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https://www.ivoox.com/p-53-rea-especial-monografico-theatre-of-tragedy-con-audios-mp3_rf_43537312_1.html

Ayer publicábamos en nuestras redes sociales que Empire y Rock entre amigos iniciaban u na colaboración cuyo primer podcast veía la luz hoy. Es este que tienes aquí, un monográfico especial de Theatre of Tragedy de 5 horas lo que supone todo un hito en el mundo editorial, el mayor debate y disección que se haya llevado a cabo sobre la banda en todo el mundo. Este proyecto nació en paralelo a través de Kike Molla de Rock entre amigos y Marc Gutiérrez de Empire. Kike porque es fans de la banda y con su podcast hace monográficos sin límites sobre bandas, estilos y temáticas muy variadas. Y Marc porque lleva casi veinte años escribiendo sobre Theatre of Tragedy, Liv Kristine y Leaves’ Eyes en muchos medios y ha trabajado directamente con Liv Kristine gestionando prensa y que lleva años trabajando en una biografía oficial de Liv. Oswaldo Martin, otrora director de Fuerzas Imaginarias allá en las Canarias, nos puso en contacto y pronto surgió la idea y el rápido entendimiento entre ambos hasta el punto que esta es solo la primera colaboración conjunta de muchas que están por venir. Nos costó encontrar el día para grabar, pero cuando lo encontramos la disección de la historia de la banda nos llevó más tiempo del que esperaba, iluso de mí. Debo reconocer que, entrados en materia y superados los nervios de los primeros veinte o treinta minutos (demasiados, lo sé), el nivel de disfrute fue superlativo. Se trataba de explicar lo que sabíamos, cambiar opiniones en voz alta y generar debate. No tenía expectativas sobre cómo iba a salir porque es la primera vez que me enfrentaba a un reto como este de hablar sin límites sobre un tema, máxime siendo sobre mi banda favorita. En el primer día de grabación empleamos algo más de una hora y dos días después grabamos dos horas más. Acabamos extenuados y con sensación de vacío pero el resultado había valido la pena. De todas y a toro pasado, vinos que aun se habían quedado cosas en el tintero, momentos por ños que habíamos pasado de puntillas pero viéndolo con perspectiva cabe remarcar que es la primera vez en la historia que se dedica un especial tan amplio a la banda y es que se trata de un audio de ¡¡¡5 horas!!! Ahora solo queda que lo escuches y que nos digas qué te parece. Nosotros hemos puesto la ilusión, la emoción, el conocimiento y la dedicación. Tu solo tienes que poner tus oídos y tus ganas por dejarte seducir por uno de los nombres fundamentales de la historia del Gothic Metal.

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Marc Gutiérrez empirezonemagazine@gmail.com

SWALLOW THE SUN + OCEANS OF SLUMBER + AEONIAN SORROW
28.04.2019, Sala Bóveda, Barcelona
Promotor: Madness Live

Apenas sin descanso de su gira por Estados Unidos junto a sus compatriotas fineses Wolfheart, Swallow the Sun aparcaban de nuevo su autobús de gira en Barcelona cuatro años después de visitarnos con «Songs from the North» y precisamente con Wolfheart también de teloneros.

La banda de Juha Raivio venía a presentar el flamante «When a Shadow is Forced Into the Light» el cual viene a ser el terrible duelo que está sufriendo su líder y compositor a raíz de la muerte repentina de su prometida Aleah Starbridge (Trees of Eternity), en forma de tributo.

En esta primera fecha, e imperdible para los seguidores del Doom Metal Melódico, los de Jÿvaskÿla vinieron flanqueados por los greco-finlandeses Aeonian Sorrow y los texanos Oceans of Slumber a quienes ya vimos por nuestros escenarios teloneando a Enslaved hace casi tres años y presentando su flamante segundo disco «Winter».

