PAIN OF SALVATION
‘PANTHER’
Inside Out

Tres años han tenido que esperar los seguidores de la banda sueca para poder disfrutar de nuevo material desde su excelente ‘In The Passing Light Of Day’ (Inside Out, 2017). Si en aquella ocasión Daniel Gildenlöw nos hacía partícipes de lo que supuso para él poder escapar de las garras de la parca y nos brindó un disco conceptual en el que se abría y mostraba todas aquellas sensaciones y sentimientos, con este ‘Panther’ pasa a la acción y se mete en la piel de quien tiene que seguir luchando por mantener vivo su espíritu. Cada vez resulta más evidente que Pain Of Salvation es más un proyecto individual de Daniel que no un grupo en su concepto clásico. Si bien es cierto que la formación ha pasado estos años sin cambios desde la reincorporación a la banda de Jonah Hallgren, la grabación del disco ha sido trabajo de un solo hombre en el que, salvo las baterías de Léo Margarit y un solo de guitarra, todo ha sido compuesto, interpretado y grabado por Gildenhöw. Y es que da la sensación de que la idea sobre cómo debía sonar el disco la tenía muy clara, y que para que se pudiera reflejar en los surcos no había otra opción que encargarse de todo.

El disco comienza con lo que fue el primer adelanto, “Accelerator”, un tema en el que las texturas iniciales generan una agobiante sensación, recrean la opresión que el protagonista del tema está sufriendo hasta que la canción se abre y comienza su particular lucha a medida que aumenta la intensidad del tema. Los arreglos más propios de la música electrónica, que por otra parte son una tónica general en este “Panther”, demuestran una ambición por evolucionar y crecer en los amplios parámetros del prog metal. Es muy interesante la transición hasta “Unfuture”, donde recuperan la sonoridad más clásica con unas graves guitarras acústicas, potentes riffs y la expresividad vocal de Gildenhöw, en el que el ambiente distópico se mueve entre la densidad y la oscuridad siempre acompañada del excelente trabajo de baterías de Léo Margarit. Las nuevas sonoridades electrónicas vuelven con “Restless Boy” donde el continuo tic tac de un reloj va quedando oculto tras los ritmos y la modulada voz robótica de una forma calmada hasta que las guitarras y la batería irrumpen cuando menos lo esperas, transformando el tema en una curiosa mezcla en la que podrías reconocer elementos de grupos tan dispares como Depeche Mode, Meshuggah o Shinedown, y todo eso en apenas tres minutos de canción. Pero si hay algún tema en el que el sello clásico de Pain Of Salvation se pueda estampar es en “Wait”, una auténtica delicia donde destaca el inicio, con un piano en bucle haciendo sonar una hipnótica melodía mientras Gildenhöw usa el famoso auto-tune como un efecto (el que conozca la banda sabe que no necesita de un elemento así para afinar) para dotar a la voz de cierto tono oscuro y sombrío que contrasta con claridad del tema cuando rompe en el sencillo pero efectivo estribillo. Por supuesto los elementos electrónicos no desaparecen pero es, junto con “Icon”, probablemente el tema más puramente progresivo de los que componen el disco.
“Keen To A Fault” sigue un poco esa línea del sonido clásico de la banda aunque a más de uno la construcción del tema podría llevarle a pensar en alguno de los últimos trabajos de Anathema. Para el que escribe este es un tema de transición que es posible que pase algo más desapercibido, quizás por romper con la línea del disco. Eso sí, su letra refleja perfectamente la intención de ‘Panther’ de mostrar la continua lucha que los protagonistas de esta historia han de realizar por ser considerados “normales” en esta sociedad. Es posible que este vuelo bajo el radar sea buscado y deliberado, ya que tras “Fur”, un breve instrumental con ciertos aires a Danny Elfman, llega el tema que da título al disco. La introducción de “Panther” con bases electrónicas lo ponen como gran candidato a iniciar los (ojalá) conciertos de presentación. El scatting vocal que usa Daniel, propio del rap o hip hop junto con las afiladas guitarras hacen de este un tema cercano al nu-metal en alguna de sus partes, para pasar a la delicadeza de una voz limpia acompañada de un piano mientras repite “que se siente como una pantera en un mundo de perros”. Pero todas las historias tienden a terminar, y las contundentes capas sonoras de las que está compuesto este disco ceden el protagonismo a una intensidad más emocional con un par de temas que
podríamos decir que llevan la marca de la casa. “Species” con esa narrativa lírica que llevan brindando desde “Road Salt One” en la que pone de manifiesto algo que también suscribo, y es que a veces, cuando miras a tu alrededor, uno lo que quiere es cambiarse de especie.
Y al igual que en su último trabajo, el tema final queda reservado para uno de esas canciones que hacen que el tiempo se reduzca a la mitad mientras lo escuchas sin darte cuenta de que los trece minutos que dura ya han pasado. El contraste del bello pasaje de piano y las delicadas notas de bajo con la entrada de las guitarras y la batería le dan a “Icon” un cierto aire épico de tema de conclusión de una banda sonora.

