ABORTED
‘MANIACULT’
Century Media

Con sus más de veinticinco años de existencia, infinidad de directos y una cantidad más que considerable de grabaciones editadas, la brutal banda Aborted ha conseguido, por méritos propios, ser uno de los grupos más representativos y valorados dentro del death metal más brutal y despiadado. Todo gracias a un duro trabajo realizado desde que apareciesen allá por mitad de los noventa y que, a día de hoy, siguen demostrado con cada edición que sacan o directo que realizan. Sin lugar a dudas todo un referente y una muestra de trabajo duro dentro de la música extrema, que como no puede que ser de otra forma, obtiene sus frutos.

Incansables a la hora de trabajar, no era de extrañar que pronto tuviésemos nuevo material de estos belgas; y así ha sido. Este 2021, Aborted sorprenderá al mundo con el que será su álbum número once en su discografía titulado “ManiaCult” y nuevamente estará dirigido a los fieles seguidores de la brutalidad y la sangre.

Para aquellos que conozcan a la banda, sería disparatado pensar que no saben qué se van a encontrar en este nuevo disco. Desde que aparecieron allá por 1995 aproximadamente, la banda tuvo claro el camino por donde transcurriría su sonido.

Siempre brutales, han ofrecido un material para amantes del death metal más salvaje y pesado salpicado siempre por vísceras, sangre y muerte, tanto en letras como en portadas. Una línea constante que tuvo un cierto desvío, todo hay que decirlo, en 2005 con su disco “The Archaic abattoir”. Es a partir de este trabajo donde quizá encontremos la definitiva seña de identidad característica de Aborted hasta estos tiempos. Algo que han seguido mostrando en todos sus siguientes discos hasta llegar a este último álbum “ManiaCult”, y que podemos estar más que seguros continuará en sus futuros trabajos.

Es a partir de este disco de 2005 donde encontramos una banda con una idea de sonido más establecida y sólida. Dejan atrás su forma más primaria y avanzan hacia un sonido contemporáneo adaptándose a los tiempos para fijar las bases de cómo será su sonido en un futuro. Desde este “The Archaic abbatoir” de 2005, Aborted ha sabido ofrecer su material con un sello donde existe cierta distinción. Cualquiera que fuese escuchando un nuevo lanzamiento editado por la banda reconocerá a Aborted y sabrá que encontrará en él.

Un death metal brutal con ciertas reminiscencias grind, un sonido pulcro y prensado, y canciones muy correctas son el conjunto de aspectos que la banda ha ido ofrecido ininterrumpidamente con el paso de los años a sus fans. Pero claro, conscientes del peligro existente al aferrarse a un concepto determinado, siempre en una misma línea, la banda opta por limar ciertos aspectos definitorios en su propuesta a cada paso que da.

Para este “ManiaCult”, Aborted a vuelto a dar un paso adelante sin salir de su patrón sonoro, esforzándose en conseguir mayor solidez en su identidad y definición. Para ello, han buscado nuevamente un sonido acorde con su poder musical donde la aseada e intensa producción deben dar cuerpo a los cortes elegidos para este nuevo trabajo.

Nuevamente han conseguido dar fuerza y personalidad a las canciones con un sonido demoledor. Los temas suenan con pegada, lo necesario para ofrecer sus canciones con decisión. Y además de esto, como algo prioritario y en otro orden, vuelven a atraparnos en su terrorífico mundo con esa atmósfera tan brutal rebosante de muerte, asesinatos, sangre, vísceras, violencia, y escenas de terror explícitas, creando un siniestro escenario en el que Aborted son la banda sonora con su característica música. Vuelven a captar al oyente con su terrorífica representación musical “sello Aborted”.

Gracias a unas magníficas composiciones dignas de la primera fila de este sonido, y como añadido a su interesante nueva edición, Aborted ha contado con la ayuda de cuatro cantantes amigos de la banda. Con esta iniciativa, la banda belga no hace más que aumentar el grado de brutalidad de este “ManiaCult”. Joe Bad de Fit for an Autopsy, Filip Danielsson de Humanity’s Last Breath, Ryo Kinoshita de Crystal Lake y Ben Duerr de Shadows of Intent (al loro con esta banda), son las cuatro voces invitadas a esta feroz obra de death metal brutal donde nuevamente encontraremos mucho ingrediente grindcore, y que a veces, a causa de esa experimentación a la hora de seguir probando en su sonido, incluso podríamos incluir el término deathcore en su música.

Como podemos comprobar, para este trabajo la banda nuevamente ha movido ficha y ha editado un disco que, sin salirse de lo que es Aborted, contiene ciertos alicientes que demuestran el trabajo realizado y las ganas de Sven y sus chicos por seguir agradando a sus fans. Aborted ha conseguido con este último álbum establecer aún más su sonido, su propuesta, su distinción. Todos reconocen a Aborted cuando suenan porque han sabido escribir su estilo. Y eso no está al alcance de muchos. Te podrán gustar más, o te podrán gustar menos, pero amigos, calidad, trabajo e identidad, aquí no faltan. No suelen faltar, diría.

F.

WITHERFALL
‘CURSE OF AUTUMN’
Century Media

Cuando uno se enamora perdidamente de alguien es capaz de perdonarle según que deslices y eso me ha pasado a mí con Witherfall.
Witherfall es una banda de la que me enamoré allá por 2018 cuando descubrí su primer lanzamiento ‘Nocturnes and Requiems’. Un trabajo redondo por la frescura y la novedosa manera de hacer metal. Un cocktel perfecto de heavy tradicional, aderezado con toques progresivos y tintes oscuros. Un diez y unos músicos como la copa de un pino: Joseph Michael a las voces (¡y qué voces!), Jake Dreyer a las guitarras, Anthony Crawford al bajo y Adam Sagan a la batería. De hecho Adam grabó la batería pero murió en 2016, poco antes de que editaran el primer trabajo y al cual dedicarían su segundo trabajo, ‘A prelude to sorrow’, un disco dedicado abiertamente a su memoria y a los sentimientos que vivieron con su muerte. Este debut obtiene muy buenas críticas y la aceptación de la banda crece como la espuma. Con su segundo trabajo, ‘A prelude to sorrow’, en 2018, la confirmación llega por sí sola. Ese disco les catapulta a la fama llevándolos a tocar en el 70000 tones of metal y al Keep it True.
En 2019 editan un EP llamado ‘Vintage’ con dos versiones de relumbrón como «A Tale that wasn’t right» de Helloween y «I Won’t back down» de Tom Petty. Una autentica obra de coleccionista que tengo el honor de poseer entre mis joyitas.
La banda esta consolidada los únicos cambios de formación están en los teclados y la batería. Para este ‘Curse of Autumn’ han contado con la pegada de Marco Minnemann a la batería y Alex Nasla en los teclados. Y bajo esta formación han editado este tercer trabajo ‘Curse of Autumm’ que es un discazo de principio a fin pero que, como los buenos vinos, hay que dejar reposar para apreciar toda su calidad.
Como dije antes, a tu pareja, si la quieres de verdad, le puedes perdonar casi cualquier desliz y con Witherfall, mi “amor” musical, he tenido que llegar a perdonar este pequeño cambio de rumbo y de estilo en su música ¿Y porque? Porque siendo ellos mismos y sondando como ellos mismos, han dado un pequeño giro y una evolución en su música que me ha costado entender.

Decir que la producción del disco ha corrido a cargo de Jon Schaffer de Iced Earth y se ha notado y mucho en el resultado final del producto, dándoles un sonido un tanto diferente y al cual cuesta acostumbrarse.
La portada, como siempre, es una autentica maravilla y es obra de de Kristian Wahlin (diseñador de portadas de grupos como The Black Dahlia Murder, Bathory y Wintersun entre otros) y al igual que en los trabajos anteriores, esta realizada a mano, con una cantidad de detalles que la convierten en una autentica obra de arte. Colores rojizos evocando el otoño y la mujer (que sale en todas sus portadas) pensando y rememorando tiempos mejores. Impresionante y creo que será la mejor portada del año.

