THEATRE OF TRAGEDY
‘AÈGIS’
25 ANIVERSARIO DEL DISCO QUE CAMBIÓ EL GOTHIC METAL
Por Marc Gutiérrez

Querido ‘Aègis’,

Ahora que el día duerme y la noche vive; en un espacio de luz tenue, confortable y acogedor me encuentro escuchándote, deleitándome, desangrándome mientras te degusto una vez más.
Hacía tiempo que no tenía tiempo para ti, sentía la nostalgia de no tenerte entre mis brazos, de no estremecerme con tus melodías, cálidas y sinuosas.

Con un lienzo en blanco, Tommy Olson empezó a dibujar sentimientos suaves, melancólicos, llenos de llantos desesperados dando un vuelco a lo que había sido Theatre of Tragedy hasta ese momento. Tommy te hizo un traje a medida para que lucieras radiante y espectacular; una dama oscura.
Pero no te conocíamos, no sabíamos tu nombre, ni tan siquiera como eran tus facciones.

A base de escucharte y, sobre todo, de sentirte he llegado a comprenderte, a entender algunos de tus entresijos, a conocer tus orígenes y porqué apareciste revelándote irresistible. Fruto del dolor y el desamor, de ese vertiginoso salto al vacío al que evoca la desesperación fragmentaron tu corazón en canciones, en reflejos de una historia pretérita.
Y con la magia que da la desazón a la creación Raymond te dio forma y te puso nueve nombres, y no unos nombres cualquiera. Mujeres de la historia y la mitología con los que evocar la figura de su ex amor, Liv Kristine. Morboso, macabro, cruel y retorcido pero excitante para el oyente. Y en ese sentido reconozco la maestría y la sutileza con que Raymond se refiere a Liv en “Lorelei” con aquello de “Certes didst me unveil meekly life pristine”. Claro, esa life pristine es Liv Kristine.

¿Sabes? Se ha escrito mucho sobre ti, sobre lo que significaste para la banda, para el Gothic Metal, para los músicos que te tocaron y te cantaron, sobre las relaciones personales entre los miembros de Theatre of Tragedy. Es justo que así haya sido porque lo mereces, porque solo se habla en términos de análisis profundo cuando has marcado una época, como es tu caso.

Tuviste la delicadeza de nacer en un momento clave para el desarrollo del Gothic Metal, sobre todo para las bandas que marcabais el camino pues todos os hicisteis mayores a la vez con trabajos que dieron mucho que hablar: Moonspell ‘Sin/Pecado’ (1997), Blood Divine ‘Mystica’ (1997), Crematory ‘Act 7’ (1999), Anathema ‘Alternative 4’ (1998), My Dying Bride ‘34.788 % completed’ (1998), Paradise Lost ‘One second’ (1997) y
Tiamat ‘A deeper kind of slumber’ (1997). Hasta en eso fuiste considerado.

Querido ‘Aègis’ gracias por tantos momentos; por tanta ternura; por hacerme sentir y vivir tanto, por dentro y por fuera; por escribir algunos renglones esenciales de mi vida. Gracias por envejecer a mi lado.

Porque solo de un amor verdadero pueden arder los sentimientos con llama viva y nostalgia.

Feliz aniversario ‘Aègis’.

Estaba leyendo los resultados de un estudio realizado en Estados Unidos sobre preferencias musicales, que me ha llevado a plantearme y fantasear como serían esos mismos resultados si se realizase el estudio entre la gente del metal de nuestro país. Tocaré tres de los temas abordados en el estudio: la «edad» de la música de preferencia, el medio de consumo de la música, y cómo afecta ir a conciertos. ¡Vamos a dejar volar la imaginación!

Empezando por la «edad» de música de preferencia, el estudio concluía que más del 80% de personas mayores de 18 años prefieren la música anterior a su generación, casi el 49% prefiere música posterior a su generación y sólo el 9% prefiere música de su generación. Creo que esto refleja claramente el debate que existe en el metal sobre el relevo generacional o la falta del mismo. Si el 80% de las personas estamos en modo metalpaquil con Purple, Maiden, Sabbath, Judas y compañía, ¿cómo van a subirse al podio las nuevas bandas? Pero ojo, que el 49% prefiere música posterior a su generación. Ahí podemos meter a toda la caballería post-hardcoreta, metalcoreta y deathcoreta de más de 40 años, que van al Resurrection Fest para recuperar la juventud, igual que Cleopatra se bañaba en leche de burra. Y el 9% de gente que me queda son los trve metalpaquer: como en los años setenta y ochenta eran adolescentes, son quienes siguen escuchando y prefiriendo la música de su generación.

Siguiendo con el medio de consumo de la música, el estudio habla de diferencias significativas. Prefieren escuchar música a través de sus teléfonos móviles el 83% de la generación Millennial, mientras que en la generación del Baby Boom lo prefieren solo el 44%. Al contrario, cuando hablamos de encender la radio del coche para escuchar música, la generación del Baby Boom se lleva la palma con un 82%, mientras la generación Z se queda en un 52%. Para que luego os preguntéis la razón de la música que ponen en RockFM. No hace falta ni que añada explicaciones, a estas alturas ya te has imaginado en el coche a tus colegas de más de 50 años enganchados a RockFM, Radio 3 o cualquier otra emisora en activo en España, y a los de menos de 50 siempre dando por saco con conectar el móvil al sistema de audio del coche para pinchar esto u lo otro de la plataforma streaming de turno. ¿Sí o no?

