ANNISOKAY
‘AURORA’
Arising Empire

La vida es una sucesión de momentos que hay que ir disfrutando sin dejarse enganchar demasiado por ninguno, según nos enseña la corriente del minimalismo. Pero estoy convencida de que las personas que la siguen a pies juntillas carecen de la obsesión que se apodera de una cuando un disco te llega, cuando vibra a tu mismo son. En este punto me encuentro con Annisokay y su último trabajo publicado ‘Aurora‘. Y es que las cosas llegan cuando tienen que llegar. Porque los había escuchado antes pero nunca me había enganchado su metalcore tintado de electrónica, con los rasgos de este lado del atlántico, en la línea de Asking Alexandria. No apto para los alérgicos a los arreglos electrónicos.

Con esta nueva entrega tienen mucho que contarnos y no han escatimado medios en la producción, de sonido excelente, y renovación del vocalista screamer, incorporando a Rudi Schwarzer y diciendo adiós a Dave Grunewald que llevaba en la formación desde 2011. En la melodía me han ilusionado especialmente «Standing Still», «STFU» o «Friend Or Enemy». El equilibrio entre riffs contundentes a la guitarra, reparto equitativo de peso entre voces gritadas y melódicas, y cambios de ritmo me mantienen atrapada en los temas desde el principio al final.

Para las temáticas en las letras han abanderado de manera estupenda los tótems de una generación, los millennial, entiéndase en el sentido estricto de la palabra los que están ahora entre 30 y 40 años. Asuntos que se despachan con descripción directa como identificar a los parásitos sociales en «Like a Parasite», la inagotable fuente de bulos que son las redes en «STFU», sentirse consumida y no negarlo sino aceptar que existen los malos momentos en «Overload», el compromiso con la conservación del planeta en «Bonfire Of The Millennials», o la no tolerancia al maltrato de la pareja de «The Blame Game». Vale mucho la pena parase a escuchar estas letras para conocer un poco más a esta generación.

Acercarse a los sonidos del post-hardcore y el metalcore de la mano de los anfitriones germanos Annisokay conlleva una adicción beneficiaria para la mente y el ánimo. Si además se culmina con unas letras que transmiten, transportan y conectan con asuntos de rabiosa actualidad, se convierte todo en un ejercicio de realidad necesario. Dejaré el minimalismo aparcado un tiempo más mientras no consiga despegarme de este placer terrenal y totalmente infundado.

Ymir Peiró

https://www.youtube.com/watch?v=Zo-haf4S1Es

CHEZ KANE
‘CHEZ KANE’
Frontiers Records

Chez y Danny Rexon (Crazy Lixx) han sabido encontrar un terreno común a la potencia vocal de una y la festividad musical del otro. Un trabajo con un arma de doble filo: es fácil de digerir. Esto puede hacer que llegue a más gente de entrada, pero también que nos cansemos de él con mayor facilidad al no encontrar matices nuevos cada vez que lo escuchamos. A mí me tiene a sus pies desde que salió el primer single, y pienso seguir así un tiempo más.

El disco es variado en cuanto a sus ritmos pero es constante en cuanto a la entrega de la vocalista, la melodía, las armonías y los guiños a la música de otro tiempo. Como eres una persona ocupada y lo que buscas es que te recomiende un tema que te atrape y te dé motivos para seguir escuchando, te diré que empieces con «Too late for love», mi absoluta favorita con teclados a tope y hasta castañuelas. Luego puedes irte al otro single, «Rocket on the radio», que trae consigo un aire de veraneo y fiesta que, unido al buen tiempo que está haciendo estos días, no hace más que llenarnos de ganas de pasarlo bien.

Personalmente, me han transportado a la infancia los temas «Defender of the heart» y «Ball n’chain», porque tienen ese sonido y esos estribillos coreables tan utilizados en las sintonías de los dibujos animados de los ochenta y los noventa, especialmente en el anime que más consumía (Bateadores, Los Inventos de Eva, el Pequeño Lord, etc.). Si con esto aún no estás del todo en el lado del azúcar, tienes una última oportunidad con «All of it», que es menos melodía pero más hardrock, en el estilo de Vixen y con matices a Def Leppard. ¡No se puede pedir más!

Las chicas son guerreras y han venido a demostrarlo en un año tan difícil como el 2021. En un mundo tan endogámico como es el del AOR de corte más comercial, donde sobrevivimos rumiando a Journey, Survivor y Toto en diferentes formatos, ha venido un cometa y nos ha eclipsado. Chez Kane se ha convertido en la artista revelación de este año por mérito propio, tanto por su música como por el pelotazo que ha pegado en redes. ¡Larga vida a la nueva reina!

Ymir Peiró

INGLORIOUS
‘WE WILL RIDE’
Frontiers Music

Cuando se produce una desbandada del tipo que sucedió en Inglorious, el primer miedo que me asaltó fue perder el sonido por el cual me gustó la banda por primera vez. Pero debe ser que, en el confinamiento, nuestro queridísimo Nathan James se ha atiborrado del programa ese que te arreglan la casa y tienes que decidir si compras la nueva o te quedas con la tuya arreglada. Nathan tiene claro cuál es el sonido que quiere ofrecer y lo hace aunque cambie la mitad de la plantilla de la banda, así que ha preferido quedarse con su casa reformada. La coherencia con la trayectoria musical de Inglorious es perfecta. No falta ninguno de sus toques de Deep Purple, Led Zeppelin o Bad Company.

La entrada a casa del tito Nathan la hacemos con «She won’t let you go», un recibidor con hard rock, ritmo bailable y estribillo perfectamente cantable. Una invitación a entrar más que atrayente, no en vano fue seleccionado como uno de los singles, adelanto de lo que se nos venía encima. Pero no ha sido nada mala la selección de singles porque «Medusa», que ya nos ponía los dientes largos nada más empezar este año, te transporta a los Whitesnake más duros, previo a su etapa como éxito de ventas. Riff macarra, batería muy presente y una voz que te seduce mientras te avisa de los peligros de mirar a los ojos a la criatura mitológica.

Para hablar de conexión con el pasado de la banda, hay que pararse a escuchar «We will meet again», que se convierte en nuestro comedor lleno de retratos de familia. Pero esta es una casa con su jardín y apertura de miras al exterior también, como «He will provide» que se sacude de encima diferentes estilos. A la vez contiene desarrollos para que la diversión no se limite a lo más sencillo de digerir. Atravesado estancia tras estancia, finalmente llegamos a mi favorita: la sala de juegos representada por «Cruel intentions». Estando dentro del grupo de temas más influenciados por el pasado, desarrolla y reordena los elementos que los pioneros del género esparcieron sobre la faz de la tierra para construir una letra que cabalga en perfecto movimiento sobre el resto de elementos.

