Los próximos días 25, 26 y 27 de junio de 2020, Rivas de Vaciamadrid se convertirá en la capital del mejor rock y heavy metal del sur de Europa.

El Auditorio «Miguel Ríos» de Rivas de Vaciamadrid será el espectacular enclave que acogerá la primera edición de Rock The Night Festival. El impresionante anfiteatro, con capacidad más que suficiente para este tipo de eventos, encaja a la perfección con el planteamiento de Rock The Night Festival, donde la combinación de espacio para estar sentado o de pie proporciona la comodidad necesaria para disfrutar de la experiencia festivalera al máximo.

En esta primera edición, orientada al mejor rock y heavy metal a escala internacional, tendremos más de cuarenta artistas repartidos en tres jornadas. Dos escenarios en el auditorio y otro en el recinto ferial (comunicado con dicho auditorio) serán los espacios que albergarán un gran elenco de artistas que nos hará disfrutar de su música, que irá desde el hard rock melódico hasta los sonidos más extremos.

Además de la fácil comunicación con el recinto tanto en coche como transporte público (con la estación de metro Rivas Futura a escasa distancia del recinto), la organización del festival facilitará un servicio de autobuses lanzadera desde Madrid capital, tanto para ir al festival como para volver una vez acabe la jornada.

¡Nos vemos allí!
MADRID, CAPITAL DEL ROCK

DEVIN TOWNSEND estrena un vídeo para el tema «Genesis»; ¡El primer single de su disco EMPATH!

El artista canadiense y líder indiscutibles del progresivo, Devin Townsend ya anunció que tenía un nuevo disco bajo el brazo el cual tendrá por título ‘Empath’ y saldrá a la venta el 29 de marzo de 2019. Hoy, Devin nos muestra un pedacito de lo que tiene entre manos con el primer vídeo de su primer single «Genesis». Puedes verlo ya haciendo click:

Devin comemta: “Hola a todos :)

Es un gran orgullo (y una buena dosis saludable de trepidación) el poder finalmente presentaros una canción del disco ‘Empath’. En cada ciclo del álbum hay un dilema sobre que canción debería «liderar» el mismo, no sólo para emocionar a la gente, sino también para tener una visión global del proyecto.

Como la naturaleza musical de ‘Empath’ se turna de canción a canción, (desde el teatro musical, Death Metal, jazz con toques prog y elementos más comerciales) fue una decisión complicada. Algunas personas querían ir directamente a por la canción «Spirits Will Collide» mientras que otras querían la cinemática «Evermore». Finalememte elegimos «Genesis» como la canción a presentar ya que no sólo contiene 5 estilos diferentes (para ser honestos, algunos bastante estresantes :) sino que también incluye a tres baterías, coro, una orquesta, y básicamente hasta el fregadero de la cocina también.

La canción es definitivamente sobre cómo enfrentarse al miedo, al igual que es un análisis de la relación que se tiene con el pasador para proceder al progreso. El disco tiene un tema general sobre cómo me gustaría ver la «esperanza» en tiempos caóticos. He estado trabajando en este disco desde hace más de un año, y representa una especie de cambio para mi en mi mundo personal y profesional del cual estoy bastante orgulloso. Por primera vez en unos cuantos años hago algo así, y creo que «Genesis» representa la naturaleza caótica del proyecto (y el mundo actual en general) de la forma más precisa que he podido hacer en este estado de mi vida.

Me gustaría agradecer a todo el equipo de impresionantes músicos y artistas que me han ayudado a actualizar este material al igual que a InsideOut y Northern Music por su ayuda y apoyo.

¡La crisis en mitad de la vida!

Devin :)”

También ha anunciado recientemente las fechas de la gira de presentación de ‘Empath’. Puedes ver todas las fechas a continuación:
15 de noviembre– Salle Pleyel, Paris, Francia
16 de noviembre – Trix, Antwerp, Bélgica
17 de noviembre– 013, Tilburg, Países Bajos
18 de noviembre – Grunspan, Hamburgo, Alemania
20 de noviembre – Logomo, Turku, Finlandia
21 de noviembre – Cirkus, Helsinki, Finlandia
23 de noviembre – Münchenbryggeriet, Estocolmo, Suecia
24 de noviembre – Sentrum Scene, Oslo, Noruega
25 de noviembre – Amager Bio, Copenahue Dinamarca
27 de noviembre – Astra, Berlin, Alemania
28 de noviembre – Roxy, Praga, República Checa
29 de noviembre– A2, Wroclaw, Polonia
30 de noviembre – Barba Negra, Budapest, Hungría
2 de diciembre – Simm City, Viena, Austria
3 de diciembre – X Tra, Zurich, Suiza
6 de diciembre – Academy, Dublin, Irlanda
7 de diciembre – Limelight, Belfast, UK
9 de diciembre – SWG3 Galvanisers, Glasgow, UK
10 de diciembre – Albert Hall, Manchester, UK
12 de diciembre – Roundhouse, Londres, UK
13 de diciembre – Rock City, Nottingham, UK

Entradas disponibles aquí: https://www.hevydevy.com/tourdates/

Como promoción a este nuevo disco, Devin invita a los fans a caminar a través de ‘Empath’ con una serie de episodios grabados como conversaciones telefónicas durante las grabaciones del nuevo disco. Puedes ver el primer episodio aquí: https://youtu.be/y4sJ8odko2Y

En los años pasados, Devin ha tenido una gran notoriedad por sus trabajos lo que le ha dado el poder de controlar su propio destino en cuanto a creatividad se refiere. El reciente estreno de su DVD del concierto, con entradas agotadas, en el Royal Albert hall, o su disco de 2012 ‘Retinal Circus’, o su último álbum DVD del directo en Plovdiv ‘Ocean Machine’ con orquesta; le ha posicionado en un punto en el que ahora ‘Empath’ termina de definir al músico en sí mismo como una fuerza musical completamente inclasificable en un género particular.

En este disco Devin ha decidido ver qué pasaría si todos los estilos por fin se juntan y se representan en uno solo. Quitarse el miedo a la expectaciones, y simplemente hacer lo que tiene que hacer en términos de creatividad. ‘Empath’, acorde a su título, trata sobre dejar a que la audiencia sienta una emoción en la variedad musical. El dinamismo musical representado en este disco es amplio, desafiante e inmenso.

Acompañando a Devin en este disco está el ex alumno de Frank Zappa, Mike Keneally como director musical, al igual que Morgan Ågren (Mats And Morgan, Frank Zappa, Fredrik Thordendal), Anup Sastry (Monuments, Periphery), Samus Paulicelli (Decrepit Birth, Abigail Williams), Nathan Navarro, Elliot Desagnes, Steve Vai, Chad Kroeger, Anneke Van Giersbergen, Ché Aimee Dorval, Ryan Dhale y el coro Elektra Women.

Una planteamiento audaz con valores de producción masivos y una musicalidad dinámica y sin compromisos. Esta es una afirmación sobre no sólo perseguir la libertad creativa en una escena conservadora sino también intentar que la música dura sea realmente una herramienta musical válida.

Juan Carlos Espinoza nos trae su resumen radiofónico de lo que fue Hellfest 2017 con una vidión personal de lo que es el festival y de su contenido musical. Y todo ello por si tienes alguna duda de si ir o no al festival galo.

Links para escuchar el programa:
archive org: https://archive.org/details/145Hellfest2017
Ivoox: http://www.ivoox.com/145-hellfest-2017-audios-mp3_rf_26220946_1.html

Track list:
01.- TRUE BLACK DAWN: Come The Colorless Dawn
02.- WORMED: Uncoloured Plasma Orifices Transported
03.- SUBROSA: Wound Of The Warden
04.- QUEENSRYCHE: Queen Of The Reich
05.- DEVIN TOWNSEND: Failure
06.- DEVIN TOWNSEND: Higher
07.- CORVUS CORAX: Grendel
08.- CORVUS CORAX: Beowulf is Min Mana
09.- SABATON: Shiroyama
10.- MONOLITHE: Burts In The Even Horizont
11.- IGORRR: Opus Brain
12.- EREB ALTOR: Av Blod Jag Kommen
13.- WARDRUNA: Urur
14.- OPETH: Sorceress
15.- REGARDE LES HOMMES TOMBER: Embrace The Flames
16.- SANCTUARY: Taste Revenge
17.- SANCTUARY: The Black Mirror
18.- BLUE OYSTER CULT: Don’t Fear The Reaper
19.- BLUE OYSTER CULT: Them Came The Last Days Of May
20.- SLAYER: Spirit In Black
21.- SLAYER: Dead Skin Mask

HELLFEST 2017

2017 es un nuevo año para disfrutar de las delicias que nos ofrece cada año Clisson con el cartel de Hellfest. Si repito es porque ya me siento como en casa, y van 10 años seguidos desde que vine por primera vez. Cada año superando al anterior en servicios, procedimientos para mejorar la estancia de miles de festivaliers, como ellos nos llaman.
Este año había novedades desde el acceso, para agilizar la entrada de la marea humana que se forma en el ingreso al recinto el jueves. Esta vez un amplificador gigante es el paso hacia la Ciudad Hellfest. En el paso entre el Extreme Market y la fuente de las mariposas, hay un nuevo escenario para shows puntuales y así animar el ambiente.
Una nueva pulsera con chip para el control de accesos supone un gran acierto que comprobamos al día siguiente en el primer ingreso a la zona de conciertos, aquel que se volvía un atasco casi infinito, como en las grandes ciudades. Con mayúsculas, FELICIDADES. Ninguno de los días el ingreso fue un problema como en años anteriores.
La oferta de recarga de smartphones supuso otro gran servicio que ayudó mucho a no tener que ir al pueblo.
La distribución de los WC también ha mejorado, ya no se hacían esas largas colas con sus olores correspondientes.
Las tarjetas Cashless ya están plenamente incorporadas en el día a día de los ciudadanos de Hellfest.
La expansión de la War Zone ha sido otro gran acierto pues supone un gran respiro a la cantidad de gente que se da cita para estos días de convivencia de Rock y Metal.