Cuando Aeonian Sorrow hicieron sonar los primeros compases de «Forever Misery» aún estábamos por entrar, habiendo delante de la banda liderada por Gogo Melone y Ville Rutanen apenas 30 personas. La banda, de reciente creación y con sólo un álbum en el mercado de nombre «Into the Eternity a Moment We Are» desgranó cinco de los temas que lo componen casi en el mismo orden de publicación. Lo suyo es Doom Death de libro dándose la mano sin tapujos con los primeros Draconian, dónde la dulce y potente voz de Gogo Melone y los guturales de Ville Rutanen nos hicieron sucumbir en la mayor de las miserias. «Shadow Mourn» sonó densa, aplastante, demoledora, con un conjunto vocal estremecedor y aderezado con los densos riffs de los impasibles Jukka Jauhiainen quien pudo comprobar a golpe de botella el buen vino que se bebe en estas tierras y del intimidante Taneli Jämsä. A la batería tendríamos a toda una institución dentro del Doom Metal como es el rumano Daniel Neagoe, vocalista en Clouds, Obseqvies, Eye of Solitude, e, incomprensiblemente no contarían con Pyry Hanski al bajo.

El resto del repertorio escogido para la actual gira europea lo formaron «Under the Light», la preciosa «Memory of Love» e «Insendia» con la cual rubricaron una actuación que hizo las delicias de un público por entonces escaso, aunque satisfecho. Posteriormente tanto Gogo como Daniel se acercaron a su puesto de merchandising a saludar a todo el que se acercara, demostrando ser unos músicos atentos y cercanos con sus seguidores.

Cuando Oceans of Slumber aparecieron en el alto escenario de la sala Bóveda, la sala ya presentaba un mejor aspecto, aunque a ellos les tocó la china con el sonido.

Los de Texas presentaban su último disco de estudio «The Banished Earth» editado a través del sello Century Media sin apenas difusión mediática, en Marzo del año pasado, aunque abrieron con «Sunlight» de su aclamado anterior álbum «Winter» con el cual acompañaron a Ne Obliviscaris y Enslaved en su último periplo europeo. La cálida y portentosa voz de Cammie Gilbert nos acompañó en los cuarenta escasos minutos que estuvieron deleitándonos con su original propuesta, mitad metal progresivo, mitad metal de corte más denso y envolvente. El sonido, como digo, no fue lo mejor de la noche. Las guitarras de los recién incorporados a la banda, Jessie Santos y Alexander Lucian no se apreciaron todo lo limpias que hubiéramos querido y debido a ello el show quedó un tanto empañado. Aún y así es difícil no apartar la vista de la elegante y sensual Cammie quien con su voz nos puso la piel de gallina en la impresionante «The Banished Heart» tema que da nombre al último trabajo de los de Houston y que tiene todos los números para convertirse en uno de los buques insignia de la banda. Con «At Dawn» y la espectacular «No Colour, No Light», Cammie y los suyos se despidieron esta vez con una gran ovación, y es que se notaba en el ambiente que había mucho público entusiasmado que se acababa de estrenar con ellos en directo.

Por si aún hay algún despistado, es de recibo recordar que el último álbum de Swallow the Sun, «When a Shadow is Forced Into the Light»editado el pasado Enero, son todos los sentimientos volcados y luchas internas por las que ha tenido que enfrentarse Juha Raivio (guitarra y principal compositor) después de la injusta y prematura muerte de su prometida Aleah Starbridge (Trees of Eternity, 1976-2016), algo que a día de hoy obviamente no ha superado.

A raíz de la muerte de Aleah, surgió la banda Hallatar, un tributo a su persona con Juha como guitarra y bajista, Tomi Joutsen de Amorphis a la voz, y Gas Lipstick de HIM a la batería, aunque esto es otra historia…

Bajo un espeso manto de humo, teñido de un potente color azul y sin ningún foco que les iluminara sus encapuchados rostros, y mientras sonaban los primeros compases de «Lumina Aurea», single de trece minutos editado como adelanto al nuevo trabajo, aparecieron sigilosos uno a uno los seis miembros para atacar directamente con «When the Shadow is Forced Into the Light» tema que da título y abre el nuevo trabajo, un trabajo en el que tanto en estudio como el directo, se puede palpar todo por lo que la banda ha pasado estos último años con su amigo y compañero.

