LEPROUS, THE OCEAN, PORT NOIR
16.11.2019, Sala Apolo, Barcelona
Promotor: Madness Live

Texto: Meri Gaig
Fotos: Irene Serrano (http://ireneserranophotography.com/)

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Se me quedó en el tintero la crónica del anterior concierto de Leprous que dieron hace exactamente dos años y dos semanas en la sala Bikini de Barcelona. Pues voy a aprovecharlo, estableciendo paralelismos entre ese evento y el del pasado sábado 16 de noviembre de 2019, así como haciendo un brevísimo análisis de la progresión de la banda hasta día de hoy. Ya aviso que me ha salido largo, pues pocas veces se puede escribir desde las tripas tanto como en esta ocasión. Siento la necesidad de aprovechar esta crónica como una retrospectiva-introspectiva –es decir, valorar desde mi opinión personal– la evolución del grupo de noruegos desde sus inicios. A lo mejor esto tendría más sentido en la sección de opinión de este medio, pero la crónica ahí está. Si has venido aquí solo por la crónica de Apolo (como es normal), haz clic aquí para leerla sin más preámbulos.

Entre los que me conocen, es bien sabida la devoción que siento por Leprous desde que les descubrí en «Tall Poppy Syndrome» –su álbum debut, que hacía gala de un imponente metal progresivo– publicado hace ya diez lejanos años. Fue con su segundo lanzamiento, el ecléctico, igualmente excesivo, aunque menos extremo, «Bilateral», con el que se consolidaron en mi como mi banda predilecta; desarrollaron en mí una devoción casi enfermiza, obsesiva; algo inaudito en un grupo «Millennial» como son. Es como si estuviéramos en los a finales de los 70 y acabáramos de descubrir unos tal Iron Maiden. Desde el primer momento somos conscientes de que tenemos algo muy grande entre los oídos.

Con «Coal» bajaron mucho más la intensidad metálica de las composiciones, pero no por ello mermando la potencia sonora del disco, siendo quizás el más redondo (jeje) de toda su carrera. Crearon su sello, un sello único.

Después de eso, presenciamos la fuga del técniquísimo guitarrista solista del grupo, Øystein Landsverk. Eso se notó en su siguiente lanzamiento, «Malina», donde Leprous abandonó ese virtuosismo y esa excesividad progresiva que les caracterizaba en su música, para abordar una versión más costumbrista, sencilla y placentera al oído de lo que eran sus pilares musicales. Como el anterior lanzamiento, pero mucho más descarado. Como si hubiesen abordado el álbum para agradar a nuevos oyentes y ensanchar más aún la fanbase. Malina no destacaba en nada, más allá de ese magnífico chello, y un par o tres de temas notables. Compositivamente hablando, la batería era plana, las guitarras sonaban a una suerte de metal alternativo moderno, y la voz de Einar, apenas sobresalía. Un total desengaño por mi parte.Fue precisamente en la presentación de Malina en Barcelona cuando algo en mi relación íntima con la banda se acabó de romper. No recuerdo haber salido de ningún concierto tan cabreada y desencantada como en esa ocasión. Y es que veníamos de haberles visto cuatro meses antes en el añorado festival «Be Prog! My Friend», en la propia ciudad Condal, en la que presenciamos lo que personalmente catalogo, como la experiencia musical más apoteósica que he experimentado en mis carnes. Pura eufória y desenfreno. Eran Leprous en estado puro, tocando un setlist curado mediante encuesta por los propios fans de la banda, y donde pudimos presenciar cortes ya olvidados en directo como el magistral «Mb. Indifferentia», e incluso muchos otros del primer disco. Qué barbaridad fué eso.

¿Como narices era posible pasar de un extremo a otro en tan poco tiempo, con la misma formación en directo, y en una de mis salas favoritas de Barcelona? Os seré sincera: el ambiente de la sala. Bikini estaba llena de unos asistentes que podríamos catalogar de «fans noveles», poco versados en el conjunto, que se pasaban el concierto charlando, con la música de los noruegos de fondo, como quien va a pasar la tarde en un pub ruidoso y con cerveza mala y cara. «Pero Meri, si esto siempre pasa…«, ¡pues no! En todos sus conciertos en salas pequeñas hasta la fecha, nos congregábamos los devotos fans de la banda, desde incluso su primera visita a españa como cabezas de cartel presentando «Coal» en una abarrotada Razzmataz 3.

Lo de Bikini fue como descubrir que tu hijo adolescente ha empezado a fumar simplemente para encajar en su nuevo grupo, hacerse el «guay» delante de sus nuevos amigos, y dejando de lado sus colegas de infancia.
Para con «Pitfalls», su más reciente estreno, el desencanto seguía. Escuché varias veces sus singles antes del lanzamiento, pero nada me encandilaba del todo, seguía dolida. Pero luego el disco salió. Y escuchándolo con atención un par de veces, detecté varias cosas que me agradaron, y mucho. Esa conceptualidad del disco, basada en la reciente etapa emocionalmente oscura de Einar, cantante, teclista y lider. Esos nuevos experimentos con la electrónica, sumadas a esas líneas de batería mucho más interesantes, y solventemente ligadas a golpe de arco sobre el cello. Y las voces, ay las voces. Volvíamos al pasado, a esa voz operística afalsetada que les caracterizaba en «Bilateral», volvía, transformada aunque genuína. Tenía que ir a Apolo a verles en directo. Habían vuelto a captar toda mi atención.La crónica, al fin. Hablaré brevemente de los teloneros de lujo que les acompañaron para no romper la dinámica del texto. Port Noir, un trío nórdico que no conocía, consiguió atraer bastante público. Tocaron solo temas de su último disco, el cual, oh sorpresa, es diametralmente distinto a todo lo que habían hecho hasta ahora. Realmente convincentes. ¡Y qué prístino sonido! Mezclaban muchos elementos de electrónica en sus temas, ejecutados en directo sobre el controlador por el guitarrista del grupo de forma magistral y precisa. Era curioso como a ratos sus guitarras sonaban muy a Rage Against the Machine, pero eso no es nada malo. Les seguiré la pista, seguro.