Y acabo con la parte que tiene que ver con ir a conciertos, algo que está tan vetado últimamente. Según el estudio, de las personas que asistían a conciertos, el 69% manifestaba tener una salud mental excelente o muy buena. Entre quienes habían ido en el pasado pero habían dejado de ir, decían tener buena salud mental solo el 58%. En el metal es fácil, el 69% somos quienes necesitamos ir a conciertos como el respirar, que somos capaces de meternos en los tugurios más malolientes y peor ventilados del planeta por captar unas notas en directo. Por supuesto estamos genial de salud mental: ejercitamos el cerebro escuchando música, hacemos relaciones sociales saludando a la gente en los conciertos y hacemos deporte al bailar en las condiciones más inhumanas, festivales incluidos, llueva o haga un sol de justicia. En ese otro 58% me imagino a las de «yo antes era jevi como tú» o aquellos de «es que con hijos no puedo ir a conciertos». Para que luego diga la clase política española que no es necesario ir a conciertos. Habrá que pedir daños y perjuicios.
En conclusión, muy divertido dejar volar la imaginación un rato y pensar que vivimos en un país donde se hacen encuestas sobre el metal. Espero que te haya resultado divertido y, si tienes idas de olla que no haya dejado reflejadas, no dudes en compartirlas en redes, ¡deja que nos echemos unas risas con tu opinión!

Todos los datos los he extraído del estudio realizado en Estados Unidos por la AARP (American Association of Retired Persons). Fueron encuestadas 3185 personas mayores de 18 años en el mes de abril de 2020.
Referencia al estudio: Mehegan, Laura, and G. Rainville. 2020 AARP Music and Brain Health Survey. Washington, DC: AARP Research, June 2020. https://doi.org/10.26419/res.00387.001

Ymir Peiró

Hay pocas bandas que su evolución me parezca más coherente y bella que la de los hermanos Cavanagh a lo largo de los años a pesar de que lo más flojito de su carrera es, precisamente, para mi, su último ‘The Optimist’. He tenido el inmenso placer de ver a los de Liverpool varias veces en directo e incluso a su líder en unplugged dentro del marco del Be Prog! barcelonés y siempre es una música que te llena y te acaricia el alma. Obviamente echo de menos sus primeros discos, especialmente ‘The Silent Enigma’ y ‘Eternity’, que es con el que les descubrí hace ya tantos años… El rock progresivo, la melancolía, la senda de Pink Floyd y la tristeza se fueron haciendo su espacio y hubo unos bellísimos trabajos de transición, de metamorfosis en los que el grupo quedaba entre dos aguas y nos brindaba canciones impecables. Discos como ‘Judgement’, ‘A Fine Day to Exit’ o ‘A Natural Disaster’ me siguen pareciendo obras maestras.

Pero la evolución llegaría a su cenit en el siguiente disco, ‘We’re Here because We’re Here’. Era 2010, el grupo se había tomado hasta siete años de lapso entre obras, y este experimento fue muy mal recibido por algunos sectores de sus fans. La vocalista Lee Douglas entraba definitivamente en el grupo e iría incrementando su cuota de protagonismo disco a disco. En esta obra hay también el adiós al teclista Les Smith. A pesar del cambio estilístico iban con todo y se contó en tareas de producción con todo un Steven Wilson, el mago del sonido y con Ville Valo, vocalista de HIM, para los coros de algún tema. Si el líder de Porcupine Tree metía las manos en los controles estaba claro que la cosa sonaría divina, y así fue, aunque tremendamente pausado para muchos de sus antiguos fans que nunca entendieron la delicadeza de piezas como “Thin Air”, que abría el disco y suponía toda una declaración de intenciones. El título de la obra (maravilloso) está inspirado en una canción que se cantaba en las trincheras
de las tropas del bando aliado durante la Primera Guerra Mundial.

Son ya 10 años de ese disco, incomprendido por muchos, y que vino acompañado de una gira en la que desgranarían todo el disco al completo. Obviamente hubo espacio para piezas de ‘Judgement’, ‘A Natural Disaster’, ‘Alternative 4′ y una de ‘A Fine Day to Exit’.
Muchos se desesperaron ese día. Vincent, desde el escenario, nos pidió que, por favor, nadie fumara hush ya que un miembro del grupo, si hacía sucedía, abandonaría el escenario. Algo que ya había pasado en otros conciertos de Anathema.
Yo, personalmente, es un disco al que le tengo mucho cariño, pero lo tengo especialmente porque en su día sonó sin descanso en casa. Eran tiempos en los que la vida te obligaba a estudiar y en casa optamos por darle cancha a esta obra. Es por eso que ‘We’re Here because We’re Here’ es más que un disco para un servidor pues fue la banda sonora de un tiempo concreto. Veremos qué nos ofrecen en directo, pero pinta que van a repetir lo de tocar de cabo a rabo el disco. El día 6 saldremos de dudas pues empieza su gira en Escocia.

