ANÁLISIS DE ‘RIVER OF DIAMONDS’: EL DISCO

La expectación creada en torno al nuevo disco de Liv Kristine va en aumento entre sus fans conforme se acerca la fecha de publicación, el 21 de abril a través de Metalville.
‘River of diamonds’ es su sexto disco de estudio y en todos estos años Liv nos ha mostrado diversas facetas de su personalidad musical, influencias y tesituras aunque también es cierto que, de ‘Vervain’ a esta parte sus trabajos tienden a una vertiente más oscura que tienen como referencia principal a ‘Aègis’ de Theatre of Tragedy. Sin ser lo mismo, buscan aproximarse. Y con esa premisa, sabiendo dónde está el éxito mantiene en su esqueleto compositivo a la columna vertebral, Tommy Olson, quien ya compuso ‘Aègis’ y que también ha compuesto todos los trabajos de Liv desde que esta salió de Napalm Records.
Pero si algo pone de manifiesto ‘River of diamonds’ es que la carrera de Liv Kristine empieza, por fin, a asentarse, a coger carrerilla, a ser consistente y constante. Y eso es algo muy importante para una artista de su calibre y de justicia con todo lo que ha tenido que vivir a lo largo de su vida musical. Al final, aunque sea muy tarde, el karma pone las cosas en su sitio.

Pero ‘River of diamonds’ es más que un disco, es un ejercicio de pureza, de la sinceridad más palpable. Estableciendo un símil con el nacimiento de un niño, si con ‘Skylight’ Liv volvía a nacer como artista, con ‘Have courage dear heart’ dio sus primeros pasos y con ‘River of diamonds’ echa a correr y su carrera coge una velocidad de crucero.
Antes de adentrarme en el análisis de las canciones propiamente dichas, quiero responder a quienes me cuestionan sobre la línea musical que sigue este nuevo trabajo, si mantiene las credenciales de ‘Have courage dear heart’ o si ofrece un virage hacia otros estilos. Lo cierto es que mantiene una línea continuista por cuanto el tándem Liv – Tommy se mantiene intacto, han encontrado su particular fórmula de la Coca Cola para lograr temas convincentes y a través de los cuales ir creciendo como artistas, desde el estudio y desde el escenario.
Otra cosa que sigue demostrando Liv disco tras disco es el buen gusto musical del que hace gala honrando a sus artistas preferidos y versionándolos. En su momento fueron Bruce Springsteen o Tori Amos y en esta ocasión son Cindy Lauper y Jon Lord. Quizá, que Michael, su marido, sea un gran fan de Deep Purple ha tenido algo que ver a la hora de reinterpretar juntos “Pictured within”.
De por sí los discos de Liv acostumbran a tener buen sonido, pero quizá nos encontramos ante la mejor producción de su carrera, donde todo está balanceado y logrando un equilibrio perfecto sobre el cual surfea la voz de Liv.
Otro aspecto a destacar de ‘River of diamonds’ son sus colaboraciones. Liv siempre ha escogido con acierto a sus partenaires vocales (Nick Holmes o Michelle Darkness entre otros) pero nunca había juntado a tres nombres tan relevantes dentro del Gothic Metal como Fernando Ribeiro (Moonspell), Østen Bergøy (Tristania) y Carmen Elise Espenaes (Midnattsol). Y ese hecho, además de dar caché y empaque al disco, ofrece un mayor dinamismo y una textura más amplia a las composiciones.

El colofón a este trabajo es la portada en la que aparece la mitad derecha de la cara de Liv en un primer plano que muestra un ojo precioso y la amabilidad de su rictus. En esta ocasión ha sido obra de Mariël Rohrbach, que ya ha trabajado con Liv anteriormente. Y es en el aspecto gráfico donde quiero detenerme para contarte algunas anécdotas porque la sesión de fotos se tomó en la casa en que vivían Liv y Michael hace un tiempo. En esa sesión Liv utilizó tres cambios de vestuario que estás viendo en este reportaje, el de la blusa fucsia de lentejuelas, el de la camiseta negra de pinchos con la rosa negra; y el del collar de plumas negro.
Otra anécdota es la rosa negra metálica que luce Liv en uno de los cambios de vestuario y que es especialmente significativa por cuando la ha hecho su hijo Leon, que está estudiando metalistería. Así pues podemos afirmar que se trata de uno de los trabajos más personales de la carrera de Liv Kristine, donde muchas de las personas más cercanas a ella han sido partícipes en muchos aspectos que se reflejan en el disco. Sin duda un trabajo lleno de matices y personalidades que engrandecen la figura de Liv Kristine, como artista y como persona.

ANÁLISIS DE ‘RIVER OF DIAMONDS’ CANCIÓN A CANCIÓN:

Our immortal Day (Østen Bergøy duet)
Tema muy gótico muy del estilo Sisters of Mercy. Se nota la composición de Tommy Olson. El estribillo tiene un punto a “Skylight” en los teclados y las voces de Liv. El dueto vocal con Østen Bergøy me parece maravilloso y me recuerda a ‘Aègis’ porque Østen utiliza unas voces muy suaves. Canción ideal para empezar el disco y para enamorar a los fans.

No Makeup
Tiene unas líneas vocales muy intensas y un estribillo muy elegante y delicado. Es un medio tiempo muy efectivo con voces dobladas en la segunda mitad de la canción. Como dice la canción, “Perfectly perfect” (perfectamente perfecta). Quiero escucharla y sentirla en directo.

Maligna
La cantó como primicia en Nagold en diciembre y ya entonces me pareció maravillosa. Tiembla la voz de Liv en el puente justo antes del crescendo. El estribillo se repite una y otra vez, es muy pegadizo y cuando te das cuenta lo estás cantando.

Gravity
El nuevo clásico de Liv Kristine. Una sorpresa que aparezca en ‘River of diamonds’ porque es el tercer lanzamiento consecutivo en el que aparece y en la misma versión.

In Your Blue Eyes
Tema más bailable y de estrbillo coreable que bien podría haber aparecido en ‘Libertine’. Ese “I’m coming home” es la prueba más palpable que Liv está de vuelta y que ha venido para quedarse.

River of Diamonds (Fernando Ribeiro duet)
El tema que da título al disco tiene la colaboración más sonada, la de Fernando Ribeiro. Resulta un tema delicado con la voz de Fernando quedando en segundo plano en el estribillo pero que tiene como curiosidad volver a escuchar a Fernando cantar en portugués.

Pictured Within (Jon Lord cover – Michael Espenaes)
¡Qué sorpresa y qué maravilla! Pensaba que Michael haría voces guturales y se descubre que tiene una voz preciosa y muy sensible. Háztelo mirar sino te emocionas con esta canción. Súper emocional. La canción desprende amor por los cuatro costados. Jon Lord se sentiría orgulloso de esta versión.