Les seguían The Ocean, que a nadie seguidor de este mundillo les sonarán desconocidos. Quizás su estilo no encajaba mucho con el de sus dos acompañantes, debido a su estilo tirando a hardcore a ratos, sobretodo en las voces, pero a quién le importa eso. Sonaron asfixiantes, abisales como el mar, golpearon duramente como olas bravas sobre el espigón del abundante público, cargados de peces cambrianos muy variados de toda su discografía. No se echó mucho en falta la ausencia de las proyecciones que les suelen acompañar, y que contribuyen a que la inmersión atmosférica que proponen sea total gracias a las luces y la carga de humo que no facilitaba la tarea de los reporteros fotográficos. No defraudan nunca.

Había rumores de que Einar no estaba muy fino debido un catarro, y ahí empezaron los temores de todos. Si en un disco donde tanto destaca la voz, tenemos al cantante medio afónico, mal vamos. La total incertidumbre nos asoló cuando Juan Antonio, el promotor del concierto, salió a las tablas explicando el delicado estado del cantante, asegurando que incluso le presionó para que no cancelaran la actuación. Menuda hecatombe… Pero bueno, ya estábamos allí, qué le íbamos a hacer.

Leprous sale a escena. Empieza sonando «Below» el corte que abre el disco protagonista de la velada. A los pocos segundos, Einar empieza a cantar las primeras estrofas. «Oye, pues ni tan mal…«. Seguimos. Segundo fraseo, todo sigue bien. Y al tercero, ya se nos caen a todos al suelo. Borda esa parte, compleja, exigente, soberbia; de manera impecable. «¿Qué está pasando? ¡Pero si está mejor que nunca!«. Dudábamos que pudiera seguir aguantando el tipo así todo el concierto. ¿Lo iba a conseguir? El cierre del tema, no menos sencillo, fue perfectamente orquestado por todos. El sonido: cristalino, potente, espacioso; nadie pisaba a nadie, nada se emborronaba.

A punto de cerrar el evento sonó el tema más crítico de todos, «Distant Bells», es donde el contralto se la jugaba vocalmente de todas todas. Y salió espectacular. Sin más palabras. Que gran sabor de boca. Tras un par de bises cerraron la velada, con «The Sky is Red», que si bien no aportó mucho más, sí culmió con esa «outro» la velada, espectacularmente.

¡Hola de nuevo, Leprous!

Playlist del Setlist:

Fatídica noticia que nos llega de la página de Facebook de WORMED. Lamentamos comunicar que Guillermo Calero, alias «G-CALERO» falleció el pasado viernes 9 de Marzo por causas desconocidas. Guillermo solo tenía 27 años y llevaba cuatro años en la formación madrileña, con la que colaboró en la composición de su último trabajo «Krighsu».

La banda ha emitido el siguiente comunicado oficial:

Acabamos de recibir una devastadora noticia; sintiéndolo muchísimo tenemos que deciros que G-Calero (Guillermo Calero) falleció el pasado viernes.

Desde WORMED queremos dar nuestro más sincero pésame a su familia, a sus amigos y compañeros más cercanos. Todavía no podemos creernos lo que ha sucedido. Aún estamos en shock al enterarnos de que nuestro amigo y compañero de banda se haya ido de una manera tan repentina.

Guille, allá donde estés hermano siempre estarás con nosotros, has sido y serás siempre parte de nuestra pequeña familia. Te queremos amigo y nunca vamos a olvidar todos esos grandes momentos que hemos vivido juntos! Pronto nos reuniremos contigo en ese maldito vacío llamado cosmos.

Desde EMPIRE mandamos nuestras más sinceras condolencias y apoyo a la banda y a los familiares e amigos de Guillermo. DEP

The Aristocrats
24 de enero de 2016, Razzmatazz 2, Barcelona
Promotor: Madness Live!

Estaréis de acuerdo conmigo si afirmo que no suele ser habitual, en la mediana de las Razz, ver una cola que va de puerta a pie de calle, escalinata incluida, a diez minutos de la apertura de puertas. ¿El motivo? Pues que, mal nos pese, si bien este internacional super-power-trío jamás llegará a llenar estadios, sí consiguen congregar allá donde vayan un buen amasijo de fieles incondicionales, deseosos de clavarse en las primeras filas para contemplar al detalle cada uno de sus movimientos. Hecho comprensible, como ya demostraron el año pasado en su anterior visita a la Ciudad Condal, cuando preguntaron cuántos músicos había en la sala, y tres cuartas partes de Luz de Gas alzó la mano. No todos los meses puede un músico contemplar tan asombrosa alineación de astros sobre unas tablas; a Tres Caballeros representando, cada uno de ellos, los más altos exponentes de maestría en los instrumentos mínimos e indispensables de una banda de rock.

La espera para entrar se hizo eterna, puesto que por motivos de seguridad, se cacheó o registró a cada uno de los asistentes antes de entrar en sala, y por ello la cola avanzaba lentamente. Cuando me encontré cerca de la ansiada puerta, miré atrás para comprobar que la cola no había hecho más que aumentar en longitud, y esto era indicativo de que la fiesta empezaría tarde, aunque el buen ambiente lo íbamos a tener asegurado. Ya una vez dentro, pude amenizar la espera charlando con multitud de amigos y conocidos. Cuando el aforo de la sala y la paciencia de algunos se acercaban a sus límites, el respetable empezó a reclamar a la banda a golpe de silbido.