Jordi Tàrrega

FECHAS DE LA GIRA DE ANATHEMA
Martes 10 de marzo, 18:30 hrs.
Sala Santana 27 (Bilbao)
Anticipada: 30€ / Taquilla: 35€

Viernes 13 de marzo, 18:30 hrs.
Sala Apolo (Barcelona)
Anticipada: 30€ / Taquilla: 35€

Sábado 14 de marzo, 18:30 hrs.
Sala But (Madrid)
Anticipada: 30€ / Taquilla: 35€

LEPROUS, THE OCEAN, PORT NOIR
16.11.2019, Sala Apolo, Barcelona
Promotor: Madness Live

Texto: Meri Gaig
Fotos: Irene Serrano (http://ireneserranophotography.com/)

© FOTOGRAFÍAS CON COPYRIGHT (No se permite el uso de las mismas para fines promocionales o comerciales, no se permite la modificación y eliminación de la marca de agua. Para cualquier uso externo a esta publicación, contactar con el fotógrafo)

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Se me quedó en el tintero la crónica del anterior concierto de Leprous que dieron hace exactamente dos años y dos semanas en la sala Bikini de Barcelona. Pues voy a aprovecharlo, estableciendo paralelismos entre ese evento y el del pasado sábado 16 de noviembre de 2019, así como haciendo un brevísimo análisis de la progresión de la banda hasta día de hoy. Ya aviso que me ha salido largo, pues pocas veces se puede escribir desde las tripas tanto como en esta ocasión. Siento la necesidad de aprovechar esta crónica como una retrospectiva-introspectiva –es decir, valorar desde mi opinión personal– la evolución del grupo de noruegos desde sus inicios. A lo mejor esto tendría más sentido en la sección de opinión de este medio, pero la crónica ahí está. Si has venido aquí solo por la crónica de Apolo (como es normal), haz clic aquí para leerla sin más preámbulos.

Entre los que me conocen, es bien sabida la devoción que siento por Leprous desde que les descubrí en «Tall Poppy Syndrome» –su álbum debut, que hacía gala de un imponente metal progresivo– publicado hace ya diez lejanos años. Fue con su segundo lanzamiento, el ecléctico, igualmente excesivo, aunque menos extremo, «Bilateral», con el que se consolidaron en mi como mi banda predilecta; desarrollaron en mí una devoción casi enfermiza, obsesiva; algo inaudito en un grupo «Millennial» como son. Es como si estuviéramos en los a finales de los 70 y acabáramos de descubrir unos tal Iron Maiden. Desde el primer momento somos conscientes de que tenemos algo muy grande entre los oídos.

Con «Coal» bajaron mucho más la intensidad metálica de las composiciones, pero no por ello mermando la potencia sonora del disco, siendo quizás el más redondo (jeje) de toda su carrera. Crearon su sello, un sello único.

Después de eso, presenciamos la fuga del técniquísimo guitarrista solista del grupo, Øystein Landsverk. Eso se notó en su siguiente lanzamiento, «Malina», donde Leprous abandonó ese virtuosismo y esa excesividad progresiva que les caracterizaba en su música, para abordar una versión más costumbrista, sencilla y placentera al oído de lo que eran sus pilares musicales. Como el anterior lanzamiento, pero mucho más descarado. Como si hubiesen abordado el álbum para agradar a nuevos oyentes y ensanchar más aún la fanbase. Malina no destacaba en nada, más allá de ese magnífico chello, y un par o tres de temas notables. Compositivamente hablando, la batería era plana, las guitarras sonaban a una suerte de metal alternativo moderno, y la voz de Einar, apenas sobresalía. Un total desengaño por mi parte.Fue precisamente en la presentación de Malina en Barcelona cuando algo en mi relación íntima con la banda se acabó de romper. No recuerdo haber salido de ningún concierto tan cabreada y desencantada como en esa ocasión. Y es que veníamos de haberles visto cuatro meses antes en el añorado festival «Be Prog! My Friend», en la propia ciudad Condal, en la que presenciamos lo que personalmente catalogo, como la experiencia musical más apoteósica que he experimentado en mis carnes. Pura eufória y desenfreno. Eran Leprous en estado puro, tocando un setlist curado mediante encuesta por los propios fans de la banda, y donde pudimos presenciar cortes ya olvidados en directo como el magistral «Mb. Indifferentia», e incluso muchos otros del primer disco. Qué barbaridad fué eso.

¿Como narices era posible pasar de un extremo a otro en tan poco tiempo, con la misma formación en directo, y en una de mis salas favoritas de Barcelona? Os seré sincera: el ambiente de la sala. Bikini estaba llena de unos asistentes que podríamos catalogar de «fans noveles», poco versados en el conjunto, que se pasaban el concierto charlando, con la música de los noruegos de fondo, como quien va a pasar la tarde en un pub ruidoso y con cerveza mala y cara. «Pero Meri, si esto siempre pasa…«, ¡pues no! En todos sus conciertos en salas pequeñas hasta la fecha, nos congregábamos los devotos fans de la banda, desde incluso su primera visita a españa como cabezas de cartel presentando «Coal» en una abarrotada Razzmataz 3.