En definitiva, una banda que no se deja amedrentar por las dificultades, se reinventa, y vuelve a hacer lo que queremos escuchar, una fantástica obra de hard rock. Con su nueva formación Nathan James se ha puesto las pilas en sonar más duro que nunca. Parece ser que don Bryan May ha comentado que la banda suena a Deep Purple como nadie, y si lo dice una autoridad en el estilo, no estoy yo por la labor de contradecir. Pero es verdad que no es una copia directa, sino que añade elementos y estancias que deleitará durante su visita a quienes gustéis.

Ymir Peiró

THE NOVA HAWKS
‘REDEMPTION’
Frontiers Records

Me lanzo sin miedo a desnudarme y admitir como soy: una persona complicada. Tengo muchas caras y muy diferentes entre sí. Es muy difícil encontrar piezas que sean capaces de tocar muchas de mis teclas al mismo tiempo, y The Nova Hawks han conseguido un acorde casi imposible. Entre los temas que componen el álbum encontramos algunos reciclados sobre viejas ideas y composiciones nuevas. La variedad alcanza desde temas con desarrollos a lo Blues Pills, hasta la raíz americana de The Black Keys, sin llegar al purismo de North Mississippi Allstars. Aman a Rival Sons y vaya si se nota en el arrastre de los temas que recuerdan a «Open My Eyes».

Son británicos. Y a este lado del Atlántico vivimos el oeste desde la distancia, barnizándolo con nuestra dosis de podrida decadencia. Se ha categorizado al dúo conformado por la vocalista prodigiosa Heather Leoni y el guitarrista Rex Roulette como blues rock británico, nada que oponer su Señoría. Como amante de la música de raíz americana, empezaría por «Technicolor» y «Run wild», dos temas desarrollados, con algo de los Black Crowes de 2009. Cuando ya sientes el polvo del desierto posándose en tus botas, entonces atacas a «Love Games (Tuesday’s Blues)» apurando tu bourbon, a punto para tu duelo al sol.

En cualquier película del oeste que se precie, tras el tiroteo tiene que haber su escena de ataúd y oscuridad. Sin duda, esa es «Dusty Heart». Parece intacta la gravedad de Nick Cave en un tema tan oscuro que hasta la batería se permite cantar. Podría formar parte de la banda sonora de la serie Peaky Blinders. La banda confiesa en las entrevistas que se alimentaban de manera vegana mientras componían el álbum, y es que según el satanismo laveyano «el humano es un animal más que se ha convertido en el animal más cruel de todos». Cerraría con uno de los singles que nos regalaron, «Redemption». Muy góspel y muy sucia, lo tiene todo. Es un tema disfrutable de tocar, de cantar y de ver ejecutado.

Me muero de ganas que termine esta pandemia y poder ver lo que da de sí esta pareja, por los buenos momentos me han hecho pasar este mes de febrero. Quizás algunos ya visteis a Heather con su banda Gypsy Heart teloneando a Inglorious en 2017, en Reino Unido, porque ya os digo que en España no. En cualquier caso, un álbum trabajado, con cambios, mucho sentimiento, profundidad y arrastre sureño.

Ymir Peiró

Estaba leyendo los resultados de un estudio realizado en Estados Unidos sobre preferencias musicales, que me ha llevado a plantearme y fantasear como serían esos mismos resultados si se realizase el estudio entre la gente del metal de nuestro país. Tocaré tres de los temas abordados en el estudio: la «edad» de la música de preferencia, el medio de consumo de la música, y cómo afecta ir a conciertos. ¡Vamos a dejar volar la imaginación!

Empezando por la «edad» de música de preferencia, el estudio concluía que más del 80% de personas mayores de 18 años prefieren la música anterior a su generación, casi el 49% prefiere música posterior a su generación y sólo el 9% prefiere música de su generación. Creo que esto refleja claramente el debate que existe en el metal sobre el relevo generacional o la falta del mismo. Si el 80% de las personas estamos en modo metalpaquil con Purple, Maiden, Sabbath, Judas y compañía, ¿cómo van a subirse al podio las nuevas bandas? Pero ojo, que el 49% prefiere música posterior a su generación. Ahí podemos meter a toda la caballería post-hardcoreta, metalcoreta y deathcoreta de más de 40 años, que van al Resurrection Fest para recuperar la juventud, igual que Cleopatra se bañaba en leche de burra. Y el 9% de gente que me queda son los trve metalpaquer: como en los años setenta y ochenta eran adolescentes, son quienes siguen escuchando y prefiriendo la música de su generación.

Siguiendo con el medio de consumo de la música, el estudio habla de diferencias significativas. Prefieren escuchar música a través de sus teléfonos móviles el 83% de la generación Millennial, mientras que en la generación del Baby Boom lo prefieren solo el 44%. Al contrario, cuando hablamos de encender la radio del coche para escuchar música, la generación del Baby Boom se lleva la palma con un 82%, mientras la generación Z se queda en un 52%. Para que luego os preguntéis la razón de la música que ponen en RockFM. No hace falta ni que añada explicaciones, a estas alturas ya te has imaginado en el coche a tus colegas de más de 50 años enganchados a RockFM, Radio 3 o cualquier otra emisora en activo en España, y a los de menos de 50 siempre dando por saco con conectar el móvil al sistema de audio del coche para pinchar esto u lo otro de la plataforma streaming de turno. ¿Sí o no?

Y acabo con la parte que tiene que ver con ir a conciertos, algo que está tan vetado últimamente. Según el estudio, de las personas que asistían a conciertos, el 69% manifestaba tener una salud mental excelente o muy buena. Entre quienes habían ido en el pasado pero habían dejado de ir, decían tener buena salud mental solo el 58%. En el metal es fácil, el 69% somos quienes necesitamos ir a conciertos como el respirar, que somos capaces de meternos en los tugurios más malolientes y peor ventilados del planeta por captar unas notas en directo. Por supuesto estamos genial de salud mental: ejercitamos el cerebro escuchando música, hacemos relaciones sociales saludando a la gente en los conciertos y hacemos deporte al bailar en las condiciones más inhumanas, festivales incluidos, llueva o haga un sol de justicia. En ese otro 58% me imagino a las de «yo antes era jevi como tú» o aquellos de «es que con hijos no puedo ir a conciertos». Para que luego diga la clase política española que no es necesario ir a conciertos. Habrá que pedir daños y perjuicios.
En conclusión, muy divertido dejar volar la imaginación un rato y pensar que vivimos en un país donde se hacen encuestas sobre el metal. Espero que te haya resultado divertido y, si tienes idas de olla que no haya dejado reflejadas, no dudes en compartirlas en redes, ¡deja que nos echemos unas risas con tu opinión!

