can discover you with a strong woman image, with a very powerful singing, more « rock ». Is this big change the result of a will to demonstrate this aspect of yourself, maybe a bit like a revenge from the way you were fired from Sirenia and this image of pretty and fragile gothic girl that you had in that band, or did you adapt to the style of your new band ?
A: It is a big change ! And the truth I love it ! I am very happy to have the opportunity to do something completely different ! It was something I was willing to do ever since I got fired from Sirenia. It was very clear to me that I wanted my next band to be in a completely different style. And as you say, I once had the image of this « sweet gothic princess » and yes, I won’t deny that I am a sweet person, but I was never a fragile one, someone to look after so she would not break. I consider myself as a strong woman, with personality, and Her Chariot Awaits allowed me to show that part of me that few knew.

EM: It sounds awesome to me ! Especially since these past few years, the question of sexism in our societies had been talked about a lot with the Wenstein case in Hollywood, the #metoo movement… About that, you told before that you were suddenly dismissed from Sirenia by Morten Veland, even though you were the voice and the face of the band for many years… Do you think that a band with a male singer could dismiss its singer this way or are women, in some cases, still considered as interchangeable ?
A: The truth is it’s hard to say. I guess there were cases of a male singer being dismissed from a band in the same way before.
I had been talking with Mike about that and from what I got, this trend of dismissing a singer from one day to another is happening more here in Europe. I hadn’t thought about it until he told me that in the US, the fact of changing a singer so quickly like changing your pair of socks isn’t well received. Obviously a band is made of all its members and all are equally important. it is natural for a band to have to replace one of its members at some point, for whatever reason this is. But in my opinion, changing the singer every time you just feel like it just because you disagree on something, it feels to me like a huge lack of respect towards the audience.
I’ve heard of many other bands who did the same to their singers, I can’t speak for them, but in my own experience I can say there still is a lot of machismo in this little world. They really make you feel like you are nothing more than a paper tissue you can use and throw away, they use you when they need you and when they no longer do, they just drop you out and look for someone new.

EM: Sure, because although you were not the first singer in Sirenia, you were the first to stay for more than one album and for that reason I believe that the audience really saw you as the voice of Sirenia… But it was always clear that it was Morten Veland’s band… And I wonder if it could have made you feel a bit confined on an artistic level and if that is the case, I would like to ask if you are feeling more free now with Her Chariot Awaits.
A: Yes, on an artistic level, I was clearly limited. I think I said it many times before but if I loved being the singer of Sirenia, I was also feeling very limited and frustrated. As you said, it is his band, therefore, for me, going to the studio was to do the work I was given, the way I was asked to do it. Well, I wouldn’t say it was all bad. Morten does his recordings at his home and I used to stay with him and his wife during the recording week. We were friends and we used to have a lot of fun but from an artistic perspective, it is quite smothering to have yourself be limited to do something when you truly know that if they would let you change a thing or two, your voice would sound much better.
With Her Chariot Awaits it has all been easier, Mike sent me the songs and sang the vocal lines to show me his idea but then I could work on the melodies, adjust them or change them. When we made the demo, each of us did it from home, and when we got together in the studio, we both worked together to see how we were going to do things in order to make it all sound better. And whose idea whatever was doesn’t matter to either of both of us, what matters is the result.

EM: And as you said, your voice in Her Chariot Awaits is very different from your previous records, with a more « rock » and direct approach, even some screams and a bit of rapping… Were these new songs a technical challenge for you or is it just another aspect of your voice that was already there but that the audience only discovers now ?
A: It was the idea from the start. I wanted to demonstrate that I was more that a sweet and high voice. With Her Chariot Awaits, I was finally given the opportunity to experiment with my voice and demonstrate this other side of it.
The rough voice and the rap I used to do it before, moreover, I always liked to use my deeper voice. I always liked when other singers would do some growls or screaming but I would have never pictured myself doing that. It was very fun to do though. (laughter)

EM: Also Her Chariot Awaits is a band with a typical American heavy metal sound, which is very far from the symphonic gothic metal with death influences for which you are best known by the audience. How did your fans react ? Were you nervous before the album was out, wondering if your audience would like it ?
A: At first, I was nervous but I was very surprised that most of the comments are actually good. I was afraid that, being in a completely different style, the fans would be unhappy about it. But the truth is they all are fantastic to me and although the style is different from what they may have expected, they still give me their support.

EM: And do you think there is a difference in the musical approach or in the way of working between a European band and an American one ? What do you think ?
A: I honestly don’t know. I guess each musician has their own musical approach, no matter which country they are from.

EM: You also have been a part, for the latest two albums, of the french metal opera act, Melted Space, next to other famous guests like Silje Wergeland, Mariangela Demurtas, Mikael Stanne… And you have been a part of the band during the latest tour. Are you still a permanent member of the band or are you more of a regular guest ? Can you tell me about the experience with Melted Space ?
A: Yes, it was a great experience to be able to work with Melted Space. It is a band with a huge potential and talent. I am very grateful for them to have wanted me to participate in those two albums and I would love to keep working with them in the future, because not only they are fantastic musicians, we also all are good friends.

EM: Today, you surely are the most famous Spanish metal frontwoman in the world. First in Spain, especially with the X Factor and then on an international scale with Sirenia. How did you deal with fame on a personal level ?
A: For me fame has never been the most important thing about my career. I always was a down-to-earth person. I am a normal and regular person, I don’t consider myself better or worse than the others for the simple fact of being an artist. My mother always taught me to have good moral values and I like to keep my feet on the ground. Even now, after all these years, I still keep the same friendships I had before I became famous. I would have never let fame get in the way of who I am, and so I still keep on being the same person I was when I started to sing professionally.

EM: And you have been a part of Spanish, French, Norwegian and now American bands… How do you look back at this whole experience with many different people from many different parts of the world ?
A: It is awesome ! I always loved to learn new things, I am kind of a restless person, my head never stops working. And working with bands from different countries and styles gave me the opportunity to keep learning and getting better in everything I could.

EM: One last question, I am curious about the name of the band… What does Her Chariot Awaits mean ? To me it sounds a bit like a contrast between pure modern heavy metal and an old courtesy sentence, I don’t know if that was the idea, something a bit ironic ?
A: The name was Mike’s idea. The both of us were sending each other a variety of ideas, but I remember that, from the start, he said he would like to choose a name with three words. He told me that he wanted to base the name on me, and for that reason, he thought of the way I used to dress when I was in Sirenia. He told that my clothing was very noble lady-like and for that reason, he thought of « Her Chariot Awaits », like in a Cinderella way. But what he meant by that with the name was that it was more my step from one style to another.

EM: And I think he succeeded! Thanks a lot for this interview Ailyn, I wish you the best with Her Chariot Awaits and I hope it will be very successful and that there will be many tour and many more albums in the future !
A: ¡Thanks to you Vivien! It has been a pleasure talking with you for a while.