Al frente Mikko Kotamäki a la voz se mostró impasible, frío, estático algo que ya es seña de identidad propia y de la banda, demostrando una vez más que sus registros vocales tanto limpios como rasgados eran capaces de volver a resquebrajarnos por dentro. Todas las miradas se dirigieron obviamente a la derecha, dónde Juha Raivio siempre se posiciona, quien se mostró con una energía y una rabia contenida cómo pocas veces le hemos visto, y es que no debe ser plato de buen gusto recordar cada noche las palabras que le has dedicado al amor de tu vida, un amor al que nunca volverás a ver.

Seguidamente y casi sin darnos cuenta, atacaron con «Lost and Catatonic» única pieza elegida de «Songs from the North», con eso si, la voz de Kotamäki, algo baja, algo que sería la tónica general.

De manifiesto quedó que su último álbum ha calado hondo entre sus seguidores, ya que al sonar «Firelights» despertó respuestas positivas. Sin duda uno de los momentos más tristes de la noche («Upon the water, I’m bleeding, I’ m bleeding…»)

El repertorio de la actual gira me parece exquisito y la elección perfecta, así que no podía faltar «Cathedral Walls» tema que resume a la perfección la propuesta de los fineses, aunando todas su posibilidades musicales en un sólo tema, yéndose de los terrenos musicales más frágiles a los más aplastantes y crudos. Esa es la grandeza de Swallow the Sun, como bien demostraron en su anterior triple disco «Songs from the North», dónde en cada uno de ellos demostraron de lo que son capaces de ayer, al igual que hicieron en directo. Lo demuestran en estudio y te lo transmiten en directo, te aniquilan.

Otro de los temas más ovacionados al ser presentado fue «New Moon», disco que presentaron en la pequeña sala Be Cool de Barcelona en su primera visita junto a Mar de Grises y Sólstafir por el año 2010.

«Upon the Water» fue el primer adelanto que presentaron al mundo antes de editar el disco, tema que resume perfectamente el aura de tristeza y melancolía que envuelve a «When a Shadow is Forced into the Light» con un Mikko espléndido, aunque apoyado por las segundas voces de Jaani Peuhu un tanto altas y forzadas, ya que se encontraba enfermo e hizo un esfuerzo titánico durante todo el viaje nocturno de Lyon a Barcelona para poder hacer un papel digno.

Si con «Upon the Water» no tuvimos bastante sufrimiento, «Stone Wings» se encargó directamente de aniquilarnos emocionalmente.

Para cerrar el primer bloque, qué mejor que un tema puramente Swallow the Sun como es «These Woods Breathe Evil» dobles bombos y melodías que se insertan en el córtex cerebral a la vez que nos dejamos literalmente el cuello a cada golpe de caja.

Impresionante pieza que dio paso a unos bises que olían a fin y que no podían ser otros que esa joya llamada «Emerald Forest and the Black Bird» y la inconfundible «Swallow (Horror Pt 1)».

Una suerte poder haber visto de nuevo en directo a Swallow the Sun, toda una institución dentro del género y que ya han escrito con letras de otro su nombre en él. Si volveremos a verles o no, ya depende de Juha…

Descansa en paz, Aleah.

Texto: Jero García
Fotos: Marc Gutiérrez

VIDRES A LA SANG + BARBARIAN SWORDS

03/03/2018 Sala Bóveda, Barcelona

Promotor: Blood Fire Death

Si hay una banda estatal en el ámbito del metal extremo a la cual se le echaba de menos desde hacía muchos años, esa es sin duda Vidres a la Sang.

Hace exactamente 9 años que Vidres a la Sang colgaron las guitarras, con un extenso y desanimado comunicado en el cual echaban la vista atrás sobre la, por entonces, recién terminada gira estatal que, compartiendo con Foscor tomó el nombre de “Fosc Negre Metall Mort Tour 09-10”. En él mostraban su desanimo respecto a la asistencia en los conciertos, sobre todo de bandas nacionales, y el poco apoyo que este tipo de música y la cultura que le rodea estaba recibiendo, siendo las bandas internacionales las que siempre se llevan el gato al agua, además del gran esfuerzo que supone tirar del carro de una banda como la suya.

