VOLBEAT
07.07.2018, Sala Santana 27, Bilbao
Promotor: Madness Live!

Después de dos dias donde los daneses formaban parte de dos formatos de concierto totalmente diferentes, uno en un gran festival y otro como teloneros, llegaba el turno de quitarse el mal sabor de boca y darlo todo en el que ha sido su único show como cabeza de cartel en España.
Como muestra de lo que se intuía la noche de ese lunes, el sold out colgado en la entrada.
Llegadas las 21.30 empieza a sonar «Walk» de Pantera, ofreciendo al respetable un pequeño homenaje al recientemente fallecido Vinnie Paul. Una vez acabada la intro hicieron acto de presencia Poulsen, Caggiano, Kaspar y Larsen, los nuevos jinetes del Hard Rock / Metal / Psycho / Rockabilly.

Y sin más dilación nos abren el tan deseado show con «Devils Bleeding Crown», temazo del último trabajo, ‘Seal the Deal’, seguido del medley «Heaven nor Hell / Warriors Call / I only wanna Be with You» y os puedo asegurar que en ese momento la Santana 27 había entrado en calor, extasiados por un sonido espectacular, la banda compenetrada al máximo y sabiéndose ganadores esa noche en nuestro territorio.

«Lola Montez» hacía las delicias del personal, un tema que genera un buen rollo impresionante y nos obliga a cantar el pegadizo estribillo que tiene. Aparte de ver disfrutar a Rob Caggiano tocando el solo y posando para las fotos de los que estábamos allí abajo. Todo un lujo de persona.
«Sad man’s Tongue», ese tributo a Johnny Cash, donde Michael Poulsen antes de tocarla, nos dedicó un trocito de canción agradeciendo la presencia allí y lo buenas personas que éramos, aunque no hacía falta Michael, ya nos tenías en el bolsillo. Un tema corto pero lleno de intensidad, donde el personal se lo pasa en grande.

«Lonesome Rider», «Let It Burn»… y los temas iban cayendo sin descanso. La ultra corta «Slaytan» y el grito final de Poulsen “Show your horns!!!”, seguida de «Dead But Rising», un tema que hace que nos desgañitemos cantando. Menuda noche nos estaban ofreciendo los daneses.

¿Quién decía que estos chicos no eran buenos? La madurez musical que estos señores han alcanzado y sobretodo el ser una de las bandas punteras de la escena actual hace que uno pueda disfrutar de shows como este. Viendo la entrega de los presentes coreando, saltando y cantando las canciones, te dabas cuenta que Volbeat llegaron a la escena musical para quedarse mucho tiempo.
«16 Dollars», para quien no conozca la vena Rockabilly de la banda. Quien no se mueve con este tema es que no tiene sangre en las venas o está en el show equivocado.

Con «The Everlasting» la banda nos ofreció un tema que se acerca más al Metal, sin concesiones, duro y directo, siendo un adelanto de lo que puede ser su próximo trabajo.
«For Evigt», otro tema que será un clásico en los repertorios de la banda, nos hacía pensar que esto se empezaba a acabar. «Seal the Deal» y «Doc Holliday» para terminar la primera parte del concierto. Tres temazos como la copa de un pino, llenos de garra, fuerza y buen rollo.
Y para rematar el festín de la calurosa noche bilbaína, el cuarteto ejecuta en los bises «Black Rose», la sentimental «Fallen» y «Still Counting», donde la banda hizo subir al escenario a una docena de chavalines.

Broche de oro para finalizar el espectáculo que nos acaban de ofrecer, en el que un grandioso Poulsen no dejó de interactuar con el público, ya fuese haciendo subir a un niño pequeño con su madre sobre el escenario o fijándose en las camisetas de Anthrax del público, y sobretodo, de sonreir.
Con bandas así da gusto volver a repetir cuando vengan de nuevo.

Texto: Ruben Barroso

MOONSPELL + BIZARRA LOCOMOTIVA
6.11.2017, Sala Salamandra, L’Hospitalet de Llobregat
Promotor:

El pasado día 6 tuvimos el placer de ver a Moonspell actuar en la fría noche barcelonesa.
El show nos traía de invitados al cuarteto Bizarra Locomotiva que, para quien no los conozca, son originarios de Lisboa y tienen nueve discos en el mercado desde 1994.
Bizarra nos ofreció un show que es de difícil catalogación. Su estilo nos puede recordar a una mezcla variada de artistas como Rammstein, Mortiis o Combichrist. Un estilo Darkwave / Industrial / Techno Metal combinado con la voz tétrica de Rui Sidónio hacía que la mayoría de los presentes pensaran que estaban más en una discoteca que en un show metalero.
El cuarteto nos ofreció temas de su LP “Álbum Negro” (2009) y de su último trabajo Mortuário (2015), mucho más oscuro y pesado que el anterior.