Y es que ‘Panther’ no deja de ser la banda sonora de una historia en la que ese personaje que Gildenhöw ha creado representa y defiende las voces de todos los que han tenido que luchar por superar una dificultad tras otra y que tienen que enfrentarse a ella cada día. De hecho ya lo avisa en cuanto abres el libreto: “La normalidad no tiene cura”. Que Pain Of Salvation es el proyecto personal de Daniel queda muy claro desde ‘In the Passing Light Of Day’ en el que la enfermedad que estuvo a punto de acabar con él sirvió de inspiración y motivación para escribir el disco. En este ‘Panther’ es el autismo, que Gildenhöw conoce tan bien, el que sirve como hilo narrativo de esta historia. Quizá esa complejidad sonora que ha querido darle y el uso de elementos electrónicos sea lo que puede hacer que la primera escucha del disco resulte extraña, pero es realmente interesante ir descubriendo los diferentes matices y cómo es capaz de reflejar con su música sentimientos y sensaciones como la angustia o el miedo para acompañar las letras. Destacar no solo la música si no también el apartado gráfico y el diseño de su edición especial, en el que curiosamente no hay ninguna foto para mantener ese aire de cómic de superhéroes, sólo que esta vez el héroe es mucho más humano y cercano aunque por dentro sea una pantera.

Maese Leiva

Pain of Salvation pasa por ser una de las bandas esenciales del nuevo Metal Progresivo pese a llevar ya más de treinta años de carrera y más de veinte desde su debut. Resulta fácil charlar con Daniel Gildenlöw y aunque no soltó prenda de la salida de Ragnar y la entrada de Hellgren sí que nos ofreció una extensa entrevista muy introspectiva y cargada de momentos personales que no tienen desperdicio.
Por Xell

EMPIRE MAGAZINE (EM): Hola, Daniel. ¿Cómo está yendo el tour de momento?
Daniel Gildenlow (DG): Genial. Hemos recibido un montón de feedback, todo positivo, los temas nuevos están funcionando muy bien en directo y el público está muy contento con ellos.

EM: He mirado un poco el setlist por encima y veo que tocáis bastante de vuestro nuevo álbum ¿No os habéis encontrado con los típicos fans pidiéndoos material viejo?
DG: (risas) No, parece que están todos encantados con el nuevo material. Siempre hay alguno que quiere otro tema aquí o allá, pero por lo general lo que todo el mundo pide es “Beyond the Pale” y “Ashes” y ambas están en el set.

EM: Han pasado unos tres meses desde que publicasteis “In the Passing Day of Light” y si no me equivoco está todo yendo rodado, ¿no?
DG: ¡Sí! Tanto prensa como fans están encantados.

EM: ¿Ha resultado ser todo lo que esperabas que fuera?
DG: Siempre intento no esperar nada cuando publicamos un álbum (risas). Solía hacer eso y, sabes, es muy difícil saber qué va a querer la gente y contentarlos.