Shaolin Me
El inicio, muy asiático da la sensación que vaya a ser un tema duro y fuerte pero nada más lejos de la realidad. Una base rítmica repetitiva pero agradable da paso a un estribillo pegadizo. Si en la misma coctelera metemos la filosofía Zen con que Shaolin es un templo budista y a Liv Krstine, encontramos el sentido a esa estrofa de la canción donde habla de “innermost of me” (en mi interior). Un tema muy profundo e intenso en su conjunto.

Love Me High (Carmen Elise Espenaes duet)
El regusto pop de esta canción es contagioso y la conexión Liv – Carmen es más que palpable. Se entienden a la perfección y sus voces conectan con solo mirarse. Una muestra más de la magia que desprenden. Carmen es la invitada con más protagonismo en el disco. Otro verso de las que marcan el disco: “Baby you love me high”.

Serenity
Ya aparecía en ‘Have courage dear heart”. Otra canción que apunta a clásico de su discografía.

If I am Dreaming
Es una balada muy emocional y la forma de cantar de Liv me recuerda sobremanera a la versión Cathedral de “Skylight”. Maravillosa la percusión dotando de profundidad a la canción.

True Colours (Cindy Lauper cover)
Otra versión preciosa, esta vez con teclado y piano de Ecor. La dulzura de Liv resulta embriagadora cuando versiona baladas.

Lo mejor de ‘River of diamonds’: “Pictured within”, “Our inmortal day”, “No make up”. El dueto vocal con Michael Espenaes es estremecedor. Que tanta gente cerca a Liv esté presente en este disco de una manera u otra.

Lo menos bueno de ‘River of diamonds’: Que vuelva a incluir “Gravity” y “Serenity” en otro disco. Que el disco termine.

Texto: Marc Gutiérrez
Fotos: Mariël Rohrbach

LIV KRISTINE
‘RIVER OF DIAMONDS’
Metalville

Liv Kristine publica el próximo 21 de abril su sexto disco de estudio a través de la discográfica alemana Metalville. Desde que en 2014 publicara ‘Vervain’ no teníamos un disco completo nuevo de Liv y la espera se ha hecho muy larga. Hemos tenido pequeñas dosis de nueva música en el EP ‘Skylighy’ (2019), ‘Have courage dear heart’ (2021) y la reedición de ‘Enter my religion’ (2022); además de las distintas reediciones de Theatre of Tragedy en los últimos años.
Sin embargo, se hace extraño para sus fans que una de las grandes figuras del Gothic Metal y una de las precursoras femeninas del género esté tanto tiempo sin publicar nuevo disco y actuando. Muchos motivos han llevado a ello que no vamos a analizar ahora porque no es el momento y porque lo realmente importante es que ‘River of diamonds’ ve la luz para volver a poner de relieve que Liv Kristine sigue en estado de gracia y que sus nuevas canciones mantienen la textura de antaño.

‘River of diamonds’ es un disco variado, delicado, elegante y adictivo en el que recoge la semilla de trabajos anteriores para meterlo todo en la batidora de Tommy Olson, quien ya compusiera ‘Aègis’ de Theatre of Tragedy, y que para Liv ha compuesto ya “Skylight”, “Gravity”, “Serenity” y “Have courage dear heart”.

En Nagold, el pasado mes de diciembre, Liv ya hizo la premiére en directo de “Our inmortal day” y “Maligna” y ya dejó claro que la dinámica de las nuevas composiciones se alejaban del recién reeditado ‘Enter my religion’ y volvían a situarla una vez más en la senda de la oscuridad y en este sentido creo que se ha rodeado del equipo adecuado y probablemente del mejor entorno de su carrera en solitario. Las composiciones, mezcla y masterización de Tommy se han visto refrendadas por la colaboración en Ecor (Rocco Cogliati) en piano y teclados; Mariël Rohrbach ha conseguido unas fotografías maravillosas en las que Liv luce espectacular; y el disco tiene colaboraciones de nombres de peso dentro del Gothic como son Fernando Ribeiro (Moonspell), Østen Bergøy (Tristania) y Carmen Elise Espenaes (Midnattsol).
El track list recorre grandes momentos como ”Our immortal day”, “No makeup” o “Maligna” pero creo que los temas más sobresalientes del disco con las versiones de “True colours” y especialmente “Pictured within” con el dueto vocal con su marido Michael Espenaes y es que cuando esperaba las guturales de Michael, aparece una voz dulce y melódica absolutamente maravillosa.
Entre las doce canciones que componen el disco encontramos nuevamente «Gravity» y «Serenity», que ya aparecieron en EP’s anteriores y todo indica que esta reiteración se debe a la importancia que Liv da a estas dos canciones en su nuevo repertorio de directo y dentro de su discografía.

Tengo la impresión que el cambio de discográfica va a beneficiar a Liv porque pasa a ser una artista importante en su roster de bandas y porque al ser más pequeña que Napalm o Roadrunner le va a permitir un contacto más directo, estrecho y cercano a Stephan y su equipo. Liv ha tenido ofertas de discográficas más grandes pero es consciente que necesita un entorno de confianza y que de verdad crea en su trabajo y su talento y con Metalville lo va a conseguir.
En estos días Liv ha empezado a anunciar ya las primeras fechas de presentación de ‘River of diamonds’ en Reichenfels, Langenthal y Stella Nomine Festival; también sabemos que el concierto de Nagold de este 2023 será un sábado de noviembre y no en diciembre y podemos adelantar que se está trabajando en una gira europea para antes de verano por varios países para presentar el disco. De momento no podemos avanzar más detalles pero ve vienen meses en los que, si todo va bien, Liv va a estar muy de actualidad.

Track list:
Our immortal day (dueto vocal con Østen Bergøy)
No makeup
Maligna
Gravity
In your blue eyes
River of diamonds (dueto vocal con Fernando Ribeiro)
Pictured within (versión de Jon Lord y dueto vocal con Michael Espenaes)
Shaolin me
Love me high (dueto vocal con Carmen Elise Espenaes)
Serenity
If I am dreaming
True colours (versión de Cindy Lauper)

Texto: Marc Gutiérrez
Fotos: Mariël Rohrbach

LIV KRISTINE
‘ENTER MY RELIGION’
Allegro Music Talent

La carrera de Liv Kristine ha recorrido varias etapas en las que ha desarrollado estilos muy variados con los que interpretar momentos, pensamientos y emociones de su vida. Quizá uno de los discos en los que más ha experimentado sea este ‘Enter my religion’ que ahora, dieciséis años después de su publicación, se reedita con material inédito, nuevo artwork y, por primera vez en toda su carrera en solitario, un disco completo de Liv ve la luz en vinilo. No olvidemos que ‘Have courage dear heart’ era un EP con temas en directo.