Tras su último concierto en la extinta sala KGB de Barcelona el 6 de Marzo de 2010 presentando su último disco por entonces “Som” (el último y posterior sería en Gavá compartiendo cartel con Lux Divina, Ktulu,etc.), nadie esperaba una retirada de la banda y menos de tan larga duración. Es más, pocos apostaban por una vuelta de los de Terrassa y menos con un disco de tanta calidad como “Set de Sang”.

Cuando la banda dio señales de vida en las redes sociales (muy a cuentagotas, todo hay que decirlo), con cortísimos extractos de grabaciones desde el estudio, renovación de foto de perfil en redes, etc.. a los seguidores de siempre nos dio una de mayores alegrías de los últimos años. Volvían Vidres, si, pero unos Vidres renovados. Unos Vidres, maduros, unos Vidres que tanto musical como personalmente han evolucionado hacia un metal extremo, con muchos y nuevos matices. Unos Vidres épicos, dónde Eloi nos ha sorprendido con un nuevo registro, con unas voces limpias que le dan aún más si cabe una epicidad que coloca a ‘Set de Sang’ en un disco imprescindible para entender el por qué de su vuelta al estudio y a los escenarios.

Habiendo estado en la reserva durante casi diez años, y algunos de ellos incluso ajenos a lo que se cocía en la mal llamada “escena” catalana, Vidres a la Sang han conseguido captar la atención, ya no solo de los medios nacionales, los cuales se han rendido a sus pies, si no también de cientos de medios extranjeros alabando la cuarta obra de los egarenses. Y no contentos con ello, van y cuelgan el cartel de todo vendido en su primera actuación en la ciudad condal después de tantísimos años, en un Bóveda lleno hasta la bandera de muchas caras conocidas, pero también de nuevos y jóvenes seguidores de la banda los cuales no conocían o no pudieron verles en su momento, cuando por entonces mantenían intactas sus largas melenas (menos Albert-guitarra) y sus rostros pintados de rojo y negro.

Así pues, Vidres a la Sang, escudados por el sello catalán Blood Fire Death en el cual militan actualmente y que ha trabajado duro para tenerles entre sus filas, sabiendo del buen hacer de la banda y sus miembros, dejó de manifiesto que a pesar de llevar en la reserva bastantes años, el respeto y valoración hacia la banda de Eloi Boucherie sigue estando intacto.

A las 20:00 de la tarde del pasado 8 de Marzo y media hora antes de que los blasfemos Barbarian Swords salieran a escena, el ambiente en la calle Roc Boronat a la altura de la sala era ya de lujo.

Los bares e inmediaciones de la sala Bóveda eran un ir y venir de caras conocidas, de reecuentros, algunos no se producían desde hacía muchos años, caras felices y la emoción de saber que íbamos a ser partícipes de una gran noche e íbamos a ver una auténtica descarga de “Veritable Negre Metall Mort”.

A las ocho y media clavadas y con una sala Bóveda con muy buena entrada, salieron a escena Barbarian Swords, banda barcelonesa liderada por el irreverente Von Päx a la voz, el cual creo que no necesita presentación alguna.

La descarga de Barbarian Swords fue un puñetazo en la toda cara. Von Päx tomó las riendas captando todas las miradas con sus gestos, insultos y provocaciones varias al personal incluso antes de empezar con “I’m your demise”, dejando pálido a más uno. Los barceloneses, quienes cuentan con un gran bagaje a sus espaldas y con dos discos de estudio en el mercado como son ‘Hunting Rats’, ‘Worms’ y un tercero en directo grabado en Rocksound llamado ‘Worms – The Final Hour’, hicieron un repaso a estos con temas como “Outcast Warlords”, “Putrid Whore – The Holy Church” o “Hunting Rats”. Provocadores natos, Barbarian Swords calentaron y mucho el ambiente y más de uno, con su potente e hilarante black/doom. O te gustan o cómo ellos prefieren, los odias, pero está claro que Barbarian Swords no dejaron indiferente a nadie y mosquearon a más de uno. Con Barbarian Swords es lo que hay, la ofensa por bandera.

 Tras el cambio de equipo y una espera que apenas apreciamos mientras saludábamos a amigos y conocidos, los de Terrassa y no sin cierta tensión nerviosa salieron a escena uno a uno para, sin atacar nuestros sentidos con “Torna al teu clos” de su segundo trabajo ‘Endins’ del cual también tocarían “Amb tota rancúnia” y “Tots els paisatges son iguals”.

