Es viernes y entiendo que ya hay ganazas de desconectar, pero no os podéis ir sin vuestra ración de nerd rock, cortesía, al alimón, de Bizarre Blend y Empire.

Corría el año 95, servidor había suspendido latín ese año e iba a clases de recuperación en verano. Bueno, iba… Demasiado cerca estaban los recreativos con el videojuego «Soul Edge», uno de aquellos de hostiejas monumentales (1on1) pero con un trasfondo histórico y cierto regustillo folclórico que le daba un aire distinto: le confería una fuerza especial, un valor añadido para lo que había entonces, vete tú a saber. A mí me merecía la pena echar los veinte duros (la madre que los trajo) para la partidaca de rigor antes de clases. Y si se alargaba, pues oye, tempus fugit.

El caso es que coincidió todo esto con la llegada, arrasando, de Playstation a España y claro, había que hacer un port de esta arcade a consola. Nuevo título (Soul Blade), banda sonora remozada y vuelta a grabar y un tema de opening de j-rock cañero, con una frontwoman dándolo todo (Suzi Kim) y unos arreglos de estética y armonía oriental que le sientan sorprendentemente bien.

La intro es de mediados de los noventa, así que espero que os hagáis cargo de que la calidad de imagen no puede ser mejor y la infografía no es para tirar cohetes… Pero, madre mía, me acuerdo perfectamente de cómo flipábamos por entonces con aquello. Hay versión completa del tema, que se llama «Edge of soul», pero sin vídeo musical. Por si os da.

Corría el año 66 y The Beatles habían iniciado un camino de renovación que pasaba por abandonar los escenarios intransigentes, recuperar las guitarras afiladas, abundar en la distorsión, abrir la garganta y gritar. Olvidar la temática del amor -adolescente- o, en la medida de lo posible, restringirla a letras trabajadas o de corte irónico.

Había que cambiar, era algo que el cuerpo venía pidiendo desde hace tiempo, desde la aciaga experiencia en el Shea Stadium en que ni siquiera podían escucharse a sí mismos tocando. El fenómeno fan era insostenible y la industria de entonces era distinta: no se sabía lidiar con esas circunstancias, era algo cuyo calibre gigante no podía ser absorbido por el puro amor a la profesión y la aceptación de sus gajes. Que no hay tu tía.

En Revolver, el álbum que para muchos inició la llamada «segunda época» junto con Rubber Soul, Paul McCartney cantó a la soledad y nos relató la historia de Eleanor Rigby en un tema pop con influencias barrocas (George Martin incluyó un cuarteto de cuerdas de una melancolía apabullante) que ha sido versionado por artistas de todo pelaje, desde Ray Charles a Aretha Franklin pasando por miles de aficionados que se han sentido marcados por el mensaje sin esperanza de sus letras.

Y aquí es donde entra Scarlett, un trío joven de hard rock que vive en Brasil, donde el calor y la vida polarizan los estilos musicales desde la samba, la bossa nova y todo lo que engloba el jazz latino hasta un rock de raíces calientes que se encona hasta la brutalidad. Se han criado entre discos de Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple y un sinfín de clásicos del rock de aquí y allá que les ha llevado a versionar, con todo respeto pero con signo indeleble, a los grandes con total solvencia.

Su versión de Eleanor Rigby no puede ser menos. Rockera como nunca y desgarradora de entrañas en la voz de Fernando Mafra acompañado de Clifton Macnamara a la batería y Nicolas Fresard a la guitarra, esta cover de aires setenteros nos cuenta la historia de toda la gente abandonada por la vida.

Qué bajonazo, oye. No me hagáis mucho caso, que sigue siendo viernes.

Japón, como ya os contaba otro día, está aparte de todo en muchos sentidos, sobre todo, estéticos y conceptuales. Llega hasta tal punto que ellos mismos clasifican estilos y corrientes culturales autóctonas basadas en las extranjeras añadiéndoles una «J» (por «Japan»).

Así, en las lides musicales, tienen cosas como el J-pop y el J-rock, que viene a ser lo mismo que aquí y más allá del Atlántico, pero cantado en japonés (o algo mezclado con inglés, eso lo hacen) y siempre, siempre, con un punto más hortera. Digo hortera, porque podríamos decir, sin miedo a equivocarnos, que hay algo de Glam atemporal en las propuestas del país del sol naciente. Bailes y movimientos de una cultura que no es la nuestra pero que allí son naturales, formas de comunicación musical que siempre nos sorprenden por cuanto tienen de distintas a lo que vemos en occidente.