Quiero empezar esta reseña haciendo una confesión. Desde siempre, quizá haya sido mi disco menos favorito de Liv Kristine (siempre hablando de su carrera en solitario). No sé muy bien porqué, así que esta reedición es una especie de reválida para mí, una nueva oportunidad de reencontrarme con la Liv de 2006, aquella que nadaba con viento a favor tras la edición de ‘Vinland Saga’ de Leaves’ Eyes y casi en paralelo al EP ‘Legend Land’.
Quizá no supe entender en aquel momento ese virage al pop que supuso ‘Enter my religion’ respecto a ‘Deus ex machina’, un trabajo más orientado al new age; esa apuesta por las guitarras acústicas que seguiría desarrollando más adelante.
Hoy escucho este trabajo y reconozco muchos elementos en común con mi disco favorito de Liv, ‘Skintight’. Las acústicas de “Coming home” o “Blue emptiness” me atrapan, igual que “Over the moon” o la penetrante versión de Bruce Springsteen “Streets of Philadelphia”.
Viendo la carrera de Liv Kristine en retrospectiva, ‘Enter my religion’ fue un disco necesario en su evolución en solitario pues en él confluyen muchos estilos que han marcado su vida y su carrera musical.

La clave para entender ‘Enter my religion’ es pensar en él como un trabajo diametralmente opuesto a Theatre of Tragedy y muy distante de ‘Deus ex machina’. Me faltó una paciencia con él que tengo ahora. Y lo disfruto. Y lo gozo. Y lo entiendo. Entiendo esos desarrollos pop, esos vaivenes intimistas entrelazados con la melancolía que transmite la calma de su voz.
Es bien conocido que Liv adora el Pop de artistas como Madonna y que siente devoción por Kate Bush o Tori Amos. Con esas influencias el trabajo compositivo debía ser distinto del de Leaves’ Eyes hasta el punto que Peter Tägtgren de Hypocrisy y Pain y gurú de las producciones en aquella época en sus Abyss Studios contribuyó con la música de “Over the moon” y “Trapped in your labyrinth”. Pueden parecer dos detalles menores pero la participación de Tägtgren y la publicación por parte de Roadrunner Records (detalles abordados más en profundidad en la entrevista con Liv que publicaré en unos días) son capitales en este trabajo. ‘Enter my religion’ fue una especie de ahora o nunca, de intentar llegar a unas cotas desconocidas como solista.
En ‘Enter my religion’ Liv se muestra tímida y atrevida a la vez, versátil, capaz de ofrecer dos caras de una misma moneda. El desenfado de “You take me higher” contrasta con la ternura de “Enter my religion” y las letras de sus canciones, de todos sus discos, permiten a sus fans establecer una trazabilidad sobre aquellos momentos claves en su vida… amores, miedos, energías, puntos de equilibrio, creencias…

Esta nueva edición tiene un sonido remasterizado que ha permitido pulir detalles con los que apreciar algunos elementos con mayor nitidez aunque debo reconocer que me hubiera gustado que las guitarras eléctricas gozaran de una mayor claridad.
Quizá la diferencia más notable para el fan medio sea el artwork y es que la Liv Kristine de hace dieciséis años ha dado paso a mujer más hecha, más madura a la que las heridas del pasado han forjado un carácter más férreo, más admirable. Y esa evolución queda reflejada en una portada en la que Liv mantiene el mismo espíritu, el mismo gesto y hasta la raya del pelo en el mismo sitio pero con otra mirada. Mismo fotógrafo, Kai Joachim, misma fotografiada, Liv Kristine, mismo resultado, excepcional.
Para el fan más avanzado hay dos grandes diferencias que radican en los bonus tracks. Por un lado “Stjernenacht” y “One thought closer” son temas inéditos pero ambos fueron compuestos y grabados junto al resto del disco y figuraron en el promo cd que Liv Kristine entregó a Roadrunner el 13 de julio de 2005.

Y en segundo lugar, en las versiones a piano de “Trapped in your labyrinth” y “Fake a smile” colabora el artista italiano Ecor dotando a ambos temas de una profundidad ideal para la voz de Liv.
Desgranado los bonus tracks inéditos cabe reseñar que “Stjernenacht” está cantado íntegramente en alemán sobre una base de samples, muy rítmica, y que incluye guitarras acústicas también. Un corte ideal para este trabajo y que no debió quedarse fuera del track list final del disco.
“One thought closer” se inicia con un teclado ensoñador para dar paso a una balada esencial, de esas profundas a las que nos tiene acostumbrados Liv. Desde esta tribuna pido a Liv que considere seriamente la opción de cantarla en vivo en Nagold porque resulta tremendamente emotiva.

En el impás entre ‘Enter my religion’ y “Libertine’, Liv inició su costumbrista peregrinación de diciembre a Nagold porque para los fans de Liv Kristine la navidad siempre empieza una semana antes en Nagold. Este año 2022 nos encontramos allí el sábado 17 de diciembre.

Marc Gutiérrez

ASHES OF ARES
‘EMPERORS AND FOOLS’
Rock of Angels

¡La voz del metal esta de regreso! Así de rotundo soy. Para mí, Matt Barlow es la voz del
metal.
Todavía recuerdo aquella fría noche cuando, en la sala Razzmatazz, Blind Guardian venían a
Barcelona a presentar su ‘Nightfall in the middle earth’ y de teloneros venían unos tal Iced Earth a los que descubrí aquella noche. Llegué tarde a la sala y de los teloneros solo pude ver los dos últimos temas y el impacto que tuvo en mí la presencia de Matt Barlow todavía hoy en día perdura. Aquel enorme hombre con aquella enorme melena pelirroja cantando como un verdadero ángel y demonio a la vez, me perforó el corazón y voló mis sentidos.
Siempre he sido de Matt, lo reconozco, y cuando se marchó de Iced Earth la primera vez, lloré
y mucho. Cuando volvió para el ‘Framing armageddon’ salté de alegría y cuando se volvió a marchar volví a llorar.

Pero todo esto cambió cuando, por los avatares del destino, descubrí que Matt seguía haciendo metal con una banda llamada Ashes of Ares, en la cual también forma parte un ex-Iced Earth, el guitarrista Freddie Vidales. Y empecé a investigar y a encontrar su música, difícil de conseguir desde España en aquellos tiempos.
La sorpresa fue en aumento conforme iba escuchando temas ya que conjugaban la fuerza y la
velocidad de Iced Earth, con sonidos más cercanos al dark melodic metal o US metal, una mezcla apasionante para mí.

Por fin conseguí hacerme con sus dos trabajos, ‘Ashes of Ares’ y ‘Well of Souls’ de 2013 y 2018 respectivamente, dos discazos enormes pero en los cuales se nota que todavía les faltaba un pelo para destacar y sacar todo su potencial.
Y para 2022 atacan con este ‘Emperors And Fools’ y, por fin, han sacado todo lo que pueden ofrecer, por fin se han soltado la melena y nos destrozan literalmente con un puñetazo de heavy metal en toda la cara. Heavy metal sin concesiones.