EM: No, no lo que esperaba tu público si no lo que tú esperabas. Es decir, quiero esto y lo he conseguido…
DG: Oh, bueno, sí. La verdad es que con ninguno de los discos que he grabado con Pain of Salvation he resultado estar al 100% satisfecho. Pero también creo que es algo bastante común cuando eres músico y es una de las principales motivaciones para continuar creando, haciendo algo nuevo.

EM: Como un reto.
DG: Sí. Es una manera de forzarte a seguir mejorando, aunque es una manera algo dura de hacerlo (risas). De todas maneras creo que lo de estar satisfecho no es lo mío.

EM: No está en tus propósitos.

DG: Oh, sí lo está. Simplemente soy terriblemente malo en ello (risas).

EM: Con este álbum parece ser que has vuelto de nuevo al “Metal”. ¿Tuviste demasiado viaje a los 70 de la mano de los “Road Salt”?
DG: Eh… últimamente todo el mundo habla como que los “Road Salt” fueron una especie de bluesi discos y… no sé, coges cualquiera de los discos de Hard Rock de los 70 y es bastante patético en comparación con el material más duro que hemos hecho en los “Road Salt” (risas). Simplemente los tiempos cambian y ves las cosas con distinta perspectiva dependiendo de en qué tiempo te encuentras. Para mí, ambos discos fueron una manera de volver a mis raíces dentro del Metal pero, como digo, los tiempos cambian y vuestras raíces no son las mismas que las mías.

EM: Claro, de ahí que dijera “Metal”, entre comillas (risas)
DG: Exacto. No sé, para mí fue… a ver, había perdido la banda que creía mi familia y era muy importante para mí llevar esta nueva formación hacia otros caminos. Porque es como tener una relación muy duradera y de golpe romper. Y no porque ya no os queráis el uno al otro, sino por razones meramente logísticas. Y así, de sopetón ¡tienes una nueva esposa! (risas) Y puede que no te interese ir a ese restaurante favorito que tenías con tu antigua esposa con tu nueva pareja quieres probar nuevas cosas y tomarte un tiempo de todo aquello que te recuerda lo que una vez fue. Así que creo que esta era la razón con más peso para tomar la dirección que tomé entonces.

EM: Entiendo, pero para el “Road Salt” aún estaban Fredrik y Hallgren.
DG: Sí, pero ya solo cambiar de batería fue un gran paso. Un cambio de proporciones bíblicas. Cuando Johan se unió a la banda él tenía 14 años y yo 16. Es decir, estuvimos muchísimo tiempo juntos y teníamos una relación, una dinámica, muy especial. Me explico. Yo tengo una manera muy peculiar de tocar la batería y él era completamente distinto a mí. Así que los primeros trabajos de Pain of Salvation eran una manera muy extraña de combinar nuestra manera de tocar la batería. Y eso creó un ambiente en concreto para la banda. Yo haría un montón de cosas extrañas mientras escribo y él básicamente me diría que eso era imposible de tocar e intentaría, de una manera muy estratégica, adaptarlo a su manera de tocar pero conservando mi esencia. Sentí que esa relación tan especial era imposible de replicar.

EM: Entonces, ¿los “Road Salt” fueron tu manera de superar esa ruptura?
DG: Sí, algo así. Además, la música que hacemos en “Road Salt”, daba pie a improvisar y la forma que tiene Leo de tocar la batería es mucho más abierta y no íbamos a intentar Johanizarle (risas).