La oferta de comida, aunque ha subido algo el precio, es más variada y se agradece.
La zona VIP es otro nivel pues hay hasta una piscina para refrescar los pies o lanzarse en bomba y, claro, el agua, de la mañana a la noche terminaba turbia.
Por último, el gran acierto al ofrecer mayor variedad de cervezas dentro del recinto de conciertos, como Grimbergen, una gran marca.
Aún quedan problemas por resolver. Las duchas aún son el punto negro, donde las colas retrasan horarios y causan insatisfacción y que además tienen falta de presión de agua en horas punta.
Otro aspecto que se esta volviendo un problema cada año que pasa son las carpas Valley, Altar y Temple, que se quedan pequeñas en la mayoría de bandas medianamente grandes.
Por lo demás, si lo tuyo es descubrir cosas nuevas y ver a tus artistas de toda la vida, Hellfest es el mejor Festival de largo en su propuesta. La fe ciega de los Hellfest Maníacos es evidente con un sold out sin anunciar el cartel en cuestión de horas.

Viernes, 16.06.2017

Este Hellfest 2017 lo iniciamos temprano, con los franco tunecinos Myrath. Un show reducido por exigencias del guión hace que la puesta en escena obligue a darlo todo en menos tiempo. Esto lo digo porque los vi el año pasado como cabezas de cartel en un concierto de más de dos horas y la consecución de los hechos fue más distendida. En el escenario, un portal sacado de los cuentos de las mil y un noches sirve de entrada y salida del escenario de una bailarina, que entre velos y danza del vientre, acompaña los tonos arabescos de la música. Zaher Zorgati también lleva un atuendo que me lleva a pensar en Simbad. El set se inicia con “Jazmin”, la intro de su último trabajo, “Legacy”, a la que suceden “Believer”, “Storm of Lies”, “Get Your Freedom Back” y “Nobody’s Lives” sacados de esta obra y en el mismo orden. También suena “Madness” como único extracto de su “Freedom Call” de 2010. La performance de la banda es impecable y la figura de Anis Jouini sobresale por el movimiento de sus manos al mando de su bajo de cinco cuerdas. Cierran su corta intervención son “Mercyless Times” y “Beyond The Stars”, sacados de su gran “Tales Of The Sands”. Curiosamente se quedaron fuera “Endure The Silence”, “Braving The Seas”, “Tales of the Sands” o “Beyond The Stars”, lo dicho demasiado corto.

Reconozco que soy open minded para las recomendaciones. En el autobús que nos lleva a Clisson alguien recomendó a los fineses True Black Down. Nos acercamos para ser testigos de su show, la puesta en escena y el recinto ayudaron a que su propuesta fuera más vistosa, no así la hora temprana del concierto. Black Metal matizado con Horror Show. La vestimenta de Wrath me recordó a la portada del “Diabolus in Musica” de Slayer, pero resultaron estáticos y no tan incendiarios como me esperaba aunque de ejecución impecable para presentar los temas de “Come The Colorless Dawn”.

Tenía pendientes a Wormed y por fin pude desquitarme. Su Brutal Death Metal técnico resultó apabullante y con una ejecución sin fisuras. Las guturales de Phlegeton, ejecutadas de forma magistral y la forma de atacar bajo y guitarra por parte de Guillemoth y Migueloud me recordó los mejores años del género y sus inicios recalcitrantes; G. Calero tras los tambores parecía aun pulpo en cautiverio. La acogida del público fue de diez, parecía que los madrileños tocaban en casa. Su trabajo de 2016, “Krighsu”, y su muestra en vivo son una gran muestra de sus 19 años de carrera.

SubRosa es otro de esos grandes descubrimientos, también por recomendación, aunque en directo nada tiene que ver con algunos de sus videos que encontré en la red. De entrada, me sorprendió ver en escena dos violines y prácticamente 3 voces femeninas ejecutadas para dar variedad a sus exuberantes suites de Doom Stoner, cargadas de carácter y personalidad. Su set list consta solo de 3 temas, sacados de su lanzamiento de “For This We fought The Battle Of Ages”: Black Majesty, Wound of The Garden y Despair Of The Siren.
Quedé realmente extasiado con esta nueva banda a descubrir. Un Stoner Rock elegante que ha logrado incorporar de forma magistral no uno sino dos violines. El trabajo de Rebeca Vernon, guitarra y voces principales, lleva el peso de la interacción con el público, y lo hace de maravilla.

Personalmente no soy fan de Queensrÿche, conozco su faceta más comercial y poco más. Por las circunstancias creo que fue un buen día para acercarme a su música. Eddie Jackson, Scott Rockenfield y Michael Wilton, luego de la salida del gran Geoff Tate y Chris DeGarmo, han sabido mantener el tipo, aunque quizá no al nivel de “Operation Mindcrime” o “Empire”, que son hitos en la memoria del Rock. La banda sobrevive a la voracidad de la industria y pude ver el gran acierto de incluir a Todd La Torre y Parker Lundgren. Todd logró cubrir los registros de Geoff e incluir algún que otro pese a la maestría y el personal registro de Geoff. Su show se inició con un tema de aquella gran obra que fue “Rage for Order”, “Screaming In Digital”. Luego, sin mucho discurso, dan un repaso a temas de su “Operation Mindcrime” con “I Don’t Believe in Love” y la intro “I Remember Now” que da paso al tema título de la obra. Todd La Torre se mostró siempre muy agradecido con el público y “Queen Of The Reich” sonó poderosa y agresiva. Lo siguiente era inevitable, “Empire”, de uno de sus discos más aclamados. Ya tenían al público extasiado y es que había muchos fans de la banda soportando el calor de una hora tan vespertina. Aun quedaba tiempo para soñar o tener algún sueño recurrente con “Silent Lucidity” pero no fue así, sino con “Take Hold Of The Flame”. El cierre con “Eyes Of A Stranger” daba carpetazo a un gran show con una gran performance de la banda y muchos clásicos. Hoy han ganado un nuevo fan que escuchará sus obras completas.

Por cuestiones de tiempo no pude disfrutar del paso de Devin Townsend por Barcelona así que llegó la hora de sacarme esa espinita. Una performance inigualable, riffs sólidos, contundentes, densos y pesados y estructuras musicales de otro nivel. Siempre con una sonrisa pícara en su rostro daba rienda suelta entre tema y tema a su humor ácido. En lo musical, su dilatada carrera e inquietud musical tratando de llevar los límites de la creatividad siempre un paso más allá, nos dejan iniciar con la hipnótica “Rejoice”. El apoyo y la complicidad con Dave Young dejan a un Devin libre y la sincronización en cada golpe de batería de Ryan Van Poederooven es magistral. La intensidad sube con “Stormbending” mostrándonos su visión del apocalipsis, y en seguida se viene “Failure”.
La cadencia apabullante y brutal de “Deadhead” consigue que tu mente quede atapada en los densos riffs generados por las guitarras y únicamente te rescatan del trance los alaridos finales de Devin. Como comenté anteriormente sus expresiones faciales son un show a parte, siente y expresa cada nota o cambio de su arte. En “Supercrush!” llega a simular el pasarse saliva por los pezones y una posterior masturbación, que más se puede pedir? Es un genio musical en toda su extensión. La forma de mantener la intensidad y nivel del show sólo podía dejarnos a los pies de “March of The Poozers”, tremendo tema para demostrar su capacidad creativa. El público rendido a los pies de Ziltoid. No podía faltar “Kingdom”, aunque desgraciadamente si n Anneke. El cierre es apoteósico con otro de los nuevos temas, “Higher”. Brutales cambios de ritmo aderezados con los samples de los coros femeninos que corroboran todas las adjetivos que engrandecen la genialidad expuesta no solo en Clisson si no en cada disco y show que lleva por el mundo Devin Townsend.