Como en los anteriores trabajos Matt Barlow se encarga de la líneas vocales y Freddie Vidales
de las guitarras y el bajo. Y como en los anteriores trabajos Van Williams se ha encargado de
las baterías. Luego tenemos las colaboraciones de algunos guitarristas de renombre como Bill
Hudson de Northtale metiendo un solo en el tema «Monster’s Lament» o Wiley Arnett de Sacred
Reich con un solo en «The Iron Throne». Incluso cuentan con la colaboración de Ripper Owens haciendo dueto con Matt en «Monster’s lament».

El artwork ha vuelto a recaer en Kamil Pietruczynik, que ya hiciera el artwork de su anterior «Well of souls» y ha vuelto a realizar un trabajo excelente. De lo más intrigante e inquietante y con claras referencias al titulo del disco, “emperadores y necios”.

Y en lo musical estamos ante 12 trallazos de puro heavy metal, sin más concesión que un par de canciones a caballo entre el medio tiempo y la balada como son «Emperors and Fools» y «Gone». El resto es heavy en estado puro.

Matt ha sacado lo mejor de sí, más heavy que nunca, más melancólico que nunca, mas rabioso
que nunca y utilizando los juegos de voces que siempre me han apasionado.
Freddie por fin ha destapado el tarro de las esencias ¡Qué manera de “riffear” y de imprimir intensidad y carácter a los temas!
Y la batería de Van es sencillamente aplastante. Te retumba cada golpe por los oídos.
Todo ello se conjuga en un disco que, de principio a fin, destila calidad y te hace recurrir a él una y otra vez.
Temas muy destacables son «Our last Sunrise» y «Primed». Los dos destilan heavy metal por los cuatro costados y es donde he encontrado al grupo en su estado mas “salvaje” y a la par pegadizo. El estribillo de Primed me acompañará por el resto de mis días, ¡qué manera de clavarse en mi cerebro!
Y otro tema que destacaré por encima del resto es «The Iron Throne», que tiene el inicio más
heavy y épico que les he escuchado nunca y cuyo desenlace es de los mas cañeros del disco y que bien podrían haber firmado en cualquier trabajo los de las tierras heladas.

En resumen, uno de los mejores discos del 2022, sin duda, y que va a ir directo a mi top para el próximo año ya que de calidad anda sobrado y el sentimiento que me produce cada vez que lo escucho no se puede describir con palabras mundanas.

Enrique Sobrino

https://www.youtube.com/watch?v=coa1tV9pAvo

https://www.youtube.com/watch?v=bw9FNWQGZHs

https://www.youtube.com/watch?v=JjamNLBfl30

https://www.youtube.com/watch?v=cWljhXNOtbk

https://www.youtube.com/watch?v=azthsqwtY4I

https://www.youtube.com/watch?v=7taBH7hCzfw

https://www.youtube.com/watch?v=lzAUdh-zn58

https://www.youtube.com/watch?v=SuQxSaKbl7g

https://www.youtube.com/watch?v=8nE72t_W5qs

RHAPSODY OF FIRE
‘GLORY FOR SALVATION’
AFM Records

No engaño a nadie, a estas alturas, si digo que la salida de un nuevo disco de Rhapsody of Fire (o Rhapsody en cualquiera de sus versiones y formas) es, para mí, motivo de alegría.

En esta ocasión, además, estamos ante lo que debería ser la consagración de este ‘nuevo’ quinteto comandado por el ínclito Alex Staropoli y encabezado por Giacomo Voli (de ‘La Voz’ al cielo). Porque sí, es innegable que ‘The Eighth Mountain’, primer trabajo oficial (‘Legendary Years no dejaba de ser un refrito) con el vocalista de Correggio, fue sólido y agradó a los fans, pero quedó lejos de los grandes hitos de una banda que aglutina algunos de los mejores LPs y temas de la historia del heavy/power metal.

Teniendo en cuenta todo esto, la trayectoria de Staropoli, la calidad de los músicos que lo acompañan y, por qué no decirlo, el enorme peso que supone cargar el nombre de Rhapsody y la responsabilidad que ello conlleva, seguramente no sea del todo justo enfrentarse a un trabajo como ‘Glory for salvation’. Por el agravio comparativo, claro.

Pero, qué narices, el metal, la música, se basa en emociones, en sensaciones, en momentos vitales (aunque hay quien, de forma respetable, prefiere ahondar más en cuestiones técnicas) e intentando liberar mi mente de prejuicios y abandonar mi propio bagaje con la historia de los italianos, me lancé a escuchar, no con voracidad sino con cierta distancia, un trabajo que, sin duda, me ha sorprendido y gustado a partes iguales.

Cabe destacar, para más inri, que el primer single que se pudo escuchar, ‘I’ll be your hero’, me dejó frío como un témpano (y, a la postre, por suerte, ha acabado siendo el tema más plano y ‘olvidable’ del álbum).

Sin embargo, podemos decir casi con rotundidad que lo que Staropoli y los suyos nos presentan en ‘Glory for Salvation’ es un ejercicio de brillantez al alcance de unos pocos.
Rhapsody lo hace, además, de forma inteligente; adentrándose en caminos que sabe que domina, que tiene bajo control, que puede recorrer con comodidad, esto es, moviéndose entre el power metal más clásico, la épica absoluta y la narrativa lírica y teatral que envuelve un conjunto, aunque con algún altibajo, en general, fantástico.

La sensación, en definitiva, que invade mientras el disco va avanzando, es la de estar recorriendo el camino con el protagonista, con el héroe. Las letras, llenas de valentía, garra, lucha, amor, decepción y redención, ayudan obviamente a ello.

De esta forma, mientras que el inicio con «Son of vengeance» apuesta descaradamente por la épica más coreable (con ese teclado casi militar y esos coros grandilocuentes), lo sucesivo se moverá, como decía antes, entre el power metal más canónico de «The kingdom of ice» y «Glory for salvation» y temas marca de la casa, que podrían encajar en casi cualquier trabajo previo, como el tremendo «Maid of the secret sand». Claro está, con la sorpresa de «Eternal snow» / «Terial the hawk», con las que Staropoli se deja mecer por un sonido folk que dista mucho de ser definitorio del quinteto pero que, a mi juicio, encaja a la perfección en la globalidad del LP.

Ahora bien, es en la segunda mitad donde llega el do de pecho. ¡Y de qué manera! «Abyss of pain II», que recoge el guante de la intro de «The Eighth Mountain», y que se convierte en el segundo tema más largo de la banda, es el resumen, la muestra, de las raíces clásicas que siguen inundando la música de Rhapsody of Fire y del propio Staropoli como compositor. Una ópera en sí misma. Una tragedia (desde el punto de vista narrativo) que te lleva, te estremece y te deja vacío al finalizar y que pasa, directamente, a mi top de temas favoritos de la banda.