Y ya no se demoraron más. Majestuosamente, ante el clamor popular, tomaron sus posiciones los tres Aristócratas, y de un súbito se formó un silencio casi sepulcral, digno de auditorio, que se cortó de golpe con ese helicóptero militar armado hasta los dientes que es “Stupid 7”. ¡Y qué manera de despegar! A pesar de encontrarme en el foso disparando mi cámara a ritmo de tan endiablados compases, el sonido –aún viniendo de los monitores– se percibía cristalino, incluso en la batalla de instrumentos que es este tema, y en la que se me hacía imposible no sumarme al juego, bailoteando con la cabeza en cuando apartaba el ojo del visor para cambiar de posición dentro de la trinchera. Y es que, mientras estos tres genios tocan, emanan un “buen rollete” de lo más contagioso; se les nota tan sueltos, relajados y cómodos que cualquiera diría que se encuentran entre amigos, disfrutando de su pasatiempo favorito. Y no solo cuando tocan, puesto que en cada pausa, como ya viene siendo tradición, no dejan de soltar chascarrillos y contar las divertidísimas anécdotas que hay tras cada tema. Es una experiencia del todo singular. Lo único que sí se les puede achacar es que son parcos en cuanto a movilidad por el escenario, aunque ya viendo la colocación del equipo se antojaba tan previsible como comprensible, donde los tres gurús quedan recogidos en un reducido espacio donde acaparar simultáneamente las miradas de todos.

El derroche de talento en cada uno de los temas es descomunal. Asistir a un concierto de este calibre es, para muchos, una oportunidad ineludible para presenciar una triple masterclass, el dominio del instrumento es absoluto y la creatividad y la “lírica” no se ven mermadas ante semejante derroche de talento. El lucimiento de cada intérprete va variando en función de quién escribió cada pieza. Por ejemplo, en “Texas Crazypants” el bajo de Beller suena arrollador, y lo tañe al unísono de la centelleante mano de Gurthie, sin despeinarse en el intento, como quien tricota una bufanda. En la siguiente, “Preasure Relief”, Marco nos cuenta acerca de su ex-novia barcelonesa, y deja a todos boquiabiertos, ¡tocando un sintetizador de su móvil a mitad del tema! Y en el ya emblemático tema homónimo de su anterior trabajo, “Culture Clash”, Gurthie Govan se marca unos cambios de ritmo que nos dejan a todos con la cadera torcida, y que el Dr. Minnemann nos recoloca con un incesante blast-beat final.

Texto y fotos: Meri Gaig

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LISTENING PARTY
OBSIDIAN KINGDOM – A Year With No Summer
28.11.2015, Centro de Arte Mutuo, Barcelona

Puntual como un clavo me plantaba en el Centro de Arte Mutuo, en pleno corazón de la Ciudad Condal. EMPIRE habíamos sido invitados a un ineludible evento de lo más especial y exclusivo, organizado por los chicos de Obsidian Kingdom, una de nuestras ya declaradas bandas fetiche. Fuimos congregados junto a otros medios de la prensa musical, ni más ni menos que a la Listening Party de «A Year With No Summer”, su nuevo trabajo de estudio, que saldrá a la venta el próximo 11 de marzo a través de Season of Mist. La expectación era máxima puesto que en las últimas semanas han ido calentando a la gente colgando diversos videos con inteligibles diarios de estudio y parcos adelantos, que no han hecho más que dejarnos con la miel en los labios.

Tras saludar e intercambiar unas palabras con los ajetreados anfitriones, me obsequiaron con unos vales de consumición para la barra del centro, así como de un flyer de la Listening Party –que pienso conservar con especial cariño–, que contenía información acerca del disco, incluyendo un críptico listado con los nombres de los temas, usando una orgía de caracteres apócrifos y que no voy a desvelar. Descifrarlo fue un distendido pasatiempo para amenizar la espera hasta que diese comienzo la audición, y mientras, también disfrutaba del hilo musical compuesto por una de las singulares y eclécticas listas de reproducción con las que la banda suele deleitarnos a menudo.

La decoración de la sala de escucha era totalmente urbana, con una variada colección de sillas añejas, de entre las que me costó decidirme por una. Quería poder admirar las proyecciones con las que acompañarían la escucha sin obstáculos. Poco a poco, los asientos se fueron ocupando, y cuando la sala estuvo lo suficientemente concurrida, Rider G Omega nos dio la bienvenida e hizo una breve presentación del disco. Entre risas, comentó lo extraño que es el momento en el que por fin tienes el disco listo en tus manos, pero debes esperar unos meses a que este salga a la calle.

En la misma línea va el siguiente corte, que empieza con una enigmática locución de un importantísimo colaborador que no revelaremos, sobre una base Drone como estelar co-protagonista. El Drone no es un estilo que les venga de nuevo a Obsidian Kingdom, puesto que ya habían experimentado con él en numerosas ocasiones en sus cautivadores Drone Sets. Escenas de una gélida Barcelona en la proyección. Un tema eminentemente ambiental con un enigmático final. Hablando con Ojete Mordaza II al terminar la sesión, nos dijo que él considera el disco como «un álbum de batería y bajo» y no le falta razón, pues todo se nota enhebrado en torno a estos dos vitales instrumentos, que llevan el hilo conductor en todo momento. Y el recién llegado Om Rex Orale se desenvuelve con total soltura a las cuatro cuerdas.

Muy distinta empieza tercera canción, con esa destacada base rítmica que comentábamos, a la que se suman las densas guitarras de Seerborn Ape Tot y las casi irreconocibles voces del frontman. Un tema más rockero, si se me permite la expresión, pero que se va retorciendo hacia un desarrollo inquietantemente oscuro, como bien adelanta su título, «ĐA4¿N맧», acompañado en la proyección por esotéricos glifos de logias secretas y demás simbologías ocultistas. No estamos ante un disco sencillo. «A Year With No Summer» se postula como uno de esos álbumes en los que, escucha tras escucha, el oyente percibe nuevos detalles, y el disco toma una noción evolutiva muy rica y de lo más orgánica. Como ya ocurría con «Mantiis», es imposible comprender la inmensidad de la obra si no es escuchada de cabo a rabo, aunque si bien en esta ocasión parece que han optado por establecer silencios entre las pistas, seguimos estando ante un disco eminentemente conceptual.
Repite Jorge Mur en el importante trabajo que es la producción, pero esta vez acompañado del colombiano Jaime Gómez Arellano, de los Orgone Studios de Londres (Ulver, Paradise Lost, Ghost, Hexvesel, Oranssi Pazuzu…), donde también se hizo la grabación y mezcla. Me muero de ganas de poder apreciar el resultado con todo lujo de detalles desde unos buenos auriculares.