En Hellfest’16 asistimos al concierto de Emtombed AD. Hoy con Matte Modin y Alex Friberg entre otros en sus filas Lars Goran Petrov vuelve con Firespawn, y su clásico Death Metal Sueco. La puesta en escena no florituras, ni excesos, lo que importa es la música. La cara de alegría de LG Petrov difiere mucho de años pasados y en esta ocasión no llevaba una botella de Absolut en la mano lo cual es de agradecer aunque sí pidió cerveza. Un set list que cuenta con solo tres temas de su nuevo “The Reprobate” parece desequilibrado por cuanto los otros ocho son de su anterior “Shadows Realm”. Puedo decir que estamos ante un retorno triunfal del mejor Death Metal Old School, que ha sabido sobrevivir y ahora aprovechar la evolución tecnológica y adaptar agresividad y contundenciapara crear algo limpio dentro de lo extremo. No miento si digo que esperaba alguna versión de Entombed.

Llego la hora de ver nuevamente al los Corvus Corax después de unos cuantos años. Iba con ideas preconcebidas por lo visto en aquel show de Wacken 2010 y su show con orquesta sinfónica. Esta vez la sorpresa fue grande al apreciar un espectáculo exclusivamente Folk, una fiesta sobre el escenario. Un contrabajo, timbales, arpa, gaitas y batería y en algunos utilizaron una flauta celta y todo ello sumado a la vestimenta fueron el sus argumentos. El recinto se quedó pequeño para su concierto. La banda interactúa con su público y hasta aceleran el ritmo de algunas canciones para sobre excitar al público. Los germanos han sido uno de los triunfadores para el público y para un servidor.

Qué podemos decir que no se sepa de Nergal y sus Behemoth… a esto se le llama rentabilizar “The Satanist” (2014). Cada quien tiene sus teorías, yo personalmente creo que Nergal ha trabajado muy duro para hacer de Behemoth lo que es a día de hoy, toda una institución dentro del Metal Extremo. Tanto es así que en los inicios de “Blow Your Trumpets Gabriel” que es el tema que abre su show, la gente ya ha llegado al éxtasis. Los 26 años de carrera hacen que Nergal maneje los tiempos de forma magistral. Toda la parafernalia en hierro forjado, la simbología, los botafumeiros y la música complementan a las blasfemias que suelta por su boca a viva voz, cada Satan que sale por su boca es aclamado como una consigna. La intensidad y atención del público se mantiene constante. He disfrutado la inclusión de “In The Absence Of Light”, que se incluye en la segunda parte del show. En seguida suena “O Father O Satan O Sun” con Nergal aclamado por el público y cañones soltando confeti negro. Un gran show preparado al milímetro donde nada se deja nada al azar. Creo que la sincronía de movimientos entre bajista y guitarras en el metal extremo esta demás, el fuego como tal no porque acompaña el show. Gran concierto.

Deep Purple es, sin duda, uno de los shows esperados por mucha gente aunque está claro que no tienen el mismo tirón que Black Sabbath o una reunión de Led Zeppelin. Soy consciente que no podemos pedir “Child In Time” y el show de hoy no fue precisamente uno de los mejores. Podía haberse confeccionado un mejor repertorio, el carisma de John Lord creo que no es fácil de sustituir, la debilidad vocal de Ian Gillan y la pérdida de frescura de sus temas fueron los protagonistas. El año pasado vi ejecutar a Joe Lynn Turner algunos temas de Purple y consigue mejores resultados. Los he visto en varias ocasiones y creo que no están en su mejor momento. El hecho de ser fan te involucra de mala manera y te hace crítico con estos detalles. Ni el impresionante solo de Don Ayrey en plan futurista, grandes temas como “Lazy”, “Perfect Strangers” o “Smoke on The Water” mantuvieron la emoción que siempre los ha convertido en himnos. Ni la versión de Joe South, “Hush”, logró cambiar mi opinión y mi ánimo y como colofón terminaron con “Black Night”… al parecer no hay temas a la altura de la apoteosis… nombro algunos “Highway Star”, “Knocking At Your Back Door”, “When A Blind Man Cries”, “The Batlle Rages On”… hace dos años tocaron a las ocho de la tarde, ahora son cabezas de cartel… sino fuera su gira de despedida habrían actuado a las cinco de la tarde… desgraciadamente los festivales se dejan engatusar por eso de la última gira de las bandas.

Soy partidario de las segundas oportunidades. Hace unos años me recomendaron a Sabaton y no fue su día. Hoy, con el desencanto de Deep Purple, nos quedamos a disfrutar de la banda sueca liderada por Joakim Brodem. Desde el inicio percibo buenas sensaciones y la energía de su Power Metal en “Ghost Division”. Luego todo sería coser y cantar, un set list bien definido y controlando cómo mantener la marea humana a tus pies. “The Art of War” sirve para consolidar el apoyo y la complicidad. Aun temprano dejaban caer “Screaming Eagles” con una energía desbordante. Ya con los ánimos a tope era hora que nos dejaran saborear temas de su “The Last Stand” como “Sparta”, “The Last Stand” y “Winged Hussars” con una gran respuesta de los presentes. Supuestamente se cerraba todo con “Night Witches” y sus sirenas antiaéreas marcaban el retorno de Joakim al escenario. Un bis grandioso con la resultona “Primo Victoria”, un nuevo hit, “Shiroyama”, y el cierre con “To Hell And Back” donde Joakim muestra una bandera del club de fans francés. Sin duda un show para enmarcar, gracias por hacer cambiar de opinión.

Rob Zombie era otro de los grandes atractivos de Hellfest’17. Si bien se anunció su concierto como exclusivo en Europa interpretando al completo el éxito de White Zombie “Astro Creep 2000” finalmente no fue así. Personalmente no me decepcionó, un show diferente al que vi hace un par de años. El anterior más centrado en las pelis de terror, hoy daba un giro a la moda hippie por el colorido de la vestimenta y el cambio de luces. John 5 estuvo aplastante, dando un master class de técnica de las 6 cuerdas. Un gran inicio con “Superbeast”, que llegó a llevar al comic, dejó claras las intenciones de la banda. “Living Dead Girl” es precedido por los círculos de vértigo en todas las pantallas y el continuo bote de los músicos. El climax llegó con el himno “More Human Than Human” que lograba poner al público a sus pies, luego llegó el “Blitzrieg Bop” de los Ramones y “Thunder Kiss ’65” también de los Zombie. Tiene repertorio para satisfacción de seguidores y curiosos y dejaron caer “Meet The Creeper” y “Get Your Boots on! That’s the End Of R&R” y “Well, Everybody’s Fucking In a U.F.O.”. Lo intenso de su groove nos lleva al corte final con un video de la famiia Monsters de fondo y la gente dando botes al son de “Dragula”. Inmenso show donde los haya.

Hace mucho tiempo que deje de seguir a In Flames. En algún momento intenté volver a seguirles la pista y después del gran concierto que dieron esta noche me deberé replantear de nuevo escuchar todo lo posterior a “Soundtrack To Your Escape”. Creo que lo hacen bien dentro de lo que cabe porque toda esa evolución no es sencilla, partiendo del Death Metal Melódico pasando por el Groove y finalmente el Rock Alternativo. No se pueden negar las excelentes estructuras sonoras. Después de ejecutar “Wallflower”, “Leeches”, “All For Me” y “Where The Dead Ships Dwell” con gran energía llega el break para recordar “Moonshield” y “The Jester’s Dance” que su obra maestra “The Jester Race”. Sencillamente sublime. Después de una breve fiesta con “Only for The Weak” nos dejaron nuevamente emocionarnos con “Cloud Connected” y sin dejar bajar la emoción nos ofrecieron “Deliver Us” y ese riff característico de su etapa menos extrema. El público dividido, no todos conocen todas las etapas en la evolución de In Flames. Yo me perdí en la etapa final del show, solo reconocía el sonido In Flames en “Paralyzed”. Una banda muy compleja con variedad de registros así que me tocará hacer deberes.

Texto: Juan Espinoza
Fotos: Elena Marco (salvo indicado)

Nueva tanda de confirmaciones para un, ya, grandísimo Brutal Assault.
Devin Townsend
Tiamat, que tocarán «Wildhoney» entero
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DEVIN TOWNSEND + BETWEEN THE BURIED AND ME + LEPROUS
04.02.2017, Sala Razzmatazz I, Barcelona
Promotor: Madness Live!

Febrero empieza de la mejor forma posible: ¡el canadiense calvito más querido vuelve a nuestro país! Y es que parece ser que ya no debo recorrerme media Europa para poder verle en directo porque su propuesta musical crece, cada vez más, entre la audiencia nacional, ¡incluso llegando a agotar las entradas en la Sala Razzmatazz 2 y pasándose el evento a la Razzmatazz 1!

Tras el hype de la entrevista que realizamos previa a su actuación (http://empirezone.es/2017/02/05/devin-townsend-en-el-borde-de-la-locura-reside-la-verdadera-lucidez/) nos disponíamos a disfrutar de un magnífico cartel compuesto por la sensación noruega Leprous, a los estadounidenses Between The Buried And Me y, por supuesto, Devin Townsend y su Project.