De ahí, como decía, hacia arriba. Una dosis descomunal de heavy metal -power ballad incluída, ojo- que finaliza con otro HIMNO como es -será… al tiempo- «Chains of Destiny». Vello de punta.

Querría destacar también la labor del propio Voli. En la primera escucha del trabajo tuve la sensación de que sonaba poco heavy, de que su voz estaba muy escondida, tapada por una producción que casi había decidido dejarla en segundo plano. Y… nada más lejos de la realidad. Lo que han conseguido entre Staropoli y el propio Voli es aprovechar los casi infinitos recursos del bueno de Giacomo, no solo en lo vocal sino en lo interpretativo. Y es que estamos ante un cantante que es más, mucho más, que un tipo que puede gritar muy agudo. Puede emocionar, puede guiarte por el camino que dictan la letra y el ritmo, puede transmitir pasión y violencia con una naturalidad pasmosa. La labor de Giacomo Voli en ‘Glory for Salvation’ es SUPERLATIVA y, sin atisbo de duda, es mucho más vocalista e intérprete de lo que habíamos comprobado hasta ahora. Muestra inequívoca de madurez y de conexión orgánica con la banda.

Así pues, estamos ante un trabajo que presenta muy pocas fisuras, que, sin innovar en demasía, nos zarandea con calidad, con un sonido cristalino y con la fuerza y la épica que, a día de hoy, se exige a una banda como esta y a unos músicos como los que la componen.

Es posible que los laureles de Rhapsody (al menos, de la parte capitaneada por Alex Staropoli) ya nunca puedan lucir tan verdes como hace 20 años, pero hay motivos para ponerse en pie, levantar el puño, mover convulsivamente el cuello y sonreír con agradecimiento.

¡Por siempre Rhapsody of Fire!

Dani Ruiz

BEAST IN BLACK
‘DARK CONNECTION’
Nuclear Blast

Pues ya están aquí de nuevo las huestes del señor Kabanen con su nuevo material. Parece mentira, pero ya han pasado cuatro años desde aquel 2017 donde Anton Kabanen decide lanzar a su nueva banda después de separarse de Battle Beast.

Si se marchó o lo echaron de Battle Beast por intentar hacer la música que está realizando ahora, lo mismo me da pero gracias mil por ello. Y si hablo en singular es porque Anton Kabanen es el compositor y escritor de toda la música y letras del disco así que, aunque la banda es Beast in Black, bien podría llamarse Anton Kabanen Band.

La formación es la misma desde los principios allá por 2017 con el único cambio en la batería que se produjo entre el primer y segundo disco. Así pues, la banda está formada por Anton Kabanen a las guitarras, teclados y sintetizadores; Yannis Papadopoulos a las voces; Kasperi Heikkinen a las guitarras; Mate Molnar al bajo; Atte Palokangas a las baterías; y la incorporación de Cynthia a los sintetizadores y teclados y que, sinceramente, espero que se una como miembro permanente, sobre todo para dar mas veracidad a los conciertos y no tener que llevar los teclados y los sintetizadores pregrabados.

Y en cuanto al trabajo en sí, según el propio Kabanen, esto es como el final de una trilogía, que comenzó con ‘Berserker’, continuó con ‘From Hell with Love’ y que acaba con este ‘Dark connection’.

La portada ha vuelto a correr a cargo de Roman Ismailov y de primeras ya nos da a entender que nos vamos a adentrar en mundos futuristas, ciberpunks y temáticas similares. Lo que me sorprendió muchísimo fue que, a primera vista, no se veía la mascota, la bestia que aparece en las anteriores portadas y me resultó muy extraño. Menos mal que cuando me llegó el cd pude observar con más detenimiento la portada dándome cuenta que sí está la Bestia, compartiendo la mirada con la mujer fatal de la portada, detalle que me ha encantado por no ser apreciable a primera vista.

Además, este disco lo dedican íntegramente a la memoria de Kentaro Miura, creador de series manga como ‘Berserk’, y que ha sido fuente de inspiración de Kabanen y compañía, y que falleció mientras estaban grabando el disco.

Y en lo musical, nos vamos a enfrentar a lo que yo he denominado power-techno-metal, porque la presencia de los sintetizadores es la mayor de la historia de la banda, dándole un aura futurista a todas las canciones y transportándote al mismo tiempo a mundos futuros y a discotecas de los setenta u ochenta. Para mi gusto, un excelente trabajo pues ya sabemos la predilección de Kabanen por entremezclar el power y el heavy con los sonidos más electrónicos.

El resto de la banda, como ya pasara en el anterior disco, roza la perfección siendo el complemento perfecto a las ideas de Kabanen. Y lo de la voz de Yannis es de mención aparte.
Este tío canta como quiere, llegando a unos agudos casi imposibles, rasgando la voz con una agresividad sublime y acariciando sus cuerdas vocales en los temas más tranquilos haciéndote pensar que hay varios cantantes en el disco, pero no, solo esta él. Aparte lo he notado mucho más agresivo en los temas más cañeros que en anteriores ocasiones.
Y en cuanto a las canciones tenemos a Beast in Black en plena efervescencia. Me explico, las partes más heavys son las más heavys que han hecho y las partes techno son las más techno que han hecho. Así que la mezcla es Beast in Black elevado al máximo exponente.
Posiblemente al publico menos acostumbrado al sonido de la banda, todo esto le chirriará mucho, pero para los fans este trabajo colmara su sed de música.

Temas como «Blade Runner» o «Revengeance machine» te harán mover la cabeza sin parar, por su
velocidad y contundencia. «Bella Donna» es la conexión con los primigenios Beast, más heavy y menos teclados, que me ha recordado infinitamente al tema «Blind and Frozen» de su primer disco ‘Berserker’. También tenemos las partes más techno y discotequeras como pueden ser «Hardcore» y «One night in Tokyo» con las cuales te dan ganas de ponerte unos calentadores e ir a una pista de baile y que me parecen dos temazos bailables al 100%.
Lo que sí he añorado en este disco es una balada, como sucedió con «Ghost in the rain» o «Oceandeep». Aquí lo más parecido es el tema que cierra el disco, «My Dystopia», que es un medio tiempo mega sensible donde Yannis sobresale de manera espectacular pero no llega a ser una balada como tal.
A modo de bonus tracks nos ofrecen dos versiones de lo más variopintas como son «Battle Hymns» de Manowar, que suena realmente bien y muy épico con la incorporación de los teclados y donde Yannis casi iguala a Eric Adams en la forma de gritar; y, por otro lado, «They Don`t Care About Us» del rey del pop, Michael Jackson, muy bien enfocada desde el prisma de Beast in Black.