“Na Febre de Ícaro”, “Gatos de Asfalto”, “Na Ferida um Verme”, combinado con el espectáculo que ofrecía Sidónio bajándose del escenario y cantando al lado del público hizo que la noche se fuese caldeando poco a poco. Con “O Anjo Exilado” hizo aparición en escena Fernando Ribeiro y desató la locura de los presentes. Como su compañero vocalista, se bajó del escenario y cantaron el tema al lado de los fans.
El show de Bizarra concluía con “Ergástulo, Engôdo” y “O Escaravelho”. Casi una hora de riffs contundentes, sintetizadores a mansalva y ritmos industriales en cantidades ilimitadas. Buena carta de presentación para encontrar nuevos seguidores por parte la banda.
Aunque lo que esperaban ansiosamente el centenar de presentes allí reunidos era la nueva obra maestra de los lusos Moonspell.
Su nuevo trabajo hacía 2 días que había salido al mercado, pero lo que no nos podíamos imaginar ni por un momento era el espectáculo que nos iban a ofrecer.

El relato musical de cómo un desastre asoló Lisboa, un nuevo estilo a la hora de cantar, ya que el ultimo trabajo está grabado íntegramente en portugués, y altas dosis de épica tanto lírica como musical.
Hicieron salida a escena con una intro instrumental de su nuevo Medo, y una vez ya colocado el quinteto en sus posiciones, empezaron los acordes de 1755, donde un grandioso Fernando Ribeiro salió a escena ataviado con una máscara de medico en la época de la peste negra. In Tremor Dei, con los teclados y los coros de fondo sonaba majestuosa, Desastre con su ritmo pesado y un juego de luces, que personalmente creo que es de los mejores que ha llevado Moonspell en mucho tiempo, hacían que formases parte de la historia que nos contaban. Abanâo hizo que las cabezas de los presentes empezaran a hacer headbanging, y Evento fue sin duda otro de los temas que sonaron espectacularmente, los ritmos pesados con las acústicas, los coros y sus colosales cambios de ritmo, una delicia.
Turno para 1 de Novembro, la canción que mas corearon los presentes, donde un pletórico Ricardo Amorim hace los coros y se marca unos ritmos endiablados con su guitarra, y Fernando se desgañita cantándola.

Ruinas, con su ritmo medio arabesco y unos teclados donde Paixao puede lucirse, hizo que los presentes tuviésemos un pequeño respiro. Mencionar el solo de guitarra donde Ricardo es el amo y señor de este tema.
Y si con todo lo que estábamos escuchando y viendo no era suficiente, Todos Os Santos hizo las delicias del público. Un temazo en toda regla donde Fernando nos invitaba a cantar el estribillo ( Faz día en Portugal! ), y donde el mismo sale con una cruz con láseres rojos y va iluminado la sala, y un juego de luces en rojo completamente, no tengo adjetivos para describirla, extraordinaria se queda corto.

Y empiezan a sonar las notas de lo que será uno de los temas que ojalá formen parte de los set list de la banda a partir de ahora, Lanterna dos Afogados una versión de Os Paralamas Do Sucesso. En esta ocasión Ribeiro sale a escena con un candil y medio susurrando la voz, hace que se te pongan los pelos como escarpias. Preciosa, dulce, una canción que nunca te hubieses parado a escucharla con su banda original y que te la puedes apropiar como una de Moonspell.
Y para terminar lo que fue la presentación en vivo de su último trabajo, y tocado íntegramente, remataron la faena con En Nome Do Medo.

Pequeño descanso para pillar un poco de fuerza y listos para ejecutar algunos de los éxitos que tan grandes han hecho a la banda, Vampiria y Alma Mater, donde se desató la locura general, Everything Invaded y Exctint. Y como temas finales nos dedicaron las ilustres Opium, Awake y su queridísima Fullmoon Madness como colofón final.
Lo que nos ofreció Moonspell en la fría noche del lunes fue majestuoso, un show al que actualmente no le damos la importancia que tiene, con un posible cambio de estilo, aunque no lo podamos afirmar al 100%, pero que de aquí a unos años la gente hablará de él y el centenar de personas que estuvimos allí podremos presumir de haber estado.

Desde aquí os informamos que los volveremos a ver en escena por nuestras tierras en Febrero, acompañando a Cradle of Filth.
Desearle lo mejor a todos y que nos sigan sorprendiendo con joyas en vivo como esta.

Texto: Rubén Barroso
Fotos: Irene Serrano

Desde aquí agradecer el tiempo que nos dedicó el frontman de la banda portuguesa Moonspell, Fernando Ribeiro, y su magistral clase de historia en su reciente visita a Barcelona. Desearle desde aquí los mejores éxitos para su nuevo trabajo 1755. Moito obrigado!