EM: Ha pasado ya algún tiempo de toda esa ruptura… ¿Cómo estás con la nueva formación? ¿Quieres seguir casado con ellos? (risas)
DG: Sí, eso creo (risas) El asunto es que con cada formación que hemos tenido es lo que he pensado. La diferencia es que con las formaciones pre-“Road Salt”, cuando alguno de los miembros tenía hijos o se casaba, cambiaba la perspectiva de ver la banda. La formación que tenemos ahora está hecha de personas más como yo, que saben seguro que esto es lo que quieren hacer y aquí es donde quieren estar. Cuando algún miembro dejaba la banda porque quería centrarse en la familia y dejar a un lado la música, es porque ellos podían hacerlo. Yo soy incapaz de parar tan siquiera por un tiempo. Podría ser capaz de dejar la banda, pero la música seguiría dentro de mí y seguramente estaría incluso más ausente y estaría frustrado continuamente. Entiendo por qué lo hicieron y les apoyo totalmente, simplemente no me puedo ver reflejado en sus acciones. Por ejemplo, Johan vendió todos sus instrumentos salvo un set de batería y estuvo como unos 10 años sin tocar. Para mí era como “wow, ¿cómo eres capaz de hacer algo así?” (risas) Siempre fue así, los dos tan diferentes y a la vez tan fascinados por cómo era el otro.

EM: Entiendo. Entonces, siendo tan apasionado de la música, ¿cómo lo haces para mantener un buen equilibrio entre la música y tu familia?
DG: Recuerdo el primer tour que hice, no teníamos aun hijos pero tomamos la decisión de que nos íbamos a llamar cada día. Al final, eso estaba causando más problemas que beneficios estaba aportando porque la vida de gira es impredecible. He intentado explicar esto a personas que nunca han estado de gira y es que es esa extraña combinación de tener un montón de tiempo para no hacer nada y de no tener tiempo para hacer nada. Es como que tienes 10 minutos aquí, 20 minutos allí… pero no tienes tiempo para hacer algo y estar realmente concentrado en ello. Supongo que dependerá de cómo es cada uno mentalmente, yo personalmente no puedo estar un tiempo para ser yo mismo y dejar de lado el horario que tenga estipulado para la gira. Así que en vez de prometernos llamarnos cada día y fallar en ello ahora nos escribimos mucho más e incluso intentamos hacer algún cara a cara con los niños pero, básicamente, hemos aceptado que estar de gira significa que son tiempos difíciles y poco placenteros para la relación (risas). Así que simplemente tenemos que pasar por ello y llegar hasta el final. La gente piensa que ahora es más fácil, con todo lo que han avanzado las tecnologías, pero no, es incluso más difícil. Cualquier día recibes un mensaje de tu hijo de 7 años, que está triste y te echa de menos. Él te lo ha mandado justo antes de irse a dormir y tú llegas a leerlo a las tres de la mañana, cuando por fin ya has acabado de recoger y tienes tiempo de coger tu teléfono. Pero a las 3 de la mañana ya no puedo hacer nada, no puedo contestarle y sé que mi hijo se ha ido triste a dormir. Así que digamos que cada dos o tres días, mi corazón se rompe en mil pedazos. Por ejemplo, cuando estuvimos de gira en Estados Unidos íbamos a coger un viaje en un crucero y nos encontramos con una familia mexicana. Había un niño corriendo por ahí y se cayó. La simple escena de ver al niño llorando y su padre consolándolo me puso triste.

EM: En plan, “no es mi hijo pero necesito abrazarle y consolarle”, ¿no?
DG: ¡Exacto! Así que sí, es realmente duro, pero es el precio que hay que pagar por esta vida.

EM: Volviendo al tema de tu último disco, entiendo que la temática refleja lo que pasaste con tu enfermedad.
DG: Algo así, sí.