 

Empezaron la velada Leprous, a quienes casi podríamos ponerles una casa en nuestro país de lo mucho que lo visitan, saliendo a escena de punta en blanco como bien es característico en ellos. Los ahijados de Ihsahn volvieron a demostrar y a justificar su ascendiente éxito de 2009 a día de hoy con una actuación que nos pareció la más madura de todas las ocasiones que les hemos visto encima de un escenario. Con una Razzmatazz I casi al completo y unas primeras filas bastante ajustadas para no perder detalle de la actuación de los noruegos, empezaron su descarga a ritmo de “Foe”, ideal para que tanto el batería Baard como Einar sean los que den el pistoletazo de salida. Como viene siendo habitual en su elección de set list, se centraron en su último trabajo, ‘The Congregation’, a excepción de este inicio que pertenece a ‘Coal’. Parece ser que habrá que esperar a su actuación en el Be Prog! My Friend, en el cual ejecutarán un set-list a petición de los seguidores del grupo, para poder recuperar sus excelentes primeros largos.

Del último ‘The Congregation’ escogieron los singles más adictivos como son “Third Law”, que fue muy vitoreada por la audiencia con ese estribillo tan catchy, “The Price” con esos contrastes vocales por parte de Einar que hacen que sea el centro de todas las miradas, el momento más sensiblero de su puesta en escena a ritmo de “The Flood”, un coitus interruptus con “Rewind” porque obviaron ese final en el que Einar vuelve a sus inicios vocales más rasgados y que, personalmente, cre que engrandece la composición, pero que con la última “Slave” más o menos cubrió esa parte y por ello le perdonamos. A diferencia del día anterior en Madrid, en donde fueron muchos los comentarios negativos de la voz de Einar, en este caso, y como hemos comentado, vimos una madurez vocal que es de agradecer. Parece que al fin ya ha sabido cómo controlar y cuidar su voz estando de gira y así poder plasmar en directo uno de los puntos fuertes de la música de Leprous: la belleza vocal de Einar. Y es que con Leprous siempre sucede lo mismo: el cantante y teclista acaba siendo el centro de todas las miradas, quedando el resto del grupo en un segundo plano, incluso la apisonadora a las baquetas, Baard, que estaba situado en una esquina del escenario debido a la logística para poder llevar a rajatabla los horarios de actuación. Fue una actuación de apenas 30 minutos que se quedó corta y que hace que aun tengamos muchas más ganas de asistir al Be Prog! My Friend para volver a enloquecer al ritmo de los noruegos. ¡Les espera un gran futuro!

Turno para Between the Buried And Me, un grupo que no teníamos muy escuchado y que fuimos expresamente ‘a la aventura’, sin haber indagado en sus composiciones, para dejarnos sorprender. A nivel de ejecución los estadounidenses son de excelente, aunque todos los instrumentos sonaron más fuerte que la voz de Tommy Rogers, que acompañan con un juego de luces que gana a su favor, pero a nivel de transmisión no sabríamos qué sensación describir. Tras estos días de reposo y de indagar en sus composiciones, hemos de decir que hicimos mal en ir al concierto y dejar que Dan, Blake, Tommy, Paul y Dustie nos sorprendieran. Los estadounidenses realizan unas composiciones complejas que necesitan ser conocidas para disfrutar del directo. Los cambios de ritmo y de estilo son espectaculares, creando mezclas muy cohesionadas, pero si uno se pierde en directo con estos cambios, ya no disfruta la canción, y precisamente eso es lo que nos sucedió y nos dejó con un sabor de boca un tanto extraño. Además, bajo nuestro punto de vista no es un grupo que case entre la actuación de Leprous y Devin, quizá si hubieran sido los primeros en aparecer la sensación hubiera sido distinta, o quizá la culpa es nuestra de querer ser tan ansias por ver a Devin Townsend que cualquier cosa anterior era un “estorbo” para nosotros. Sea lo que sea y tras haber explorado un poco más las composiciones de los americanos, bajo nuestro punto de vista el set list tampoco es que fuera el correcto para darse a conocer, a excepción de un par de tres de canciones como “The Coma Machine” o “Option Oblivion” que sí que creemos que son una buena muestra y fácil de entrar a todos aquellos que desconocen su propuesta, pero vamos, que con el resto de temas y para aquellos que tenían aprendida su propuesta bien disfrutaron del concierto.

 

Hora de ver al genio canadiense en escena presentando su último ‘Transcendence’. Tras la salida al escenario de Ryan a la batería, Mike a los teclados, Dave a la guitarra y Brian al bajo, apareció el cantante, guitarrista y, sobretodo, frontman Devin Garret Townsend. A diferencia de lo que suele ser el patrón habitual de presentación de un nuevo disco, en este caso la actuación empezó con “Rejoice”, del anterior ‘Sky Blue’. Quizá ésta no es la canción más de directo del disco y se notó en la reacción del público, además de que sonó totalmente caótica, aspecto que mejoró conforme avanzaba la actuación. De la dupla ‘Sky Blue & ‘Dark Matters’ también ejecutaron las dedicadas al alienígena adicto al café negro Ziltoid a ritmo de “March of the Poozers” y “Ziltoid Go Home”, momento idóneo para que los seguidores más acérrimos del canadiense levantaran su títere para acompañar la canción. Pese a que en breve realizará tres conciertos exclusivos ejecutando ‘Ocean Machine’ al completo (entre ellos en el Be Prog My Friend Fest en Barcelona) calentó motores para este evento a ritmo de “Night”, la canción de este largo que más ha tocado en directo y que el público conoce a la perfección.

Ya que hablamos de sus primeros trabajos, por primera vez en una gira recuperó “Suicide” del ‘Accelerated Evolution’, disco que solo se puede escuchar a cuenta gotas y, mayormente, en actuaciones que no pertenecen a giras. Por supuesto, su faceta más poppie y épica la disfrutamos con las canciones del ‘Epicloud’ “Where We Belong”, la aclamadísima “Grace” con el público ejerciendo de Anneke, y la regrabación de “Kingdom”. Ya que hablamos de regrabaciones, sonó “Hyperdrive” y el público enloqueció, aunque nos extrañó que no tocase “Truth”, otra de sus regrabaciones y que abre su último largo ‘Transcendence’. De este último trabajo pudimos disfrutar de “Strombending” y “Failure”. En las últimas giras de Devin Townsend Project siempre ejecuta “Planet of the Apes”, canción perteneciente al complejo ‘Deconstruction’ y que personalmente sigo sin entender por qué la toca en directo. Es una canción muy larga, muy engorrosa y pese a que de todas las veces que la he visto en directo en esta ocasión fue la primera vez que no hubo una equivocación, sigue “cortándome el rollo” de la actuación. ‘Deconstruction’ es un disco que me encanta pero a la vez muy arriesgado de ejecutar en directo.

Acabado este bloque de actuación en el que, como es habitual, Devin es el foco de todas las miradas por sus expresiones faciales, su puesta en escena, su teatralidad y la constante relación que crea con la audiencia de forma muy cercana, llegó el turno de los bises. Nos sorprendió a todos con su faceta de monologuista (que no es la primera vez que vemos, recordemos ‘The Retinal Circus’) y con la guitarra acústica se nos puso melancólico a ritmo de “Ih Ah”, del ‘Addicted’. Si de por sí ya nos tenía a todos los asistentes en el bote, con esta canción y todas las tonterías divertidas que ejecutó el frontman, nos acabó de enamorar, finalizando, esta vez sí, la actuación con “Higher”, canción del ‘Transcendence’ y totalmente ilógica para finalizar una actuación. Y es que si repasamos el orden y las canciones que tocaron Devin Townsend Project, a primera vista podríamos decir que es el “anti set list” pero a la vez tiene todo su lógica y encanto. Y es precisamente este tipo de cosas que solo una mente privilegiada es capaz de plasmar de distintos modos lo que hace que la música del canadiense sigue abriendo fronteras y ganando adeptos.

Sin duda alguna da gusto que giras así de interesantes, pese a los gustos de cada uno, pisen nuestro país porque hace que podamos disfrutar de grupos fuera de lo común, que mezclan distintos estilos de una forma muy natural a la par que adictiva, y en los que se reafirma que nuestro país, que a veces se pierde grandes grupos catalogados con la etiqueta “progresivo”, poco a poco tienen cabida este tipo de propuestas. Podríamos denominar esta gira como la antesala del Be Prog! My Friend, ya no solo por parte del cartel en dicho festival, también porque los grupos nos dejaron tan buen sabor de boca que uno sale de allí contando los días para que tenga lugar este curioso festival y poder disfrutar, de nuevo, de auténticos genios musicales.