En lo musical estamos ante doce cortes en los cuales vemos una evolución y que, después de varias escuchas, se convierten en himnos dentro de la carrera de la banda.
Cuando nos empezaron a dar pildoritas como «As a Lie Awake», «The Last Scar» o «Another Face» ya se veía el toque más heavy dentro de su música y quizás la excesiva mano de Schaffer a la hora de producir y de tomar decisiones dentro de la banda.
Y yo, como fan y crítico, la verdad es que me quede tan asombrado como perplejo al escuchar los singles, por la calidad y la intensidad de la música. Deseaba que llegara la hora de tener todo el trabajo.

Y llegó la hora, y la verdad es que las primeras escuchas me decepcionaron bastante puesto que la música que ya había catado me había cortado cual cuchillo en mantequilla, me había fascinado; pero al escuchar el trabajo completo, temas como «Tempest» y alguno más me dejaron helado y pensando en porqué mi “amor” me había defraudado de esa manera. No llegaba a entender el porqué de ese “cambio”.
Tome la difícil decisión, como en cualquier pareja, de tomarme unos días de reflexión y con la fiel promesa de borrar de mi mente cualquier nota anterior y volverle a dar una segunda oportunidad (he aquí el motivo del retraso en la reseña).

Y como en cualquier pareja, el perdón es el mejor remedio, retomando la relación donde se abandonó, con la salvedad de haber hecho un reset y reanudar con mente limpia.
Lo mejor que he podido hacer y que recomiendo a todo el que lea esto es darle oportunidades porque es un discazo y, una vez asimilada la evolución, te envuelve y te atrapa como la protagonista del video de “Portrait”, de su primer disco.

Temas como «As I lie Awake», «The last Scar» o «The Other Side of Fear» nos dan la vertiente más heavy y dura de Witherfall, cañeros como nunca.
«The River» (dedicada al padre de Joseph Michael, fallecido hacia pocas fechas) es una de las baladas más bonitas y con más sentimiento que he oído en años. Es más, me atrevo a decir que es mi tema preferido del disco.
Y en la vertiente más progresiva, más oscura y más densa nos encontramos con temas como «Tempest» de la que destacaría los duelos de guitarras acústicas del inicio, que desembocan en un torrente de ritmos más cercanos al death metal, que me han fascinado, y el tema más largo de la carrera de la banda, «And They All Blew Away», en el cual dan rienda suelta a todo.
Desarrollos más progresivos que nunca, la forma de Joseph de cantar en la cual desata todo un torrente de sentimientos encontrados y virtuosismo de toda la banda en todos los pasajes y es que estamos ante más de quince minutos de tema.

Y como apunte a todo lo dicho anteriormente, los sentimientos que desprende Joseph a la hora de cantar son fascinantes. La manera de tocar de Jake Dreyer es sublime, hace hablar a la guitarra, siendo capaz de expresar sentimientos que posiblemente hablando no seriamos capaz de exponer. Para mí los dos baluartes de la banda (de hecho son los fundadores, por algo será…).
En definitiva, un discazo, difícil de primeras, pero que cuando te atrapa no te suelta. Candidato directo al Top 5 de 2021 sin dudarlo y en dura pugna por el numero 1. Mi “amor” musical, no me ha defraudado, simplemente nos hemos tenido que distanciar un poco para poder querernos más.

Trabajo mega recomendado por un servidor y que con el paso de las escuchas va demostrando el poder y la calidad que atesora y que espero todo el mundo sea capaz de disfrutarlo tanto como lo hago yo.

Y como apunte final, en octubre de este 2021 deberían venir de gira por la piel de toro junto a Evergrey. Ojalá el Covid nos de tregua y podamos asistir a esta gran noche de metal. Si se llega a realizar un servidor estará en primera fila.

Enrique Sobrino

Angelus Apatrida están de vuelta y lo hacen con un disco homónimo y lleno de rabia, acorde al momento que vivimos. Una evolución musical lógica dentro de su sonido y una banda que poco tiene que demostrar a estas alturas, saben lo que queremos y nos lo dan. Contactamos con Guillermo Izquierdo, frontman de los albaceteños, para que nos ponga en situación, destripemos el disco y hablemos de política y otras cosas.

Por Carlos De La Puente

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas tardes Guillermo, feliz año ¿Qué tal has comenzado el año?
GUILLERMO IZQUIERDO (GI): ¡Hola Carlos! Bastante bien, perdona por estos seis minutos, que voy enganchando entrevista con entrevista y suele haber unos pocos retrasos ¿Qué tal tú?

EM: Bastante bien, intentando no caerme con el hielo…
GI: Sí, estamos todos igual… de hecho, he llegado tarde a las entrevistas porque la furgoneta se ha quedado atrapada en el hielo por delante y por atrás, menos mal que han salido a ayudarme con agua caliente y la hemos logrado sacar. Un jaleo de aúpa.

EM: Vamos a hablar de ‘Angelus Apatrida’, vuestro nuevo disco que sale el 5 de febrero ¿Qué me puedes contar de él?
GI: Pues básicamente (risas) lo que acabas de decir, sale el 5 de febrero. Es un disco que estaba pensado como un EP, hay algunas canciones que ya estaban medio compuestas, creo que dos o tres, desde mediados del 2019 cuando estuvimos de gira en Brasil y como teníamos, en principio, tantos planes de giras y de festivales para 2020, iba a ser un año súper intenso de cosas que hacer, nos planteamos parar en abril y venir a España para grabar tres o cuatro temas para grabar un EP.
Pero cuando estábamos de gira con Evil Invaders el apocalipsis llegó, todos los planes se fueron a la mierda y seguimos componiendo. Al final nos encontramos con que teníamos diez o doce temas listos para entrar al estudio. Hablamos con Century Media, empezamos a organizarlo todo y este es el resultado de un disco realizado con una pandemia mundial, prácticamente con cuarentena, con todo lo que ha acontecido al mundo a lo largo de los meses. Este disco ha quedado curioso.

EM: «Indoctrinate» ha sido vuestro primer adelanto y tenéis un comienzo muy a lo Pantera ¿Habéis querido plasmar algunos de vuestros gustos personales en el disco? ¿Cómo ha sido recibido el single por los fans?
GI: No. Bueno, todo el mundo sabe que Pantera es una de nuestras bandas favoritas de toda la vida y siempre hemos tenido ese toque de los típicos riffs de Pantera en algunas canciones. Este tema, cuando lo estábamos haciendo, a mi me recordaba más a otros estilos tirando al Hardcore y al Crossover, entonces es inevitable que, al final, las influencias salgan. Pero no, nunca hemos compuesto ni vamos a componer pensando en querer sonar a nuestras influencias, pero sí que van a ser más que notables. Es verdad que algunas partes de algunas canciones te puedan recordar más nuestras propias influencias pero quien generalmente nos conoce sabe que no, que nosotros no vamos con esa pretensión ni mucho menos. Una cosa es adorar y estar influenciado por esas bandas y otra es querer parecerte demasiado a ellas.
«Indoctrinate» creo que es uno de los singles que más ha enganchado sino el que más, no solo en España si no en todo el mundo, es el que mejores reacciones nos está dando, el que más reproducciones por día está teniendo tanto en Youtube como en las plataformas de streaming y muy guay, porque sabemos que era, no voy a decir raro pero si diferente, porque son tres partes de tema, es relativamente largo para una canción de Thrash. Incluso es relativamente largo dentro del e Hardcore Punk pero ahondando en tres canciones en una misma. Ha sido muy guay, también nos divertimos haciendo el videoclip cómo pudimos con todas las restricciones del Covid y ahí está el resultado, ahí sigue levantando ampollas y haciendo que la gente mueva las cervicales y que la gente se espere lo mejor para este álbum, porque esto no son más que aperitivos, es un no parar la mala hostia.