En resumen, un grandísimo disco que colmará las expectativas de los fans (como yo) y donde han demostrado que a los sonidos más heavys se les pueden intercalar sonidos mas technos y que suenen realmente compactos y poderosos.
A mí me han convencido y espero que a vosotros también, aunque hay que escucharlo con la mente abierta y no cerrándonos en el “truísmo”.

Enrique Sobrino

https://www.youtube.com/watch?v=EF2PrtDjR50

https://www.youtube.com/watch?v=7iu2YjG88AQ

https://www.youtube.com/watch?v=KUKIXEK2o9c

https://www.youtube.com/watch?v=gVixaG76Ldg

https://www.youtube.com/watch?v=tXZK2PIL3pc

https://www.youtube.com/watch?v=jLt-L1spOHI

ABORTED
‘MANIACULT’
Century Media

Con sus más de veinticinco años de existencia, infinidad de directos y una cantidad más que considerable de grabaciones editadas, la brutal banda Aborted ha conseguido, por méritos propios, ser uno de los grupos más representativos y valorados dentro del death metal más brutal y despiadado. Todo gracias a un duro trabajo realizado desde que apareciesen allá por mitad de los noventa y que, a día de hoy, siguen demostrado con cada edición que sacan o directo que realizan. Sin lugar a dudas todo un referente y una muestra de trabajo duro dentro de la música extrema, que como no puede que ser de otra forma, obtiene sus frutos.

Incansables a la hora de trabajar, no era de extrañar que pronto tuviésemos nuevo material de estos belgas; y así ha sido. Este 2021, Aborted sorprenderá al mundo con el que será su álbum número once en su discografía titulado “ManiaCult” y nuevamente estará dirigido a los fieles seguidores de la brutalidad y la sangre.

Para aquellos que conozcan a la banda, sería disparatado pensar que no saben qué se van a encontrar en este nuevo disco. Desde que aparecieron allá por 1995 aproximadamente, la banda tuvo claro el camino por donde transcurriría su sonido.

Siempre brutales, han ofrecido un material para amantes del death metal más salvaje y pesado salpicado siempre por vísceras, sangre y muerte, tanto en letras como en portadas. Una línea constante que tuvo un cierto desvío, todo hay que decirlo, en 2005 con su disco “The Archaic abattoir”. Es a partir de este trabajo donde quizá encontremos la definitiva seña de identidad característica de Aborted hasta estos tiempos. Algo que han seguido mostrando en todos sus siguientes discos hasta llegar a este último álbum “ManiaCult”, y que podemos estar más que seguros continuará en sus futuros trabajos.

Es a partir de este disco de 2005 donde encontramos una banda con una idea de sonido más establecida y sólida. Dejan atrás su forma más primaria y avanzan hacia un sonido contemporáneo adaptándose a los tiempos para fijar las bases de cómo será su sonido en un futuro. Desde este “The Archaic abbatoir” de 2005, Aborted ha sabido ofrecer su material con un sello donde existe cierta distinción. Cualquiera que fuese escuchando un nuevo lanzamiento editado por la banda reconocerá a Aborted y sabrá que encontrará en él.

Un death metal brutal con ciertas reminiscencias grind, un sonido pulcro y prensado, y canciones muy correctas son el conjunto de aspectos que la banda ha ido ofrecido ininterrumpidamente con el paso de los años a sus fans. Pero claro, conscientes del peligro existente al aferrarse a un concepto determinado, siempre en una misma línea, la banda opta por limar ciertos aspectos definitorios en su propuesta a cada paso que da.

Para este “ManiaCult”, Aborted a vuelto a dar un paso adelante sin salir de su patrón sonoro, esforzándose en conseguir mayor solidez en su identidad y definición. Para ello, han buscado nuevamente un sonido acorde con su poder musical donde la aseada e intensa producción deben dar cuerpo a los cortes elegidos para este nuevo trabajo.

Nuevamente han conseguido dar fuerza y personalidad a las canciones con un sonido demoledor. Los temas suenan con pegada, lo necesario para ofrecer sus canciones con decisión. Y además de esto, como algo prioritario y en otro orden, vuelven a atraparnos en su terrorífico mundo con esa atmósfera tan brutal rebosante de muerte, asesinatos, sangre, vísceras, violencia, y escenas de terror explícitas, creando un siniestro escenario en el que Aborted son la banda sonora con su característica música. Vuelven a captar al oyente con su terrorífica representación musical “sello Aborted”.

Gracias a unas magníficas composiciones dignas de la primera fila de este sonido, y como añadido a su interesante nueva edición, Aborted ha contado con la ayuda de cuatro cantantes amigos de la banda. Con esta iniciativa, la banda belga no hace más que aumentar el grado de brutalidad de este “ManiaCult”. Joe Bad de Fit for an Autopsy, Filip Danielsson de Humanity’s Last Breath, Ryo Kinoshita de Crystal Lake y Ben Duerr de Shadows of Intent (al loro con esta banda), son las cuatro voces invitadas a esta feroz obra de death metal brutal donde nuevamente encontraremos mucho ingrediente grindcore, y que a veces, a causa de esa experimentación a la hora de seguir probando en su sonido, incluso podríamos incluir el término deathcore en su música.

Como podemos comprobar, para este trabajo la banda nuevamente ha movido ficha y ha editado un disco que, sin salirse de lo que es Aborted, contiene ciertos alicientes que demuestran el trabajo realizado y las ganas de Sven y sus chicos por seguir agradando a sus fans. Aborted ha conseguido con este último álbum establecer aún más su sonido, su propuesta, su distinción. Todos reconocen a Aborted cuando suenan porque han sabido escribir su estilo. Y eso no está al alcance de muchos. Te podrán gustar más, o te podrán gustar menos, pero amigos, calidad, trabajo e identidad, aquí no faltan. No suelen faltar, diría.

F.

MARY’S BLOOD
‘MARY’S BLOOD’
Tokuma Japan Communications

En ocasiones, de un evento traumático y explosivo puede nacer algo nuevo y hermoso. Algo así sucedió cuando Destrose se fragmentó allá por 2008; de los restos del naufragio nacieron Lovebites y Mary’s Blood. Casi nada.

En el caso de Mary’s Blood, a pesar de constituirse en 2010 de forma oficial, no escucharíamos un álbum hasta 2014 (tremendo debut aquel ‘Countdown to Evolution’); auténtico power metal, melódico pero potente, accesible pero complejo. Una bofetada en la cara de todos los amantes del género.
Sin embargo, cabe destacar que la carrera de la banda podría resumirse en una palabra: heterogeneidad. Y es que cada LP del cuarteto nipón es sustancialmente diferente al anterior. Esto nunca supuso un problema, ciertamente, porque la frescura de cada trabajo calaba rápidamente en los oídos del fan (‘Re>Animator’, su último disco, al ser de versiones, algo menos) y, además, servía como excusa para no entonar el manido mantra de “banda que no evoluciona”.