Todos los datos los he extraído del estudio realizado en Estados Unidos por la AARP (American Association of Retired Persons). Fueron encuestadas 3185 personas mayores de 18 años en el mes de abril de 2020.
Referencia al estudio: Mehegan, Laura, and G. Rainville. 2020 AARP Music and Brain Health Survey. Washington, DC: AARP Research, June 2020. https://doi.org/10.26419/res.00387.001

Ymir Peiró

EKTOMORF
‘REBORN’
Napalm Records

¿Sabes cuando un disco te llega en el momento y estado mental adecuado? Exactamente eso me ha pasado con el retorno de la banda húngara de groove metal Ektomorf, y su último álbum ‘Reborn‘. De la banda que se formó allá por el 1994 sólo queda su líder Zoli Farkas. Éste sigue enfrentándose a los prejuicios contra los gitanos como entonces, y me plantea la cuestión de si no podrían hacer esta música los gitanos en la tierra que habito.

Admito que no necesito estar escuchando música innovadora siempre, a veces me vale con aquella que me llega y tiene un sabor que me apetece paladear. El trabajo consta de ocho cortes que abarcan el abanico del metal noventero: thrash, groove metal, y algún deje death. Me lo podría pinchar perfectamente entre Machine Head y Soulfly.

Abre con «Ebullition» a golpe thrasher con lo que, de entrada, la hostia en la cara te la has llevado. Mientras intentas reponerte abusan de tus cervicales con «Reborn», el primer single de este trabajo publicado el pasado mes de noviembre. Yo me veo saltando y coreando el estribillo en concierto, aunque puede que esté desvariando debido al síndrome de abstinencia de música en directo que sufro a causa de la pandemia. En cualquier caso, mezcla partes rápidas con riffs pesados y buenos solos de guitarra, una combinación embriagadora.

El tercer corte es el que más me ha atrapado «And the dead will walk», a pesar de no ser el que tiene mejor técnica vocal. Pero los cambios de ritmo, ese riff, y la coletilla «die with a smile on your face» ¡Sí, señor! Es justo lo que necesito para escupir toda la frustración que acumulo en estos momentos. Cuando recupero la compostura me encuentro caminando al paso de «Fear me», y me ciega la combinación de la oscuridad de los riffs con la luz de las guitarras más agudas. El inicio de «Where the hate conceives» atufa a Metallica, pero no puedo decir que eso le siente mal, ¡al contrario!

Con «The worst is yet to come», aparte de robar la frase a cualquiera de las personas al cargo del ministerio de salud de cualquier país, se marcan un temazo estupendo a lo Max Cavalera, con campanas y todo. «Forsaken» es instrumental y el corte más largo de la entrega. Se debe a que va entrando en materia muy poco a poco, como si tuviera miedo de ver lo que hay más allá. Como cuando subes a un terrao y tienes que apartar una sábana tendida: sabes que no va a haber nada, pero ¿y si sí?. Cierran por todo lo alto con un trallazo trasher llamado «Smashing the past» que es tan directo que se nota hasta en la sencillez de la letra, directo a la yugular sin adornos.

Llámalo nostalgia, llámalo higiene mental, pero necesitaba un trabajo así. Me saca las vísceras, me hace agitar la cabeza hasta romperme las cervicales y perder la voz intentando usar voz gutural. El retorno de la banda de Zoli Forkas tiene todo mi apoyo, con cuernos en alto y ovación.

Ymir Peiró

https://www.youtube.com/watch?v=ew997oldZb4

https://www.youtube.com/watch?v=clVltLWHwTo

https://www.youtube.com/watch?v=aOqknLJ3vkc

En la edición de ayer de Empire publicamos una interesante y extensa entrevista con Sergio Guillén Barrantes, autor de AOR World. Hoy te ofrecemos la segunda parte en la que tienen cabida otros proyectos e inquietudes de Sergio, sin duda uno de los referentes del rock melódico en nuestro país.
Primera parte de la entrevista: http://empirezone.es/2020/12/29/aor-world-la-entrevista-1/
Por Ymir Peiró
Fotografía: África Paredes

Otras músicas

EM: Como buscador de tesoros que pareces ser, y se puede comprobar en tu programa de radio «Discos Para Inquietos» por ejemplo, ¿qué otros estilos te interesan y te han marcado? ¿Cuál es tu favorito?
SGB: Mis primeros recuerdos musicales me vienen de mi casa, de mi padre. Él siempre trabajó como arquitecto, pero tiene un gran amor por la música. Todos los sábados y domingos por la mañana me despertaba poniendo sus discos favoritos. En casa nunca existieron catalogaciones, únicamente buena o mala música… Y la mala era música que mi padre ya se preocupaba en no comprar. Así que cualquier día podía escuchar tanto “The War Of The Worlds” de Jeff Wayne como el “Crime Of The Century” de Supertramp, “Quarterflash” de los Quarterflash, el “Abbey Road” de The Beatles –mi grupo de cabecera, sin la menor duda; y Paul McCartney, mi Beatle predilecto–, “Wednesday Morning, 3 A.M.” de Simon And Garfunkel, “Trans-Europe Express” de Kraftwerk, “Nashville Skyline” de Bob Dylan o “Water Bearer” de Sally Oldfield –le encantaba a mi madre–, por citar unos cuantos de centenares. Ese amor me caló profundo desde el primer momento y podría decirse que con apenas cinco años tenían tanto sentido en mi vida los juguetes como los discos. En mi cuarto atesoraba un radiocasete donde escuchaba todos esos elepés que mi padre me pasaba a cinta, además de que comenzó a regalarme casetes originales. Vivir los años 80 fue algo muy especial como oyente y descubridor de músicas. Reconozco que a veces no casaba con mis compañeros de clase pues, y aunque me gustaba todo el rock que salía en aquellos días, mis primeros referentes fueron AC/DC, Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, cuatro grupos por los que sentía verdadera obsesión. En cualquier caso, y como crecí sin barreras estilísticas, admiraba tanto el ska como el thrash metal, el blues como el glam rock, el synth pop como el rock progresivo o el swing, el heavy metal como el funk, el rockabilly como el jazz o el punk… Ya te puedes hacer una idea. Y de todo coleccionaba al tiempo. Por supuesto, y como es lógico, paso por etapas en las que siento mayor apego por uno u otro estilo, en las que el cuerpo me pide escuchar más AOR o soul, hard rock o heavy, blues o jazz, etcétera; pero nunca he abandonado ese eclecticismo musical. De hecho, mi discoteca casera de vinilos, casetes y CDs originales está ordenada por orden alfabético de los grupos y artistas, no por estilos, por lo que todo está junto. Para algunos será totalmente incomprensible, pero para mí es perfecto.