EMPIRE MAGAZINE (EM): “1755” el año del gran terremoto que asoló Portugal ¿Este será el disco que marcará una nueva época en Moonspell tal y como lo conocemos?
FERNANDO RIBEIRO (FR): Ahora con 25 años de carrera y de historia y con todo lo que ha pasado con estos años de celebración me dediqué a pensar mucho en lo que es Moonspell, para ver más a donde vamos que de dónde venimos, porque el pasado ya estaba y la gente nos conoce. Yo no te puedo responder bien a esta pregunta, si es una nueva fase o una nueva aventura, pero lo que si siento con Moonspell y “1755” es que ha sufrido una renovación. Después de “Extinct” la gente no pensaba que necesitábamos una renovación ya que el disco fue de mucho impacto pero las personas dentro de las bandas toman decisiones que a los fans les resultan un poco raras, como “1755”, pero para nosotros son sumamente sencillas y básicas. Todo esto es más una aventura musical y concuerda más con una puerta que se abre que con otra que se cierra como si fuese un on/off álbum. Nosotros estamos muy satisfechos por contar esta historia, aparte de la novedad que supone cantar en portugués, que aparte le hace mucho bien a la banda y eso es lo que importa.

EM: En más de una ocasión habéis escrito temas en portugués, pero ¿Teméis que por haber compuesto un disco exclusivamente en vuestra lengua natal muchos de vuestros fans dejen de escucharos?
FR: Es como la ley de Lavoisier, nada se pierde ni nada se queda, sólo se transforma. Y para mi, los fans son algo esencial, como cualquier banda. Pero ¿qué hacer con los fans? Darle algo esperado… crear un efecto de sorpresa… tu no lo sabes ya que todas las personas son diferentes. Pero es una decisión de la banda y la música es una relación de confianza y a mí me incomoda mucho que las personas piensen que por pagar a una banda tienes allí algo que es un servicio. No lo es, es una relación honesta.
Por eso decidimos de cantar en portugués y contar con el factor de ser genuinos y contar la historia del terremoto. Aparte, todo esto es un punto de interrogación en Moonspell ya que nunca ha sido una banda conceptual y, personalmente, preferimos ser una banda que sorprende a los fans. Algunos fans se quedarán con lo antiguo, otros abrazarán el futuro, y hay tantas cosas que acontecen cuando uno hace música, que el tema del idioma no debe ser un problema. Tenemos ejemplos como Solstafir, que es toda una experiencia, y “1755” también lo es. Tenemos críticas brutales, con una buenísima aceptación de países que no hablan portugués o castellano.

EM: ¿Cómo reaccionaron vuestros fans cuando lanzasteis los singles de “Todos os Santos” y “Evento”?
FR: Siempre debemos estar atentos. El trabajo ya está listo y ahora toca interpretar en directo, que es muy bueno para nosotros.
Tenía la idea de hacer algo más teatral y hemos conseguido todas las noches un espectáculo que parece más una Opera Rock Metal.
Las reacciones… en Portugal están encantados con este disco, que es una cosa normal, otro país que nos demuestra un entusiasmo brutal es Brasil. Cuando lanzamos los singles los fans de estos dos países se entusiasmaron muchísimo, pero el caso es que fue mucho más global. Tuvo una reacción tremenda, hace un mes que salió el video de “Todos os Santos”, y ya cuenta con casi trescientas mil visitas. Eso me hace ver que no estoy tan solo, y me hace ver que la gente no se encuentra tan aburrida como en algunos estilos del Metal, que a veces parece un callejón sin salida.
La expectativa de un disco en portugués era hacerlo muy bien y que estuviese bien contado. Todo lo que nos viene es muy bueno, es un disco diferente y un poco arriesgado, pero irá bien para mudar y transformar algunas mentalidades, que eso siempre es bueno.

EM: ¿Cómo fue el proceso creativo de 1755? Como banda ¿en qué momento decidisteis enfocar el nuevo trabajo en esta nueva dirección? La idea de las orquestaciones en los temas ¿ya lo tenias pensado así?
FR: El concepto lo tenía en mi cabeza desde hace muchos años, concretamente desde que iba a la Universidad.
Fue un día que marcó una salida muy trágica de Portugal, y consecuentemente también de España e Italia, que eran países católicos, que tenían rechazada la Revolución Protestante anglicana, y por eso estábamos un poco parados en el tiempo. Una vez acontece el terremoto y destruye Lisboa, que es reconstruida después, también hay huelgas de choque y mudanzas sociales y religiosas en toda Europa.
Es una gran cuestión filosófica, y cuando el concepto lo tuve hecho le dije a Pedro, Ricardo, y el resto de músicos que íbamos a hacer un EP con cuatro temas para el próximo DVD. Al final todo esto se transformó en un LP, lo configuramos de nuevo, hablamos con los responsables de Napalm y ellos estuvieron de acuerdo.
A nivel musical, teníamos muy claro que aparte del Metal lo pensamos muy teatralmente, que fuese todo lo épico del terremoto, la destrucción con la tierra temblando, las casas arrasadas… fue como una tormenta perfecta, primero fue el temblor, después llegó el fuego a causa de las velas de las iglesias, y eso está lleno de misticismo simbólico, y las casas de los lisboetas que eran muy precarias y ardieron muy fácilmente, y para finalizar, los tres tsunamis que devastaron la ciudad a finales del siglo XVIII.
Con las acústicas y percusiones intentamos recrear el ambiente de las calles y con los coros sagrados el ambiente de las iglesias, con los que, sumados al Metal, creamos los tres ambientes que dan como resultado “1755”.