EM: ¿Cómo ha afectado, si es que lo ha hecho, a tu forma de escribir y componer la música?
DG: Uhm… no lo creo. Es decir, la dirección del álbum es algo que teníamos ya decidido incluso antes de acabar en el hospital. Ir en una dirección más pesada de nuevo, era algo que estaba predestinado que pasara para la banda. Y fue retrasado por mucho tiempo por diversos factores. Primero porque “Road Salt” necesitó dos discos y no estaba planeado que pasara así. Luego hicimos el disco acústico, el cual no estaba planeado y acabó en un tour del mismo álbum que por supuesto tampoco estaba planeado. El tiempo pasó y yo acabé en el hospital. Y, bueno, fue muchísimo tiempo. Probablemente lo que puedas ver en el disco de los cuatro meses que pasé en el hospital fue, que siendo la persona tozuda que soy, después de haber pasado ese tiempo en el hospital necesitaba recuperarme y necesitaba hacerlo con una venganza. No voy a ir simplemente a rehabilitación y ponerme bien en un año, que es lo que ellos esperaban que pasara. Me dijeron “necesitas un año de rehabilitación antes de que tu cuerpo pueda volver a cualquier tipo de normalidad”. Volví al ruedo en tan solo un mes. Estaban todos los festivales de verano programados y, en especial el Sweden Rock, y me dije a mí mismo “voy a estar encima de ese escenario”. Creo que no he estado tan nervioso por un concierto desde que tenía 15 años. Minutos antes de entrar a escena no sabía ni como mi cuerpo o mi voz iban a aguantar el concierto. Para mí era como empezar una actuación con un cuerpo completamente nuevo y no sabía qué iba a pasar encima del escenario. Y todo fue genial. Luego estuve agonizando de dolor, claro. Pero era ese dolor en el que no se te ha roto nada, si no causado por usar el cuerpo de una manera en la que no lo habías hecho en muchos meses. Pero no solo me conformé con eso si no que empecé a correr, capoeira, parkour… Así es como soy. Si hay que recuperarse de algo, hazlo con una venganza. Y eso probablemente está presente en la música. Es decir, en las letras es muy obvio que está presente.

EM: Líricamente es bastante similar a lo que pasó con “Remedy Lane” ¿no?
DG: Sí, exactamente. Es básicamente una continuación de “Remedy Lane”. Por un tiempo estuvimos pensando en llamarle “Remedy Lane pt2”.

EM: Eso hubiera estado gracioso teniendo un disco como el “The Perfect Element pt.1” que no va a llegar a tener una segunda parte.
DG: “Scarsick” es la segunda parte, solo que no lo dijimos nunca (risas). Si miras bien en el libreto está escrito “The Perfect Element pt.2”. Está bastante escondido, pero ahí está.

EM: Lo buscaré al llegar a casa ¡nunca me di cuenta!
DG: Muy poca gente lo ha hecho (risas).

EM: Habéis sacado un vídeo increíble a la par que bastante turbio para el tema de “Meaningless” y hay algo que no acabo de entender. Al final del vídeo, se ve como dos mujeres están sonriendo…
DG: Sí, bueno, es la mujer que hemos visto minutos antes manteniendo relaciones sexuales con un cadáver (risas).

EM: Sí, pero hay otra, en primera fila, que también sonríe y sus motivos se me escapan. Quizás es cosa mía que me he fijado demasiado en pequeños detalles. Pero no sé, no entiendo por qué está sonriendo en medio del funeral.
DG: ¡Porque tienen secretos! Creo que ese era el objetivo del guión, yo no lo escribí pero me hubiera parecido muy gracioso si el cura al final también hubiese estado sonriendo, pero creo que les pareció demasiado (risas).

EM: Entonces, ¿no estuviste involucrado en la creación del vídeo?
DG: Bueno, estuvimos poniendo y quitando algunas ideas, aquí y allá, pero en general todo lo que pasa fue idea suya.