La audición se nos hizo tan corta que, al finalizar, la sala permaneció muda durante unos largos instantes, atónitos y embelesados. Tuvo que ser Rider G Omega quien rompiera el hiato y arrancara el sentido aplauso final con el que nos íbamos a despedir del disco durante estos tres largos y fríos meses de espera.

ANNIHILATOR + LEPROUS + SPHERE + RENDEZVOUS POINT + HARLOTT + ARCHER
11/10/15,  Razzmatazz2, Barcelona
Promotor: Madness Live!

Justo a tiempo, llegábamos a una Razz 2 a un cuarto de su capacidad, con unos Rendezvous Point que venían a presentarnos su ópera prima, y que justo salían al escenario. Una servidora tenía mucha curiosidad para presenciar cómo se manejaría la conocida por algunos como “La banda de Baard Kolstad”, batería de Leprous, quien iba a tener un extenuante reto por delante al tener entre manos una gira europea en la que estaba tocando dos veces por día.

Las primeras y delicadas notas de “Through The Solar Storm” empezaron a sonar, creando una misteriosa atmósfera de instrumentos enmudecidos que de pronto se vio atropellada por el vigoroso y pegadizo riff principal del tema con el que era inevitable no sacudir la cabeza, al ritmo de esos compases de amalgama imposibles que tanto nos gustan a algunos. La mezcla de sonido, aun no siendo perfecta, rayó a un buen nivel desde el principio y no originó ninguna desagradable sorpresa durante la actuación de los de Baard.

Con temas como “Para”, el cual sonó a continuación, dejaron clara la etiqueta que llevan en la frente estos jóvenes de Kristiansand, que no puede ser otra que la de Metal Progresivo. Esta canción en concreto, se percibe como si estuviera construida alrededor de ese intrincado ritmo de batería inicial, en el que Baard se distinguió sobremanera para el deleite de los allí presentes, que postramos nuestras miradas de manera constante sobre él durante todo el concierto, ignorando incluso a la bellísima aunque discreta bajista del grupo. Otro que adquirió protagonismo fue el solvente guitarrista, Petter Hallaråker, quien en esta gira también estaba dando soporte a Leprous, sustituyendo a Øystein mientras este disfrutaba de su reciente paternidad.

La larguísima “Mirrors” es otra de esas canciones que hacen gala de las etiquetas que mencionábamos, y que si bien contó con partes bastante interesantes –muy «a la Leprous”–, sí se hizo algo más pesada en su parte final. No obstante, salvaron bien la jugada con “Wasteland”, el single de “Solar Storm”, que cuenta con una exigente línea vocal salvada a la perfección por Geirmund, el carismático vocalista, que no dejó de recorrer el escenario. Tras cerrar con los dos cortes que concluyen el álbum, levantaron una buena ovación por parte de la reducida audiencia, de la que seguro, lograron conquistar a más de uno.

Pasados unos minutos, salían a escena los segundos noruegos de la tarde: Sphere, de Oslo. Hacedores de un sonido muy contundente aunque también enrevesado –dada su naturaleza “progresiva”–, inventado hace años por los maestros Meshuggah, y bautizado hoy en día como “Djent”. Aplastantes guitarras de ocho cuerdas, un mastodóntico bajo con seis de ellas, y cantos guturales mezclados con voces limpias, como viene siendo habitual en el subgénero. Sonaron técnicos y solventes, aunque no lograron llegar a sorprendernos debido a que solo pudimos presenciar un par o tres de sus temas. ¿El motivo? Irene tenía una cita ineludible con los chicos de Rendezvous Point: una sesión para dispararles las que serán sus nuevas fotos oficiales, y la menda quería echarles una mano.

Cuando terminamos con el reportaje fotográfico, me pegué un glorioso homenaje en el Pepe’s Bar de enfrente, a base de un buen bocata de morcilla y una cañita o tres… Llegué a tiempo para ver cómo terminaban de montar el equipo para el elenco más deseado, tanto por la escritora como por la fotógrafa de este artículo: LEPROUS, así, en mayúsculas.

Esta iba a ser la tercera vez que les viera en menos de un año, puesto que me acerqué a Londres para disfrutar de su gira conjunta con Haken del año pasado. En cierto modo, me preocupa que cada vez que disfruto de un directo de esta gente, aumenten más y más las ganas que tengo de repetir al abandonar la sala.

Con estas que se apagan las luces, parte de la ya abarrotada sala enmudece y empiezan a sonar los electrónicos latidos del inicio de “The Flood”; un inmejorable comienzo como ya pudimos constatar en el pasado Be Prog! My Friend. Einar, TorO y «los novatos” irrumpen en escena envueltos por un mar de aplausos. Y nos referimos al resto de integrantes así puesto que, recordemos, aún no llevan ni un año en la formación. Admito que tantos relevos y suplencias era algo que me preocupaba bastante, especialmente por la baja temporal de su magistral guitarrista, pero me bastaron un par de temas para erradicar toda duda acerca del joven Petter Hallaråker.