Texto: Xènia Von Ereticy (twitter.es/XeniaVonEreticy)
Fotos: Irene Serrano (www.ireneserranophotography.com) (www.facebook.com/ireneserranophotography)

Puedes ver el resto de imágenes en nuestra galería:

La genialidad musical de Devin Townsend sigue abriendo fronteras. Disco tras disco el mundo se rinde a los sonidos del canadiense quién, el pasado Septiembre, lanzó su ‘Transcendence’, un disco distinto a lo que nos había ofrecido hasta ahora. Aprovechamos el paso de la gira promocional por nuestro país el pasado 4 de Febrero en la Sala Razzmatazz 1 de Barcelona para reunirnos con él antes de su actuación. Si su música habla por sí sola de su personalidad, en esta entrevista se reafirma la sencillez a la par que la creatividad que le caracteriza. Una creatividad que también quisimos plasmar de forma fotográfica con una sesión que resalta el peculiar mundo de Devin Townsend reconvertido en pequeños cerebros e ideas en los que en el borde de la locura reside la verdadera lucidez.

 ¡Hola Devin! ¡Bienvenido a Barcelona! Antes de nada, agradecerte el tiempo en contestar nuestras preguntas antes de la actuación. ¿Cómo está yendo la gira?

¡Gracias! Por ahora está siendo genial.

Estáis aquí para presentar ‘Transcendence’. He de decir que pese a que en cada disco hay elementos nuevos pero manteniendo el sello característico de Devin Townsend Project, en este caso me ha faltado un poco de frescura. Es decir, el disco no deja de ser una influencia de tus propios trabajos editados hasta ahora, aspecto curioso. Para mi esto es algo correcto ahora, pero ¿cómo se presenta el futuro en este aspecto?

Una de las cosas que tengo claras con Devin Townsend Project es que no puedo estar constantemente reinventándome, porque también tengo otros proyectos como Casualties of Cool, The Moth o Ghost, y claro, con cada uno de ellos es todo distinto. Además, creo que no debo excederme en probar la tolerancia del publico. Con ‘Transcendence’ he intentado crear una buena versión de lo que es el proyecto en sí, manteniendo la atención de los oyentes. He querido dejar de lado el hecho de crear algo en lo que no creo y coincido contigo acerca de tu visión de este nuevo trabajo, pero ya te digo, fue una decisión adrede. Pensé: “¿a qué suena Devin Townsend Project? ¡Hagamos una buena versión de ello!”. Y sin quererlo también ha supuesto como un reto para los oyentes en el aspecto de encontrar las referencias de lo que he compuesto hasta ahora, pese a que mi único objetivo era ofrecer algo de calidad. Por ponerte un ejemplo para que entiendas a lo que me refiero, he notado que ha sido difícil la aceptación de varias personas que llevan muchos años escuchando mi música y cuando salió el debut de Casualties of Cool muchos de ellos me dijeron “¿qué cojones estás haciendo” y yo contestaba “Eh! ¡Qué sigo con Devin Townsend Project!”. Así que básicamente ese es el motivo y justificación de tu percepción, con la que coincido.

Lo que más me sorprendió del disco son tres canciones que, podríamos decir, conocíamos. La regrabación de “Truth”, aunque no es la primera vez que regrabas un tema propio; la inclusión de “Stars”, canción que ya conocíamos;  y la versión de Ween “Transdermal Celebration”. Personalmente, es algo arriesgado. ¿Por qué esta selección?

No lo sé, jejeje. ¡Me pareció una buena decisión, jeje! A ver, la canción de Ween es una canción que me encanta, además la idea principal de esta composición está estrechamente relacionada con el concepto de ‘Transcendence’, esa situación de confrontación con el intento de controlarlo todo, así que finalizar el disco con una canción que no he escrito y que me encanta está, en cierta parte, relacionado con este concepto de no tener el control absoluto. Respecto a “Truth”, he de decir que ha sido un problema mío como músico, y es que soy muy perfeccionista pero no soy perfecto y siempre me enfado o la cago en algo. Tengo ese sentimiento de quererlo todo perfecto pero nunca lo esta, ¡y debe estarlo! Es por ello que volví a intentarlo de nuevo para perfeccionarla. Además, la idea que había detrás de “Truth” cuando la escribí dista de la actual: hace veinte años era una canción que solo hablaba de mi, actualmente se refiere a muchas más personas. Es por ello que me pareció idóneo regrabarla, es algo así como una declaración de intenciones, transciende un temor propio. Por último tenemos “Stars”, una buena canción que no había sido incluida en formato físico. Pregunté vía Facebook si era buena idea incluirla en el nuevo disco y la respuesta fue afirmativa, ¡así que aquí está! Mira, ¿ves? ¡Tengo respuestas, tan solo tenía que hacer un poco de memoria!

He visto el set-list que estás tocando estos días y me sorprende que una canción tan adictiva y tan de directo como “Offer Your Light” no forme parte del set. Cuando escuché ‘Trascendence’ la veía la canción que seguro que tocaríais en directo.

No puedo cantarla, es muy difícil aguantar esta canción en directo, además Anneke no está aquí. Como bien dices, es un método en el que Mike St. Jean sea el protagonista, pero aunque estuviera Anneke presente en el escenario, me sería imposible cantarla. Yo intento mantenerme sano, comer bien, hacer ejercicio, medito, hago yoga,… ¡ya tengo 44 años! Y a día de hoy soy un señor de 44 años sano, pero ya no tengo 22 años, y cuando estoy en el estudio puedo cantar, gritar, luego hago una siesta, y vuelvo a gritar para finalizar la grabación de la canción. Pero es que en directo el nivel físico que requiere no lo puedo llevar, ni tampoco puedo cantar del modo en que lo hacía antes. Tengo que tener cuidado de no realizar un set-list en el que a las dos semanas de la gira esté destrozado, incluso con el set-list actual tengo dificultades.
No es en la única canción con la que me sucede, esto me pasa con muchas más. Por ejemplo, la canción “Addicted” debería empezar gritando, con voz rasgada, y empezar un directo de este modo que parece que tus testículos estén siendo capados, sé que luego estaré completamente destrozado. Es imprescindible saber cuáles son los límites de cada uno, no debemos pretender algo que no se puede o a lo que no se llega, debemos aceptar la realidad.

Te esperan unos meses bastante movidos. Tras el tour de presentación de ‘Transcendence’ por Europa, realizarás una actuación especial en el 17 de Marzo en el Eventim Hammersmith Apollo de Londres ejecutando el ‘Ocean Machine’ al completo. Pese a que también lo harás posteriormente y de forma más grandilocuente en Bulgaria, ¡no serán las únicas fechas! Y es que podremos disfrutar de ‘Ocean Machine’ al completo en el Be Prog My Friend en Barcelona. Cuéntanos, ¿qué sorpresas nos esperan? ¿Vas a venir a hacer un video turístico del Be Prog, como estás haciendo últimamente, para que la gente asista al festival?

¡Pues muchas sorpresas! La verdad es que una de las cosas que más me agotan tras una gira es hacer todo el rato lo mismo y que la gente lo compre. Así que a veces surgen nuevas y buenas ideas en las que, tras hablar con los promotores, consiguen emplazamientos increíbles para poder hacer actuaciones especiales. Lo malo de la pregunta que me has hecho es que yo no sé cuáles son tus expectativas de cara a este concierto, porque yo solo puedo pensar a un par de días vista, es decir, solo sé qué sucederá mañana y pasado, pero no más allá. Trabajo en ello poco a poco.

Respecto al video de Bulgaria, fue muy divertido, ¡la verdad! Una parte de mi trabajo que me cuesta y sé que forma parte de lo que debo hacer es vender mis rarezas. Me cuesta sentarme en una esquina, poner cara interesante y vender lo que hago. Solo puedo decir que en todo lo que hago me involucro al 100%, así que si me decido en hacer algo debe ser lo mejor. Pero si hablamos en términos de venderme, ¡no vamos nada bien, jeje! ¿Qué quieres que diga: “¡yeaaah, debeís venir!”?. Con el video de Bulgaria fue distinto porque sabía que iba a tener una orquesta, un coro, un emplazamiento espectacular, y ya con este paquete está todo vendido. Pero para el Be Prog es distinto. Sí, tocaremos ‘Ocean Machine’ al completo, un disco espectacular, pero hasta aquí toda la información que puedo dar, jeje. Tampoco soy una persona de hacer falsos reclamos, es decir, cuando se lanza un nuevo disco y me preguntan qué puedo decir acerca de él, mi mayor preocupación es cómo venderlo. A ver, todo lo que hago es importante para mi, y si me tomo la molestia de grabarlo y lo muestro es porque creo en ello. Por ejemplo, antes de empezar la gira limpié mi garaje y, ¡joder!, ¡lo he dejado impecable! Todo lo que hago es importante para mi. Y lo mismo sucede con un disco. No puedo decir más que me voy a entregar al completo en el Be Prog con ‘Ocean Machine’. Joder, ¡qué malo soy vendiéndome!

Ya que hemos mencionado la actuación en Plodiv (o Plodev, como tú dices), el próximo 22 de Septiembre ejecutarás ‘Ocean Machine’ junto a la orquesta y el coro de Plodiv así como un set creado por las peticiones de tus seguidores. En tu video turístico nos explicaste cosas muy interesantes pero faltó una parte esencial: ¿quién se ha encargado de realizar las armonizaciones para el directo? ¿Cómo ha sido este proceso? ¿Cuándo será el ensayo previo con la orquestra y el coro?