EM: ¿Es “1755” un álbum que debería ser tocado en un teatro con orquesta?
FR: Claro que nos gustaría ya que este disco es muy teatral. En Portugal hicimos unos shows muy teatrales y visuales con monjes cantando, con brujas a los lados, con un telón de fondo con una pequeña Lisboa destruida y eso es lo que nos gustaría poder hacer. En el tour por España tocamos el disco íntegramente pero desafortunadamente sin toda esta gente.
Para mí, el sueño más ambicioso sería poder hacer el show con una orquesta y coros reales, actores y video maping del terremoto en un sitio muy especial, la zona de impacto de las olas, que se llama actualmente Plaza do Comercio en Lisboa. A día de hoy estamos negociando para ver si nos dan los permisos.

EM: ¿Es vuestro disco más reivindicativo hasta la fecha? Temas como “1 de Novembro” ¿son una declaración de intenciones?
FR: Moonspell no es una banda política, pero no somos nosotros, sino los tiempos. Desde la crisis en Portugal y España el mundo nos transformó en políticos. Y cuando haces un álbum sobre “1755”, las personas, especialmente en Portugal y un poco por todo el mundo, se interesaban y veían conexiones con el presente. Fíjate que el álbum trata de un desastre natural y a día de hoy, 262 años después, nos vemos rodeados de fuegos forestales. Por eso la letra de “Todos os Santos” hace hincapié que fue un desastre natural y no había modo de predecirlo.
En 2017 a través de negligencias o de crimen, hay mano humana en los fuegos. Y eso les da que pensar a las personas. Por eso “1 de Novembro” y “Todos os Santos” son cosas de aquella época, pero tiene una lectura actual. A mí no me importa decir, aunque quede un poco fascista, que los músicos somos como pan y circo. No lo somos, somos personas visibles para tener una opinión política ya que no estamos detrás de un ordenador. Viajamos por todo el mundo y estamos en países donde las cosas están complicadas, y donde a nosotros nos lo han puesto complicado y nos eso nos permite tener una lectura política del mundo también.

EM: En Febrero volveréis por aquí teloneando a Cradle of Filth ¿Ya tenéis pensado el set list?
FR: La gira con Cradle es como una gira entre amigos. Personalmente, quiero insistir muchísimo con el nuevo disco. Como posiblemente tengamos 50/60 minutos para tocar, probablemente retire dos o tres canciones de “1755”, aunque aun no lo sé. Aunque a nosotros nos gusta el desafío de hacer las cosas lo más difícil posible. Seguramente meteremos una fuerte dosis de “1755” y los temas clásicos.

EM: Como banda ¿para qué grupo os hubiese gustado / os gustaría abrir un show?
FR: Nuestro sueño fue realizado en el ’96, cuando abrimos para Type O Negative. A mí me gustaría una gira grande como Maiden o Metallica, que a las bandas veteranas como la nuestra les cuesta llegar. Otra banda para la que me gustaría abrir y que me gusta mucho son Ghost y pienso que sería una gira espectacular, tanto musical como visual por parte de los dos grupos. Aunque lo que más me gusta es tocar con bandas con las que nos entendemos musicalmente, como Bizarra Locomotiva, Cradle of Filth o Solstafir, por ponerte unos ejemplos.
Nos gusta elegir bien nuestras aperturas y ahora que ya tenemos 25 años de carrera nos cuesta un poco más decir que si a todo lo que nos ofrecen (risas).

EM: Después de “Purgatorio” (2015) ¿tienes en mente publicar otro libro?
FR: Estoy traduciendo los tres libros que están en Purgatorio para el publico inglés. Después estoy haciendo una traducción en español, que probablemente se asemeje más al mexicano (risas), también tengo que editar un libro de Till Lindemann (Rammstein) en portugués, cosas así…
Escribo mucho, es una pasión y un hobby, al que le dedico tres horas diarias para escribir y leer. Actualmente estoy escribiendo el próximo libro de Moonspell y todo esto lo vamos a editar a través de Alma Mater Books.

EM: Si quieres añadir alguna cosa más para nuestros lectores…
FR: Que veáis 1755 como un descubrimiento, sin prisas, donde se relata un trozo de la historia de Portugal musicalmente y nuestro trabajo es una buena opción.
Un gran saludo de parte de Moonspell para vuestros lectores!

Obrigado Fernando!!!
Entrevista y texto: Ruben Barroso

Fotografías por Irene Serrano (www.ireneserranophotography.com)

CRADLE OF FILTH
«CRYPTORIANA – THE SEDUCTIVENESS OF DECAY»
Nuclear Blast

Doceavo disco de la banda inglesa liderada por el tipo más odiado de todo Suffolk, una persona que destila maldad y capaz de elaborar unas letras que te hacen sacar peor de tu ser.

Cuando escucho a Cradle of Filth se me vienen rápidamente las imágenes de aquellas camisetas blasfemas como la de Vestal Maturbation o la archiconocida Jesus is a Cunt. Era la época dorada de un grupo liderado por Dani Filth, un ser dictatorial pero con una verborrea y una lírica fascinantes.