EM: Entre tus libros publicados podemos encontrar novelas y parecen estar salteadas de música también. ¿Qué papel juega la música en ellas?
SGB: Una gran parte. Mis dos novelas, “Sátrapa. Rompecabezas Para Una Canción Perfecta” y “Hiel En Cuerdas De Guitarra”, poseen un trasfondo musical muy potente, de hecho es casi como un protagonista más y se hace fundamental en la trama. Hay una cara emocional y otra que es fiel reflejo de lo que significa la música a muchos niveles: en la carrera del músico, en la del coleccionista, en la del empresario que lleva un emporio de revistas del género, en la del representante e incluso en la del advenedizo. Todo capturado por mi retina y oídos durante largos y largos años de trabajo en la profesión. Finalmente dichas vivencias se entrelazan a modo de thriller con misterios, secretos, traiciones e incluso asesinatos.

EM: De entre tus libros me tengo que acercar a los dos que hablan sobre La Frontera, una de mis bandas nacionales favoritas. Intentando no destriparme el final, ¿crees que el haber estado en España les ha jugado a favor o en contra?
SGB: Me gustaría explicar algo antes de contestar tu pregunta. Realmente sobre La Frontera y su líder Javier Andreu sólo he escrito un libro; sin embargo, como bien comentas, la gente hallará dos publicados firmados con mi nombre. Aquí va la razón. Inicialmente publiqué “La Frontera. Palabras De Fuego” con una editorial que nos prometió el oro y el moro pero que a la postre no cumplió con lo acordado –dejémoslo ahí, no quiero meterme en temas legales como así tuve que hacer en su momento–. Cuando conseguí que se liberase mi obra, decidí reeditarla junto a la editorial del excepcional profesional Nando Caballero. Así que en La Produktiva Books aparecería dicha reedición a la que se cambió el título por “En El Límite Del Bien Y Del Mal. Javier Andreu Y La Frontera”. Ése es el libro que el que esté interesado debería adquirir, ya que es el único de los dos que actualmente se considera como oficial. Eso sí, únicamente se puede comprar en formato físico y, solamente, o en la web de la editorial (https://www.laproduktiva.com/books/la-frontera) o en Amazon.
Una vez aclarado esto, te diré que ni una cosa ni la otra. Recuerdo que cuando yo comencé a seguirlos, allá por 1988 o 1989, cuando editan “La Rosa De Los Vientos”, La Frontera es un grupo no solamente asentado, ya que también de gran éxito. Cuando llega “Capturados Vivos”, el concierto grabado en la Plaza Sony de la Expo92 de Sevilla, La Frontera llenaba grandes recintos. Incluso en Portugal eran admirados como primeras figuras del rock y asistían a los conciertos escoltados por policía o militares. Sin embargo, y como bien me aseguraba Javier Andreu en las charlas que dieron forma al libro, llegó un momento de fama en el que no eran capaces de pensar que aquello podía desaparecer de la noche a la mañana. Y es que eran muchos los grupos nacionales que disfrutaban de un éxito bárbaro, bandas que llenaban interminables pabellones y que cobraban cachés más que importantes. Y eso duró hasta el ecuador de los años 90 sin tener visos claros de fin. Luego llegó un duro golpe contra una realidad que no debió ser tal. La Frontera, en cualquier caso, siempre ha intentado mantenerse en marcha y grabar discos con cierta regularidad desde entonces.

EM: Y hablando de otros estilos, ¿qué nos puedes contar sobre el proyecto relacionado con la New Wave of British Heavy Metal?
SGB: Es un proyecto que en la actualidad se encuentra en estado de hibernación. Tanto ese libro como una biografía sobre The Monkees eran los siguientes pasos una vez publicado el libro “AOR World. Un Viaje Por La Historia Del Rock Melódico En 200 Discos”. Pero, como ya contaba, llegó la gran respuesta de los compradores y acepté su petición de darle una segunda parte, así que aparqué dichos proyectos para un futuro próximo. El libro sobre la NWOBHM tendría tanto una parte histórica como una ya más similar al del AOR, es decir, la realización de una radiografía del género por medio de elepés fundamentales y otros no tan conocidos.

EM: Aún estoy intentando conciliar en mi mente la idea de que toques la batería y compongas música electrónica al mismo tiempo. ¿Me puedes ayudar a entenderlo, cómo compaginas esas dos pasiones? ¿Puede tener alguna influencia el haber crecido durante los 80 y 90 cuando la música electrónica llegó a todos los estilos?
SGB: La batería es, ha sido y será mi instrumento predilecto. Desde crío ya me dedicaba a intentar seguir mis canciones favoritas con lapiceros, tenedores o todo lo que se pudiese asemejar a unas baquetas. Adoro la espina dorsal rítmica de una banda. Me obsesiona y, si tuviese más tiempo, el otro instrumento que aprendería a tocar es el bajo. Soy de la época en la que no existían Youtube y sus tutoriales, los días en los que los chavales aguzábamos el oído para sacar las partes de batería de nuestras bandas predilectas. Comenzábamos aún sin batería, autodidactas, tocando sobre los cojines del sillón o sobre los almohadones de la cama. No recuerdo etapa de mi vida en la que no me subyugase la batería, el practicar, el ensayar, el disfrutar tocando aunque fuese únicamente un rato al día.
En cuanto a la música electrónica, y aunque por supuesto colecciono synth pop o pop electrónico de los años 80, mi forma de afrontarla no viene de ahí. Venus Bites, como titulé a mi one-man band, era una apuesta inicialmente fantasma para la que me inventé una biografía salida de madre –muy a lo Spinal Tap– donde vendía al proyecto como un olvidado grupo de electrónica experimental de mediados de los años 70 y lo situaba como contemporáneo de Popol Vuh, Cluster, Tomita o Kitaro; y en cuanto al sonido de mi primer CD, “Friday Morning Sound Therapy” (2007), por ahí iban los tiros. Esta idea me llevó a atreverme con el rodaje de un corto amateur, “Psychotic Reaction”, que sería seleccionado en el concurso Filmo Laboral 2009 de Gijón, Asturias. Luego, ya en 2011, y con “The Loops EP”, el concepto de Venus Bites se reinventa y me acerco entonces a nombres como Yamo, Ship Of Fools o Kraftwerk. Jugando con diversos loops atajé nuevos desarrollos instrumentales en una búsqueda en favor de las mezclas inesperadas y cargadas de preponderantes bases rítmicas.
Otras facetas