Todo esto ha sido idea del manager Andy y de Vassil, promotor del evento y que también tiene un programa de radio (NDR – Radio Tanga Mega Show). Precisamente Vassil ha estado muy activo organizando y perfeccionando todo lo que envuelve a este evento. Se encargó del video promocional, de que viajara hasta Plodiv y de todo lo demás. Está trabajando duramente para que todo salga a la perfección, ¡y será espectacular! Si te digo la verdad, no sé quién será el director: ¿un señor búlgaro? Jejeje, solo sé que es búlgaro y que no habla inglés porque la comunicación entre ambos ha sido, digamos, difícil. Hemos intercambiado música y bueno, ahí está la propuesta. Y, joder, ¡sí!, ¡espero que haya ensayo antes del concierto! Imagínate, empezamos a tocar y entramos en tiempos distintos, el resultado puede ser…. ¿curioso? Imagino que el ensayo será un día antes del evento porque el coste de tocar junto a una orquesta es alto.

Sabemos de tu faceta melómana, y ahora te atreves con la Música Clásica. ¿Eres seguidor de esta música? ¿Cuáles son tus compositores favoritos?

La verdad es que no lo soy. Me gustan las bandas sonoras, como la de Star Wars, Interestelar,… ¡eso es, Hans Zimmer! Es el tipo de Música Clásica que me gusta. A veces también escucho las composiciones de Danny Elfman o de Ígor Stravinski, pero realmente creo que tengo un problema con la Música Clásica. Es decir, creo que el problema es mío por no ser una persona refinada porque cuando hablo con gente amante de este género, suelen vestir bufanda, una copa de vino,… ¡ya me entiendes! La Música Clásica suena de forma preciosa pero la visualizo así. Escuchas canciones que empiezan con partes interesantes, luego asciende, llega el clímax y lo cortan, vuelven a hacer cosas interesantes musicalmente hablando,…. están constantemente haciendo cosas preciosas pero, a veces, insulsas. Además, ¡nunca encuentro cuál es el volumen exacto para escucharla! Es decir, estás tranquilamente escuchando algo y, de repente, ¡se aumenta el volumen y llegan las disonancias! Para mi Stravinski es de los más interesantes, incluso Mozart, que es el Pop de la Música Clásica, porque ofrece muchas facetas y todas ellas muy variadas. Así que mi crítica no es con el estilo en sí, más bien está relacionado con mi interés personal con dicho estilo musical, no me llama suficientemente la atención. Pero ya te digo, las bandas sonoras de Hans Zimmer son espectaculares, también las de John Williams, Star Wars es brutal (NDR – la tararea),…. Podríamos decir que me gusta la “Música Clásica Instrumental” más que la Música Clásica per sé. (NDR – menuda etiqueta se ha sacado de la manga pero ha quedado claro).

Antes de acabar. Vemos que puntualmente podemos disfrutar de tus antiguos trabajos y cada vez vamos hacia los inicios. Pero los verdaderos inicios están en Steve Vai y Strapping Young Lad. La parte de Steve Vai la vimos en The Retinal Circus, y muchas veces has dicho que no ocurrirá una reunión de SYL. ¿Ni siquiera una fecha puntual similar a lo que sucedió en el Retinal Circus? Dicho esto, ¿algún plan especial para el resto de discos como ‘Terria’, ‘Infinity’ o cualquiera de los primeros discos?

Jejejeje, ¡ni aun así la gente zanjaría el tema de Strapping Young Lad! Si crees que es una pregunta que odio es que sabes por dónde van los tiros. A ver, no tengo problema en contestar cuando me hacen esta pregunta, es más, tiene sentido que me la hagan, pero el modo en que yo escribo música no es creyendo que soy un músico. Me explico: sí, sé de música, pero intento encontrarme a mi mismo y muchas veces no me entiendo a mi mismo. Cada año experimento vivencias y momentos completamente distintos. Cuando eres un niño todo es amor, todo es nuevo, y precisamente es el momento en el que se intenta entender y asimilar todo lo que sucede a tu alrededor, y mi proceso para entenderlo, sea por el motivo que sea, se realiza a través de la música. Podría ser de cualquier otro modo, pero yo funciono así. Mi forma de intentar entender la vida se decide con la música. Bajo mi punto de vista la música por sí misma está vacía, no tiene espinas, así que conforme finalizo experiencias vitales dejo un documento plasmado. Y precisamente lo que he aprendido durante el periodo de Strapping Young Lad es que es tóxico para mi. ‘Ocean Machine’ no es tóxico, por lo que no tengo problema en tocarlo, pero la razón por la que existió Strapping Young Lad se basó en mi persona intentando encontrar la ira como emoción. De lo que me di cuenta, y que agradezco, es que fue un periodo en el que mi mundo vibró. Y pese a que haya gente que cuando cuento esto piensa que son bobadas, para mi no lo son y sé que no quiero atraer todo ese aura que hay detrás de Strapping Young Lad, no quiero contribuir al mundo plasmando todo el rato odio. No está pagado con ninguna cantidad monetaria el revivir esa energía, ese caos, algo que estaba atascándome. Yo ya no me odio, he pasado y necesitado mucho tiempo aprendiendo a tener compasión por mi y por toda esa época, y no quiero tirar todo ese esfuerzo y trabajo por la borda. Es una lástima, de verdad, porque me encanta Strapping Young Lad y sé que es un grupo que gusta a la gente, pero si abriera la veda no se podría cerrar. Es como alimentar a un lobo, que debes volverlo a hacer, y yo no quiero alimentarle.

Como bien comentas, uno de los sets que se tocarán en Bulgaria será escogido por los fans. Aunque mencionaran canciones de Strapping Young Lad para la elección final, ninguna sería ejecutada. En ‘The Retinal Circus’ tocamos, junto a Jeff, “Love” y “Detox” y también lo hicimos en Chile, estuvo bien pero me di cuenta de que no quiero tocar esas canciones con los músicos que me acompañan actualmente, ellos no son Strapping Young Lad, no deberían tocarlas y sería irrespetuoso para la formación original. Uno debe ser honesto consigo mismo y no quiero ser un asesino, no tengo ganas de serlo, yo solo quiero ser feliz. Además, ya no soy un niño y la pasión que tengo actualmente por la música nada tiene que ver con la que tenía cuando tenía veinte años. Lo hago lo mejor que puedo escribiendo Heavy Metal como un hombre hecho y derecho de 44 años. Es como cuando un grupo dice “nuestro nuevo disco es lo más brutal y bla bla bla”, ¡todo mentira!. Yo sé que no voy a hacer un disco como ‘City’, incluso ni como ‘Ocean Machine’. Pero la persona que escribió ‘Ocean Machine’ hace veinte años no podría haber escrito Casualties of Cool o The Moth, así que uno debe aprender y respetar en quién se convierte y si a la gente no le gusta c’est la vie.

Gracias por tu tiempo. Mucha suerte para la actuación y si quieres añadir algo más para vuestros seguidores, las últimas palabras son tuyas.

¡Gracias a vosotros! ¡Voy a darlo todo esta noche!

Haz click a continuación si quieres escuchar la entrevista en inglés en vivo: 

Texto: Xènia Von Ereticy (twitter.es/XeniaVonEreticy)

Fotografías: Irene Serrano (www.ireneserranophotography.com) (www.facebook.com/ireneserranophotography)

Ayudantes: Jero García & Elena Marco (www.facebook.com/ElenaMarcoKonzertfotografie)

Largamente esperada, DEVIN TOWNSEND por fin viene a Madrid y Barcelona en una espectacular gira.

Uno de los artistas más prolíficos de la escena, con una larga y siempre exitosa carrera a sus espaldas nos presenta su show en sala este próximo mes de Febrero de 2017.

Algunos de sus últimos lanzamientos, como el inigualable “Z2” son maravillas sonoras que enganchan a la primera escucha.

BETWEEN THE BURIED AND ME se consolidan con “Coma Ecliptic”; su último y esperado lanzamiento. Tras romper en la escena estadounidense con grandes obras como su ya imprescindible “Colors” y su exitoso paso por el festival Be Prog! My Friend, BTBAM vuelven en esta largamente ansiada fecha.

Te esperamos en Febrero con el gran maestro Devin Townsend y Between The Buried And Me.

Viernes 3 de Febrero, 19:00 hrs.
Sala La Riviera (Madrid)
Anticipada: 25€ / Taquilla: 30€

Venta de Entradas: Sun Records, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es y en el teléfono 902 150 025

Sábado 4 de Febrero, 19:00 hrs.
Sala Razzmatazz 2 (Barcelona)
Anticipada: 25€ / Taquilla: 30€

Venta de Entradas: Revolver, Pentagram, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es y en el teléfono 902 150 025

DEVIN TOWNSEND PROJECT
“TRASCENDENCE”
Inside Out Records

Vayamos al grano: Devin Townsend ha alcanzado tal estatus a nivel musical que las presentaciones sobran a estas alturas. Ese “regreso” bajo el lema vital mente e corpore sano ha sido lo mejor que le ha ocurrido al canadiense y su reconocimiento como artista aumenta cada día más (además, Devy sabe cómo explotarlo). Continuando con su “Project” llega un esperado séptimo largo, tras la segunda parte del extraterrestre adicto al café Ziltoid que, personalmente, no acabó de entusiasmarme.