Desde el inicio el sonido fue espectacular, limpio y atronador, algo que no dejaron al azar, contando para ello con su propio técnico, el cual hizo un trabajo formidable haciendo sonar a la banda como una auténtica apisonadora.

Las dos guitarras, tanto de Albert como la de Eloi, se definían perfectamente, además del imponente bajo de Marcos y ese metrónomo a la batería llamado Jordi Farré (Foscor, Sheidim, Cruciamentum, Ered, etc.) el cual nos hundía el pecho a cada pisada de pedal.

Tras un cavernoso: «¿Tenieu ganes de Vidres?» Por parte de un Eloi exultante, atacaron sin piedad con “La Terra i tú” uno de los buques insignia de la banda, compuesta quince años atrás y que sigue partiendo cervicales como el primer dia, ejecutada sin piedad y con esos violentos contratiempos marca de la casa, no dejando títere con cabeza.

Tras ella, turno para “Policromia” y posteriores saludos al público el cual hasta el momento había visto a la banda tocar casi sin respirar.

El primer guiño a ‘Set de Sang’ vino de la mano del desde ya, clásico de la banda “Els vents bufen a favor”, toda una oda a la épica, que ganó muchísimos enteros ejecutada en directo y dónde el personal se dejó la garganta cantando su imponente estribillo.

En un calculado ejercicio de precisión, continuaron con “Set de Sang” para esta vez interpretar también por primera vez en directo, “Emerguiré”, trallazo de corte black metal con también una epicidad absoluta en su estribillo y su virtuoso catálogo para el lucimiento de los cuatro músicos.

Cuando la humildad y la verdadera amistad van de la mano y tienen a la música como hilo conductor sólo pueden pasar cosas cómo la que todo el mundo podía intuir, pero sólo Vidres pueden presumir. Y no es otra cosa que contar con Martin Méndez de Opeth como colaborador de lujo en ‘Set de Sang’. Y para demostrar que no iban de farol, como bien dijo Eloi al respetable, allí teníamos a todo un Martin, al bajo en “Miraré de no tornar-me a perdre” disfrutando relajado de un aforo reducido el cual echaría hasta de menos. La decisión de tocar con ellos en una noche tan especial, fue del propio Martin, algo que le honra una vez más como uno de los músicos internacionales más humildes que existen y que siempre permanecerá ligado a la banda, y en parte al metal catalán.

-”Aquesta es la nostra!” dijo Eloi antes de presentar “El poble redemptor” haciendo clara alusión a la eterna lucha en Catalunya respecto a la opresión del siempre arcaico gobierno central. Sonó más reivindicativa y endiablada que en disco, que ya es difícil!

Cómo último guiño a ‘Set de Sang’, eligieron “L’órbita del cor”, otro de los cortes de mayor epicidad del disco, con ese enfurecido arranque black metalero y fríos riffs de guitarra, además de la voz de la cavernosa voz de Eloi desgarrándose diciendo aquello de «¡Ombra d´encís, clau de mort!»

Tras una hora de auténtico rodillo sonoro, y con el consecuente amago de los bises, algo fallido por parte de la mesa ya que se abrieron las luces y dispararon música desde la PA, dejándonos totalmente descolocados, atacaron con los postres.

El primero sería el celebradísimo y esperando “Amb tota rancúnia” dónde la maquinaria Vidres a la Sang volvió a dar toda una lección de velocidad, sobriedad y furia sobre las tablas ya ardiendo a esas horas.

Si hay un tema que identifica o identificaba a Vidres a la Sang era o es “Un dia qualsevol”. Melodía, velocidad y virtuosismo en su máximo esplendor y así lo rubricaron en directo, y no les hizo falta ni las pinturas!

«¡Aixó s´acaba!» Espetó Eloi con voz de despedida, para seguidamente poner el broche de oro con “Tots el paisatges són iguals”, como no podía ser de otra manera.

Foto final para el recuerdo, un recuerdo que quedará para siempre en nuestra memoria, como el retorno por todo lo alto de la banda catalana de metal extremo más grande de la historia. Por algo son pioneros, por algo son Vidres a la Sang. El resto de la historia, sólo ellos pueden escribirla, sólo ellos deciden. Eso sí, decidan lo que decidan y hagan lo que hagan, su legado será eterno.