Sin dar tregua, continuaron con la sincopada y enérgica “Third Law”, en la que la –a menudo controvertida– ejecución vocal de Einar fue del todo estelar. Le vimos más comedido en sus movimientos sobre el escenario, y eso, sumado a su nueva técnica de canto gutural, parece que sus cuerdas vocales ya no sufren tanto durante las giras como pasaba antaño. Pletórico, tanto en el micro como sobre su sintetizador, fue la mejor interpretación que recordamos de su persona. En el interludio jazzero de percusión a mitad del tema, Baard se soltó dando rienda suelta a su creatividad improvisadora. Dio la impresión que se lució más en su interpretación con Rendezvous Point, pero quizás, simplemente el cansancio empezaba ya a hacer mella en él. No obstante, se nota que estas líneas de batería son de su puño y letra, ya que se le notó mucho más cómodo y fiel que en sus pasadas actuaciones.
Esto ya era una fiesta, en las primeras filas nos estábamos dejando el cuello como si no hubiera un lunes a la mañana siguiente. La conexión que consiguen estos jóvenes con el público ya la quisieran muchos de los grandes, y tal y como nos dejó caer Einar en la entrevista de hace unos meses, el público español es de los más entregados –y ruidosos– de Europa. Y pudimos dar fe de ello.

Esa noche, cayeron los que en mi opinión son los seis mejores temas de su último larga duración, como la epiquérrima “Rewind” y otras de medio tempo, pero igual de imprescindibles, como “Moon” o “Down”. Simen D. Børven, el bajista, demostró unas grandes tablas y una eficacia que quedaron muy lejos de las de su fugaz antecesor, que si bien no participó en el álbum a nivel compositivo, sí fue el bajista de sesión en la mayoría de los temas del disco. Esperemos que a la sexta vaya la vencida y le acaben integrando como un miembro permanente, ya que promete, y mucho. Después de estas, llegó el turno del que ya es el himno de sus directos, “The Valley” del oscuro “Coal”. Un «progresivo regalo» para los sentidos con el que nos entregamos a corazón abierto y con el que, al terminar, abandonaron el escenario. Nos quedamos un poco con cara de tontos después de estar un rato aplaudiendo y esperando los cuatro o cinco bises que faltaban. Pero no volvieron a salir.

Mucho público abandonó la sala en cuanto Leprous acabaron su trabajo, y es que para nada son compatibles sus seguidores, al menos en un tanto por cierto muy elevado, aún y sí aumentó significativamente la presencia de thrashers dejando Razz 2 en un aforo que superaba la mitad de la sala.

A Annihilator los habíamos visto hacía pocos meses en el Rock Fest de Santa Coloma y no gozaron ni de lejos de un buen sonido, dentro de las limitaciones de Razz 2, con el que contaron esta noche.

El siempre risueño Jeff Waters, ahora de vuelta a la voz después de muchísimos años y los suyos, saben muy bien cómo caldear al público así que, sin anestesia, empezó a sonar por la PA «Rock you like a hurricane» de Scorpions entera, provocando los primeros saltos y cuernos señalando al techo con el consecuente enfado por parte de algunos seguidores de Leprous que aún quedaban por allí, que opinaban que para pinchar una canción les podían haber dejado a los noruegos tocar al menos un tema más. Divagaciones y opiniones que surgen del hecho de mezclar dos giras tan opuestas musicalmente.

Poca importancia le han dado Annihilator en esta gira a su último «Suicide society» del que tan solo tocaron el tema que le da título al disco y «Creepin’ again» justo después de la gran «King of the kill» donde el público se dejó literalmente la voz. El repertorio de esta noche iba a ser casi idéntico al que descargaron en Rock Fest, donde no faltó «Set the world on fire», la jaleada «Never, neverland», «Phantasmagoria» o «Alison Hell». Los de Waters tambien sufrieron algún recorte en la duración de su set (volvemos a remarcar los problemas de juntar giras) y el consecuente cabreo del siempre fiel público thrasher. Un agradecido Jeff Waters se despedía de corazón de su público barcelonés, el cual nunca le falla, con «Human insectide».

A modo de conclusión, nos gustaría hacer una reflexión final acerca de la decisión de la promotora de juntar las giras de Leprous y Annihilator en el mismo evento. Por un lado, los que íbamos con ganas de noruegos, salimos ganando con el cambio de sala, ya que pasamos de la problemática La [2] de Apolo a una Razzmatazz 2 que goza de una acústica mucho mejor y una mayor capacidad. Por contra, tuvimos que asumir un incremento en el precio de la entrada. Algo más molesto fue tener que lidiar con la parte del público que venía para Annihilator y cía., que no tenía ni el más mínimo interés en las nórdicas propuestas de la noche, y que por ende, no dejaron de “rajar” durante el concierto de Leprous, que eran quienes tocaban justo antes de los thrashers. Y quizás lo más hiriente de todo, un recorte de más de media hora en el setlist de Leprous, del que se tuvieron de caer un par de temas tanto del «Bilateral» como del «Coal», así como otro de su último trabajo.

Estamos seguros de que fue algo que a la promotora le dolió tanto como a nosotros –al ser una de sus bandas fetiche–, pero estaremos de acuerdo en que el experimento no les salió nada bien dada la disparidad de estilo entre las dos giras, y que seguro mermó la afluencia de asistentes. Si es que es como si me juntas a Iron Maiden con los Sex Pistols, aunque sin acabar con heridos y eso.

No ha sido el caso del Be Prog! The Madness Day, que aun siendo un “mini-festival” de lo más ecléctico, la mezcla salió de lo más deliciosa, tal y como os contaremos en unos días.

Texto: Meri Gaig y Jero García (Annihilator)

Fotos: Irene Serrano

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Grave Pleasures + +++ 2015
Promotor: Ritual Cvlt
21 de Septiembre de 2015, Sala RockSound, Barcelona

Debo reconocer que ese día me dejé caer por RockSound algo más tarde de lo habitual en mí… Husmeando un poco a los que iban a abrir la noche, los Barceloneses “+++”, descubrí a los pocos temas que simplemente no eran “My cup of tea”, por lo que decidí acercarme al ecuador de su actuación, media hora más tarde de la hora oficial. Al llegar a la sala, me encuentro con algunos de los asistentes esperando fuera, la persiana medio bajada, y con las pruebas de sonido aún sonando dentro. Achaco este importante retraso a dos posibilidades: Algún contratiempo sufrido por la banda visitante, o bien el Karma dándome una lección.