EM: Pasando a tu experiencia en medios de comunicación, ya hemos mencionado la radio, pero tenemos también revistas como «Renacer Eléctrico Music Magazine». ¿Qué has querido contar en este tipo de proyectos?
SGB: Renacer Eléctrico comenzó como fanzine musical focalizado en el rock, rock duro y demás derivados, pues eso era lo que contenían los programas de mi primer espacio Despertar Eléctrico. Sin embargo, poco a poco me tomé la libertad de abrir las páginas a todos los intereses culturales que me atraían, por lo que también se habló de cine y de literatura; y, en el campo musical, se pudo leer sobre rock pero también sobre blues, jazz, country, pop, ska, música celta, sinfónico, new age… Es decir, pasé nuevamente a la catalogación entre buena y mala música, no por género. Tras el fanzine, y en los estertores de los 90, se funda Renacer Eléctrico como portal Web. Renacer Eléctrico y The Sentinel, por ejemplo, salieron en Internet cuando aún muchas de las revistas en papel reconocidas no habían creado su versión digital. Fueron años complicados pues los sellos o promotoras aún no entendían el futuro que podría tener aquello. El diseño cambió con los años, al igual que de forma puntual fuimos nuevamente revista en papel, pero en los últimos tiempos decidimos presentarnos en un punto intermedio: formato, maquetación y páginas de revista pero editada en pdf para Issuu (https://issuu.com/renacerelectricomusicmagazine).

EM: ¿Tienes alguna recomendación para un medio como el nuestro que también empezó impreso y ha acabado en la Red de redes?
SGB: Cualquiera que lleve los suficientes años en el mundo del periodismo musical y que afronte la actualidad del mismo, bien sabe que es un medio muy ingrato –sobre todo para el periodista–. Solamente unos pocos pueden vivir de ello; por lo general, el periodista musical debe de estar escribiendo para los mil y un medios, colaborando aquí, ofreciendo sus servicios allá –y en gran número de ocasiones sin cobrar, únicamente intentando que la siguiente vez sea la buena y se valore su trabajo por medio de la remuneración–. Así que mi recomendación es que creáis en vuestro esfuerzo, que os mantengáis fieles a vuestra ética de trabajo y que no os dejéis avasallar por promotoras, sellos discográficos o personas que quieran someter vuestra libertad como profesionales del medio.

EM: Como comentábamos en la introducción eres un «hombre del milenio» que no duda en utilizar todos los medios de comunicación al alcance para expresarse. ¿Cuál es el que te queda por probar?
SGB: No es que no dude en utilizar todos los medios de comunicación a mi alcance para expresarme, es que no me queda otra. Siempre me he sentido un periodista de la vieja escuela, que es lo que aprendí en la Universidad. Por lo que ahora, cuando en una oferta de empleo para periodistas no te piden escribir con alto nivel de redacción, sin faltas, con perspicacia, con conocimientos de documentación o adaptación a una línea editorial, y sin embargo te exigen conocer al dedillo la estructura de Internet, la fluctuación de una publicidad en las Redes Sociales, cómo hacer clickbait, los mejores trucos SEO para crecer en Instagram… Buf, me siento como de otro planeta. En fin, es algo que está a la orden del día en Internet, pero eso no es ser un buen periodista; son nociones que casan más con profesionales de Youtube como Romuald Fons. Es decir, una revista debe tener a unos y a otros para conseguir el triunfo en los nuevos medios, pero creo que hay que valorar por separado el trabajo de cada uno con sus pros y sus contras. El problema es que las labores que antes hacían dos personas o hasta tres en diferentes departamentos, ahora se quiere que lo haga todo uno a modo de multifunción; y así está el periodismo actual.

EM: Has confesado ser un coleccionista, en Empire Magazine tenemos perpetrantes del mismo delito. ¿Qué coleccionas y por qué?
SGB: Colecciono libros, películas y, sobre todas las cosas, música (CDs, vinilos y casetes). ¿La razón? Es la única droga o vicio que he tenido en toda mi vida.

EM: ¿Cuál es la pregunta que no te hemos hecho y te hubiera encantado responder?
SGB: Debo reconocer que esta entrevista es una de las más completas, o tal vez la que más, que me han hecho en toda mi carrera. Por otra parte, creo que ya he dado la matraca lo suficiente como para tener que alargarme más. Estoy realmente agradecido por todas tus preguntas y por el espacio que me habéis dado en vuestro medio.

EM: Muchas gracias por dedicarnos este tiempo y esperamos poder volver a contactar contigo y comentar los nuevos proyectos.
SGB: Mil gracias a vosotros, de corazón. Larga vida a Empire Zone Magazine.

Con gran expectación por su próximo trabajo relacionado nuevamente con el AOR o rock melódico entrevistamos a Sergio Guillén Barrantes. Un dedicado periodista e incansable de la música, que combina sus pasiones cuando se vuelca en la escritura, la composición, la locución o la marca del ritmo a la batería. De buscador de tesoros musicales a hombre del milenio que domina los medios en la Red, cuenta en su obra con libros, revistas, programas de radio, podcasts, páginas web, canal de YouTube, ponencias, cuenta de Instagram, LPs, etc.
En esta ocasión le contactamos para que nos hable de uno de sus proyectos «AOR World», un manual para dummies sobre el género que fue publicado en 2018 por la Editorial Milenio y que está a punto de tener un hermanito.

Por Ymir Peiró
Fotografía: África Paredes

AOR World

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas Sergio. Lo primero que te vamos a pedir es que resumas AOR World para una persona que aún no se haya topado con él.
SERGIO GUILLÉN BARRANTES (SGB): AOR World es un viaje por la evolución del rock melódico; aunque, en lugar de hacer el trayecto por medio de la narración de su historia, me desplazo por sus diferentes décadas a golpe de análisis de álbumes que me parecen fundamentales. Y cuando me refiero a fundamentales, no quiero decir que necesariamente sean las obras puntales de un artista o banda –por lo general sí–, ya que igualmente hablo de discos de importancia capital por significar un cambio en el estilo concreto de un grupo o que marcaron el futuro de un conjunto. El decenio de partida son los años 70 y no paro el motor hasta llegar a la actualidad; es decir, el lector podrá hallar análisis de discos editados en cinco décadas diferentes. Además, en AOR World las siglas AOR se utilizan como término genérico en el que poder englobar la gran mayoría de vertientes que se entienden pertenecientes al rock melódico: soft rock, hard melódico, hi-tech, pomp rock, west coast, etcétera.