EM: ¿Cómo te sentiste filmando esa escena? La de la autopsia no convencional. Tuvo que ser bastante raro.
DG: Sí, me sentí muy raro y no solo por lo evidente. Estuve tumbado en esa camilla durante seis horas, sin parar. Y la mayor parte del tiempo tuve una sábana encima y el tiempo que no la tenía, estaba con los ojos cerrados. Y me parecía extraño saber lo que iba a pasar pero no poder verlo. Además, me preguntaron si quería tener algo suave y blandito debajo y les dije que daba igual, iluso de mí que no sabía que iba a estar ahí encima seis horas (risas). Los chicos del estudio hicieron un gran trabajo con las luces y, bueno, tenían que mover la camilla en línea recta mientras yo estaba ahí encima, con la sábana por encima. Y sentía que me estaban moviendo de un lado para otro y que estaban teniendo problemas al mover la camilla porque inevitablemente se iba para un lado u otro. Vaya, que no sé cuántas veces tuvimos que rehacer esa escena en la que la mujer rubia me sacaba con la camilla. Porque si la camilla se iba tan siquiera unos centímetros hacia un lado, las luces iban a caer por el lado equivocado y había que empezar desde cero. Y ahí estaba yo, tumbado, sin ver nada y cada vez que oía “toma tal, acción” tenía que estar bien quieto y aguantarme la respiración. Pero cuando llegamos a la parte sexual fue incluso más raro estar ahí quieto, sin hacer nada. Cuando estuve haciendo el vídeo de “Where it Hurts”, donde también hay escenas donde pretendo estar teniendo sexo, también me sentía raro, pero decidimos tomarnos unas cervezas antes y hacer de ello algo divertido. Para este vídeo yo solo tenía que estarme quieto, pero eso es incluso peor, la sensación de tener alguien ahí encima que está aparentando tener sexo contigo y tú solo estás ahí, inmóvil. Así que… fue una experiencia singular.

EM: Regresando atrás en la historia de la banda hace 20 años de la publicación de tu álbum debut “Entropia” ¿Cómo te sientes sobre ello?
DG: Es… ¿Cómo es eso posible? 20 años… No parecen 20 años, eso seguro. Ni siquiera lo había pensado… quizás si hubiera caído en ello antes a lo mejor hubiésemos hecho algo especial, una celebración, no sé (risas). ¡Ni siquiera estamos tocando nada del disco en la gira!

EM: Tiene lógica que hubieseis incluido algún tema. Es decir, son 15 años del “Remedy Lane” y tocáis un buen puñado de temas de ese disco. Supongo que es bastante difícil hacer un set que complazca a todo el mundo.
DG: Esa es la peor parte. A cada disco que sacamos, más difícil es apañar un buen setlist. Y no solo eso. Cuando solo tenías un disco, sabías que la gente que estaba allí era porque les gustaba el disco, si no les gustase el disco no serían tus fans. Pero a cada álbum que sacas, más gente decepcionas y más difícil se hace elegir qué tocar. Incluso volviendo la vista atrás a cuando sacamos el “Remedy Lane” y el “The Perfect Element”, que ahora son considerados como el santo grial de nuestra discografía, hubo gente a la que no le gustó porque no eran como “Entropia”. Y cada país es un mundo. Ahora que estoy haciendo muchas entrevistas, en Suecia suelen decirme “el nuevo disco es genial, aunque no tan bueno como “Road Salt””, pero luego en el resto de Europa puede ser completamente al revés (risas).

EM: Para ir cerrando la entrevista, siempre me gusta saber cuál ha sido el último trabajo musical que te ha impactado o que más has disfrutado. Si no recuerdo mal, me pareció entender en una reciente entrevista que no te gusta prácticamente nada nuevo.
DG: Sí, es cierto, no consigo encontrar nada que realmente me mueva. Pero sí hay un álbum que salió el año pasado que es lo último que más he disfrutado. El último trabajo de Leonard Cohen. El técnico de sonido antes me preguntó qué queríamos que sonara en la sala de mientras y le mandé una lista que contenía un par de canciones de este álbum.

EM: Bueno, esto es todo. ¡Muchas gracias! Si quieres añadir algo más para tus fans…
DG: Estoy muy contento de volver por aquí. Lo divertido de todo es que hace 17 años, estábamos de tour con Arena y cuando hoy me he bajado del bus, he reconocido el lugar. Se supone que debíamos tocar en esta misma sala pero por aquel entonces tuve la brillante idea de ir por la calle con uno de esos patinetes, en plan mini scooter, que le tomé prestado al conductor del bus, y bueno, yo iba a realizar un espectacular giro a bastante velocidad y pararme justo en frente del bus y… me caí, rodé bastantes metros y me rompí los dedos.