Lo de Bikini fue como descubrir que tu hijo adolescente ha empezado a fumar simplemente para encajar en su nuevo grupo, hacerse el «guay» delante de sus nuevos amigos, y dejando de lado sus colegas de infancia.
Para con «Pitfalls», su más reciente estreno, el desencanto seguía. Escuché varias veces sus singles antes del lanzamiento, pero nada me encandilaba del todo, seguía dolida. Pero luego el disco salió. Y escuchándolo con atención un par de veces, detecté varias cosas que me agradaron, y mucho. Esa conceptualidad del disco, basada en la reciente etapa emocionalmente oscura de Einar, cantante, teclista y lider. Esos nuevos experimentos con la electrónica, sumadas a esas líneas de batería mucho más interesantes, y solventemente ligadas a golpe de arco sobre el cello. Y las voces, ay las voces. Volvíamos al pasado, a esa voz operística afalsetada que les caracterizaba en «Bilateral», volvía, transformada aunque genuína. Tenía que ir a Apolo a verles en directo. Habían vuelto a captar toda mi atención.La crónica, al fin. Hablaré brevemente de los teloneros de lujo que les acompañaron para no romper la dinámica del texto. Port Noir, un trío nórdico que no conocía, consiguió atraer bastante público. Tocaron solo temas de su último disco, el cual, oh sorpresa, es diametralmente distinto a todo lo que habían hecho hasta ahora. Realmente convincentes. ¡Y qué prístino sonido! Mezclaban muchos elementos de electrónica en sus temas, ejecutados en directo sobre el controlador por el guitarrista del grupo de forma magistral y precisa. Era curioso como a ratos sus guitarras sonaban muy a Rage Against the Machine, pero eso no es nada malo. Les seguiré la pista, seguro.

Les seguían The Ocean, que a nadie seguidor de este mundillo les sonarán desconocidos. Quizás su estilo no encajaba mucho con el de sus dos acompañantes, debido a su estilo tirando a hardcore a ratos, sobretodo en las voces, pero a quién le importa eso. Sonaron asfixiantes, abisales como el mar, golpearon duramente como olas bravas sobre el espigón del abundante público, cargados de peces cambrianos muy variados de toda su discografía. No se echó mucho en falta la ausencia de las proyecciones que les suelen acompañar, y que contribuyen a que la inmersión atmosférica que proponen sea total gracias a las luces y la carga de humo que no facilitaba la tarea de los reporteros fotográficos. No defraudan nunca.

Había rumores de que Einar no estaba muy fino debido un catarro, y ahí empezaron los temores de todos. Si en un disco donde tanto destaca la voz, tenemos al cantante medio afónico, mal vamos. La total incertidumbre nos asoló cuando Juan Antonio, el promotor del concierto, salió a las tablas explicando el delicado estado del cantante, asegurando que incluso le presionó para que no cancelaran la actuación. Menuda hecatombe… Pero bueno, ya estábamos allí, qué le íbamos a hacer.

Leprous sale a escena. Empieza sonando «Below» el corte que abre el disco protagonista de la velada. A los pocos segundos, Einar empieza a cantar las primeras estrofas. «Oye, pues ni tan mal…«. Seguimos. Segundo fraseo, todo sigue bien. Y al tercero, ya se nos caen a todos al suelo. Borda esa parte, compleja, exigente, soberbia; de manera impecable. «¿Qué está pasando? ¡Pero si está mejor que nunca!«. Dudábamos que pudiera seguir aguantando el tipo así todo el concierto. ¿Lo iba a conseguir? El cierre del tema, no menos sencillo, fue perfectamente orquestado por todos. El sonido: cristalino, potente, espacioso; nadie pisaba a nadie, nada se emborronaba.

A punto de cerrar el evento sonó el tema más crítico de todos, «Distant Bells», es donde el contralto se la jugaba vocalmente de todas todas. Y salió espectacular. Sin más palabras. Que gran sabor de boca. Tras un par de bises cerraron la velada, con «The Sky is Red», que si bien no aportó mucho más, sí culmió con esa «outro» la velada, espectacularmente.

¡Hola de nuevo, Leprous!

Playlist del Setlist:

Queridos Theatre of Tragedy,

Hoy es 2 de octubre y es un día especial. Estamos en 2019 y hace 26 años exactos de vuestro primer concierto y 9 del último. El Folken, el mítico Folken, acogió ambos eventos y fue testigo de vuestra historia.

Os sigo desde 1995, he escrito mucho sobre vosotros, estoy en contacto permanente con muchos de vosotros y pese a todo os sigo echando de menos. Hoy 2 de octubre escucho ‘Last curtain call y sigo sintiendo nostalgia; sigo tragando saliva cada vez que llego al final del dvd y veo la interpretación de «Forever is the world».

17 años de historia en los que pasaron muchas cosas y que sirvieron para dejar un legado imborrable y, aunque no fue imbatible, cada paso que disteis ayudó en llevar vuestro nombre un paso más allá. Porque algunos pasos eran necesarios para entender el futuro como la edición de ‘Musique’ y ‘Assembly’, como la elección de Nell para sustituir a Liv o de los guitarras solistas en cada etapa de la banda. Porque no podían escoger a nadie más acertada ni más respetuosa que Nell que, entre otras cosas, nunca cantó en directo una canción tan especial para los fans como «… A distance there is» porque sabía que era muy íntima para Liv.

Tantas y tantas emociones para construir un sonido único, una esencia que muchos quisieron copiar… pero claro, no se llamaban Theatre of Tragedy.

Ahora estamos en 2019 y muchas heridas se han cerrado y yo… yo sigo soñando despierto con volver a veros juntos sobre un escenario, sino a todos sí a muchos de vosotros. Sueño con que toquéis «Aoede», «Frozen», «Cassandra», «… a distance there is», «Bring forth ye shadows», «City of light»… y tantas y tantas otras.