EM: ¿Cuándo o cómo decidiste que era necesaria una segunda parte? ¿Te hemos insistido mucho los fans de la primera?
SGB: Hasta el momento, ninguno de los quince libros que tengo publicados (los podéis ver todos aquí: https://sguillenbarrantes.wordpress.com), trabajando para diferentes editoriales nacionales, han sido encargos. Me explico: cada proyecto parte de mi afán por tratar sobre unas músicas, unos discos o unos artistas que admiro y de los que llevo coleccionando y estudiando toda mi vida. En ocasiones he presentado a las editoriales dichas ideas en un estado embrionario; otras veces, los libros ya estaban medio escritos o terminados cuando he firmado el contrato de edición. En esta ocasión la cosa ha sido diferente y, efectivamente, han sido las palabras de ánimo por parte de los compradores del primer AOR World las que me han llevado a darle una continuación. Desde los iniciales días de venta, allá por las Navidades de 2018, los primeros lectores ya me escribían para pedirme análisis de bandas que no habían podido entrar en el tomo que editó Editorial Milenio. Y, de hecho, en diferentes espacios de las Redes Sociales creé encuestas para que los lectores pudiesen participar en parte de la selección de algunos de los elepés de formaciones que ya tenía claro que saldrían en el siguiente libro. El fin era agradecerles todas las muestras de apoyo y cariño que habían manifestado para con mi libro; incluso, durante meses publiqué en Internet las diferentes fotos que se hacían con la obra en cuestión. Reconozco que fue muy emocionante el ver una respuesta de ese tipo.

EM: ¿Cómo y cuándo tienes pensado sacar la segunda edición? ¿Qué vamos a poder encontrar en ella?
SGB: Si se llega el 17 de enero, que es el final de la campaña de venta, al total presupuestado, únicamente quedarían cuatro pasos: terminar la escritura del libro –del que me faltan unas pocas reseñas–, realizarle la corrección, maquetarlo e imprimirlo. Los libros se enviarían a los compradores entre finales de junio y principios de julio de 2021. Para los interesados, comentar que la compra del libro solamente se puede realizar en la plataforma Kickstarter.com en este enlace: https://www.kickstarter.com/projects/aorworld2/aor-world-2-el-viaje-continua.
En cuanto a lo que podrá hallar el lector, es muy sencillo: otros doscientos análisis de álbumes pertenecientes a grupos o artistas que no aparecieron en el primer tomo.

EM: Como no había tenido ocasión de preguntarte antes, me gustaría repasar algunos puntos del primer libro. Empezaré por preguntarte: ¿cuál es el álbum que más te fastidió incluir y cuál el que más te dolió dejar fuera?
SGB: Mi segmento preferido de la historia del rock melódico en todos sus derivados va de los años 70 hasta antes del ecuador de los 90. El nuevo milenio ha traído un reverdecer de laureles para el género, y es algo que valoro sobremanera, pero no todo está a la altura que debiera. Cuidado, tampoco digo que fuese así en mis años predilectos; pero los porcentajes de aciertos eran mucho mayores entonces ya que en los 70 y los 80 no se tenía que ir a contracorriente.
En cuanto a fastidio por incluir un álbum, creo que no es algo que realmente sintiese pues a fin de cuentas soy yo el que selecciona. Pero, sin duda, al querer mostrar una imagen global y en la que se viesen reflejadas todas las décadas, sabía desde el principio que muchos elepés serían sacrificados por el bien del viaje total a las cinco décadas. Trabajos como: “In The Middle Of The Night” de Aerial, “Shaft The Light” de Airrace, “One Eighty” de Ambrosia, “Fine Fine Line” de Andy Fraser, “Aviator” de Aviator, “Images Of Forever” de Cannata, “Friction” de Coney Hatch, “The Nightfly” de Donald Fagen, “Liaison” de Liaison, “Spies Of Life” de Player, “Silk Degrees” de Boz Scaggs, “Never Say Surrender” de Red Dawn, y un larguísimo etcétera que, junto a estos discos, aparecerán en la segunda parte.

EM: Como persona seguidora del rock sureño me sorprendió toparme con bandas como Blackfoot o 38 Special. ¿Qué crees que tienen en común el rock sureño y el rock melódico para poder llegar a este tipo de mezcla?
SGB: En ocasiones puede parecer que el southern AOR sale de la nada, del mero seguir la moda que rompe en las listas; sin embargo, las semillas llevaban sembradas desde el principio en muchos de los casos. No hablo de rock melódico como se lo conocería en los años 80, por supuesto, pero en los primeros discos de grupos como los Outlaws (esos estribillos de “Breaker, Breaker”, por ejemplo) o 38 Special (la muy melódica en su medio tiempo “Fly Away” de su álbum homónimo de 1977); por no citar directamente la labor de los Allman Brothers como formación referencial para mucho combo de southern rock. El trabajo de las guitarras, la importancia fundamental de las melodías incluso en los estribillos más desbocados. Por supuesto, todo aquello se llevó a su paroxismo con ciertos vinilos de southern AOR de los 80, aunque para muchas de esas bandas fue un movimiento fugaz sobre el tablero para a la postre regresar a las raíces del terruño.

EM: En otras entrevistas te han preguntado por las bandas sonoras, porque te declaras amante del cine, y por la sección que figura al final del libro. Admito que yo me inicié en este género con ellas (Survivor, Journey…). ¿Crees que las películas tienen esa misma influencia hoy en día? ¿Por qué?
SGB: No, para nada. Eso no quiere decir que no existan en la actualidad directores que cuiden las bandas sonoras de sus películas. Pero lo crucial de aquellas bandas sonoras de los 80 es que reflejaban la música que se estaba grabando en esos momentos, además de que muchas de las tramas o los guiones podían casar perfectamente con lo narrado en las letras de estos grupos. Y no hablo únicamente de las canciones seleccionadas para las bandas sonoras, también me refiero al score completo, a los arreglos instrumentales que acompañaban a muchas de aquellas filmaciones. La suma tenía una producción y un fin muy similar, aunque no fuese todo necesariamente AOR. Fíjate en la banda sonora de un blockbuster como Top Gun: tienes a Cheap Trick, Berlin, Teena Marie o la Miami Sound Machine, por citar cuatro propuestas diferentes, y nada suena fuera de lugar.

EM: En los bises del libro incluías una de las bandas nacionales que más me han marcado: Hardreams. ¿Sigue en pie la voluntad de incluirla en el segundo libro? ¿Seguiría siendo «Calling Everywhere» el álbum escogido? ¿Nos puedes avanzar algo de las razones o es algo que dejas para la persona que lea el segundo tomo?
SGB: Hardreams es un conjunto excepcional que descubrí precisamente en el año de edición de su “Calling Everywhere”. Yo por entonces dirigía la revista musical digital Renacer Eléctrico Music Magazine y nos llegó a la redacción este trabajo. Mi sorpresa fue mayúscula y tremendamente positiva. Puede que luego asentasen su sonido, pero aquel CD me sigue pareciendo muy significativo de lo que propone la apuesta –esto es a lo que me refería al principio: algunas de mis elecciones en la discografía de una banda tal vez descoloquen a parte de su afición, pero puedo asegurar que tienen su sentido y siempre explico las razones–.