Anna Tsuchiya es mestiza, hija de estadounidense-ruso y japonesa. Allá por el año 2006, triunfó con el tema «Rose», una balada brutilla de J-rock duro que la aupó a los primeros puestos de las listas, haciéndose pasar por uno de los personajes de «Nana» un shôjo anime de Ai Yazawa (serie para chicas, en Japón esto es muy normal) en el que una de las protagonistas es la frontwoman de una banda de rock, los Black Stones. Cantaron el tema de cabecera y eso la lanzó definitivamente.

Ver a tanto japonés dándolo todo en un festival callejero no nos debe resultar extraño. Son muy parecidos a los occidentales en muchas cosas, aunque hay que saber interpretar gestos. Como siempre digo, hay buena música detrás de culturas ajenas que se nos pueden hacer extrañas o inaccesibles en un principio, pero merece la pena abrir la mente -y orejas- y dar oportunidades.

El vídeo se ve regular, oye, pero es lo que hay. Este tema en directo mola bastante.

Hace ya más de cuatro años que Gorillaz, esa indefinible banda de rock alternativo virtual liderada por Damon Albarn (Blur) y Jamie Hewlett (creador de «Tank girl», dibujante de cada uno de los componentes del grupo) publicaron lo que parecía que sería su último disco, «The fall» dada la poca disponibilidad de Albarn con todo el tema de su vuelta a los escenarios con Blur y tal. Que la cosa parecía que se apagaba, y vámonos.

Pero el otro día saltó la liebre por Instagram. Hewlett mostró una ilustración con mensaje al pie que confirmaba la vuelta de Gorillaz, muy probablemente, durante 2016. Y un servidor está encantado de la vida. Porque la propuesta siempre me pareció alucinante, porque se meten en todos los fregaos estilísticos (desde el alternativo al brit pasando por el electrónico) y porque le echan mucha cara. Hay calidad y carácter en los de Essex para seguir otros veinte años, por mucho que siempre dejen esa sensación de proyecto secundario.

Y buscando, buscando… Me encuentro con la moda de los pedales de loop en Youtube. Esos pedalcicos tan apañaos que construyen esa música secuencial que crece y se construye sobre sí misma, dejándonos esperando cada nuevo compás, que se coloca sobre el anterior y sube, y sube hasta llegar a su cima. Y todo, por supuesto, con un solo intérprete, con la parte rítmica de beatbox, lo que lo hace más cojonudo aún.

Josie Charlwood, intérprete folk/rock de los lares youtuberos, inglesa y llena de talento (y paciencia), nos mete de lleno, progresivamente, en su versión de «Feel good Inc.», uno de los temas bandera del grupo dibujado más potente del panorama musical de los últimos veinte años (a lo mejor el único). Dadle tiempo a que el motor arranque, los loops son así.

«She loves you», «I want to hold your hand», «Love me do»… Nadie va a culpar ahora a The Beatles por haber compuesto las bases innegables del pop. Dados a principios de los 60 a la melodía pegadiza, al azúcar sin medida y el querer llegar al público masivo por primera vez, tres de los aspectos más definitorios y recordados de los cuatro de Liverpool, arrastran el sambenito de blandengues y fáciles entre los que no se atrevieron a meter las narices en su discografía más allá del año 65, cuando se publicó «Help!».

The Beatles redefinieron la forma de hacer música. Desarrollaron el rock que tanto popularizó Chuck Berry y lo llevaron más allá. Amaron la distorsión, compusieron surrealismo, tocaron hasta arriba de anfetas en clubs alemanes para salir adelante, gritaron, hicieron ruido, popularizaron la estructura del LP. A estos se les debe mucho; que pregunten a gente como Ozzy o Grohl qué han sido para ellos.

Se adelantaron a su época cuando los 70 se acercaban y el hard rock empezaba a enseñar la patita. Hicieron hard rock, por supuesto. Y psicodélico. Y progresivo.

Cuenta Paul McCartney que, allá por el año 68, en plena resaca del Sgt. Pepper’s lonely hearts club band y el Magical Mystery Tour y con mil ideas en la cabeza que bulleron hasta dar a luz al llamado «Álbum blanco» de The beatles (que en realidad es homónimo), doble y experimental hasta la médula, sacó en una conversación que había llegado a sus oídos que The Who se habían liado con el ruido. Que habían hecho algo raro, nuevo y llamativo, que tenía fuerza y rabia. Que ellos también podían hacerlo, por supuesto, así que vamos a desafinar las guitarras.