Mi relación con vosotros siempre ha sido especial porque musicalmente habéis escrito la banda sonora de mi vida, habéis estado presentes en todos los momentos importantes de mis últimos 25 años. Es cierto que ha habido momentos y épocas desconcertantes y que hasta me he enfadado con vosotros porque no comprendía vuestras decisiones pero, como os ha pasado a vosotros, el tiempo ha curado esos amargos sinsabores. Ahora ya todo es pasado y ha servido para fortalecer el presente.

La actividad en la banda, aunque sea a nivel de reediciones, es muy latente y eso me hace tener cada vez más esperanzas en vuestro renacimiento ¿me daréis algún día esa alegría? Ojalá… porque quiero que al final de los finales le sigan dos puntos suspensivos, porque quiero que vuestras emociones sean las mías, porque quiero querer que queráis…

Pase lo que pase, sabed que hoy estamos de aniversario, que me acuerdo mucho de vosotros y os hecho de menos.

¡Seguimos en contacto chic@s!

Besos y abrazos para tod@s porque si nada es para siempre, vuestra retirada tampoco.
Marc Gutiérrez

Nuevo Vs.: Relevo generacional ¿lo hay o no? ¿vienen suficientemente fuertes las bandas jóvenes? Ymir Peiró y Marc Gutiérrez son la cara y la cruz de este tema.

Sentimientos encontrados. Así me resumía un amigo el concierto de Metallica en Barcelona.

Y creo que no le falta razón para ello. La banda hace mucho tiempo que ha ido subiendo en el status musical hasta convertirse en lo más parecido a los Rolling del Metal. Pocas bandas son capaces de reunir en dos conciertos a más de 100.000 personas en grandes recintos. Eso conlleva, como todo gran poder, una gran responsabilidad. A estas alturas de la película lo único que tienen que hacer es acudir a actos, ya sean promocionales o a los Meet and Greet por los que la gente se deja un pastizal, calentar y salir a tocar durante dos horas. No tienen que preocuparse de nada. Para eso está la organización, las promotoras y el management. Leo por mi compañero Fernando García que Madrid fue un auténtico desastre. Con colas para todo, una ubicación del escenario que no lo ponía nada fácil para
ver el espectáculo y otra serie de cosas que si estuvisteis allí (o leéis su crónica) ya sabréis.
Barcelona fue un concierto más al uso, por lo que muchos de esos problemas se evitaron en cierto modo. La entrada al recinto se hizo tras una maratoniana excursión por los alrededores que de alguna manera evita aglomeraciones en los accesos. Los baños y sus colas en pista son un clásico de estos eventos, aun así nunca me ha parecido que se tuviera que esperar mucho para poder ir. Eso si, lo del precio de las bebidas sigue siendo escandaloso estes donde estes (aunque a diferencia de Madrid aquí eran 8+2,5€ con vaso tuneado para la ocasión).

Vayamos ahora a la parte en que la banda si es responsable. El espectáculo. Un gran escenario, con una enorme pantalla que permitía seguir en todo momento el concierto como si de uno editado se tratase. Grandes llamaradas, fuegos artificiales, lasers, proyecciones que acompañaron a la música. Nada que no se haya visto ya en conciertos de este tipo,pero por primera vez me dejé engatusar por el Golden Circle. Y es que, tras las experiencias en pista de U2 y Guns n’ Roses, estaba cansado de tener que pelear con un mar de móviles para acabar viendo el concierto desde una pantalla y no precisamente la
que trae la banda. Disfruté del concierto casi como en aquel lejano 1996 en el que vi por primera vez a la banda de San Francisco. Con casi 40 años a sus espaldas (ojo, que se dice pronto) podría plantear una gira mundial preparando un setlist básico y repetirlo noche tras noche. Y ojo, eso no es ninguna crítica para el que lo hace. Es una romper una lanza en favor de Metallica, grupo al que tras el album negro parece que es mucho más fácil criticar que dar con los aspectos positivos. Y es que no solo cambiaron 8 temas respecto a su última visita a Barcelona, sino que hubieron cuatro cambios si comparamos con el setlist de Madrid. Y se puede estar más o menos acertado con el número de Rob y Kirk, pero al menos demuestra que hay alguien detrás que intenta tener un detalle con cada ciudad. En
Barcelona volvieron a tocar “El Muerto Vivo” de Peret, algo que en el concierto del año pasado me sorprendió y pensé “¡Ole vuestros huevos!”. O por ejemplo cómo supieron salvar el momento en que apareciera una bandera de 53 metros en la pantalla mostrando la bandera de la ciudad en lugar de una de España como han hecho otros grupos (y sino que se lo digan a Scorpions, que se llevó una pitada tremenda en el RockFest de hace unos años). Lo cierto es que el domingo en Barcelona, Metallica se acercó a lo que Fernando echó de menos, un setlist sólido. Sonaron hasta cuatro temas de “Ride The Lightning” (incluyendo «Fade to Black» y el que da título al disco). Y poner “The Memory Remains” al
principio es todo un acierto. Es un tema perfecto para corear y de fácil llegada a todos los públicos. Y el resto de clásicos recuperados para esta gira que van rotando durante la primera mitad, le va dando matices diferentes a los repertorios. Dicho esto, es cierto que el momento versión, si no cae en gracia, rompe el ritmo del concierto y que, si como a mi el disco ‘St. Anger’ no te dice especialmente nada, parece que puedes aprovechar el momento “Frantic” (aún dentro de lo malo) para ir al baño o buscar otra cerveza. Si algo se le puede objetar al repertorio está en los bises. Además de empeñarse en meter “Nothing Else Matters” como penúltima canción, parece que a Metallica le ha dado por comenzar los bises con “Lords Of Summer”. Y no es necesario meter un clásico para sustituirla (que puestos a escoger sería lo suyo), simplemente cambiando el orden de esta con “Moth Into Flame” el final ya ganaría enteros. Incluso con estos pequeños contras, cuando esté disponible, me bajaré el concierto que han puesto a disposición de todo aquel que haya comprado la entrada y ya analizaré si James esta mejor o peor de voz, si Ulrich no mete los doble bombos o Hammett se equivoca en los solos… porque del concierto en sí me llevo un buen recuerdo y la sensación de que a la banda, con una gran actitud y entregándose durante las dos horas y quince minutos de concierto, aún le queda mucha mecha.