Como apunte curioso, algunos de los asistentes les confundimos en primera instancia con “†††“ (Crosses), el sofisticado proyecto paralelo del cantante de Deftones, que se marcaron el año pasado uno de los más memorables lanzamientos que el «Dark wave” ha dado este último lustro.

La propuesta que esgrimen “+++” es, cuanto menos, peculiar. Ellos mismos se etiquetan en subgéneros como el “Neo-folk”, el “Lo-fi pop”, u otros más irreverentes como “Esoteric-punk” o “Sacro-thrash”. El dúo se ayuda de un sampleador y una caja de ritmos para las bases, y acompañan con sus guitarras acústicas y una sorprendente campanilla de metal como las que usan los curas para oficiar sus misas. Su vehemencia sobre las tablas es del todo encomiable, pues cantan con una pasión casi agresiva, exhibiendo su alma manifiestamente. Acerca de sus letras, hablaremos más adelante.

A medida que se iban sucediendo cánticos como “Veintitrés Leones Dorados Custodian Nuestro Templo”, la folky “De la Corona Cenital a la Luz del Tercer Ojo” o la soporífera “Según las Visiones de los Antiguos Profetas”, el dueto iba alternando sus funciones a los instrumentos tema tras tema; mientras uno cantaba y rasgaba guitarra proyectando esputos constantemente (en sentido literal), el otro tañía la campanilla y disparaba unas ochenteras bases de las que la propia Alaska se hubiese sentido orgullosa. Admito que no estoy muy acostumbrada a estas esotérico-post-modernas artes, pero, por momentos, daba la sensación de que ni ellos mismos se tomaban en serio, disparando socarronas miradas de complicidad entre algunos de los asistentes, y que poco a poco iban saliendo de la sala «a tomar el aire”.

No obstante, algo que no se les puede negar, es que sus letras calan hondo. Tres semanas después de su concierto, mientras estoy redactando estas palabras, me encuentro vociferando interiormente alguno de sus estribillos al leerlos, como “Tres son los vértices; Tres son los vórtices; Tres son los ángulos…” que rezaban en “Tres Son las Calaveras”, uno de los primeros temas de su espectáculo, y lo mismo me ocurre con el que adelantaron que sería el corte de clausura, «En el Fondo de un Pozo Negro Estoy Esperándote”, y que alegró el respetable, desatando unos bailoteos espasmódicos entre algunos de los de la primera fila. Así pues, dudo que la menda siga muy de cerca la trayectoria de “+++”, aunque desde EMPIRE les deseamos muchos éxitos.

Ya pocos eran los minutos para que empezara el plato fuerte de la noche. Aunque el aperitivo hubiese sido un plato de callos con garbanzos, estábamos todos caninos por catar la deliciosa receta de los fineses. Unos cocinillas de escándalo, que vienen con unas referencias en su currículo que casi les convierten en un supergrupo, liderados por un chef con estrella Michelín, el carismático Mat “Kvohst” McNerney, quien está también tras los fogones de los imprescindibles Hexvessel. Si es que no se puede escribir con hambre…

El cambio de nombre de los anteriormente conocidos como Beastmilk obstó en gran medida la difusión y repercusión del concierto, y por ende, el número de asistentes se vio mermado. Pero podemos estar seguros de que, gracias a su flamante contrato con Sony, su próxima visita distará mucho de la que nos atañe en términos de afluencia, y por ello, recordaremos estos momentos con nostalgia durante muchos años.

Pero vayamos a lo interesante. Salen del diminuto Backstage de la RockSound Grave Pleasures y la sala se sume de un silencio muy poco habitual en lo que viene siendo una sala de conciertos. Conectan sus instrumentos sin demora, y arrancan con “Utopian Scream”, tal y como lo hace su nuevo trabajo, el intimísimo “Dreamcrash”. Podemos afirmar con rotundidad que les bastó con tres compases para meterse a toda la sala en el bolsillo, haciéndonos brincar desde el primer momento. Y es aquí cuando el papel de un frontman cobra una importancia vital, puesto que durante los primeros minutos, todas las miradas suelen ir hacia este, y en el caso de Kvohst, consigue encandilar con una inexplicable química alquimística; ya sea por la forma con que gesticula sus movimientos, o las miradas provocadoras que va lanzando al público, ya por no hablar de su cautivador timbre de voz.

Al tercer tema, dispararon la artillería pesada con un bailable tema de Beastmilk, “You Are Now Under Our Control”, del que solo podemos afirmar: Yes we were, bitches!. A estas alturas, la sala estaba totalmente desatada; destacando algunas fans de las primeras filas, un poco pasadas de Jagger, que se zarandeaban cual seguidor de Brutal Death Metal. Es más, incluso una servidora no podía evitar sacudir la cabeza mientras tomaba instantáneas durante los primeros temas. En la guitarrera “Futureshock”, la imponente Línnea Olsson se pudo lucir a las seis cuerdas con una solvencia y efectividad que le hacían acaparar las miradas de todos, acorde tras acorde.

La cohesión entre los miembros era total, incluso con el segundo guitarrista, Juho Vanhanen –frontman de mis idolatrados Oranssi Pazuzu– quien es el mercenario de esta maravillosa ecuación, pues solo colabora con el grupo como músico de estudio y de directo. Cabe decir que fue el miembro con menos tablas de la noche, si bien ejecutó sus partes de manera encomiable; se quedó relegado a un lado del pequeño escenario, y no interactuó más de lo necesario durante la función, aunque a lo mejor simplemente quedase eclipsado por el magnético Mat.