Les había perdido la pista desde que sacaron «Thornography», pero cuando llegó a mis manos este último LP decidí darles otra oportunidad, después de haber escuchado por encima sus últimos trabajos y ver que habían perdido parte de aquella magia y misticismo que tenían por aquel entonces.

Entrando en materia, «Cryptoriana» está un par de puntos por encima de su anterior trabajo, «Hammer of The Witches». Guitarras rápidas y pesadas, pasajes melódicos, batería con doble bombo por doquier, coros fantásticos y la reconocible voz de Dani Filth, que nos sigue demostrando que puede seguir haciendo sus desgarradores aullidos y sus cambios de voz guturales.
En palabras de Dani Filth , “el álbum está profundamente infundido con el horror gótico victoriano y por lo tanto el título es un reflejo de eso»; Cryptoriana «implica el encaprichamiento de los victorianos con lo sobrenatural, la tumba y el espiritismo. El subtítulo,»The Seductiveness of Decay», cementa aún más esta atracción a la muerte y el brillante proceso prolongado de auto-aniquilación”.
Temas como «Heartbreak and Seance», «You Will Know the Lion By His Claw» o «The Night At Catafalque Manor» harán que tu memoria te lleve a los antiguos trabajos de la banda, simplemente brutales.
«The Seductiveness of Decay» y «Death and the Maiden» te transportarán a la época Victoriana. Ejecutadas a la perfección, harán que te vuelvas a enganchar de nuevo a estos renovados Cradle of Filth.
Cabe resaltar la colaboración estelar de Liv Kristine en «Vengeful Spirit» aportándole al tema una exquisitez y delicadeza extrema.

La línea de coros de la banda actualmente la lleva la teclista Lindsay Schoolcraft, y la verdad es que no lo hace nada mal. El sexteto lo forman la mencionada Schoolcraft al teclado y coros, Marthus a la batería, Daniel Firth al bajo, Rick Shaw y Ashok a las guitarras y Dani Filth a la voz. Cabe recordar que este es el segundo trabajo con la misma formación y si eres seguidor de la banda ya sabrás que al señor Filth le duran poco sus músicos.
Como colofón final nos obsequian con una versión del clasico del Thrash Metal «Alison hell» de Annihilator.

Desearle toda la suerte a estos renovados Cradle of Filth, que estarán girando por nuestro país en febrero del año que viene junto a Moonspell y podremos disfrutar de este nuevo trabajo en directo.

Rubén Barroso

ZAKK WYLDE + JARED JAMES NICHOLS
14 Julio 2016, Sala BARTS (Barcelona)
Promotor: Rock N Rock

Dentro de las jornadas del Guitar BCN 2016 nos encontramos la agradable visita de dos grandes monstruos de este precioso instrumento y la sala BARTS era el escenario elegido para que estos maestros de la guitarra nos deleitasen.
El primero de ellos no necesita casi presentación, Zakk Wylde. El segundo, Jared James Nichols, dará mucho que hablar y le espera un futuro muy halagador dentro de la escena Rock.

La apertura del show corrió a cargo del Power Trio de Jared James. Algunos presentes en la sala ya estuvieron en la anterior visita de esta banda por nuestras tierras el año pasado y esperaban ansiosamente el comienzo de la actuación debido al buen recuerdo que dejó.

La Barts no estaba completamente llena cuando empezaron a sonar las notas de “Don’t You Try”. El ver tocar a Jared su Les Paul negra customizada solamente con los dedos, y escuchar el sonido que desprende, hacía que se te pusiera el vello de punta.

Jared y su banda nos ofrecieron en su corto show las canciones de su primer y único álbum “Old Glory And Wild Revival”, donde el Rock Blues es la base de su sonido.

Temazos como “Crazy”, “Haywire” o “Playing For Keeps” fueron tocados y cantados con una maestría y una técnica digna de los más grandes, lo cual demuestra que el joven artista dará que hablar dentro de la escena Rock. Desde aquí le auguramos un futuro muy prometedor y ansiamos una nueva visita para deleitarnos con su música.

Con unos diez minutos de retraso sobre la hora prevista y una sala Barts rozando el completo, hicieron acto de presencia el Zakk Wylde y sus escuderos.

En la sala solamente se veían camisetas y chaquetas con los logos de Black Label Society, pero el show que nos venían a ofrecer esta noche en la Ciudad Condal no era de BLS, sino del “Book of Shadows I y II”.

Con un escenario decorado de forma muy simple y con un telón donde se veía un árbol deshojado, empezaban los acordes y los aplausos de la gente con “Sold My Soul”. Casi diez minutos de tema donde Zakk salió a escena con un gorrito azulgrana con el escudo del Barça, y donde ya empezaba a hacer de las suyas con sus solos con la guitarra detrás de su nuca o tocando con los dientes.

El cuarteto es el mismo que forma Black Label Society: DeServio al bajo, Lorina al piano y ocasionalmente a la guitarra, Fabb a la batería y Wylde con la voz y guitarra. Aunque los presentes pedían a gritos canciones de BLS, este show se centró en los “Books Of Shadows”.