Maese Leiva

Ahora que han pasado un par de días, aquí va mi reflexión sobre el concierto de Metallica en Madrid…

Creo que nunca un concierto estuvo tan empañado por la mala organización. Es el concierto que peor he visto (físicamente) en mi vida, y en el que más inseguridad he sentido. Un recinto enorme para una cantidad enorme de público… que fue tratado como ganado. 68000 personas entrando y saliendo por un pasillo, encajonados en un túnel en el que podía haber pasado cualquier cosa; falta de personal de seguridad; sin cobertura para los móviles (si la organización sabía que no la hay, debería haber avisado, o dejarse algo de pasta en una antena); con pocos baños (consecuencia: todo encharcado de meados por los alrededores); un terreno con la pendiente suficiente, cuesta abajo desde el escenario, para que no se pudiera ver si estabas más lejos de 20 metros; cerveza a 12+3 euros; colas kilométricas para sacar los malditos tokens… En definitiva, una organización muy deficiente por parte de Live Nation que impidió disfrutar del concierto como se debía (sobre todo por ese dineral). Cuando cobras 100 euros por cabeza tienes que ofrecer algo a cambio que lo justifique, y el peor festival de España ofrece mucho más y a un precio mucho más asequible.

La segunda reflexión es acerca del público: definitivamente un concierto de Metallica ya no es un concierto de heavy metal. Ya es uno de esos macroeventos a los que asisten todos aquellos que en su día nos llamaban macarras y delincuentes a los que nos gustaban desde los inicios. Evidentemente tiene derecho a asistir cualquiera que tenga una entrada, pero se llenó de idiotas (muchos) a los que lo que sonaba desde el escenario no les importaba una mierda. Es más, como en el patio de los colegios, donde nunca faltaban los abusones que quitaban el bocata a los más débiles, vi incluso un grupo de imbéciles que, amparados en su condición de manada de machitos, y ajenos a cualquier tipo de música, se dedicaban a robar y agredir a la peña cuando pagaban su cerveza a los chicos de la mochila (donde se pagaba en efectivo). Yo los sufrí, y después de un pequeño intercambio de golpes, «mochilaman», que lo vio en primera persona, me sacó de allí y ni perdí la pasta, ni la cerveza, ni la integridad física (sólo el vaso obligatorio de los 3 euros). ¿Seguridad? Ni uno se asomó a ver qué pasaba. ¿Solidaridad? Ninguna. Nunca jamás vi nada parecido en un concierto de heavy metal de verdad (y esto no es una crítica al grupo, por supuesto, sino al ambiente enrarecido que se ha empezado a crear en estos espectáculos de grandes grupos). Estábamos mejor cuando éramos los macarras y raros. Va a resultar que los delincuentes no éramos nosotros…

Mi tercera reflexión sí es para el concierto en sí. Por tercera vez consecutiva me fui con sabor agridulce. Parece que Metallica empieza a tener serias dificultades para elaborar un setlist sólido. El del viernes fue mejor que el anterior, en febrero de 2018, pero aún así, salvo el último tercio, estuvo muy falto de ritmo. Incluso hubo un agujero negro, coronado por una infame «versión» de Los Nikis, que casi consigue cargarse todo el esfuerzo. Con la cantidad de buenas canciones que tienen (no me refiero a la eterna lucha «clásico-nuevo», aunque también deberían estudiarlo), no puedo entenderlo. Y ya que estamos, ¿quién fue el iluminado que les aconsejó hacer lo de Los Nikis? Porque está claro que no fue idea suya ¿No había nada más acorde con el rock y el heavy metal español? Es más: ¿no había nada que fuera mucho más representativo de la música española, fuera del estilo que fuera? Está claro que a ese «amigo» no le gustan demasiado Metallica… y quería darse el capricho. Nadie del público cantó, el momento fue tremendamente confuso, y se convirtió en excusa para la mofa. Remontaron tirando de clásicos, en lo que fue sin duda la gran parte del show, pero el corte de rollo había sido demoledor. Resultado final, aprobado nada más. Podía haber sido memorable, pero llegaron tarde… Una lástima.

Fernando Galicia Poblet

ADAM BOMB: EL GLAMOUR DE ALCANTARILLA NÓMADA

“Mi nombre es Pink Gibson. Toco la guitarra y canto para el grupo Get Animal. Vengo de Nueva York y lo único que quiero hacer en este mundo es rodar como un puto trozo de mierda sobre ruedas, y tocar cada noche como si fuera mi última noche en la Tierra”.