El resto queda para el futuro, uno que pronto cumplirá 47 años, cuando nació «Helter skelter», un tema que -en el lado escabroso- inspiró asesinatos terribles y que no pretendía más que levantar la alfombra y mirarse adentro para sacar todo lo que hubiera. Se habla de versiones de 20 minutos de este tema, en cuya toma final Ringo acaba tirando las baquetas al suelo, al grito de «¡Tengo ampollas en los dedos!»

Hay mucho que rascar en The Beatles: eso lo sabéis muchos de vosotros. Y los que no lo sepáis, por las razones que sean, haceos con la llamada segunda época del grupo de Liverpool, de Rubber Soul (1965) en adelante. Os dejo con una versión muy currada del tema, de los Teenage Kicks, que no dista mucho del original. Es simplemente porque tengáis un vídeo que ver y no se quede la cosa solo en mero audio.

Volvedme enteros el finde, que el próximo viernes paso lista.

Ahhh… Viernes, viernes, mis queridos amigos. Llega el fin de semana, ese en que la vida es más bonica y la calle huele a pollo asado el domingo (es el mejor olor del mundo). El viernes es, como os venía diciendo, para muchos de nosotros, sinónimo de paréntesis del día a día y de meterse de cabeza, a saco, en una vorágine de conciertos, amigos, músicas varias, y compresión espacio-temporal que hace que te dé la sensación de que te has saltado dos días de la semana para aterrizar en un lunes en que vuelve a estar nublado y el metro huele a alerón texturizado.

Eso hacemos algunos de nosotros, claro, que la homogeneidad social no se ha implantado aún -afortunadamente- y aquí cada uno hace lo que le rota según criterios. Por ejemplo, los tan cacareados nerds, los antiguos empollones (aunque el término no sea exacto: a muchos les producía urticaria hincar codos), los apasionados de los videojuegos que dedicaban en su tierna adolescencia las horas muertas del finde a jugar, jugar y jugar sin descanso en jornadas maratonianas a un «The legend of Zelda: A link to the past» o a un «Final Fantasy VII», por ejemplo. Pasan los años y las horas frente a los juegos se alternan con Youtube. Y con sus tutoriales para doblar camisetas en 3 segundos. O para tocar la guitarra. Por ejemplo.

No digo que muchos no supieran ya tocar un instrumento musical por entonces, por supuesto; pero hemos de abrazar la llegada de lo que podríamos llamar el Nerd Rock, lleno de referencias y homenajes al mundo videojueguil, con montajes acojonantes y buena técnica y buenrrollismo a partes iguales. A mí me flipan estos chavales, The Gag Quartet: un cuarteto formado por tres freaks. Feliz compresión.

A mí me molan las morsas, son unos bichos brutales. Ahí, con sus colmillacos y sus bigotes. Como grandes señores o señoras del mar, arrastrando sus gloriosas barrigas y tomando el sol. A John Lennon -con The Beatles- también le gustaron las morsas en su día: él fue la morsa. Y ellos fueron el hombre huevo en uno de los temas más celebrados del surrealista «Magical Mystery Tour», con película (rara, incomprendida, acaso regularcilla tirando a mala) incluida. Luego descubrió, tras pasársele el efecto del LSD y los porricos, que la morsa era malísima en la historia de «Alicia en el País de las Maravillas» y le dio regomello.

Debería haber un código morsa en el mundo para comunicarnos con ellas o entre nosotros mismos, pero no es el caso, así que nos conformamos con el código Morse.

No me negaréis que el chiste está trabajado. Es bueno. Sienta bases.

Pues aquí tenemos a Mr. Scallon, el Youtuber incansable con la cabecita llena de elucubraciones preocupantes a la hora de tocar/componer, que nos trae un vídeo en el que podemos ver una de las miles de posibilidades comunicativas de la música rock. El sistema italiano, las tablaturas anglosajonas… Todo demodé. Llegó el código Morse para quedarse en la música y llenar Dunkin’ Donuts. Y eso.