Finalizado el primer tema, turno para “Autumm Changes”, “Tears of December” y “Lay Me Down”, todos ellos del “BoS II”. Ejecución perfecta por parte de la banda y un sonidazo espectacular por parte de la sala hacían de este show algo mágico.

Zakk, en esos momentos, ya sabe que es el amo y señor del show y lo demuestra yendo de un lado para el otro del escenario, jaleando al personal. Tras “Road Back Home” y “Yesterday’s Tears”, donde Zakk se sentó al piano sustituyendo a Dario Lorina, llegó el turno para el primer solo de guitarra de la noche. Todo lo que puedo decir es poco, técnica, pasión, destreza… ¿Qué se le puede discutir a este genio?

“Between Heaven and Hell” calmó un poco los ánimos con el sonido de la armónica de Zakk, para seguir con un temazo como “Darkest Hour” con su tormenta de intro.

Y tras estas dos canciones llegó el segundo y más espectacular solo de la noche. Zakk empezó a tocarlo sobre el escenario y, en un momento dado, se baja y se mete en el centro de la sala y delante de los presentes a tocar como un poseso. Los miembros de la crew y la seguridad de la sala andaban como locos tras él intentando separarlo de los presentes para que pudiera ejecutar la pieza. Notas y notas salían de los dedos de Zakk para deleite de los que estábamos allí, y sobre todo disfrutaron un padre con su hijo a hombros cuando Wylde se plantó delante de ellos y les dedicó un ratito de su solo. Simplemente tremendo.

A todo esto, DeServio se dedicaba a lanzar púas de guitarra con su bajo a los que estaban en las primeras filas, a modo de bate de béisbol. Lorina lo miraba y se reía de la situación y Fabb ejercía de espectador de lujo.

Una vez finalizada esta locura, le llegó el turno a “Throwin’ It All Away” con la guitarra acústica. Le siguieron las impresionantes “Dead as Yesterday”, “Eyes of Burden” y “Way Beyond Empty”. Sentimiento en estado puro.
Pero para sentimiento, cuando Zakk se sentó en el piano y empezó a tocar “The King”. Si con este tema no te emocionas,  posiblemente no seas humano.

Tras estos momentos sentimentales en el show, Zakk nos presentó a la banda por si alguien no sabía quién era cada uno y procedieron a finalizar el show con “Lost Prayer” y “Sleeping Dogs”.

Tremendo cierre con vítores de los presentes, un Zakk agradecido y toda la banda saludando a todos como colofón final.
¿Ganas de volver a verlos? ¡Por supuesto!

Texto: Rubén Barroso
Fotos: Carlos Oliver (https://www.facebook.com/carlos.oliver.martin)

YOSSI SASSI BAND
“Roots And Roads”
Top Artist Promotion

Cuando el talento y la genialidad se unen con una guitarra, el resultado que nos da se denomina “Roots and Roads”. Y es que el genio de la Bouzokitara esta vez nos sorprende con un trabajo que no dejará indiferente a cualquiera. Para empezar ya no es Yossi Sassi a secas, esta vez es Yossi Sassi Band, toda una declaración de intenciones.
Este tercer trabajo sigue conteniendo el espíritu de la música oriental que desprendían “Melting Clocks” y “Dessert Butterflies”, pero en “Roots and Roads” le han añadido un sonido más Rock, el justo equilibrio musical para hacer que de una vez por todas se reconozca el trabajo de estos grandes chicos.
Para la elaboración de este disco Yossi se ha aliado con Ben Azar a la guitarra, el virtuoso bajista Or Lubianiker, Shay Ifrah a la batería, Roei Fridman en la percusión y la espectacular voz femenina de Sapir J Fox. Casi todos ellos colaboradores en sus dos primeros álbumes.
Centrándonos en los temas, el disco se compone de doce cortes y siguiendo la línea de los anteriores trabajos, la mayoría son instrumentales.
Temas como “Palm Dance”, “The Religion Of Music”, “Road Less Traveled” o “Stronger Than Ever”, te abrirán un nuevo concepto de lo que es el Oriental Rock, por sus ritmos más marcados y la fuerza que transmiten, con unos solos que te dejarán catatónico. Y si lo que quieres es escuchar la sensibilidad y la belleza de las escalas orientales, “Thundercloud”, “Rizes Kai Dromoi” o “Bird Without a Tree” harán que te emociones.
Todo un discazo para los que les guste este género musical y para los que quieran introducirse. Este disco no debe faltar en tu colección.
Mención aparte para nuestra fotógrafa Irene Serrano que ha sido la encargada de hacer la portada y el diseño de este trabajo y en quien Yossi ha depositado toda su confianza para hacerla. El complemento perfecto a un gran trabajo musical.
Si aún no has tenido el placer de verlos en directo, este octubre vienen de gira por nuestras tierras. No desperdicies la oportunidad!