EM: ¿Me puedes hablar de su significado?
GI: Claro. La letra de «Indoctrinate» básicamente está influenciada por todo lo que está ocurriendo… en realidad digo ocurriendo en el planeta en los últimos años, pero hablo de tendencias que han aflorado en los últimos meses debido al miedo por la pandemia, miedo a lo que pudiera ocurrir. Parece que los gobiernos han hecho que la gente se vaya a los extremos demasiado y han empezado a ocurrir cosas que hacía décadas que estaban ya enterradas y superadas, parece que se han levantado viejas premisas, viejos pensamientos que parecía que hacía décadas que se habían superado y que ya eran de una época más primitiva, no para una sociedad democrática, como en la que estamos viviendo pero es todo lo contrario, estamos viendo como todo se polariza, cómo intentamos buscar la culpa en todos los demás y han empezado a aflorar. Realmente siempre han estado presentes pero en la escena Rock y Heavy Metal han empezado a aflorar sentimientos que para nada tienen que ver con esta música como son el racismo o la homofobia, todo este tipo de intolerancia hacía lo diferente, echar la culpa, quedarte con todo lo que están diciendo los populistas y la gente que lo que intenta es azuzar a la propia población, eso es lo más lamentable que hemos visto y es lo que quiere intentar decir «Indoctrinate», no dejarte adoctrinar por lo que sea extremo y volver a lo que creemos que el Heavy Metal lo hizo único, un estilo de música completamente diferente a todo lo demás en lo que tenía cabida todo el mundo sin importar tu raza, ni tu lugar de procedencia ni tu religión (si la tenías), si eras un hombre o una mujer, si eras alto o más bajo, guapo o feo, si te gustan los hombres o las mujeres, era un estilo de música que hablaba de libertad, de unidad y de tolerancia. En los últimos meses lo hemos experimentado en nuestras propias redes sociales, pero también lo vemos, vivimos en el mismo mundo que todos y también lo vemos, constantemente en la televisión y sobre todo en las redes sociales. Por eso con «Indoctrinate» lo queríamos dejar claro, ya no con la letra, si no con la elaboración del videoclip, es una música que es Heavy Metal y más ampliamente hablando del Rock, que aquí no se excluye absolutamente a nadie, aquí se tolera y se respeta a todo el mundo.

EM: Recuerdo una época en la que a Elisa C. Martín de Dark Moor mencionó que un fan rompió los discos delante de ella por ser homosexual. Yo creo que no le afectaba en nada al fan…
GI: Hay gente enferma tío y ya está. Es lo que te decía, ese tipo de actitudes son propias de la Edad Media, no tienen cabida en nuestra sociedad. Tenemos que visualizarlo, tenemos que denunciarlo y decir que eso no es correcto, que no está bien… si te das cuenta mucha gente dice “es que habláis de política”; no chicos, no hablamos de política estamos hablando de derechos humanos, que se nos está yendo la olla en ese sentido, estamos confundiendo todo con política y aquí nadie está hablando de eso. Nadie te está diciendo que votes a un partido o que votes a otro o que no votes, ya sea de una ideología o de otra, estamos hablando de respetar a los seres humanos y de decir que todos somos exactamente iguales. Imagínate que cualquier lunático hiciera lo mismo enfrente de Rob Halford, uno de los referentes, uno de los máximos iconos por no decir la voz del Heavy Metal y abiertamente gay y pro derechos gay, imagínate que le hicieran como a Elisa, es una lástima, es una aberración. Yo creo que la gente se equivoca de rollo, te puede gustar la música porque lo mismo estás buscando música más agresiva / potente o música que te transmita algo, pero realmente no entiendes lo que es la cultura o toda la escena del Heavy Metal porque todo eso está fuera. Si ya de por sí está fuera de una sociedad que se considere democrática y moderna imagina de una escena tan minoritaria como ha sido siempre el Heavy Metal, donde lo único que ha aflorado ha sido la hermandad y la tolerancia a todos los demás. Toda esa gente se ha equivocado de rollo y deberían replantearse un poco si es correcto eso que están haciendo que comentas, pero por otro lado también deberían replanteárselo como seres humanos, como personas. Lamentablemente es lo que estamos viendo en los últimos meses y es lo que estamos plasmando con «Indoctrinate» y con el nuevo disco.

EM: Es curioso porque hay gente que dice que las bandas no pueden hablar de política en su música. Habrá bandas que hablen de dragones y mazmorras, otros de mutilaciones y habrá algunos que hablen de luchar o de rebeldía como pueden ser Kreator o Arch Enemy, que no creo que hablen de conejos o incluso que tengan una canción diciendo que les gusta la ensalada, pero parece que es un problema.
GI: La cuestión aquí es ¿por qué nos hemos radicalizado tanto? Yo no, pero ¿porque se ha polarizado tanto y absolutamente todo lo que no sean dragones, mazmorras y demonios es hablar de política? Nosotros hablamos de derechos humanos. Obviamente todo es política, claro que sí, pero no es lo mismo que hacer apología de política o hacer campaña hablando de tu ideología sí o sí, diciendo si vas a votar a este partido o a otro, pero eso ¿quién coño lo hace? En las bandas que yo escucho no lo hace nadie, Angelus Apatrida no lo hace, es más jamás nadie que sea mi amigo va a saber si quiera si yo voto o si voto a alguien o a quien voto si es que he votado. En la música jamás lo voy a decir porque no hablamos de política, hablamos de derechos humanos y de crítica social y desde luego hay cosas que nos pueden gustar más o menos, que las podemos denunciar o las podemos alabar. Eso lo ha hecho toda la vida Kreator, lo ha hecho Arch Enemy, lo ha hecho Iron Maiden… ¿o la gente cree que «Run to the Hills» es una canción que habla de ir de fiesta a la colina?. La canción «Run To The Hills» es una crítica al genocidio británico en América del Norte cuando el famoso descubrimiento de América; es una crítica tremenda a la brutalidad de los soldados británicos, eso es «Run To The Hills» o «Aces High», que es política también porque está alabando a los ases de la aviación cuando estaban destruyendo al enemigo fascista que estaba bombardeando el Reino Unido, es historia y también tienes derechos humanos con «Run To The Hills», así infinidad de música. Ha llegado un punto en el que si se sale de lo que a uno le gusta o lo que a uno le puede llegar a hacer pensar un poco más allá de lo que dice la televisión, se convierte en política, y eso es un problema. Por otro lado, un artista puede hablar de lo que le salga de los cojones, una cosa es que le vaya bien o le vaya mal, pero un artista no es personaje que tenga ningún tipo de responsabilidad sobre los demás, por supuesto que puede hablar de política si quiere pero en nuestro caso es totalmente erróneo y ya lo hemos explicado 40.000 veces y aún así parece que no se entiende aunque la verdad, no es algo que nos preocupe demasiado. Así que adelante, nosotros seguiremos con nuestro rollo y seguiremos apoyando a la gente que necesite nuestro apoyo y hablaremos de unidad, de tolerancia y de hermandad en el Heavy Metal.

EM: A parte de «Indoctrinate» ¿vais a tener algún single más?
GI: Por supuesto, estamos currando en más cosas, que no se preocupe la peña que hasta el 5 de febrero aún queda y tenemos algunas cosas por desvelar y muchas cosas por anunciar. Solo decir a la gente que nos siga en nuestras redes sociales (Instagram, Facebook, Twitter) que estaremos sacando más cosas, sacando más concursos y haciendo más monerías.