Ahora bien, con el reciente ‘Mary’s Blood’ (ya dijo Tom Angelripper que una banda que se precie siempre ha de tener un disco titulado como la propia banda) tengo sentimientos encontrados al respecto. Y, lo digo ya, creo que de forma injusta.
En su sexto álbum de estudio, las japonesas demuestran muchas cosas: que van sobradas de talento, de tablas y de actitud, que están al mejor nivel compositivo de su carrera y que tienen un don para crear temas directos y pegadizos sin caer en lo comercial. Pero, y aquí viene el problema, también demuestran que lo que los fans enterrábamos sistemáticamente bajo el manto de la frescura quizá sea incapacidad para encontrar un sonido definitorio y para dotar de consistencia al conjunto de un trabajo completo.

Además, esto queda patente desde el mismo inicio de ‘Mary’s Blood’. Los tres primeros temas, sin contar la intro, «Without a Crown», «Blow up your fire» y «Joker» se mueven en una senda diferente al power metal más definitorio del cuarteto y se adentran en un sonido mucho más crudo, menos brillante, más oscuro y con melodías que coquetean con el nu-metal o el hardcore. Esto ya choca debido a que se mantiene el aire clásico de los solos de guitarra (sigue fantástica Mari en ese aspecto, aunque se gusta algo menos de lo habitual y va más al grano). Pero el shock llega al comprobar que ni siquiera han apostado por hacer un disco que cumpla íntegramente con esos cánones; «Be myself», el quinto corte, nos lleva a ritmo de galope de nuevo al power metal más edulcorado (también en la letra) y, en otro giro inexplicable, «Umbrella» se tiñe de gótico y taciturno para que escuchemos a una Eye cantando de forma pasional pero trágica.
Huelga decir que este baile sin sentido va a seguir así el resto del LP (prueba de ello son «Ignite» y «Hunger», de nuevo yéndonos al sonido moderno y áspero del inicio del disco) aunque con un respiro en «Mad Lady», a mi juicio el mejor tema, recogiendo la esencia del heavy/power metal del que siempre han hecho gala, cañero, directo y con actitud.
En definitiva, al acabar de escuchar este ‘Mary’s Blood’ uno no tiene muy claro si se ha enfrentado al trabajo de una banda o a un recopilatorio de discográfica en el que cada tema pertenece a una formación distinta.

He echado de menos el sonido limpio y lúcido que, para mí, resume lo mejor de las tokyotas
(curiosamente lo encontraremos en «Starlight», el cierre) y se me ha hecho algo cuesta arriba
toparme con una mezcolanza carente de melodía y brillo, tan -como decía al inicio- heterogéneo en sí mismo que suena tan deslavazado como poco compacto. Y, esto, en una formación con músicas de tanto nivel y con tanto recorrido, es una falta flagrante.

Eso sí, si hablé de injusticia es porque, como es normal al valorar una expresión artística como es la música, mis sensaciones priman sobre cualquier otro criterio; no puedo decir que haya malas canciones en este trabajo, porque no es así. ¡Al contrario! Pero igual que un buen puñado de jugadoras no hace, necesariamente, un buen equipo, un buen puñado de temas no hacen, necesariamente, un buen álbum. Estoy convencido que con un sonido más definido (elijan el que elijan, más melódico y clásico o más crudo y moderno) sus siguientes producciones lucirán mucho mejor y evitarán esta sensación de desconcierto que, a pesar de haber disfrutado con la escucha, no puedo evitar percibir.
Así pues, nos quedamos con buenos temas pero un irregular disco. Qué pena, Mary’s Blood.

Dani Ruiz

https://www.youtube.com/watch?v=rZOFROdFjZk

https://www.youtube.com/watch?v=wJcSx3UfmAk

https://www.youtube.com/watch?v=CrTHVXZm_d8

https://www.youtube.com/watch?v=MLM2unV0kwU

https://www.youtube.com/watch?v=_JyWeBOtoRs

https://www.youtube.com/watch?v=wkgBcrwj7C0

https://www.youtube.com/watch?v=9SMPk5TmSCs

https://www.youtube.com/watch?v=KRLt_FcFyhc

SKELETOON
‘THE 1.21 GIGAWATTS CLUB’
Scarlet Records

Regresa el mes de octubre y con ello volvemos a tener nuevo material de los reyes del Nerd – Metal (como gustan llamarse ellos mismos).
Sí amigos, nuevo material de Skeletoon, maestros del power metal basado en historias que todos los que empezamos a peinar canas conocemos.
Si en el 2019 nos daban una bofetada musical con su ‘They Never Say Die’ basado en la mítica película ‘The Goonies’ y en el 2020 nos aplastaban con ‘Nemesis’, en el cual ellos eran los superhéroes, en este 2021 nos presentan este ‘1.21 Gigawatts Club’ donde nos narran las peripecias de Marty McFly en ‘Regreso al Futuro’.
Valga decir que este año 2021, debido a la pandemia, está siendo tan y tan prolífico en cuanto a lanzamientos musicales, que creo que nos estamos empezando a saturar un poquito.

¿Porqué digo esto? Pues porque después de flipar con ‘They Never Say Die’ y alucinar con ‘Nemesis’, me enfrenté a este disco y me llevé tal chasco que no podía creérmelo. No podía ser que uno de mis grupos favoritos en los últimos años me defraudara. Así que decidí meterlo en la “nevera” y dejarlo reposar, pues en mi surgía el presentimiento de que al final el disco seria de mi agrado.
Y dicho y hecho, lo dejé reposar y madurar, cuál buen vino, y el resultado ha sido el esperado.

La portada, como ya viene siendo usual, hace referencia a la historia que nos cuentan, en este caso es el típico reloj de los viajes en el tiempo del sr. McFly y una simulación de lo que sería un túnel del tiempo, sencilla pero muy efectiva y llamativa. Y como siempre obra del maestro ilustrador Stan W. Decker.

En el seno de la banda se ha producido un cambio en las guitarras quedando la banda compuesta por Tommi Fooler a las voces, Andrea Capellari y Fabrizio Taricco a las guitarras, Giacomo Stiaccini al bajo y Enrico Sidoti a las baterías. Además han tenido las colaboraciones de Simone Bertozzi (Ancient Bards), Simone Mularoni (DGM) y Alessio Lucatti (Vision Divine). Y todo ello lo han grabado, como siempre, en los Domination Studios de Simone Mularoni.