Rubén Barroso

SPIRITUAL BEGGARS
«SUNRISE TO SUNDOWN»
Inside Out Music

Si en el caldero mágico metes una parte de Rock setentero, un poco de Psicodelia, una pizca de Hard Rock/Heavy ochentero, una punta de Stoner y sobre todo, muchísimo talento, te da como resultado «Sunrise to Sundown», el noveno álbum de los suecos Spiritual Beggars.

Tres años han pasado desde que se lanzó «Earth Blues» y esta vez el grupo liderado por Michael Amott y Sharlee D’Angelo nos ofrece once temazos que harán las delicias de todos los fans de la banda y de este género musical.

Letras escritas por Michael en sus diarios durante las giras de Arch Enemy, otras compuestas por el teclista Per Wiberg, así como un par de temas propios del batería Ludwig Witt, combinados con unos ritmos súper pegadizos y riffs que te llevan a otros tiempos son el sello de identidad de este trabajo. Se puede decir que «Sunrise to Sundown» sigue un poco la estela de su anterior disco, pero como bien saben los fans de la banda, en pocas ocasiones se da esto. Si por algo se diferencian Spiritual Beggars, como dice el guitarrista Michael Amott, es por no hacer dos discos iguales y eso es de alabar por su parte.

Si nos centramos en las canciones, «Sunrise to Sundown», «Diamond Under Pressure» o «No Man’s Land» tienen un toque deep purpeliano que hará las delicias de los mas curtidos en este tipo de música. Sencillamente espectaculares. «What Doesn’t Kill You», «Hard Road», «Still Hunter» o «You’ve Been Fooled» son temas que te evocan al Hard Rock/Heavy de los ochenta con algún toque Prog. Os aseguro que no dejaréis de tararear el estribillo. La maravillosa «I Turn To Stone», que combina la impresionante voz de Apollo con un redoble de tambor. «Dark Light Child», «Lonely Freedom» o «Southern Star» vendrían a ser los temas mas experimentales del álbum, pero no defraudarán al personal.

Un discazo que si se hubiese compuesto en otra época no desentonaría y que, después de veinte años como grupo, marcará la eclosión total de esta pedazo de banda. Gracias, Spiritual Beggars, por ofrecernos este pedacito de cielo en formato musical.

Ruben Barroso

SUIDAKRA
Realms Of Odoric
AFM Records

Tras tres años de silencio, el nuevo trabajo de los germanos Suidakra viene cargado con todo lo que uno espera escuchar de esta magnifica banda: temazos, épica y mitología. Pero esta vez la cosa no va de mitología celta como nos tenían acostumbrados. El duodécimo disco de estos chicos está basado en los mundos de fantasía de su ilustrador Kris Verwimp, el cual lleva colaborando con Arkadius Antonik desde los ultimos seis álbumes.

La banda sigue manteniendo la misma formación que en su anterior trabajo, «Eternal Defiance», con Arkadius a las voces y guitarra, Lars Wehner a la batería, Tim Siebrecht al bajo y «Jussi» Pesch a la guitarra.

«The Realm» es la introducción al disco y, desde ese momento, sabes que algo muy bueno te espera dentro. Trece canciones que no te van a defraudar, con coros cargados de pasión, garra y ritmos Death metaleros mezclados con Heavy clásico.

Por no dejar de hablar de las colaboraciones, Arkadius se ha rodeado de un buen elenco de músicos para darle forma a «Realms Of Odoric» como la vocalista oficial de la banda, Tina Stabel, Axel Römer con la gaita y las voces de Matthias Zimmer y Sasha Aßbach que participan en diversos temas.

«The Serpent Within», «The Hunter´s Horde» o la espectacular «Undaunted», la canción cantada íntegramente por Tina Stabel, harán que no dejes de mover tu cabeza al ritmo de la música.
La poderosa «Pictish Pride», «On Roads to Ruin» con un ritmo muy pegadizo, «Dark Revelations» o «Braving The End» harán que no te defraude la escucha de este, tan bien ejecutado, trabajo.

Para finalizar el disco, tenemos «One Against The Tide» que, personalmente, creo que será uno de los temas estrella en su directo por la fuerza y contundencia con que la tocan, y la instrumental «Cimbric Requiem».

«Realms Of Odoric» hará las delicias de los amantes de este género musical y los fans del grupo. Musicalmente no se salen de la estela que tienen marcada, pero la evolución en la composición de las letras le da ese plus para que no se queden encasillados totalmente en una escena musical concreta.

Rubén Barroso

ZAKK WYLDE
“BOOK OF SHADOWS II”
Spinefarm Records

Hablar de Zakk Wylde es explicar la historia de un chaval al que no le gustaba estudiar pero se le daba muy bien tocar la guitarra, que trabajaba en una gasolinera con 20 años cuando, a través de un amigo fotógrafo, fue a hacer una audición de guitarra para Ozzy Osbourne y lo eligieron para sustituir a Jake E. Lee (que a su vez era el sustituto del malogrado Rhandy Rhoads). Hablar de él es hablar de litros de cerveza y juergas hasta las tantas, hasta que le advirtieron que su salud se iba a pique. Actualmente es abstemio total, campechano y familiar como sabrás si lo sigues por las redes sociales.