EM: He de decir que mis temas favoritos han sido “The Age of Disinformation” y “Childhood’s End” ¿Me puedes hablar de ambos temas?
GI: «The Age of Disinformation» es un tema muy guay, musicalmente me recuerda a las primeras composiciones de bandas muy clásicas de la Bay Arena, me recuerda a Death Angel, a Exodus y también tiene mucho rollo Kreator de la época un poco más contemporánea. La letra habla de que con toda la información que tenemos al alcance de nuestra mano en nuestro teléfono nos estamos convirtiendo en la especie más desinformada de la historia y nos creemos todo lo que nos dicen las redes sociales, lo que nos dicen por whats app porque te lo dice tu cuñado o tu vecino del quinto, crees que te dicen que es verdad y tú lo conviertes en una noticia veraz. Básicamente es informar como hacían en la Alemania nazi, una mentira se repite mil veces hasta que se convierte en verdad. Eso está volviendo, los medios de comunicación, muchos influencers, políticos y periodistas se están arrastrando por intereses económicos y por otro tipo de movidas y la gente se lo está creyendo. Cuando estás escuchando a alguien, sobre el tema que sea, lo más normal es que cojas tu teléfono y verifiques las fuentes tanto si es un periodista fiable como si lo ha dicho tu cuñado o tu vecino del quinto; es lo que está ocurriendo.»The Age of Disinformation» habla de eso y es gracioso que la época de la historia en la que tenemos toda la información a nuestro alcance es en la que estamos más desinformados.
«Childhood’s End» es un tema que también está en la actualidad que hemos hablado muchas veces y la verdad es que hace poco que se ha aprobado la ley de la eutanasia. La canción habla de un enfermo terminal que realmente está encadenado, está en una visión de ese hospital. La inspiración para ese tema viene de una cosa que me contó mi novia durante la cuarentena, mejor dicho, ella es enfermera trabajando en la UCI de dos hospitales diferentes y ha estado desde el primer día en la primera línea de batalla trabajando contra el covid y ha visto a muchísima gente morir y morir sola y ha sido muy triste y muy duro poder superar eso. Le quedarán secuelas, por supuesto, y me contaba muchas historias y yo no podía evitar llorar y entristecerme muchísimo y hubo una que me chocó mucho de un enfermo que pedía a gritos morir, que por favor le desconectaran, que no quería estar más allí, estaba solo, no podía hablar con nadie y sabía que se estaba muriendo y que no tenía solución y me llegó mucho al alma y pensé: ¿Cuál es el momento en que te das cuenta de que ya no eres un niño? Yo acabo de cumplir 37 años y te vas haciendo mayor y ya no eres un niño pero tienes ese pensamiento de «tengo toda la vida por delante, aun soy muy joven y tengo muchísimas cosas que hacer» ¿en qué momento acaba eso? Tengo amigos de 50 años que piensan igual, que se sienten súper jóvenes y no ven el final, ¿en qué momento llega el final de la niñez? Pues es cuando te das cuenta de que ya no hay vuelta atrás, cuando te diagnostican una enfermedad incurable o estás en ese momento. Imagina el infierno que tuvo que vivir esa persona, o muchas otras personas que acaban muriendo solas, o esas personas que se están muriendo están en una cama pensando cuando llega el final y es una historia muy triste. Es lo que quería reflejar en la letra de «Childhood’s End».

EM: Yo también lo veo como que se nos obliga a madurar demasiado rápido, a mí me han reprochado el seguir siendo fan de Disney o gustarme los videojuegos a mis casi 30 años y la gente te dice ya tienes una edad hazte un adulto responsable.
GI: Eso va más en la actitud que otra cosa y lo notas al final. Yo he visto a gente que iba conmigo al colegio y parece que tienen 20 años más y piensas “joder tío, que eres relativamente joven, como para que estés así”, es que es algo que se nota. Lo de «Childhood’s End» va más allá de la actitud es en el sentido espiritual, el momento en el que tú como como ser humano te das cuenta que has madurado pero lo has hecho para mal, como diciendo «hostia, de aquí cuesta abajo», ya sea un enfermo terminal o lo que sea. Es la triste historia de darte cuenta de que te queda poco y en los momentos que estás solo en la cama de un hospital y reflexionando sobre lo que has hecho con tu vida, qué has hecho mal o bien, que es lo que te queda por hacer. Es muy triste. Y todo vino de esa historia que sucedió durante los primeros meses de confinamiento y ocurrió en la cama de una UCI y se me quedó grabado. Fue muy bonito soltarlo y reflejarlo en una canción.

EM: Contáis con un nuevo logo bastante chulo, la verdad, aunque le veo cierta similitud con el de la Anarquía. ¿Tiene algún tipo de relación o es simplemente coincidencia?
GI: Se le ocurrió al artista Gyula. No es nada nuevo tampoco ya que Ministry llevan usando el logo igual, un símil con el símbolo de la anarquía pero usando la doble M, nosotros una doble A. Fue muy guay por toda la parafernalia, por el artwork, por como Gyula encajó toda la movida para meterlo en un artwork, como algo un poco revolucionario y de cambio, así que nos pareció cojonudo el mezclar las dos A para realizar algo revolucionario y contestatario que es lo de siempre con nuestras letras y nuestra actitud a la hora de hacer la música. Me pareció muy guay, es muy visual para el merchandising y para la puesta en escena.

EM: A día de hoy vemos que sigue habiendo mucha discriminación por género, orientación sexual, raza. ¿Crees que algún día este tipo de problemas de solucionarán o disminuirán?
GI: No tengo ni idea, no lo sé. Me gustaría pensar que poco a poco todo va suavizándose y que la peña va volviéndose más tolerante, pero es lo que te he mencionado, había cosas que estaban solucionadas desde hace años y ahora parece que están más a flor de piel y eso es peligroso porque el ser humano es un ser muy influenciable. Espero que no vaya a más, que esto sea algo cíclico y que dentro de unos años seamos más tolerantes, sobretodo en nuestros sectores, en la escena. Nosotros vamos a seguir peleando para hacer ver que nuestra música y nuestra escena tiene que seguir siendo tolerante y que toda la mierda que vemos, el que la gente se vuelva más racista o más homófoba lo que tenemos que hacer es no darles de lado y denunciarlo y decirle eso no está bien, que somos todos iguales independientemente de nuestro color de piel, de nuestras religión o de quien nos enamoremos… va costando pero tengo la esperanza de que poco a poco las cosas mejoren.

EM: Para finalizar. ¿Qué piensas de lo que está ocurriendo en Cañada Real?
GI: No solo lo de Cañada Real, me parece lamentable lo que está ocurriendo por parte de todas las autoridades y es una pena, pero también está ocurriendo aquí en Albacete, está ocurriendo en muchísimas ciudades, en muchos pueblos donde tenemos asentamientos no solo de propios españoles que están en la calle… lo que ha ocurrido aquí con la cantidad de inmigrantes que han venido a trabajar al campo es horrible porque viven en unas condiciones lamentables y aquí están sobreviviendo por colectivos de vecinos que les llevan mantas colchones y comida para poder pasar el frío. Me parece una barbaridad. Hace poquito estuve en Madrid para acabar de grabar el vídeo y vi la cantidad de luces y a unos pocos kilómetros sucede esto y es algo lamentable, esto es una de las cosas que te hacen perder fe en la humanidad. Ojalá que las cosas cambien y dentro de poco todos podamos tener una vivienda y unas condiciones de vida mejores, pero creo que es muy difícil de base, muy difícil de conseguir.

Frozen Soul llegan para desafiar al Covid-19 a base de atmósferas cavernosas, intensidad, brutalidad y putrefacción. Y es que ‘Crypt of ice’ está destinado a ser adorado por aquellos fans del death metal americano de calidad superior. Publican su primer disco y lo hacen con una major Century media, algo de lo que pocos pueden presumir. Un Chad Green con pocas ganas de conversar nos recibe para darnos unas pinceladas sobre la banda.

Por Marc Gutiérrez

EMPIRE MAGAZINE (EM): Habéis regrabado de nuevo las tres canciones de vuestra demo (excepto la versión de Mortician) y debo admitir que me parecen tres temas excelentes ¿todavía créeis en vuestro viejo material?
CHAD GREEN (CG): Absolutamente, sentíamos que el disco era la continuación de la demo y queríamos darle a esas canciones el reconocimiento que merecen.