Después de las presentaciones vamos al turrón. Musicalmente nos vuelven a dar esa dosis de power metal rápido a la par que melódico, contundente a la par que dulce, y que actualmente pocos grupos conjugan con esta maestría. Incluso atreviéndose a no crear tantos temas tan rápidos han conseguido conjugar un gran disco, que sigue la estela de sus predecesores.

Vamos, que manteniendo sus señas de identidad, han buscado darle una vuelta de tuerca más a su sonido, consiguiendo un resultado impactante, aunque difícil de entender a primera escucha.
El más claro ejemplo de que no se han olvidado de hacer temas hiper rápidos es el pelotazo «Holding On», donde parece que los parches de los bombos de Enrico van a explotarte en los oídos, ¡qué velocidad!
Y después tengo que destacar un cuarteto de temas que son los mejores del disco y es ahí donde creo que han arriesgado más dentro de su sonido y son los que más me gustan de todo el disco.
«The Pineheads» presenta un aire más hard rockero y resulta sublime; «2204» tiene unos sintetizadores que le dan un aire más moderno al tema y unos coros que se te clavan en la cabeza, imposible dejar de canturrearlos; la balada «Enchant» es embriagadora y envolvente; y «We don’t Need Roads» es lo más similar a Helloween que les he escuchado nunca. Si cierras los ojos en los puentes y estribillos de este tema puedes ver a las calabazas dando caña.
Y para finalizar el disco se desmarcan con una versión del mítico «Johnny B. Goode» llevada a su terreno que les ha quedado realmente bien.

Total, que después de once temas y unos cincuenta minutos de música, me queda la sensación que hice bien dejando reposar el disco pues sumergiéndote en él con la mente despejada consigues sacarle todo el potencial que tiene.
El mundo nerd sigue en todo su apogeo y no me queda otra que esperar al siguiente episodio.

Enrique Sobrino

DREAM THEATER
‘A VIEW FROM THE TOP OF THE WORLD’
Inside Out

Pues como si nada, ya tenemos el álbum número 15 del mayor exponente del metal progresivo. Dream Theater editan este ‘A view from the top of the world‘ y creo que con un título de lo más acertado, ya que creo que han regresado a la cima del metal progresivo y desde ahí pueden tener una buena vista del resto del mundo.

Este es el quinto álbum ya desde que, allá por septiembre de 2010, Mike Portnoy abandonara a los Theater y se perdiera uno de los dos pilares fundamentales de la banda junto a John Pretucci.
Y aunque pareciera que la banda igual dejaba de funcionar, reclutaron a Mike Mangini para tocar la batería, cosa que todavía, a día de hoy, hay fanáticos de la banda que no aprueban.
Y después de once años y cinco discos parece que Mangini se ha quitado la mochila que supone sustituir a uno de los mejores bateristas del mundo ¿Por qué digo esto? Pues sencillo, creo que la presión siempre le ha podido, que siempre ha intentado centrarse más en demostrar lo buen batería que es, que en ayudar y crear música conjuntamente con la banda. Bueno para ser justos siempre no, pues en el anterior disco ‘Distance Over Time’ ya se vieron los primeros brotes de esta liberación y en este a ‘A view from the top of the world’ ha demostrado que, aparte de ser un fantástico batería, es un muy buen músico. Y eso se nota en los temas, suenan mucho más naturales que, por ejemplo, en su primer trabajo ‘A dramatic turn of events”.
¿Y porque me explayo en estas explicaciones? Pues porque es el único cambio de formación desde la huida hacia delante de Portony y porque ha sido el punto discordante y el tema de discusión entre los fans.

El resto de la banda, ya la conocemos sobradamente y sabemos de su calidad tanto técnica como compositiva. Otra cosa es que estén más o menos acertados a la hora de crear música. Petrucci es una bestia parda con su guitarra de 7 cuerdas. Rudess a los teclados es magia en estado puro, Myung al bajo es técnica elevada a la enésima potencia y Labrie es Labrie. En estudio excelente y seña de identidad de la banda, en directo ya sabemos lo que hay…

Un detalle digno de mención es que han grabado este disco en su propio estudio DTHQ, y eso les ha dado más libertad a la hora de grabar y de buscar sonoridades. Y han ganado muchos enteros porque la producción es más excelente de lo habitual (y eso que por norma sus discos en producción son cuasi perfectos).

El artwork, como siempre, sublime. La portada es de las más bonitas que han creado y que me evoca sin remisión a uno de sus discos mejor valorados por un servidor, ‘Octavarium’. Las montañas con la ciudad de fondo, belleza en estado puro.

Y en cuanto a la música, nos encontramos delante de su disco mas completo y redondo en años. Y eso que ‘Distance over time’ me pareció una grandísima obra pero, en éste, han mirado un poco más hacia atrás sin olvidarse que su carrera sigue hacia delante. Me explico, en todo el disco encuentras referencias a trabajos anteriores pero sin llegar a hacer “refritos”. Dos ejemplos, quizás de los mas claros, son los primeros riffs de “Answering the call” que por su dureza recuerdan al disco “Train of thoughts” y el inicio del tema “Invisible Monster” que te evoca inevitablemente al disco “Metropolis pt. II”.

Y si bien, entre agosto y octubre nos dieron 2 pildoritas para ir abriendo boca, como fueron “The Alien” e “Invisible Monster” (que ya nos hicieron babear pensando en lo que se nos venia encima), no ha sido hasta hoy que he podido escucharlo entero y creo que van 3 o 4 veces, pues se ha quedado en bucle.
De siete temas consta este trabajo y desde el principio con “The alien” hasta ”A view from the top of the world” que lo cierra nos deleitan, a través de sus más de 70 minturos, con metal progresivo de alto octanaje y como dije antes, con cada escucha, vas descubriendo detalles que te evocan a los mejores Theater de años atrás.
Mención aparte, el último tema “A view from the top of the world”, de 20 minutos de duración donde dan el do de pecho, mostrando todas sus virtudes y que se hace incluso hasta corto, y eso que son 20 minutos.
Y, siempre suelo destacar algún tema, pero en este caso, los destaco todos, porque todos son espectaculares, siempre y cuando te guste el progresivo.
Estamos ante una declaración de intenciones en toda regla, un “aquí estamos y aquí seguiremos” que a mí, particularmente, me ha encantado sobremanera. Tenía bastantes esperanzas, pero el disco ha superado mis expectativas con creces.
Así que, sin más, disfrutaremos de este gran trabajo que va a hacer las delicias de todos los seguidores de la banda, sin duda.

Enrique Sobrino

https://www.youtube.com/watch?v=8DeiV0ryQDY

https://www.youtube.com/watch?v=PoUYX2Ospjg

https://www.youtube.com/watch?v=V462IsOV3js

https://www.youtube.com/watch?v=s0Wmg7Tq4Pk

https://www.youtube.com/watch?v=l6PfvxF2I9c

https://www.youtube.com/watch?v=86h3BYGrRp8