EM: Con algunas de las formaciones y tantos cambios a veces cuesta ubicarse. ¿Has pensado alguna vez en incluir árboles genealógicos como se hace en las sagas literarias?
SGB: Tienes razón, y es algo que ya me sucedió cuando me enfrenté a escribir sobre la historia de la música experimental y progresiva en los dos tomos de Radiografía del Rock Experimental que coescribí junto a Andrés Puente. Allí lo resolvimos organizando el libro por años –AOR World va por orden alfabético de bandas– y manteniendo ese timeline desde la fundación de cada proyecto a su desaparición o a su estado actual, si aún seguían en activo. En cada año podías leer lo que había hecho o lo que le había pasado a uno u otro grupo. Pero sí, lo del árbol genealógico de cada conjunto sería muy interesante; aunque solamente con ellos ya llenaríamos las doscientas páginas, pues hay nombres por los que han pasado o con los que han colaborado decenas y decenas de músicos.

EM: Aparte del libro, recientemente has lanzado un podcast, accesible en https://www.ivoox.com/perfil-aor-world-radio-show_aj_23489054_1.html, complementario a tu canal de Youtube https://www.youtube.com/c/AORWORLD/. ¿Tienes la intención de construir en AOR World un mundo multimedia?
SGB: No era mi intención primera, pero entiendo que la iniciativa AOR World se pueda ver como un todo. Mi forma de escribir, de expresarme, de analizar la música, siempre ha sido muy concreta, siempre intentando crear una firma. Llevo veinticinco años trabajando en el periodismo musical y el tratamiento que le doy a esta disciplina sigue una línea muy clara que reconocerás tanto en uno de mis textos como en cualquier audio de mis programas radiofónicos. El canal de Youtube fue una idea loca. He hecho de todo en el periodismo, pero nunca me he tenido que enfrentar a una cámara. Fue un reto, aunque tampoco salgo tanto en los vídeos –me refiero a mi imagen–. No soy el protagonista, no soy un influencer, únicamente personifico al cicerone que te acompaña a la mesa, que te presenta el análisis que vas a escuchar; sí, un análisis que lleva mi voz también, pero en el que estás viendo imágenes de directos o videoclips del artista o grupo a tratar. De hecho, en un primer momento yo no tenía intención de salir ante el objetivo, pero entendí que Youtube marca otras reglas y hay que seguirlas, aunque únicamente sea para presentar tu proyecto. Yo ya tenía un canal en Youtube personal, pero su contenido era totalmente random. Subía desde vídeos que durante años he grabado a bandas en sus directos como tutoriales míos mostrando cómo se tocan diferentes canciones a la batería, al igual que teasers que montaba sobre mis libros; todo muy de estar por casa, sin importarme audiencias, días de publicación o cualquier otro dato de referencia relacionado con el flujo de visitas.
El canal de AOR World encuentra su nacimiento en la necesidad que siento de dar una continuidad al libro mientras llegaba o no la segunda parte. La editorial no terminaba de confirmar si publicaría la obra –al final sería que no–; yo veía que ya pasaba el primer año tras la edición de AOR World, seguía recibiendo mensajes preguntando por ese posible AOR World 2, y pensé que lo de Youtube podía ser un parche para que no se hiciese tan larga la espera. Desde su comienzo me planteé que debía tratarse al canal como a una suerte de programas sobre el mundo de la música AOR, como un espacio semanal televisivo que te podrías haber encontrado cual sección dentro de un magazine musical –si quedasen magazines musicales en la televisión y si en algún momento se hubiesen preocupado por el rock melódico–. Sin embargo, de mero “parche” el programa ha cobrado vida propia, por lo que de las iniciales audio reseñas se llegó a los rankings por años y a entrevistas de nombres como Jordi Castilla, el argentino Charlie Giardina, Hackers o Güru.
En cuanto a AOR World Radio Show, creo que era el paso lógico. Incluso pensé en ello antes del canal de Youtube. He estado más de quince años haciendo radio: comencé en Onda Mayor en los años 90 y luego pasé por emisoras decanas de Madrid como Radio Carcoma o Radio Enlace. Durante todo aquel tiempo dirigí y presenté espacios como el dedicado al rock/hard rock/metal “Despertar Eléctrico” (posteriormente titulado Renacer Eléctrico, que también sería el nombre de mi revista, aunque ya abierta a decenas de estilos musicales), el magazine cultural y musical “El Puente de Cassandra”, “Un Mundo Entre Dos Décadas” (versado únicamente en la música de los años 60 y 70) y “Discos Para Inquietos” (del que incluso llegué a escribir y publicar con la Editorial CastellArte un libro). Todavía entendiendo que era mi medio natural, veía que en las Redes Sociales la gente era más proclive a ver un vídeo de Youtube que a meterse en un enlace de iVoox o a esperar cierto día para escuchar en una emisora digital un espacio radiofónico. Por ello me decanté por Youtube. Sin embargo, sentía que faltaba la música. Hallé grandes problemas en Youtube únicamente por mostrar unos minutos de diferentes vídeos oficiales de las bandas –de la música ya ni hablamos, aunque fuese unos segundos de uso a modo testimonial–, y también me vi obligado a tener eso en cuenta a la hora de editar y montar las imágenes. Finalmente hace unas pocas semanas, y tras llevar desde 2011 sin hacer radio, comenzaron las emisiones de AOR World Radio Show; un espacio del que cada miércoles subo nuevo programa en iVoox y que, posteriormente, ya en horario de 22:00 a 23:00 los sábados por la noche, se emite también en Rockliquias Radio.

EM: ¿Qué tres bandas tótem (y su disco) recomendarías a una persona que no sabe de este estilo y lo quiere conocer?
SGB: Parece una pregunta sencilla de contestar, pero claramente tiene su miga. Aunque en ocasiones el rock melódico pueda parecer un género estanco, no lo es; y como pasa con el rock progresivo, hay muchas variaciones, modos de entenderlo, subcategorías, afluentes o influencias que hacen que no todo el rock melódico se rija por unos cuantos estatutos inamovibles. De hecho, con los años he descubierto que hay amantes del AOR que no entienden el género si no es a partir de lo que se publicó en los años 80; es decir, no comulgan ni con las ideas musicales ni con las producciones de los 70. Al igual que también hay oyentes que aman el AOR pero no ven sus concomitancias con el pop, al igual que otros sí lo hacen. Nadie es mejor ni peor, pero lo cierto es que todo esto puede condicionar a una u otra persona a la hora de entrar en esta disciplina. Por eso, y aunque parezca muy trillada la respuesta, los nombres clásicos siempre suelen funcionar como primera invitación al género: el “4” o “Agent Provocateur” de Foreigner, “Turn Back”, “IV” o “Isolation” de Toto, “Eye Of The Tiger” o “Vital Signs” de Survivor, “Hi Infidelity” o “Good Trouble” de REO Speedwagon, “Escape” o “Frontiers” de Journey…

EM: ¿Qué 3 bandas en activo actualmente señalarías como las que están manteniendo vivo el género?
SGB: Te voy a nombrar a tres bandas actuales que creo que ofrecen una muy interesante visión del rock melódico: los Hackers desde Las Palmas de Gran Canaria, el noruego Satin y los Palace del sueco Michael Palace.