“Transcendence” se inicia de forma arriesgada pero podríamos decir que con un guiño casi habitual en los últimos discos del canadiense. Y es que no me podéis negar que es muy osado iniciar un disco con una revisión de una canción propia: hablamos de “Truth” del “Infinity” (HevyDevy Records, 1988). El único cambio en estos casi 20 años entre ambas versiones es la pulidez del sonido y la inclusión de Anneke a los coros. Como bonus track del disco estaría bien, pero no hacía falta que fuera descaradamente tan idéntico ni que abriera su nuevo opus. Que sí, que con “Hyperdrive” y “Kingdom” los cambios tampoco fueron abismales, pero mejoraron la canción original, cosa que en este caso no es así. Pero es que tras escuchar “Transcendence”, este polémico inicio es una auténtica declaración de intenciones porque podríamos afirmar que el disco está influenciado por el propio Devin Townsend. ¿Cómo es eso posible? Pues porque en absolutamente todas las canciones encontramos una sólida base compositiva que ya ha utilizado el canadiense en el pasado.

En los diez cortes de este álbum encontramos la grandilocuencia y la épica mostradas en “Epicloud” con “Higher” (que además contiene muchos elementos Groove) o en la increíble, y una de las canciones a destacar de este largo “Stormbending”, que también contiene gran parte de esas atmósferas características de The Devin Townsend Band (léase “Accelerated Evolution” y “Synchestra”). Esa parte más progresiva y de la primera época de Devy tras alejarse de la faceta extrema también está presente en este disco con el corte “Secret Sciences” y que hacía bastante que no encontrábamos en sus lanzamientos. También escuchamos parte de esos inicios en “Failure”, que aunque contenga unos riffs que mayormente nos recuerdan a “Deconstruction”, ese solo central bien podría pertenecer a “Terria”. No podía faltar tampoco la parte más Pop plasmada en el corte que da nombre al disco, en “From The Heart” (con un cierto ramalazo a “Ghost”) y “Offer Your Light”, una canción que de buen seguro funcionará estupendamente en directo, ya no solo por la estructura compositiva, sino también por esos teclados psicodélicos a cargo de Mike St. Jean.

No ha sido una sorpresa que la canción “Stars” formase parte de este trabajo. Por si en su día no os llegó la noticia, Devin participó en uno de los concursos patrocinados por Toontracks y el resultado final fue esta composición (podéis ver al documental de la creación y grabación de dicho tema en tan solo cuatro horas), pero sí lo ha sido la canción que cierra el disco: una versión extendida de “Transdermal Celebration” del grupo de Rock canadiense Ween. Volvemos a lo expuesto con “Truth”: ¿Es necesario que forme parte como una canción más en vez de como un extra? Y eso sin olvidar que la edición especial limitada es un doble disco con más de 40 minutos de composiciones y revisiones de Devin en el segundo CD. No sé de quién habrá sido idea que haya tres cortes que ya conocemos y sin apenas cambios, pero a mí me molesta bastante.

Con este nuevo opus vemos reafirmada la marca personal del canadiense en sus composiciones, pese a que en esta ocasión el proceso compositivo ha sido distinto (hasta ahora era Devin quien componía todo y lo mostraba al resto del grupo; en esta ocasión han compuesto entre los cinco) y no sabemos si ello ha sido el causante de que las influencias de este trabajo sean lo creado en todos estos años de carrera musical (todos ellos llevan años trabajando en los distintos proyectos de Devin, incluso los coros y distintas voces femeninas participantes). Además, la sobreproducción, ya marca de la casa Devy, engloba y consolida lo expuesto.

“Transcendence” es un gran disco, a la altura de lo que se espera de Devin, pero pone en duda cómo será su futuro. Un disco de este calibre es correcto ahora, que bien podríamos decir que ha sido hecho para aquellos que le han seguido durante todos estos años o bien para que los que le han conocido en sus últimos cuatro discos conozcan sus anteriores trabajos, pero no se puede abusar de esta técnica porque perdería ese punto de frescura que, mayormente, suelen tener las composiciones bajo el sello Devin Townsend. Veremos, ¡y esperemos!, si la recupera en un futuro próximo.

Xènia Von Ereticy

Be Prog! My Friend 2015
11 de Julio de 2015, Poble Espanyol, Barcelona

Introducción
Segunda edición del “niño bonito” de Madness Live! o lo que es lo mismo, el Be Prog! My friend. En esta segunda convocatoria, esperadísima por un gran número de acérrimos al festival, la organización tomó nota de los errores del año pasado y los solucionó, aunque no estuvieron exentos de nuevos como, por ejemplo, la inclusión de un segundo escenario del cual os hablaremos más adelante, decisión no muy acertada, por cierto.

Se evitaron, aunque no totalmente, las colas de acceso al recinto, se reubicaron los puestos de compras de fichas para la bebida evitando las colas del año pasado, el merchandising estaba estratégicamente instalado, se inauguró un stand de firmas donde los fans pudieron hacerse fotos con un buen número de artistas y llevarse firmado lo que trajeran de casa, etc…

Riverside
Pasados los breves –aunque subjetivamente interminables– controles de seguridad, nos abalanzamos deprisa y corriendo sobre la Plaza Mayor del Poble Espanyol para contemplar, un año más, y con una sonrisa de oreja a oreja, la singularidad de un emplazamiento tan maravilloso como ese, ya notablemente abarrotado de prog-heads enfrente del escenario principal.

Estaban ya presenciando, atónitos, bajo un achicharrante sol, la actuación de los polacos Riverside, quienes decidieron abrir la tarde con la inédita “Lost (Why should I be frightened by a hat)”, de su inminente álbum “Love, Fear and the Time Machine”. Unos títulos tan chiflados fijo que solo pueden haber salido de la cabeza del genial y alocado teclista del grupo, Michał Łapaj (sí, acabo de buscar el nombre en Wikipedia). Un tema con muchos dejes de los mejores Queen, acompañado casi en su totalidad del estruendoso Hammond de Michał, y que funcionó tan bien como introducción como seguro lo hará en el disco que aún está por salir.

Messenger
Tras la deliciosa descarga de Riverside y sin dar ni diez segundos de respiro, daba inicio la actuación de los ingleses Messenger en el Second Stage, o lo que es lo mismo, la pérgola esquinada que se encuentra dentro de la misma plaza del Poble Espanyol.
Es obvio que Madness ha querido hacer crecer el festival, debido a la demanda por parte del público y bandas propiamente dichas para tocar en él pero, desafortunadamente, los peores parados fueron aquellos que tuvieron que tocar en dicho escenario. La visibilidad era prácticamente nula y a no ser por los músicos que se atrevían a salir fuera de la carpa y dejarse ver entre las columnas, como fue el caso de Ross Jennings de Haken, la interacción con el público era inexistente.

La actuación de Messenger, que estrenaban el Second Stage, compuesta por cuatro de los siete temas que componen “Illusory blues” a pesar de algún que otro problema de sonido y su corta duración, fue toda una demostración de rock setentero con tintes psicodélicos que hizo vibrar a los seguidores de los sonidos más clásicos. [JG]

Ihsahn
Tras Messenger, turno para uno de los artistas más esperados del festival, ni más ni menos que el prolífico y en estado de gloria Ihsahn.

El noruego, quien pisaba la península por primera vez, a pesar del horrible sol con el que tuvo que lidiar, ejecutó una actuación para recordar. No sabemos el motivo, pero no contó con bajista para la ocasión, así que tuvo que apañarselas únicamente con un nuevo pupilo a la guitarra, a quien se le vio inseguro en ocasiones pero que lo dio todo, y con el salvaje Tobias Ørnes de los también noruegos Shining, quien demostró por qué es uno de los mejores baterías de la actualidad.

En “Darkest Light” brilla el trabajo al bajo de Conner Green, el último fichaje de la banda, y del que tenemos unas ganas locas de escuchar sus aportaciones en el siguiente larga duración.
La reducida visibilidad de su escenario no supuso mayor problema para la banda londinense, puesto que no dudaron en sacar la cabeza entre las gruesas columnas de granito, o de darse un paseo por la pasarela frontal como hicieron el vocalista o Diego cuando se colgó del hombro su imponente keytar.

Pero es una pena que a estos chicos nunca les haga justicia la mezcla cuando Jens Bogren no está tras las mesas, un hecho del todo comprensible, puesto que sonorizar unas composiciones tan intrincadas como las de Haken tiene que ser uno de los mayores retos a los que pueda enfrentarse un técnico de sonido, quien bien debería considerarse como el séptimo miembro de la banda.