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GALERÍA DE FOTOS

Texto por Jero García 10/10

Fotografías de Irene Serrano

‘Aamamata’ es la nueva obra de Helevorn, un fabuloso cuarto álbum que de nuevo será editado por el sello ruso BadMoodMan / Solitude Productions.
El disco se espera para principios de 2019 y, de momento, ya podemos disfrutar de su teaser, creado por Tuco Martin.
Los seguidores de la formación balear ya saben lo que encontrarán: doom metal de alto octanaje, detallista, melancólico y de bella factura. Todo aquel fan de My Dying Bride, Paradise Lost, On Thorns I Lay, Anathema o Draconian que aún no se haya rendido ante nuestra banda de doom más internacional, desde luego no puede perder la oportunidad de someterse a ‘Aamamata’.

Okkult Session 2018

Noche dedicada a explorar los sonidos más oscuros.

GODFLESH
“Post Self” es el nuevo disco de GODFLESH tras más de dos años en los que la banda ha explorado su lado “menos metal”. Influencias del post punk de los 70 y 80’s de manos de los ingleses tras “A World Lit Only by Fire”. Referencia del post y el metal industrial y ya con treinta años de historia a sus espaldas, G.C Green y Justin K. Broadrick mantienen la maquinaria intacta y recuperan su sonido más agresivo y depurado.

AMENRA
Mass VI es su nueva creación, llena de pesimismo, dolor y trágicos pasajes que te hacen cerrar los ojos. Un disco que te lleva hasta lo más profundo y oscuro de este mundo. Así son Amenra, un susurro en la noche, un grito al despertar y un sudor frío que te recorre la espalda.

DOOL
Algo se agita bajo los humos industriales de Rotterdam. Entre el maloliente tráfico, las grasientas bandejas de carne manufacturada y la incontrolable energía que fluye por toda la ciudad; del vació que surgió de la omnipresencia del materialismo y la tecnología, algo nuevo se manifiesta. Dando la espalda a esa identidad de masas de las metrópolis y al individualismo urbano, tiene lugar el inevitable nacimiento de Dool.

SINISTRO
Destilan espíritu, elegancia, pureza y crudeza en su sonido. Los grandes miedos existenciales encuentran su lugar en Sangue Cássia. “Hay discos buenos, y discos grandes. El nuevo de SINISTRO pertenece a la segunda categoría” comentan desde Decibel Magazine. Un viaje entre los sentimientos, un alma que visita paisajes de oscuridad y luz. Así lo define su vocalista.

LOUISE LEMÓN
Una voz que oscila en el vacío; notas que suben y bajan marcando el ritmo de la música. La belleza que transmite la música de LOUISE LEMÓN se materializa en su omnipresente y magnífica voz. “Appalacherna” o “Egyptian Darkness” son reflejo de la sinuosa cadencia que define a Louise Lemón.

Sábado 29 de Septiembre, 16:00 hrs.
Sala Mon (Madrid)
Anticipada: 25€ oferta lanzamiento

Venta de Entradas:  TicketMADNESS.es, Escridiscos, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es y en el teléfono 902 150 025

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PRESENTACIÓN
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Chroma Nation presenta una de las citas que marcará 2018 con el anuncio de la participación de Bell Witch en este cartel tras su recién anunciada gira y tras el éxito de su participación en el Roadburn Festival.

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CARTEL / LINE – UP
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► Bell Witch
▷ Mirror Reaper- https://www.youtube.com/watch?v=10q1ZJyLXFk

► Ground
▷ Ritual – https://www.youtube.com/watch?v=IZS-QQdzrdc&feature=share

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ENTRADAS / TICKETS
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► Anticipada: 12€ (+ gastos de gestión)
► Taquilla: 15€.

Anticipadas a la venta en Entradium.com.

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HORARIOS
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▷ Apertura de puertas: 19:30 H
▷ Ground: 20:30 H – 21:15 H.
▷ Bell Witch: 21:30 H – 23:00 H.