EM: Vuestro sonido es como un muro, intenso y cavernoso ¿estás de acuerdo conmigo? ¿es algo que queríais heredar de los clásicos?
CG: Definitivamente nuestro objetivo es llevar el death metal, aplastante, pesado y sin tonterías, influenciado por la vieja escuela, directamente a tu puerta.

EM: ¿Qué esperas de ‘Crypt of ice’?
CG: ¡Un golpe implacable de riffs punzantes! (vaya, eso es lo que espero yo pero qué esperas tú, Chad?, ndr.)

EM: Frozen Soul se fundaron en 2018, sino estoy equivocado, y en dos años editáis vuestro debut con Century Media ¿cómo conseguisteis un contrato con una compañía top tan rápido? No es normal sin un disco previo aunque, honestamente, creo que lo merecéis porque vuestro death metal es brillante!
CG: Simplemente hicimos lo que amamos y los damos todo por nuestra música y en el escenario. De alguna forma supieron de nosotros y nos enviaron un mensaje para ver cuales eran nuestros planes.

EM: ¿Porqué “Tormented by Time” no aparece en ‘Crypt of ice’? ¿Os pidieron exclusividad para el flexi disc de Decibel magazine?
CG: Porque son unas leyendas y queríamos trabajar con ellos de forma en exclusiva para esta canción.

EM: A lo largo de vuestra carrera habéis versionado a unos mitos como Entombed y Mortician ¿porqué escogísteis esas canciones?
CG: Desde Cvlt Nation nos preguntaron si queríamos hacer una versión del ‘Left hand path’ y «Morbid devourment» era una des que quedaban y por eso la escogimos. «Witches coven» es una de las mejores canciones de Mortician y pensamos que a muchas gente le gustarían Mortician así que decidimos hacer esa versión.

EM: Musicalmente ha sido bueno para las bandas que querían escribir nuevo material o grabar un disco o ha sido malo para bandas que han visto que se retrasaba el lanzamiento de algunos discos y no podían salir a la carretera?
CG: Ambas afirmaciones son correctas. Nos hemos podido centrar más en las cosas pero preferiríamos estar de gira.

EM: ¿Cuántas veces habréis sido comparados con Bolt Thrower y Mortician? En algunos medios tiempos y toques más cavernosos podríamos citar también a Six Feet Under ¿Qué te parecen esas comparaciones?
CG: Entiendo esas comparaciones, amamos a esas bandas y son una influencia para nosotros ¡son nuestros héroes!

EM: ¿Qué hay de especial en Estados Unidos actualmente para que haya una escena tan brutal de death metal? Denver tiene unas bandas brutales como Allegaeon, Of Feather and Bone o Blood Incantation y Dallas también tiene una escena enorme ¿Qué bandas desconocidas me recomendarías de tu país?
CG: ¡El death metal se está apoderando de todo! Dale una escucha a Creeping Death, Kombat, Cognizant, Wyrm Chasm, Imperial Slaughter, Defiled Crypt y Flesh Rot.

EM: Supongo que todos vuestros intentos de tocar en directo están paralizados pero ¿crees que habrá opción de veros en Europa?
CG: En cuanto la situación nos lo permita esperamos poder llegar allí pero de momento nos tenemos que conformar con hacer live streams.

Si hay un músico agradable y simpático en el metal ese es, sin duda, Mikael Stanne, el chico de la sonrisa eterna. Los suecos Dark Tranquillity están de actualidad porque esta semana publican su nuevo trabajo, ‘Moment’, con el que confirman su alto nivel compositivo y el momento dulce que viven. Contactamos con Mikael para que nos de algunos detalles sobre ‘Moment’, para hablar de giras y hasta de video juegos.

Por Carlos De La Puente
Foto de directo: Irene Serrano

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas noches Mikael, ¿qué tal llevas este año tan extraño?

MIKAEL STANNE(MS): Estoy bastante bien, esta ya es la última entrevista y hace muy buena noche. La verdad es que es extraño… ¿qué puedo decir? Es bastante duro lidiar con ello, pensar que es lo que puedes hacer… En Suecia las cosas han ido bastante mejor y no hemos tenido que hacer un cierre tan extremo como en otros países pero también he estado bastante ocupado con la banda, con el disco, con la promoción correspondiente…


EM: Vamos a hablar de ‘Moment’, vuestro nuevo lanzamiento. ¿Qué me puedes contar acerca de él? 

MS: Al principio fue algo estresante debido a ‘Atoma’, por un lado queríamos volver a ese trabajo pensando que eso era bueno pero por otro lado queríamos hacer algo mejor. El año pasado ya teníamos la mayoría de las canciones hechas aunque muchas las deshicimos porque poco tenían que ver con nuestra identidad… ya sabes, queríamos hacer algo bastante diferente, evolucionar, así que empezamos a trabajar juntos con Johan y Chris (los guitarristas), ya que ellos tienen una perspectiva diferente a nosotros sobre las canciones y eso nos ayudó bastante a la hora de componer. A la hora de la verdad es algo que llevamos haciendo durante treinta años, pero también contiene elementos nuevos.

EM: Christopher Amott y Johan Reinholdz son vuestros nuevos guitarristas ¿Han aportado algo a la creación de ‘Moment’?

MS: Sí. En el proceso de composición ambos nos ayudaron bastante a la hora de saber por dónde queríamos llevar este disco, si una parte era más dura, si otra parte era más melódica. Estuvieron presentes desde el principio y aportaron mucha frescura al nuevo material, especialmente Johan, que era el que nos traía más ideas y pensábamos que eran interesantes, así que queríamos ver cómo trabajar sobre ellas. Johan ha sido una pieza importante a la hora de componer y Chris ha trabajado en un solo bastante potente. Ha sido un proceso creativo bastante emocionante.

EM: «Phantom Days», «Identical To None» y «The Dark Unbroken» han sido vuestros adelantos ¿Por qué habéis decidido que estas canciones sean singles? 

MS: Bueno… «Phantom Days» fue la elección fácil, es el primer track del disco y tenía mucho sentido. Fue de las primeras canciones que compusimos y la letra habla de esos momentos en los que pierdes a alguien y te sientes mal contigo mismo, a veces la gente no lo comprende pero es algo con lo que tienes que acabar lidiando. Además es lo mismo que veníamos haciendo en los últimos discos, así que pensamos que sería bien recibida… El disco tiene diferentes facetas y ésta representa lo que hemos venido haciendo estos últimos tiempos. Por otro lado, hoy hemos lanzado «The Dark Unbroken» con su correspondiente vídeo, que es otra faceta bastante diferente del resto del trabajo.
«Identical To None» es una de las canciones que más he disfrutado, creo que será de las que acabemos tocando en directo. Es muy intensa y su letra habla de la división, de la exclusión o del rechazo hacia aquello que es diferente sin darnos cuenta de que los humanos no somos iguales y viendo lo que está sucediendo ahora mismo en el mundo pensé que sería una buena manera de dar mi opinión (ndr: aquí se ríe).

EM: Ahora mismo tenéis gente de Arch Enemy y de In Flames ¿Cómo te sentirías en un tour europeo con ambas bandas?

MS: (ndr: aquí se vuelve a reír) Eso sería increíble y la verdad es que no se ha dado el caso anteriormente (recordemos que ya lo hicieron en 1999., ndr.), así que sí, espero que en el futuro lo podamos hacer… quizás en un futuro cercano, no estoy seguro de eso.

EM: Supongo que para cuando acabe el tema del covid, realizaréis la correspondiente gira ¿Habrá fechas en España?

MS: Por supuesto, queremos volver a España, ese es el plan. Creo que nuestro nuevo tour europeo iba a comenzar en Francia y eso iba a ser en Abril del año que viene, pero no creo que eso suceda… Nos estamos concentrando en después del verano si las cosas mejoran, los países abren sus fronteras y la gente está más protegida, seguramente se haga. No puedo esperar a volver a salir de gira y ver a nuestros fans pasarlo bien con nosotros. 



EM: ¿Dónde os gusta actuar más, en festivales o en conciertos propios de gira?