No obstante, se le resta importancia al asunto cuando consigues hacer saltar, corear y bailar a la mitad de tu audiencia con “Cockroach King”, himno instantáneo del grupo, y que consigue que la viva, cada vez más, cuando la escucho en directo.
Y para cerrar, los 19 minutitos de la maravillosa “Crystallised” que nos supieron a auténtica gloria, y a la que solo le faltó a Mike Portnoy al Gong, aunque visto lo visto, todo se andará. [ML]

Katatonia
Con algunos minutos de retraso sobre la hora programada, salían a escena los suecos Katatonia, con bastante buen sonido y abriendo con “Buildings” de su último “Dead End Kings”. La banda, que desde Septiembre no pisaba un escenario, basó su repertorio en los últimos tres discos de estudio, olvidándose de épocas pasadas, algo que muchos no les acabamos de perdonar, y rescatando tan solo “Ghost of the sun” del ya clásico Viva Emptiness. Pudimos ver a un Jonas Renske bastante más delgado y “algo”, solo “algo” más cercano y comunicativo, haciendo incluso algún que otro juego de palabras con Katatonia-Catalonia, pero poco más. Al que también vimos con bastantes menos delirios de grandeza y más concentrado en su tarea fue a Anders “Blakkheim” Nÿstrom, quien se despachó a gusto con sus inconfundibles y oscuros riffs, y a un Niklas Sandin al bajo activo como pocas veces hemos podido ver. Obviamente, echamos de menos a un pilar básico en la banda como fue durante muchos años el gran Daniel Liljekvist a la batería, ocupando su sitio desde su ida el también prolífico Daniel Moilanen. Cómo no, los temas más celebrados por el público fueron aquellos pertenecientes a “The great cold distance” como “Soil’s song”, “My twin” o “July”.

Impecable actuación de los suecos a la que solo les faltó haberse celebrado bajo el manto de las estrellas. [JG]

Vincent Cavanagh
A las 20:30, guitarra en mano, aparecía el bueno de Vincent Cavanagh quien, in extremis, y gracias a la buena relación con Madness, aceptó sustituir a los ingleses IQ, quienes cancelaron una semana antes su actuación por desavenencias con la promotora, agencia, etc…

Era la primera vez en su carrera que Vincent aceptaba un reto de tal envergadura y, como no podía ser de otra manera, salió airoso. ¿A quién le desagrada escuchar en directo “Fragile dreams”, “Deep”, “Thin air”, “Flying”,“The beginning and the end” o “Distant satellites” en formato acústico? A nosotros no, desde luego.

Suponemos que, como guiño al idioma, sorprendentemente y con dudoso éxito, el de Liverpool acabó con una versión del tema “Mentira” de Manu Chao. Aparte del final incompresible, Vincent se lo pasó en grande ratificándose, por segunda vez, amante incondicional del Be Prog! My friend. [JG]

Devin Townsend Project
Según palabras del bueno de Devin, veinte largos años han pasado desde su anterior visita por estas tierras y, dada su destacada posición dentro de la escena progresiva, hacía que las ganas de verle fueran máximas, tanto que podría incluso haber figurado como principal cabeza de cartel del evento. Su puesta en escena es digna este estatus en el que se encuentra, figurando constantes y exagerados gestos y expresiones, soltando divertidos chascarrillos cada dos por tres; como el de «¡La puta Rana Gustavo!» –cosas de tener un roadie de por aquí–, y sin olvidar su mastodóntica nueva guitarra humeante, con chiribitas por doquier.

En temas como «Supercrush!», «Kingdom», o la frenética «More!» echamos mucho en falta la colaboración de nuestra amada Anneke al micrófono y, aunque todos teníamos la vacua esperanza de que saltara al escenario en cualquier momento, nos conformamos con la espléndida suplantación del canadiense. De «More!», queremos destacar el lucimiento que se marcó el señor van Poederooyen a los parches. Todo un portento.

Leprous
Antes os hablaba de un podio de gustos personales, ¿recordáis? Pues, si lo menciono de nuevo, es para introduciros a los noruegos que lo encabezan de manera indiscutible. Lo de Leprous no ha hecho más que despegar, y ya consiguen mover unas notorias masas con los fans más sibaritas del metal progresivo, de los que me encontraba totalmente rodeada en segunda fila.
Abrieron su ESPECTÁCULO con “The Flood”, un tema que hizo de intro con su suavísimo inicio, pero con ese repentino clímax que llega sin avisar, y que se me antoja como uno de los mejores arranques de directo que he podido presenciar de esta banda.

Continuaron con “The Price”, otro tema de su novísimo disco “The Congregation”, y del que las primeras filas del Second Stage coreamos su pegadizo fraseo inicial a pleno pulmón y de manera constante. Esto me dificultó comprobar cómo sonaba la interpretación de Einar Solberg en los falsetes, puesto que es la parte que peor parada sale de las actuaciones de los de Notodden. Lo que sí quedó clara fue la soltura de Baard Kolstad en los temas donde ha colaborado, reproduciendo fielmente las líneas de batería originales, a diferencia de su pasada actuación por estas tierras, donde se mostró más “creativo”.

La fogosidad del público se templó un poco con “Chronic”, en la que ya conseguimos escuchar unos curiosos arreglos vocales en los falsetes de Einar, y quien hizo gala de su nueva técnica de canto rasgado en las partes más intensas de la canción, que le permite rayar a un mejor nivel durante toda la actuación.
La épica “Rewind” volvió a hacer enloquecer al respetable y, para que no decayera, empalmaron con otro clásico temazo como es “The Valley”.

¿Quién necesita una guitarra de puente flotante pudiendo contorsionar el cuerpo de esta como hace TorO? Así es como arranca “Slave”. El guitarra estuvo magnífico, pero nos apenó no poder oír demasiado su voz en los coros. Ya con estas, nos presentaron en directo las que, para mí, son las mejores pistas de su último trabajo, y fue una auténtica gozada. Y para los que se quedaban con ganas de temas más antiguos, decidieron cerrar con la imprescindible “Forced Entry”, una grandiosa canción que esconde bastante picaresca entre sus letras…

Si bien tanto el emplazamiento del escenario como la claridad del sonido mellaron un poco en su espectáculo, cabe decir que fue una de las actuaciones clave de la noche, que sin duda nos deja ávidos de acudir a su próxima cita a este país dentro de unos meses. [ML]

Camel

Camel, quienes lograron atraer a una gran cantidad de seguidores independientemente del festival en si, pagando estos tan solo por verles a ellos, ofrecieron un show de una calidad pasmosa logrando enmudecer a todo el recinto, en parte gracias a los majestuosos solos del señor Latimer. Aunque los británicos estuvieron en la sala Barts del Paralelo hace unos meses, nada impidió que su público volviera a volcarse con ellos.
Con un sonido cristalino y un juego de luces hipnótico, Camel ofrecieron toda una selección de clásicos; abrieron con la preciosa “Never let go” con una banda, a pesar de las edades de sus miembros, engrasada y meticulosa como siempre lo ha sido.

Otras de las piezas que fueron desgranando paulatinamente fueron la exquisita “Spirit of the water”, la mística “Air born” con esa flauta que pone el vello de punta a cualquiera, o “Lady fantasy” del imprescindible «Mirage», con la que cerraron una de las actuaciones más brillantes de esta edición. [JG]

The Algorithm
Tras la fuga masiva de los que solo se acercaron a la montaña de Montjuïc a ver a Latimer y los suyos, turno para el francés Rémi Gallego en el mini escenario, que bajo el nombre de The algorithm ofreció media hora de auténtica locura musical, mezclando metal y electrónica sin compasión. Curiosa propuesta que sirvió, todo sea dicho, para que muchos aprovecharan para descansar, cenar o lo que fuera necesario… [JG]

Meshuggah
Era la una y media de la madrugada cuando los suecos Meshuggah, cuestionados por muchos por su inclusión en el cartel, fueron los encargados de destrozar por último el escenario principal. Muchos ya habían abandonado el recinto, presas del cansancio y de las largas doce horas de música en directo bajo un sol de justicia; aún así, fueron muchos, la mayoría de edades tempranas, los que aguantaron hasta el final para apoyar a los pioneros del Djent.

Una vez más, problemas de sonido al finalizar “Rational gaze”, que no se solventaron hasta pasado el ecuador del concierto, cuando empezó la apisonadora sueca a aplastar cráneos como solo ellos saben hacer. Espectacular juego de luces y atrezzo en un escenario con banderas a ambos lados y con un Jens Kidman, como siempre, desquiciado y desgarrando su voz como nos tiene acostumbrados. Sobredosis de contundencia y virtuosismo musical que no hizo más que confirmar que la contratación de Meshuggah fue más que un acierto. [JG]

Robot Porn y cierre
El dúo Robot Porn formado por el guitarrista Achokarlos y la Dj Lorena Frantic con su propuesta Metal/Dubstep fueron los encargados de bajar los interruptores hasta el año que viene en el que, según parece, volveremos a disfrutar de una tercera edición. En Empire ya estamos haciendo quinielas con las posibles confirmaciones de cara al 2016. [JG]

Fotos:
[IS] Irene Serrano Photography

Textos:
[JG] Jero García
[ML] Meri «MeriLET» Gaig

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