Con “Worn Threads” pasaron del futuro al pasado, hablando sobre el dolor provocado por las rupturas, como la que desencadenó en la banda que son hoy, o las sufridas por sus dos nuevos integrantes, Línnea y el sobresaliente batería Uno Bruniusson, de los ya extintos In Solitude, y que demostró que la fama que le precede se la ha labrado a pulso. Quiero destacar de este emotivo tema el hecho de que Mat se rodeara el cuello con el cable de su micrófono mientras cantaba, como si de una soga se tratara, y que a mí solo me hacía pensar en lo cerca que había estado de los escupitajos del suelo de la anterior actuación…

Tras un par de temas de Beastmilk que provocaron una estampida del público, nos deleitaron con el flamante single “New Hip Moon”, que resultó ser más bailable incluso que las canciones que les hicieron saltar a la palestra, para luego intentar cerrar la noche con “Love in a Cold World”, del Climax. Al abandonar el tableado, como nos quedamos con ganas de más, les reclamamos de manera tan insistente que no aguantaron ni veinte segundos. Las palabras de Mat fueron: “Como no tenemos donde dejarnos caer, nos quedaremos un rato más”. Así que nos regalaron la tranquilota “Crooked Vein” y el hitazo “The Wind Blows Through Their Skulls” que puso el broche de oro a esta formidable velada. ¡Qué cortito se nos hizo!

AHAB
«The Boats of The Glen Carrig»
Napalm Records

«The Boats of the “Glen Carrig”» es una novela de terror fantástico escrita por William H. Hodgson, hace ya más de cien años, a finales de la época Victoriana. Hodgson, contemporáneo e importante influencia del archiconocido H. P. Lovecraft, era un ferviente amante de las temáticas marinas, y algunas de sus obras así lo demuestran. Fue el pionero utilizando “el tentáculo” como elemento de terror, precisamente en la novela epónima que pone nombre al nuevo disco conceptual de Ahab, cuya portada ya dilucida muchos de los elementos que nos encontraremos durante la audición.

Los alemanes van un paso más allá en la dirección que tomaron con “The Giant”, su anterior trabajo, y siguen apostando por una producción mucho más cuidada de lo que viene siendo habitual en el género del Doom Metal. Nos regalan unas cautivadoras letras cargadas de recursos literarios –que ni me atrevo a mencionar–, ejecutadas de manera impecable por Daniel Droste, tanto en las cúspides de los temas, con sus abisales guturales, como en las partes más melódicas, donde hace uso de las voces limpias, teñidas de ese característico lamento que le imbuye a la obra una dulce teatralidad.

Así pues, la intensidad del disco va subiendo y bajando como las mareas, aunque también nos sorprenden con inesperados peñones en mitad de ese inmenso océano que son sus obras; tan despiadadas y bellas como puede serlo el mar.

La aventura arranca evocando un cálido atardecer en alta mar, con unos seductores fraseos de guitarra que, como un canto de sirena, consiguen dejar azocado al oyente desde el el primer segundo, y que rápidamente se ve azotado con implacables oleadas a medida que los botes del Glen Carrig se acercan a la isla donde está varado el naufragado barco, donde la tripulación, liderada por el protagonista de la obra, afrontará terribles encuentros con antinaturales criaturas.

“Like Red Foam (The Storm)”, la única pista que no excede los diez minutos, es una despiadada tormenta teñida de rojo que va amainando hacia el ecuador del tema, y dispone una sonoridad que recuerda a los primeros Mastodon, donde todo se construye a partir de un acorde de potencia, y se va retorciendo muy inteligentemente. En el último corte, curiosamente una bonus track, aguarda un súbito e importantísimo giro argumental que da sentido a la aterradora aventura de John Winterstraw, y que cierra el disco de una manera mucho más coherente que en la edición que carece de este, donde lo hace de una forma demasiado abrupta.

Estamos pues ante la obra magna de Ahab, ya que envidan en la fórmula del éxito sin renegar de su trasfondo, y no se limitan a simplemente amarrar fraseos efectistas, sino que los tejen delicadamente de una manera más “progresiva” en un alarde de creatividad de lo más elogiable.

GHOST
«Meliora»
Spinefarm Records

Al ver por vez primera a uno de los Papa Emeritus rodeado de su séquito de Nameless Ghouls, son pocos los que no los preconciben como una banda de Metal extremo dado su herético semblante; unos adoradores del Maligno, de esos que a lo mejor hasta se creen lo que cantan. Los que deciden dar una oportunidad a su música, de pronto se ven sorprendidos al percibir unos accesibles ritmos guitarreros y pegadizas melodías, junto a unas dóciles voces más propias del Pop-rock que sonaba por la radio durante los setenta, al más puro estilo de los primeros Black Sabbath o los Blue Öyster Cult. Prestando atención a su lírica, esos prejuicios referentes a su estética cobran fuerza de nuevo, con unas temáticas de lo más siniestras, que abrazan la imaginería satánica en muchos de sus cortes.

Esta inquietante ambigüedad que han logrado imbuir a su marca, ha hecho que estén en boca de muchos y que dejen indiferentes a más bien pocos, cosechando una fanbase enorme, atrayendo incluso a oyentes ajenos a la escena metalera. Su primer larga duración, “Opus Eponymous” hacía gala se ese sonido Hard-rockero de la séptima década, con una producción más “descuidada” –si se me permite– y que fue la mejor carta de presentación posible, puesto que en pocas semanas ya hablaban de ellos en todas partes. Tres años después, ya con “Infestissumam”, decidieron exprimir más su faceta más “popera” creando un álbum más accesible y melódico, con una producción más acorde a los tiempos que corren, y que originó una división de opiniones entre sus oyentes, tanto de crítica como de seguidores. Sumado a esto, y gracias a la disputa entre los suecos, la Iglesia, y una suculenta hamburguesa, consiguieron que se les mencionara en medios generalistas y se viralizó el nombre de la banda, incrementando su popularidad desmesuradamente.