El señor Bomb es un luchador oriundo de Seattle, y un tipo afable que malvive en la carretera. En los 80 estuvo en todos los fregados importantes, colaboró con la flor y la nata del hard rock y siempre estuvo a punto de entrar en alguna de las grandes bandas de la época. Pero el destino le fue siempre esquivo y le sonrió maliciosamente. A finales de los 90 Adam consiguió un gran proyecto bajo el nombre de Pink Gibson, grabó un par de discos excelentes apoyado por una discográfica potente, pero el negocio había cambiado… A pesar de ello Adam consiguió colarse en giras de bandas importantes
pues sigue siendo un nombre conocido y respetado. Su amor por los escenarios es casi poético y tiene una relación muy especial con España, pues siempre que puede, se acerca y hace un montón de fechas por toda la Península. Cada año que pasa, Bomb recluta a una nueva banda, sube a su destartalada furgoneta y emprende una vida nómada de asfalto y glamour decadente. Su estética Glam es algo que no ha abandonado, ni lo hará jamás, como tampoco abandonará nunca su amor por las sustancias tóxicas y el lado oscuro del rock. Si uno está al tanto, verá que cada año hay siempre alguna fecha de Bomb por su ciudad. No me equivoco si digo que en todos los conciertos que ha hecho ha montado un pollo importante, con policía, bandas locales, barmans o incluso… ¡con perros!

TRAYECTORIA
Mr. Bomb empezó realmente fuerte cuando a los 16 años ya estaba tocando con Geoff Tate, futuro cantante de Queensryche y una de las más privilegiadas y elegantes voces del heavy metal. Formarían la banda de versiones Tyrant pero pronto su culo inquieto lo llevó a entrar en TKO, con los que grabaría el disco “In Your Face”. Cuando en 1982 los Kiss andaban buscando un sustituto para Ace Frehley en el puesto de guitarrista, Bomb llegó a probar con ellos, pero no conseguiría el preciado puesto. El futuro estaba en Hollywood y más concretamente en la escena del Sunset Boulevard, así que nuestro protagonista decidió instalarse allí y compartir piso con, nada más y nada menos, que con Izzy Stradlin, futuro guitarra de Guns N’ Roses. Uno de sus vecinos, Tommy Thayer (de Black and Blue, ahora guitarra de Kiss) le animó a crear su propia banda viendo la calidad de Adam. El azar haría que Bomb sustituyera a Yngwie Malmsteen en la banda Steeler cuando el divo sueco no podía tocar por motivos personales.Finalmente, consigue grabar su primer disco “Fatal Atraction” junto al batería Chuck Ruff (Montrose) y el bajista Cliff Williams de AC/DC. Finalmente había nacido el proyecto Adam Bomb.

ADAM BOMB
En la formación del grupo veríamos a nombres como los de Jimmy Crespo de Aerosmith o a Gregg Gerson de Billy Idol. Incluso llegarían a telonear a bandas como Metallica o Chuck Berry. En un concierto en 1993 Adam estaba cantando en escena cuando Axl Rose de los Guns N’ Roses se subió a las tablas para cantar con él.Posteriormente le dijo que él e Izzy le vieron tocando con TKO en la sala Trouvadour en 1983. En esos momentos estaban formando Guns N’ Roses y andaban a la búsqueda de un nuevo guitarrista, pero no se atrevieron a pedirle a Bomb por miedo a que les rechazara. Los discos “Pure Sex” (1989) y “Bone Yard” (1992) le dieron nombre y respeto por parte de la escena angelina, pero nunca consiguió asomar por las listas de éxito ni abrazar la trascendencia buscada. “Grave New World” de 1993 mantuvo el nivel, pero ya eran años en los que el grunge copaba las portadas y las listas de éxitos, y todo lo que olía a fiesta y hard rock había quedado desfasado de la noche a la mañana.
“New York Times” cerró esa etapa en 1997, así que había llegado el momento de darle un giro a su carrera.

LA ETAPA PINK GIBSON
En 1999 Adam Bomb se convierte en Pink Gibson, un nuevo personaje que toma nombre gracias a su guitarra Gibson rosa, curtida en mil batallas. Consigue una formación estable junto al bajista KK McKay y Consi a la batería. El disco homónimo “Get Animal” consigue excelentes críticas y vuelve a poner a Bomb en el mapa, consiguiendo colarse en la gira de los reunificados Hanoi Rocks, banda con la que les une una gran amistad gracias a sus muchas correrías nocturnas. La portada muestra un
caniche en un paso de cebra junto a su guitarra ensangrentada. Su posterior “Number 2” es otro gran cañonazo de hard rock sleazy, pero a pesar de las grandes críticas, la discográfica alemana SPV no les renueva. En la portada aparece el hombre más pequeño del mundo junto a las dos guitarras Gibson rosas ensangrentadas.
Posteriormente Pink Gibson recuperaría su antiguo nombre de guerra, Adam Bomb, y se lanzaría a la vida nómada tocando en tugurios de mala muerte y salas pequeñas, siempre ofreciendo su show desenfadado, vacilón y con ese punto peligroso. En contraste a su vida gitana vemos que en 2010 llegó a abrir para Kiss en Praga y su amigo Tommy Thayer se subió al escenario para tocar con él. Es bonito ver que sus viejos amigos siempre le echan un cable cuando pueden. A inicios de la presente década
la encarnación de Adam Bomb la formó el bajista italiano Paul Del Bello (ha tocado con Steven Adler de Guns N’ Roses) y la espectacular baterista Violet the Cannibal. En 2009 grabó un interesantísimo disco de versiones en la que incluye su versión drogadicta del clásico de Antonio Flores “Siete vidas”. Atención a la balada “King of the World”, todo un clásico que con los medios necesarios debería devolverle al lugar que merece, en el que nunca ha estado. Ha seguido grabando discos y en 2018 ha presentado uno plagado de versiones en el que Led Zeppelin y Jimi Hendrix son los
grandes protagonistas.
“El primer día que yo en España, Antonio muerte. Lo siento tío, un saludo a Lola”.