EM: No puedo evitar preguntarte sobre uno de los cambios de vocalista más polémicos de los últimos días: en Sunstorm, sale Joe Lynn Turner y entra Ronnie Romero. ¿Qué te parece el cambio?
SGB: Últimamente se ha creado un gran revuelo en las Redes Sociales sobre este respecto, y la verdad es que lo entiendo. Recuerdo que Joe Lynn Turner, precisamente hablando hace algunos años sobre Sunstorm, me dijo que él seguía aceptando muchas de las propuestas de músicos que lo contrataban vía internet para que pusiese voz en un disco o hiciese un dueto con ellos. Hay que comer y la vida del músico está cada vez peor; y no hablo de la actual crisis que ha traído la pandemia, que eso ya es totalmente descorazonador, me refiero a músicos que han visto que en el nuevo siglo no se puede vivir de lo que décadas atrás fue una profesión más que asentada. Romero ha estado en los últimos ocho años relacionado con nombres o bandas como Nova Era de José Rubio, Lords Of Black, Rainbow, The Ferrymen, Destinia de Nozomu Wakai, CoreLeoni e incluso Adrian Vandenberg. Entiendo que lo de Ronnie en Sunstorm habrá sido un ofrecimiento directo del capitoste de la casa Frontiers, Serafino Perugino; pero el fundador del sello italiano no se ha percatado de que esta clase de jugadas en ocasiones pueden llegar a dañar la credibilidad de un proyecto de este tipo –sobre todo cuando están asociadas a un nombre, a un registro vocal y a una figura en concreto de tanta relevancia como la de Turner–.

LASRTWORLD
‘OVER THE EDGE’
Perris Records

Soy muy mala para recordar nombres pero me he propuesto subir al podio de mis músicos favoritos a Jim Shepard, multinstrumentista y artista de la melodía. No es para menos tras escuchar el segundo trabajo que ha editado Perris Records con el proyecto LastWorld, componiendo, creando letras, atmósferas y ¡tocándolo todo!

Abre el álbum «Judgement Day». Apuntalada en una guitarra riffera (al más puro estilo Randy Rhoads), se camufla en teclado y melodía para no llegar a sonar heavy. Un buen resumen de la variedad que te encuentras en los 46 minutos de duración del trabajo. En el AOR, hacer que el bajo suene con personalidad complementando la melodía no es fácil, los maestros pusieron el listón muy alto. Pero en «What If I’m Right», «Too Late» o «Never Enough», Jim sale triunfador de la empresa. También parece dominar uno de mis deportes favoritos: poner a bailar estribillos de la mano de teclas incansables, como en «Dying To Live», donde ahonda en la letra sobre las ganas de cambiar de vida y hacer las cosas de otra manera.

La segunda parte se dispara con «Over The Edge», canción que da título al álbum y que mejor representa, tanto el concepto como la musicalidad que se buscaba, según el propio Shepard. «I’m Not Afraid» no se queda atrás en complejidad compositiva y rasgado de sentimiento en el pecho. Acabamos sacando el carácter a relucir con guitarras más pesadas en «Wasting My Time» y «Tomorrow Is Another Day» y así completamos el abanico de afectos que teníamos disponibles para hoy.

Dicen que cuando los músicos gastan galones, las composiciones se desarrollan fácilmente en el estudio y eso franquea al otro lado, al lado de quienes, atentos e indulgentes, abrimos las ventanas de nuestros cuartos repletos de sentimientos para ser oxigenados y revueltos. Si quieres explorar tus habitaciones de sensibilidades cerradas hace un tiempo, dale al play y disfruta de un recorrido atrevido y amable con Jim Shepard y David Cage por el último de los mundos.

Ymir Peiró

COREY TAYLOR
‘CMFT’
Roadrunner Records

Puede parecer raro que reseñe el nuevo álbum del archiconocido frontman de Slipknot, Corey Taylor, para colmo un álbum que publica Roadrunner Records y no Frontiers. Pero si digo que reseño un trabajo de rockanrol macarra con toques punk y temas melódicos, igual no parece tan raro mi empeño. El primer trabajo en solitario de Corey Taylor está hecho como las colchas de antaño: cosiendo pedazos de tela para conseguir la unidad con una amalgama difícil de copiar. El artista ha vivido de hacer canciones, desangrándose en letras que reflejan momentos dignos de olvidar, y ahora entrega su cara más divertida y desenfadada.

No es fácil hablar de un trabajo tan irregular, pero intentaré ir recogiendo los pedazos de la colcha y presentándolos de manera que sea fácil identificar qué temas escuchar dependiendo de los gustos de cada cual. El único metal que se puede encontrar está condensado en el dobladillo de «Culture Head». En general hay un trato muy punki del bajo, pero este además pone hilo a la aguja tanto en «Meine Lux» como en «European tour bus bathroom song». Las reminiscencias al hard rock clásico hacen su aparición en «Halfway down» o «The maria fire», pero también tenemos referencias a los noventa en «Silverfish» que suena a Stone Temple Pilots, «Everybody dies on my birthday» con sonido a Foo Fighters bordado en hilo de plata, culminando en «CMFT must be stopped» con filtro rapero al estilo de las bandas que intentaron mezclar estos estilos. De paso tiene su momento de inclusividad interracial, con la variedad de famosetes que aparecen en el videoclip.

Mis favoritos en este enredo son los temas divertidos y bailables como «HWY666″ que es como si Dropkick Murphys hubieran llegado con el barco a Des Moines (Iowa) en lugar de a Boston (Massachusetts), «Samantha’s gone» o «Kansas». No me olvido de LA balada «Home», de un zurcido tan fino que destila al máximo la voz desnuda ante un piano maravilloso, y por fin vemos de qué es capaz este vocalista.

Si en Slipknot mandaban los traumas airados, y en Stone Sour la vida superficial, en este trabajo Corey Taylor nos muestra una habilidad que necesita práctica, pero a la que no faltan intencionalidad y empeño para conseguir una puntada más firme. La mezcla de colores y la falta de miedo a mostrar lo que tiene sin importarle el qué dirán, denotan que ha encontrado un poco de paz interior y felicidad, y eso es algo que hay que celebrar, ¡no vamos a alegrarnos sólo cuando esté hecho polvo!

Ymir Peiró