Con “Meliora” la banda combina sabiamente las fórmulas ganadoras de sus dos anteriores trabajos, y dan una nueva vuelta de tuerca. Vuelven los guitarreos más pesados; mejora el trabajo en la producción con resultones arreglos y nuevos instrumentos, como arpas u órganos de iglesia; y consiguen hacernos tararear sus melodías ya tras la primera escucha, que es ligera y fugaz como un suspiro. El concepto del álbum gira en torno a la ciudad que pone nombre al disco, una distopía urbana futurista presumiblemente inspirada por la cinta alemana «Metrópolis» de 1927. La voz del nuevo Papa Emeritus nos sorprende de nuevo por no haber cambiado ni un ápice, pues sigue manteniendo ese característico timbre dulce de los que le precedieron al micrófono, y que confirma las sospechas de que disco tras disco, pueden cambiar al títere, pero no al titiritero.

GHOST – Meliora
Consiguen hacernos tararear sus melodías ya tras la primera escucha, que es ligera y fugaz como un suspiro.

Abre el disco “Spirit”, con una lisérgica introducción a golpe de Theremin que parece sacada de un filme de Ed Wood, y a partir de la cual se va construyendo (en una efectiva progresión instrumental) un complejo tema que introduce a todo lo que está por venir. “From the Pinnacle to the Pitt” en cambio, se nota como un oscuro tema enhebrado en base al riff de guitarra principal, y seguramente esté muy pensado para el directo.
Con “Cirice” nos presentan su particular y acertadísima visión de lo que debe ser una balada, una funesta historia de amor entre el yugo opresor ejercido por un miembro autoritario de una religión, contra un insignificante feligrés de ésta.

Tras un breve interludio de cuerda llega “He is”, un tema escrito hace ocho largos años, y con una pesada carga emocional, pues es la forma en que la banda rinde homenaje a su íntimo amigo, el desaparecido Selim Lemouchi de «The Devil’s Blood”, quien siempre les había insistido en que incluyeran este descarte en uno de sus discos.
Otro corte sacado del tintero por no haber tenido cabida hasta ahora en ningún álbum es “Mummy Dust”, el cual auguro que será otro de los himnos de Ghost a partir de ahora. Sobran las palabras, imprescindible.
“Absolution” y “Deus in Absentia” son otros dos temas que rezuman esencia Ghost compás tras compás, y se encargan de cerrar de manera impecable el disco.
Veremos como se comporta el trabajo en directo en un par de meses. Tened por seguro que os lo contaremos de primera mano.

Por Meri Gaig

KEN mode
«Success»
Season of Mist

Mi primer acercamiento a este trío canadiense no pudo suceder de mejor manera. Les descubrí en el siempre arrollador directo que ofrecieron durante el «RITUAL CVLT FEST» del año pasado –imprescindible evento para el que lamentablemente deberemos esperar hasta el próximo año para celebrar su segunda edición– y que encumbró una cantidad desproporcionada de bandas underground internacionales de inusitada calidad.

Me dejaron tan prendada que me abalancé cual posesa sobre su nuevo trabajo cuando este cayó en mis redes.

Perfila un acercamiento más Indie que sus anteriores trabajos y entra directo a la sesera de buenas a primeras; pero no olvida ni deja de lado esas arraigadísimas bases punkarras que conforman el estilo Sludge o el característico Noise Rock que les ha definido desde sus orígenes. Escucha tras escucha, he ido devorando indiscriminadamente cada uno de los temas en su total magnitud, y el disfrute no ha hecho más que crecer, pese a que siempre se me hace demasiado corto.

Música cruda, directa, sin contemplaciones. Se dejan de florituras banales (ruidos aparte), sirviéndonos en una cristalina bandeja la mezcla analógica instrumental aderezada por Steve Albini (Nirvana, The Pixies), y nos deja las puertas abiertas de par en par a una lírica recitada con muy mala leche que se mofa indiscriminadamente de nuestros ideales sobre la consolidación del triunfo en la sociedad, así como del patético reflejo que arrojamos durante nuestros vehementes intentos.

Season of Mist, qué buen ojo tenéis…

Meri Gaig

LES DISCRETS –
LIVE AT ROADBURN
Prophecy Productions

Si preguntamos a algún aficionado del estilo Shoegaze por nombres de bandas, seguramente le vengan a la cabeza las puntas del tridente francés formado por Alcest, Les Discrets o los extintos Amesoeurs; tres formaciones que -cabe decir-, comparten o han compartido la mayoría de sus miembros, y cada una de ellas contempla un acercamiento distinto a este melancólico estilo.

Hallamos con Les Discrets –el proyecto liderado por Fursy Teyssier–, la propuesta más calmada de las tres, puesto que es la que más rehuye de las extremas estructuras del Black Metal que conforman el denominado estilo Blackgaze, últimamente popularizado gracias a bandas emergentes como Deafheaven o Altar of Plagues.

“Live at Roadburn”, el álbum en directo que hoy reseñamos, probablemente sirva a la banda como epitafio de su habitual sonido, el cual se presume –según Fursy– que dará un inesperado vuelco en el ansiado nuevo trabajo que ha estado componiendo durante los últimos meses, ya sin contar con la ayuda de Winterhalter en la batería.

Fuera como fuese, los antológicos temas de sus dos anteriores larga duración le permiten conformar un conciso álbum en directo que nos transporta, a través de un caudaloso río de emociones, a uno de los escasísimos conciertos que Les Discrets (y tan discrets) han ofrecido.

Brindaron al afortunado público neerlandés de un setlist impecablemente escogido, arrancando con “Linceul d’hiver”, una melodía tan rematadamente escandinava que hiela el alma, que empalma con los –para mí incomprensibles– cantos en francés de “L’Échappée”, y traslada al oyente de golpe y porrazo a la Galia más ensoñadora. Temas más animados como “La nuit muette” generan el balance perfecto en un disco que se hace más corto de lo que ya de por sí es.

Antes del cierre del concierto, les regalaron en exclusiva a los asistentes del Roarburn, una versión de «Gas in veins”, uno de los temas más bellos de Amesoeurs, que inexplicablemente no han incluido en este disco, para finalmente concluir con los atronadores ecos de “Song for mountains”, cuya sobrecogedora atmósfera nos deja anhelando ese álbum venidero.

Meri Gaig

«L’Échappée»