EM: ¿Qué?
DG: Sí (risas). Estaba ahí tendido en el suelo e iba notando como partes de mi mano estaban tocando otras partes de mi mano que no debería ser posible tocarlas… Por aquel entonces mi hermano aún estaba en la banda y fue el primero en ver el estado de mi mano y empezó a gritar que mis dedos parecían un bosque muerto, por el color gris que tenían. Estuve todo el resto del tour con un cabestrillo y tuvimos que cancelar el concierto. No obstante, fue algo divertido de hacer (risas). Y el bus está aparcado justo en el mismo sitio. Le he preguntado al organizador del concierto si podía encontrarme algún patinete y así poder vengarme y volver a hacer el giro a toda velocidad pero sin romperme los dedos.

EM: No sé yo si es buena idea…
DG: ¿Tú crees? Sería genial mandarles una foto a los que ya no están conmigo en la banda para que vean que por fin estoy haciéndolo sin romperme los dedos (risas). El organizador me ha dicho que ya veremos, que mejor me espere a después del concierto.

Ayer Domingo, el guitarrista y compositor Ragnar Zolberg fue despedido de Pain of Salvation tal y como explica en el duro comunicado que colgó ayer en su cuenta personal de Facebook y que os dejamos más abajo.

Entre otros muchos motivos, el guitarrista islandés explica que tal y como ha hecho Tobias Forge con Ghost, Daniel Gildenlöw se ha apoderado de la banda.

En dicho comunicado vierte duras acusaciones contra Gildenlöw, relacionadas con ridículos pagos por los servicios prestados durante todo el tiempo de grabación y posterior gira mundial, dónde llegaron a colgar el cartel de SOLD OUT.

Era obvio que la relación entre Daniel y Ragnar se había deteriorado rápidamente en los últimos meses, algo que no sorprende viendo la actitud entre ellos sobre los escenarios y fuera de ellos, donde apenas había complicidad. Cosa que ya intuimos en su última visita a Barcelona cuando durante la sesión de fotos que les hicimos, el islandés no hizo acto de presencia. Un choque de egos tan previsible que a muchos no os sorprenderá.

Comunicado Ragnar Zolberg:

I quit Pain of Salvation in 2013 after having been in the band for 1 year only. It was nothing like what I had expected and I had come to understand why some members before me had also left. At that time Roger stepped in and did the acoustic tour in which he did a very good job!
About one year later I was asked to do one more gig, prognation at sea, I agreed. When I showed up for rehearsals Daniel had been hospitalised and asked me to fill in his shoes for the show, after he got better he asked me to join the band again and write the next album with him. I love to make albums so I decided to stick around a little longer.
Recently, with our album In the Passing Light of Day the band has been doing considerably better. An album which Daniel and I wrote together during a 2 year time period and I also lent some of my previous compositions to it. With a lot of dedication, sacrifices and help from various people we managed to go from almost being dropped from the record label to selling a descent amount of albums and playing to sold out shows. Something that I am very proud of and obviously very grateful for the love shown to us by the kind people attending our shows.
I have had a great time with my friends Gustaf Hielm, Daniel Karlsson and Léo Margarit. I am going to miss hanging out with them as much, they are the biggest reason I managed to stay all this time.
As it turned out, everybody worked on the album as a team, but as soon as our album was finished last year, the band leader started acting in a very similar manner as what we have been seeing of the band Ghost recently. It was clear that this was not “our» album anymore, but his. I got payed a small amount of 1000 euros for my work for those 2 years, that did not even cover my travel expenses.
Although PoS have now been doing quite good business wise, being in this band has been bad business from the beginning and has cost way more than what I’ve had in return, both mentally and economically. Minimum wage is not to be expected when you play to sold out shows and full venues at our standards. Neither is pessimism and criticism after almost every gig.
I have spoken my mind about all of this while still doing what I could to keep a professional relation towards everything, after all it is also my music that we have been playing and I have wanted everything to go as smoothly as possible despite the unjust treatment I have faced.
Instead of making amends, offering better salary or even giving credit where it’s due I was instead asked by Daniel to leave the band yesterday.