SU DIRECTO
Adam es un showman de la vieja escuela glam de los 80. Sigue coherente y fiel a sus orígenes y sabe, con pocos medios, hacer que el público disfrute con su show y se quede con sus trucos. Solía vestir de blanco y expulsar sangre falsa por la boca. A pesar de los años mantiene la figura y el glamour de sus tiempos mozos y sigue utilizando su viejo truco de quemar la guitarra rosa en el último tema (si le dejan). En la gira de 1999, teloneando a Wasp, la dirección de la sala le prohibió quemar su guitarra. Su enfado monumental hizo que, ni corto ni perezoso, saliera a la calle y la quemara en la acera enfrente de la sala, todo ensangrentado ante la reacción perpleja de los transeúntes. En un show privado en el Hard Rock café barcelonés incomodó a todo el público lanzando su confeti y quemando su vieja guitarra. En el pasado 2010 tocó en un pequeño bar cercano a las Ramblas al cual, de público, sólo asistí yo y un par de amigos. Fue obligado a tocar un show acústico, pero se enfrentó a los propietarios del bar insistiendo en tocar con su guitarra y con la banda al completo. En 2017 se presentó en el Rocksound sin su banda. Le habían abandonado y se habían largado a su casa. Sus shows en pequeños bars pueden terminar con la policía invitándole a parar. Así es su vida: 1500 conciertos por Europa en siete años. Adam es el rock and roll hecho carne.

Jordi Tàrrega

“Suena a Queen”
Para mi, esta es la frase que mejor resume las dos horas y cuarto de Bohemian Rhapsody, la película sobre Freddie Mercury.
En el film la frase la usa el grupo para definir su música, pero después de ver el largometraje se puede usar para definirlo, ya que la música de la reina está presente durante toda la película.

Los más puristas de la banda dirán que hay inexactitudes en fechas, en cosas de las que pasan, etc… y las hay, (no las desvelaré para evitar spoilers) pero teniendo en cuenta que estamos ante una película sobre la vida de un personaje, no un biopic, debo decir que estas inexactitudes no influyen demasiado en la historia y están hechas, sin lugar a dudas, para darle un toque más dramático a la película, al fin y al cabo una película busca eso, el dramatismo y la emoción, cosa que, con estos cambios, se consigue.

Mucho se ha hablado de la interpretación de Rami Malek y cuando sales del cine entiendes el por qué de las grandes criticas que se ha llevado. El actor clava todos y cada uno de los movimientos de Freddie, sinceramente, en las escenas de conciertos debes mirarle la cara para darte cuenta que quien sale en la película no es Mercury sino Malek.
Y hablando de actores, mención especial a Gwilym Lee, Brian May y su caracterización, estoy seguro que si ponemos a May y Lee, caracterizado obviamente, uno al lado del otro costaría saber quién es quién, seguramente solo los distinguirías si les hicieras tocar la guitarra.

Sin duda lo mejor de la película es la banda sonora, es imposible estar en el cine y que no se te vayan los pies, que no tararees alguna de las canciones, o que no sigas el ritmo del “We will Rock” mientras la componen o la tocan en directo.
El final de la película, con el concierto en el Live Aid, es un reto para aquellos que nos gusta movernos en los conciertos, cantar y darlo todo para no movernos de la butaca, si no me levanté del asiento fue para evitar que me llovieran palomitas de los espectadores que había detrás mío. A lo que no pude resistirme fue a aplaudir al acabar la actuación, y me consta que no soy el único a quién le ha pasado, tengo amigos que reaccionaron igual.

Aunque, como puedes comprobar, salí encantado del cine hubo cosas que mejoraría. Por ejemplo, haber mostrado de manera más detallada el proceso de creación de las canciones. Cierto es que vemos como se gesta “We will Rock you”, “Another one bites the dust” o la grabación de su obra maestra “Bohemian Rhapsody”, pero me hubiera gustado ver más de esto. Más, si tenemos en cuenta que la parte del vicio se representa de manera muy light, pero ¡¡¡a gustos colores!!!

Si tienes hijos, sobrinos, primos, etc, te recomiendo que los lleves a ver Bohemian Rhapsody. El día que fui yo los más jóvenes salían encantados del cine y pidiendo escuchar más canciones de Queen.
Quizá por eso ha pasado algo que me ha encantado y emocionado, gracias al largometraje, por fin, después de muchos años, el reggaetón ha dejado de ser la música más escuchada en Spotify desbancado por Queen. Esto me hace pensar que aún hay esperanza para las nuevas generaciones.

Sin duda, una gran película para que los más jóvenes conozcan a Queen, para los que hemos crecido escuchando a la reina en casa y para aquellos que siempre tendrán a Queen en la banda sonora de su vida. Si todavía no la has visto solo diré ¡¡¡corre a verla, insensato!!!

Jordi Thormas