MS: ¡Amo los festivales! Son muy diferentes, a veces son extraños. Por un lado sabes que la mayoría no son tus fans pero por otro, tocar ante audiencias tan grandes te hace tener unos sentimientos de entusiasmo enormes. Hemos tocado ante 20.000 o 50.000 personas y ha sido increíble, pero no es lo mismo que realizar una gira con gente que te presta atención, con la que estableces una conexión, que sabes que va a disfrutar de lo que vas a tocar… Ambos me gustan bastante, la verdad (ndr: se sigue riendo)

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EM: Si tuvierais que tocar en un ambiente distinto al que estáis acostumbrados, ¿dónde os gustaría tocar en directo? 

MS: ¡Ésta es difícil de contestar! A veces desearía tocar en el Roskilde de Dinamarca con más frecuencia, creo que es el festival más grande de esta zona, de hecho, desde aquí no necesitamos volar, simplemente coger un autobús o un tren hacía Dinamarca. Sería increíble ya que en ese festival han tocado Mötley Crüe, Bjork, Evil Dead, Testament, Napalm Death y nosotros tocamos allí el año pasado. Solía ir con más frecuencia cuando tenía dieciséis o diecisiete años y siempre soñé con tocar en ese festival. Es bastante diferente, suele ser más tolerante con la música y está abierto a todo, eso es maravilloso, tocar ante gente que le gusta otros estilos musicales pero las cosas ya no son como en los noventa, ahora en esta zona de Europa la gente va más a su estilo, la gente que escucha hip hop se centra más en sus artistas, los del metal en los suyos… Es una pena, pero de vez en cuando molaría tocar para una audiencia que no fuera la tuya.

EM: ¿Te gustaría colaborar en un futuro con algún artista externo? ¿O realizar una versión?

MS: Creo que este año se han cancelado todos los tours, así que básicamente teníamos más tiempo libre para hacer algo y me propusieron varias cosas para hacer y yo pensé ¿por qué no?. Así que estoy colaborando con otras bandas, otros músicos y amigos en varias colaboraciones para videojuegos. Hemos grabado algo de Goth Metal, algo de Death Melódico de la vieja escuela, simplemente lo hacemos porque tenemos tiempo y pensamos que era algo interesante, pienso que es algo único. No es algo que realizara anteriormente pero ahora, con toda la situación, simplemente me apunté. No te puedo hablar de él, porque todavía no se ha hecho oficial, pero hay cosas muy interesantes.

EM: Vi hace unos días en el Facebook de Wacken que ibas a jugar al Call of Duty.

MS: ¡Oh,si! (ndr: aquí interrumpe emocionado)

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EM: ¿Eres un gran fan de los videojuegos?

MS: Muchísimo. Siempre he sido un gamer, he jugado a varios Call of Duty, también al World of Warcraft, juegos de coches, juegos de deportes, es un mundo bastante interesante. Ahora casi no tengo tantos juegos porque no tengo tiempo (risas), es algo triste pero me tiraría todo el día jugando a videojuegos. Creo que es algo genial, es una muy buena manera de desconectar, coger un juego súper violento y olvidarte de los problemas diarios, así como del estrés, es algo que adoro.

EM: ¿Y te gustaría que hubiera alguna canción de Dark Tranquillity en un videojuego, película o serie de televisión?

MS: Eso sería genial. Sería fantástico encontrar una canción de tu propia banda en un videojuego, anteriormente solo hemos aparecido en un videojuego, el ‘Brutal Legend’ con Jack Black y que contenía varias canciones de metal, fue algo guay. Lo verdaderamente guay es que el año que viene habrá un videojuego con un cantante de Metal y será bastante épico. Aún no he visto la portada y no será como un Guitar Hero, pero adoro la violencia (más risas). La música que toca es un Death Metal intenso y una de las canciones es una banda sonora, así que sería algo maravilloso el poder estar jugando y escuchar una canción que has compuesto tú. También hay otros artistas como Matt Heafy de Trivium o Alyssa de Arch Enemy y creo que también hay gente de Lamb of God.


EM: ¿Con que grupos te gustaría realizar una extensa gira? 

MS: Eso es algo de lo que siempre hablamos cuando vamos a salir de gira. No es tan fácil como decir porque son mis amigos, como pasa con At The Gates, In Flames o Evergrey y de hecho ya hemos salido de gira con ellos (risas). Creo que realmente amaría salir de gira con los chicos de Oceans of Slumber, tienen discos bastante increíbles. Me encantaría salir de gira con ellos y espero que eso suceda en un futuro. Personalmente creo que con sus discos han llegado a otro nivel y que son bastante buenos, aunque al final se reduce a que sean amigos porque si no los tours van a ser una pesadilla.

OCEANS OF SLUMBER
‘OCEANS OF SLUMBER’
Century Media

La música tiene un efecto sanador y terapéutico que no se receta. Bien lo saben en Oceans of Slumber. La música les ha ayudado a superar momentos dramáticos como la separación de Dobber Beverly o las depresiones severas de Cammie Gilbert.

Hace ya años que sigo la pista de estos tejanos y les mantengo mi militancia por cuanto su capacidad evolutiva parece ilimitada a día de hoy. Definir su estilo es poco menos que una quimera así que me limito a disfrutarlos sin ánimo de etiquetar su sonido.

Se autoeditaron en 2013 ‘Aetherial’, aun sin Cammie a la voz, y a partir de ahí su carrera solo ha hecho que crecer. Si conoces a la banda es más que probable que hayas caído rendido a los encantos de un portento vocal como Cammie Gilbert, que posee una de las voces más sensuales y versátiles que he podido escuchar. Su mirada, sincera, te atrapa y cualquier melodía en sus cuerdas vocales cobra vida propia.

Su laberinto musical se desarrolla a través de estructuras evocadoras, que van y vienen, y reconoce cadencias variadas con una propuesta que se contornea entre varios estilos, siempre con naturalidad y bajo el manto vocal de Cammie, que es quien articula toda la aventura musical de Oceans of Slumber.
Dobber y Cammie, pareja en lo personal, se encargan de componer y dar forma a las canciones y de pulir hasta el último detalle. Prueba de ello es la elección de Mick Moss (Antimatter) como partenaire de Cammie en «The colours of grace» en un dueto tan atractivo y sugerente que puede mirar de tú a tú a cualquiera que se te pase por la cabeza. Sublime colaboración de dos voces que cantan con el corazón en la mano.
Pero si ese momento es especial, «September (those who come before)» no le va a la zaga. Una pieza instrumental de piano y cuerda que podía ser la banda sonora de cualquier película sentimental y que Oceans of Slumber intercalan con maestría entre temas tensos como «I mourn these yellowed leaves» y «Total failure apparatus».

El álbum reconoce una consistencia musical inusual pues la segunda parte del mismo es igual de buena que la primera, sin bajar el nivel en ningún momento.
Os podría escribir absolutas maravillas de «Soundtrack to my last day», «Pray for fire» o «The adorned fathomless creation» y escribiros sobre la forma en que conjugan el progresivo, el death, el doom, un sonido melódico y lo hacen siempre sin perder su esencia ni el sentido integral del disco.

Oceans of Slumber consiguen con este cuarto trabajo aunar todos los elementos que han definido su sonido todos estos años, mejorarlos, perfeccionarlos y llevarlos muchos pasos más allá y como muestra ofrecen «A return to the Earth below». Solo ellos conocen sus límites. Yo tengo claro que conozco pocas bandas que me hagan sentir como Oceans of Slumber y pocas voces que me emocionen como lo hace Cammie Gilbert. Memorable.

Marc Gutiérrez

Century Media Records siempre se ha mantenido fiel a su política original de mostrar los diversos estilos dentro de la música extrema y ahora fichan a la artista de trap metal Mimi Barks.