Gracias a Meri-chan por el aviso. -.– — / … — -.– / . .-.. / …. — — -… .-. . / …. ..- . …- — / . .-.. .-.. — … / … — -. / . .-.. / …. — — -… .-. . / …. ..- . …- — / -.– — / … — -.– / .-.. .- / — — .-. … .-

El ukelele. Esa guitarra pequeñica para manos pequeñas. Con tan poquita resonancia, con esa dificultad para mantener su afinación más de un par de canciones… Pues está de moda. Ahora, quien más, quien menos, si toca una guitarra acústica, es muy probable que tenga un ukelele por ahí guardado al que le da tralla de vez en cuando.

Digo «tralla» porque las modas tienen eso, lo de siempre: Youtube se llena de gente con ukeleles haciendo versiones de temas de todo pelaje, desde el rock sureño hasta el punk. Los Talking Heads, por ejemplo, y su mil veces coreado en noches etílicas «Psycho Killer» (fa-fa-fa-faaaar better…). ¿Que nos falta un poco de fuerza en el sonido? Nada, un bajo acústico y seis o siete ukeleles. Y la cosa suena. Vaya si suena.

Los culpables de esto, que vienen girando por todo el mundo desde hace la friolera de treinta años, son The ukulele orchestra of Great Britain, gente polifacética con un repertorio amplio y muy buen gusto musical. Han llenado desde el Carnegie Hall, el Royal Albert Hall o la Ópera de Sydney… Con música de ukelele. En esta ocasión, sold out en el mítico Royal Albert Hall de Londres, dentro de los BBC Proms en 2009.

Si aún no tienes un ukelele, casi que eres un poco raro.

Se nos acaba el verano, qué duda cabe, es lo que hay. Ya tenemos encima un año lleno de nuevos propósitos del tipo: ir al gimnasio, aprender alemán o a tocar la guitarra de una vez (el año empieza en septiembre: esa es la gran verdad). Precisamente, aprender a tocar instrumentos musicales es una de las grandes asignaturas pendientes para mucha gente, por cuanto tiene ya no solo de dificultad intrínseca, sino de exigencia de tiempo y constancia por parte de quien, tras mucho tiempo imaginándose tocando el solo de «Comfortably numb», tirado en el sofá en decúbito supino, decide tomar cartas en el asunto y ponerse a ello con las típicas ganas iniciales… Que se pasan al mes, claro. Que sí, que no a todos les ocurre, pero me conozco a más de uno (y de dos).

No sé si el amigo Firmin, de Suiza y aficionado a Pink Floyd y a aprender acordes aquí y allá, habrá lidiado con estos temas, pero de lo que no cabe duda es de que Youtube se ha convertido en una plataforma perfecta para fans como él, que se ha empeñado en sacar buenos sonidos de dispositivos electrónicos de un uso más asequible.

Ojo al cover de «Hey you», de Pink Floyd. Currazo es decir poco.

Hace mucho, mucho tiempo, hablaba con un amigo de entonces (de los de post-adolescencia, de cuando pasas las horas universitarias en cafeterías o jugando a videojuegos: yo era de esos) de los grupos de rock que nos habían marcado y los porqués. La voz de James Hetfeld o Janis Joplin, esa forma tan especial de tratar la guitarra que tenían Hendrix, Clapton o Knopfler… Y concluimos que en algunas bandas, unas cuantas elegidas, se daban muchos factores de estos: de los que unen en el espacio y en el tiempo a varios genios cuyas estrellas están llamadas a arder rápido, pero intensamente.

«Eso pasó con Led Zeppelin», dijimos. Un frontman de voz inimitable, agudísima, rasgada y seductora; un guitarrista habilísimo, sensible y lleno de recursos, un bajista/hombre para todo virtuosísimo y un batería… Lo de Bonzo era de otro mundo.

«Good times, bad times» lanzó a los Led Zeppelin a finales de los 60 como temazo que es, híper reconocible, con una fuerza arrasadora y una batería riquísima que llevó a otro nivel el uso de los tresillos (los que sepáis un poco de Teoría de la Música ya lo entendéis) y el doble bombo para el que John Bonham («Bonzo»), que era un monstruo inmenso, realizaba con repeticiones en un pedal para bombo simple; no le hacían falta ayudas.

Esta versión del joven Avery Molek del tema que os comento no es la mejor que circula por ahí; no clava todas las figuras y a veces se le escapa alguna cosa, y hay un fade out final colocado al final para darle descanso. Pero claro, es que Avery Molek tiene ocho años de nada.

Echad un vistazo a su canal si os apetece, tenéis espectáculo para rato.