Lo que nos viene a presentar esta vez es la segunda parte de su aclamado “Book of Shadows” de 1996. Este segundo volumen lo hace 20 años después y nos deja una mezcla de Rock Blues americano al más puro estilo Wylde. El álbum está compuesto por 14 temas más dos bonus tracks donde el sentimiento y la huella de Zakk no dejará indiferente a nadie. En “Book of Shadows II” no busques guitarras distorsionadas como en un trabajo de Black Label Society, pero lo que sí que encuentras son sus característicos y pasionales solos de guitarra.

Ritmos tranquilos de batería, teclados, guitarras acústicas y calma, mucha calma y una voz que le va de maravilla a este trabajo. Un disco para relajarte tomando una taza de café y mirando al infinito. “Tears of December”, “Darkest Hour”, “Forgotten Memory”, “Sorrowed Regret”, “Sleeping Dogs” o la preciosa “The King” son algunas de las canciones que harán que te enganches a este disco, te lo aseguro.
Con este trabajo, el señor Wylde se ha coronado a nivel compositivo y como guitarrista/pianista. Un trabajo de 10 para quien sepa apreciar la buena música. ¡¡¡Salud y R&R!!!

Rubén Barroso

BABYMETAL
«ROAD OF RESISTANCE
Toy’s Factory»

Segundo trabajo de las pequeñas Su, Yui y Moa llamado «Road of Resistance» pero a quien debemos darle las gracias es al elenco de músicos que forman la banda, del que destacamos a Leda (ex Galneryus) como el cabeza pensante de todo esto.

Vamos por partes, para quien no conozca esta banda les puede chocar la formación. Tres niñas adolescentes cantando en japonés e inglés indistintamente y una banda que toca Metal disfrazada de fantasmas. En su país natal, Japón, se denomina J-Pop, pero parafraseando a mi querido Marty Friedman, en el Pop japonés hay cosas más Heavys y Metaleras que en el Metal que conocemos como tal.

Desgranando el disco, empezamos por la canción que da nombre al LP, «Road of Resistance», un temazo que estaría entre la línea del Epic y el Death, brutalmente ejecutado y con la participación de Herman Li y Sam Totman.

«Karate» es el segundo tema y el que se ha propuesto como el single del disco, una canción de ritmo pesado que nos recuerda a Machine Head y en el que las pequeñas nos enganchan al estribillo sin proponerlo.

«Awadama Fever» es una canción con tintes Industrial Metal, ritmos sintetizados y ritmo vocal. Pegadiza como ella sola.

«Yava!» Se podría catalogar como un tema Tecno-Ska. No podrás dejar de mover la cabeza mientras lo escuchas, y no podrás dejar de tararearlo durante horas.

«Amore», lo que viene a ser una semi balada, con unos solos de guitarra espectaculares, y con ese ritmillo que te recuerda a cualquier serie anime que hayas visto. Emocionante de principio a fin.

«Meta Taro», una canción que va a ser un himno en sus shows. Folk Metal y ritmo pesado, con unas voces muy marcadas y sin dejar de corear Meta Taro, Meta Taro… ¡Simple y efectiva!

«From Dusk Till Dawn», posiblemente la canción más experimental de este disco, con mucho sintetizador, guitarras machaconas y voces con delay. Un tema que puede servir de base a cualquier DJ y no se acerca tanto al Metal que conocemos nosotros, pero que suena deliciosamente bien.

«GJ», tema pesado en la parte rítmica y cuando llega el estribillo se vuelve pegadizo. Con el trío de niponas coreando «Moto! Moto! Haramoto!» hará que te acuerdes de este tema durante días.

«Sis. Anger» o si Slayer se convierten al estilo Pop japonés y en vez de cantar Araya cantan tres niñas. Un tema bestial.

«No Rain, No Rainbow», la balada por excelencia japonesa. Un tema lleno de sentimiento y pasión. Ejecutada impresionantemente bien con el piano y sus fantásticos solos de guitarra y donde la banda deja su impronta. Una maravilla.

«Tales Of The Destinies», si a esta canción le quitas las voces y dices que los que la tocan son Dream Theater, posiblemente dirías que sí. Un temazo de principio a fin donde la banda se desgañita en ritmos, escalas y demás. ¡Ni un solo segundo de desperdicio!

«THE ONE», la única canción cantada en inglés, o lo que viene a ser otro de los temas que se convertirán en un clásico de sus directos. Una canción que hace que cada uno seamos únicos y saquemos lo mejor de nosotros. Siguiendo la estela de la canción anterior, está ejecutada con mimo y pasión. Bonito ten para cerrar un LP.

Babymetal es de esas bandas que te gustan o no. A veces hay que abrir nuevos horizontes y escuchar cosas que a priori pueden ser extrañas. No todo en esta vida tiene que ser sangre, muerte y destrucción, y escuchar a bandas que no son del ámbito europeo o americano también nos puede ayudar a crecer musicalmente.
¡¡¡Larga vida al R&R!!!

Rubén Barroso