Mimi Barks empezó su carrera en Berlín donde empezó a experimentar con una mezcla única de trap y metal, añadiendo a su marca ferocidad y voces raspadas. Tras mudarse a Londres en 2019, terminó su EP de debut ‘Enter The Void’ que provocó un auténtico huracán dentro de una escena liderada por el sexo masculino. Dado que Century Media Record siempre ha sido un caldo de cultivo para artistas femeninas, estamos más que felices de darle la bienvenida a otra visionaria que oscila entre géneros.

Mimi Barks comenta sobre la firma con Century Media Records:
“Para ser honesta, nunca quise trabajar con un sello. Las malas experiencias me han hecho llegar a pensar que todos son unas cucarachas.
Odio esa actitud de la industria rollo «lo sé todo», intentando cambiar la idea de cómo un artista debe de parecer o sonar sólo para meterse en listas.
Tuve el sentimiento de que Century Media ve a los artistas y trabajan con ellos porque realmente joden con su música, no porque vean un potencial para moldear a la persona a su gusto. Si no jodieran con la música, entonces no hubiésemos hecho equipo. Confío en que ellos no van a interferir, sino que van a ejecutar mi visión. Eventualmente me atraparon cuando en una noche de fiesta por Berlín a eso de las 5 o 6 de la mañana de camino a casa dijeron: ¿Porqué estamos yendo a casa? Me encantaría ir a una rave ahora mismo.”

WITCHERY
‘RESTLESS & DEAD’
‘SYMPHONY FOR THE DEVIL’
WITCHBURNER EP’
‘DEAD, HOT & READY’
Century Media

Han pasado ya más de veinte años desde que Witchery editasen su primer trabajo. Un álbum al que bautizaron con el nombre de “Restless and Dead” y que sirvió como punto de partida a su “variable” carrera profesional, que ya dura, como decimos, más de dos décadas. Un largo periodo donde la banda sueca ha deleitado a sus fans con ocho trabajos donde siete de ellos son larga duración, y el otro, su segundo trabajo, es un ep que contiene versiones de temas de sus bandas influyentes junto a un puñado de temas propios. Un material, todas estas grabaciones, que pueden saber incluso a poco viendo los años transcurridos desde su nacimiento hasta estos días. Escaso material para una banda con el estatus adquirido en aquellos años, que además si sumamos la desconexión de la escena que por muchos momentos existió con Witchery, daríamos con la “variable” carrera profesional que más arriba hemos nombrado. Una cierta variabilidad en su carrera a niveles generales, que puede deberse a varios motivos pero que nosotros hemos querido simplificarlo a un aspecto esencial, a nuestro entender, y que no es otro que el de su line-up.

Con una formación de músicos de nivel elevado, con una reputación muy puntera dentro de la escena, miembros de formaciones de peso donde podemos dar nombres como los de Arch Enemy, The Haunted, The Night Flight Orchestra, Bloodbath, Opeth, etc.. por nombrar algunas, puede ser algo entendible la cierta inestabilidad que siempre ha mantenido la carrera de esta banda. Con miembros fijos en formaciones de este primer nivel, comprometidas con ellas al máximo, puede entenderse que Witchery termina por convertirse en un proyecto situado en un segundo plano, al que se le dedica la atención requerida cuando sus principales obligaciones lo permiten. Por lo tanto es evidente, como decimos, que este vaivén en la carrera de Witchery tiene una excusa básica y no es otra que la de ser un proyecto latente de miembros amigos con otras funciones en otras formaciones instaladas en lo más alto de la escena metálica u otras con mayor
prioridad.

Una vez expuesta la más que probable causa de la poco fructífera carrera musical en líneas generales de Witchery, recordaremos, como apuntamos al principio de la reseña, que Witchery editó ocho grabaciones; la primera de ellas en 1998, y la última que data de 2017. Y que de entre este material editado durante todos estos años, se pueden distinguir dos etapas muy claras. La primera sería la de sus cuatro primeras grabaciones y la segunda, las cuatro restantes. ¿Y por qué esta distinción? Pues porque existe una evidente diferencia entre ambas etapas: una relevante y otra, como es normal, casi irrelevante.

Los cuatro primeros trabajos de Witchery son los que más repercusión tuvieron, y tienen, de su carrera. Sus grabaciones más representativas que fueron las encargadas de poner en el aire la música de estos suecos. Una música que fue acogida gratamente por los fans convirtiendo a Witchery un nombre con cierto nivel dentro de la escena. En cambio, sus cuatro siguientes trabajos no han tenido ni la repercusión ni la aceptación de sus primeras grabaciones. Posiblemente, copiando el mismo patrón disco tras disco, sin aportar alicientes extra, y a esto sumando el tiempo que transcurría de la edición de un trabajo a otro, acabó con el cierto desinterés por parte de los fans quienes dejaron poco a poco a un lado la carrera de estos suecos para centrarse en otras cosas más llamativas y/o populares.

Si bien lo ofrecido por Witchery siempre ha consistido en copiar un mismo patrón, fueron sus primeros trabajos los que realmente conmovieron a los fans con dicha fórmula. La continua línea adoptada por la banda, siempre por la misma senda, no dio más que para algunos títulos interesantes, siendo el resto grabaciones que pasaron de forma desapercibida para la inmensa mayoría de fans de la música extrema. Es por ello, pasados todos estos años, que la potente escudería Century Media, decide reeditar sus primeras y más importantes grabaciones, para no dejar pasar la oportunidad de aquellos que no conocieron dichos discos y poder degustarlos a día de hoy. Sus primeros trabajos que, siendo honestos, ha de decirse son los de mayor interés para la mayoría de fans. Las que contienen un mayor aliciente en su música y que, a la vez, fueron responsables de la popularidad elevada de Witchery durante sus primeros años de existencia.

Unas reediciones que cuentan con el añadido que existe al degustar material reeditado por una potente compañía. En éstas se incluyen aspectos adicionales convirtiendo el material ofrecido en un plato con mayor encanto. Empezando por un sonido mejorado y pasando por la inclusión de bonus tracks, fotos y letras. Estos aportes adicionales no hacen más que convertir estas grabaciones en algo muy goloso que al final terminará por ser consumido por el fan hambriento y curioso de material atractivo.

Las grabaciones que Century Media ha querido poner de nuevo a disposición de los fans, son como decimos sus primeras cuatro grabaciones: “Restless and Dead” de 1998, “Witchburner” de 1999, “Dead, Hot and Ready” de también 1999, y “Symphony for the Devil” de 2001. Cuatro trabajos que encajaron perfectamente entre los fans y que son los responsables directos del estatus de Witchery como banda a día de hoy. “Restless and Dead” es indiscutiblemente su mejor trabajo, o por lo menos el más representativo que la banda sueca ha editado jamás. Este furioso álbum de Thrash / Death / Heavy, asombró a los seguidores del Metal más cañero, que vieron en esta perfecta fusión un producto más que apetecible para pasar un buen rato. Rápido, rabioso, descontrolado, Witchery grabó el que para muchos es su trabajo fetiche. Solo hay que escuchar el tema con el que comienzan el disco, “The reaper”, para entender a qué te enfrentas. Para mí, su mejor grabación de las ocho editadas.

Un año más tarde la banda edita un ep titulado “Witchburner” con el que homenajear y de paso mostrarnos de donde viene la idea ofrecida en este proyecto llamado Witchery. Siete temas donde los cuatro primeros cortes son versiones de sus bandas más influyentes. La primera versión está dedicada a la banda que posiblemente más haya marcado a esta banda sueca, Accept (solo hay que ver cómo se titula su primer trabajo para entenderlo mejor). “Fast as a shark” de los germanos Accept abre el trabajo para seguidamente mostrarnos “I wanna be somebody” de W.A.S.P, “Riding on the wind” de Judas Priest, y “Neon Knights” de Black Sabbath. Una colección de canciones, temazos por llamarlos de alguna forma, que dan muestra de la valía musical de esta banda. Los tres temas siguientes serían canciones propias que sirven para el relleno de este más que interesante ep.

Ese mismo año, con una actividad frenética y una banda dando buenos resultados a todos los niveles, Witchery editan “Dead, Hot and Ready” otro trallazo en la cara que vuelve a convencer de forma enérgica a los más allegados a la banda. Este disco sirve para mantener el nombre de Witchery muy iluminado en lo que serían los primeros años de la década de los 2000. Trabajo que vuelve a reproducir nuevamente la misma idea con la que comenzaron su andadura y cuyo resultado volvería ser muy positivo.

Ya en 2001 llega “Symphony for the Devil”, cuarto disco y con el que de cierta forma, el interés por la banda decae siendo un disco que no termina de estar a la altura de sus anteriores. Nuevamente copiando la misma fórmula, recordemos que es lo que siempre han hecho, la banda saca a la calle un disco donde se le aprecia un punto más reservado que en sus anteriores trabajos, restándole en su faceta más descarada. Es posiblemente con este disco, donde Witchery pierde cierta credibilidad y con ello la causa de su cierto desvanecimiento en la escena. Desde aquí, hasta estos días, la banda ha pasado casi desapercibida incluso editando trabajos de un nivel bastante aceptable. Evidente, que desde este disco hasta la actualidad, Witchery no ha llegado a retomar la trascendencia con la que resonaron en los años de sus primeras grabaciones. Es, por consiguiente, que el sello encargado de la reedición de estos discos apostase por estos cuatro trabajos y no incluir ninguno más, entendiendo que son los que mejor han representado a una banda muy importante como es Witchery y su aportación a la escena musical.

Debemos resaltar que en estos discos coincide la misma formación para las cuatro grabaciones editadas. Toxine (Seance, Satanic Slaughter…) a las voces. Patrick Jensen (The Haunted, Satanic Slaughter, Seance…) a las guitarras. Richard Rimfält (Seance, Satanic Salughter…) compañero a las seis cuerdas. Micke Pettersson (Seance, Total Death..) a la batería. Y el que sea su miembro más significativo, Sharlee D´Angelo (Arch Enemy, The Night Fligth Orchestra, Sinergy…) al bajo. Un line-up en el que podemos observar que comparten gustos e incluso bandas en mucho de sus casos. La formación que podría considerarse como la esencial de Witchery.

Para todos aquellos que quieran conocer la mejor etapa, las mejores grabaciones, de una de las bandas que más dio que hablar a finales de los años mil novecientos noventa, principios de dos mil, este material les será de bastante ayuda, además que agradará. Para aquellos que les vieron nacer, recordar aquellos años con producto renovado y lleno de material adicional no está de más. Es más, se convierte en algo muy apetecible. El nombre de Witchery siempre será recordado como uno de los que más resonó en la escena. Desgraciadamente su buena etapa quedó en solo unos pocos años, aquellos en los que ofrecieron su mejor cara. Después ha sido todo una línea bastante recta de la cual no han sabido salir aún y que sigue anclando el nombre de Witchery en una pared trasera por donde no transita mucha gente.

Como ellos mismo dirían; inquietos y muertos. Mejor descripción imposible. Pero ojo, que no están enterrados.

F.

DEMONS & WIZARDS anuncia nuevo disco, ‘III’, para febrero y revelaa la portada del mismo
Century Media Records y DEMONS & WIZARDS están muy orgullosos de anunciar que el 21 de febrero se estrenará el nuevo y tercer álbum de estudio de la banda titulado ‘III’.

Jon Schaffer comenta: “Estoy emocionado de estrenar otro disco de Demons & Wizards después de todos estos años. Siento que hemos hecho algo realmente especial, y estoy deseoso de escuchar lo que los fans tienen que decir sobre el mismo. Estoy orgulloso de este disco. Definitivamente es un viaje de proporciones épicas.”

Hansi Kürsch añade:“2019 esta siendo un año extremadamente emocionante para Demons & Wizards en general. Hemos logrado mucho ¡mucho!Este tercer álbum es el pico de nuestra carrera, seguro. ¡Marcad estas palabras, porque vais a amar este disco!”

DEMONS & WIZARDS es una de las colaboraciones más legendarias en la historia del heavy metal, uniendo a los talentosos Jon Schaffer (Iced Earth) y Hansi Kürsch (Blind Guardian) quien llevan siendo amigos desde hace casi tres décadas.

DEMONS & WIZARDS son estos dos músicos que encarnan sus marcas estilísticas hasta el momento en dos discos, ‘Demons & Wizards’ y ‘Touched by the Crimson King’. Ambos discos se reeditaron en 2019 justo a tiempo en el que se celebraba el exitoso regreso de la banda a los escenarios de todo el mundo. Durante este periodo de tiempo, DEMONS & WIZARDS presentaron un impresionante directo con una producción estelar girando por Estados Unidos por primera vez en la historia de la banda, además de encabezar los principales festivales europeos como Wacken Open Air, Hellfest, Sweden Rock, GMM, Barcelona Rock Fest, Copenhell, Chania Rock, Metaldays (SI), y tocar en ciudades como Moscú, Londres y muchas más.

Ahora la banda presenta ‘III’, un impresionante monumento dinámico lleno de un poderoso heavy metal que simplemente era lo que se esperaba de estos genios y músicos icónicos. ‘III’ es épico,melódico, atmosférico, aplastante y majestuoso. ¡65 minutazos de Heavy Metal épico!

El listado de temas es el siguiente:

01. Diabolic
02. Invincible
03. Wolves In Winter
04. Final Warning
05. Timeless Spirit
06. Dark Side Of Her Majesty
07. Midas Disease
08. New Dawn
09. Universal Truth
10. Split
11. Children Of Cain

La pre-venta estará disponible desde el 13 de diciembre de 2019.

La grabación de ‘III’ ha sido realizada por:
Hansi Kürsch – Cantante y coros
Jon Schaffer – Guitarra rítmica y solista, bajo, guitarras acústicas, mandolina, teclados y coros.

Músicos invitados:
Brent Smedley – Batería
Jim Morris – Guitarras adicionales, coros
Jake Dreyer – Guitarras adicionales
Ruben Drake – Bajo
Thomas Hackman, Olaf Senkbeil, John Jaycee Cuipers, Zakery Alexander, Jeff Brant, Todd Plant, Jerome Mazza – Coros
PA’dam chamber choir – Coro clásico

LACUNA COIL
‘BLACK ANIMA’
Century Media

‘Black anima’ es la versión 2019 de Lacuna Coil. Abandonaron el Gothic Metal que les encumbró, se subieron al carro de las modernidades yankees y ahora llevan unos discos, probablemente desde ‘Dark adrenaline’, intentando encontrar la fórmula secreta para mezclar el agua con el aceite. Creo que desde ‘Comalies’ puede ser su mejor trabajo gracias a cortes como «Save me» o «Sword of anger» con esas guitarras tan In Flames.
Otro elemento a destacar es la voz de Andrea Ferro que posiblemente cante más gutural que nunca. Quizá los cambios de formación vayan dando sus frutos y Lacuna Coil vuelva a encontrar la senda que les encumbró. Ciertamente los italianos responden al patrón de las bandas que nacen y logran el éxito con un estilo, deciden evolucionar creyendo que van a ir más allá, y terminan batallando por reencontrar sus raíces el resto de sus días ¿te suena? Sí, puedes nombrar a todas esas bandas que tienes en mente… Metallica, Megadeth, Atrocity, Cradle of Filth y hasta Theatre of Tragedy.
El inicio de «Reckless» suena más clásico aunque termina sirviendo como ejemplo a la hora de conjuntar la esencia de ambos continentes.
Desde luego parece que este trabajo puede arrancar una media sonrisa a todos sus fans pese a que la banda se encuentra lejos de su mejor nivel compositivo. O quizá sea ese el problema, seguir esperando a los Lacuna Coil de hace veinte años.
Sea como fuere, ‘Black anima’ es un disco sobreproducido, que mezcla sonidos y que intenta poner a Lacuna Coil en el candelero.

Marc Gutiérrez