MADRID IS THE DARK V, 1 y 2 Diciembre de 2017

Sala BUT ( Madrid )

No es fácil afrontar el problemón de la caída del mayor reclamo de la quinta edición del festival doom nacional por antonomasia. Y es que no hay sustituto posible para los ingleses MY DYING BRIDE quienes atrajeron a cientos de seguidores con su confirmación, la cual se esfumó por graves problemas relacionados con uno de sus miembros. Caída que rápidamente solventó la organización con la confirmación in extremis de los ya conocidos por el festival, SATURNUS y los suecos TIAMAT, quienes no fueron vistos con buenos ojos después del despropósito del año pasado, algo que nos hicieron olvidar rápidamente como explicaré más adelante.

VIERNES

Nada más entrar en la céntrica sala BUT las mejorías en comparación a Changó eran más que obvias. BUT es mucho más ancha y por lo tanto más cómoda para trabajadores, músicos y público, además que contar con un mejor sonido y equipo luminotécnico, algo que ayudó a que prácticamente todas las actuaciones fueran perfectas.

Los encargados de abrir la quinta edición del Madrid Is The Dark fueron los catalanes FOSCOR quienes con su último disco “Les Irreals Visions” se embarcaron en una gira europea hacía pocos días junto a los noruegos VULTURE INDUSTRIES y les traía de vuelta a la capital no sin antes reventar la sala La Nau de Barcelona en una noche que compartieron con los también barceloneses DEJADEATH.

Apenas cuarenta minutos tuvieron para presentar su nuevo álbum y su nueva propuesta delante del expectante público madrileño, el cual siempre ha tratado de fábula al combo catalán, como ya pudimos comprobar el año pasado cuando pasaron por Penélope junto a PRIMORDIAL y FROZEN DAWN.

Con Fiar como maestro de ceremonias y en esta nueva andadura sin bajo que tocar, para ello cuentan actualmente con Esteban Portero ( ex Obsidian Kingdom, ex Reek, ex Cheeto´s Magazine ), FOSCOR alternaron temas tanto de Those Horrors Withers que del cual interpretaron «Senescencia» y «Graceful Pandora» cómo de su último Les Irreals Visions, representado en directo con «Instants», con la que abrieron, «Altars», «Les Irreals Visions», «Espectres al cau» y «De marges i matinades» dónde Fiar hizo mención al actual proceso soberanista. Quiero hacer mención una vez más al inmenso trabajo de Jordi Farré tras la batería, Albert y Falke a las guitarras, Esteban al bajo y Fiar a la voz, quienes han editado un disco mayúsculo, el cual ya empieza a aparecer en las típicas listas de los discos del año.

Los americanos NOVEMBERS DOOM actuarían por segunda vez en el festival, aprovechando su mini gira europea de nombre “Plague Migration Tour 2017” que les llevaría por Italia, España, Portugal, Bélgica y Holanda. Los de Chicago presentaban su nuevo disco “Hamartia”, trabajo que sigue sonando a ellos y dónde pocas sorpresas encontraremos si estamos acostumbrados a ellos. Los americanos fueron los primeros en tener problemas de sonido así que “Devils Light” y “Plague Bird” sonaron a rayos. A partir de “Just Breathe” la cosa mejoraría pero no despegarían del todo. Hacia el final de su actuación se vinieron arriba y sobretodo el público con su clásico “Rain” y “Borderline”. La de NOVEMBERS DOOM fue quizás una de las descargas más flojas de todo el festival.

Y teníamos de nuevo al señor Patrick Walker en Madrid, esta vez no con 40 WATT SUN sino con sus legendarios WARNING quienes hicieron las delicias de los amantes del doom de corte más clásico. A muchos no les convenció la propuesta de WARNING, algo en lo que no estoy de acuerdo y es que para hacer doom no es exclusivamente necesario destrozarse las cuerdas vocales, recursos de los que huye Patrick Walker al utilizar los mismos registros que con 40 WATT SUN.

IN THE WOODS salieron a darlo todo, en cierto modo para saldar la deuda que tenían con el festival tras la cancelación del año pasado. Los noruegos visitaban Madrid, por motivos que desconozco, sin los hermanos Botteri a la guitarra y bajo respectivamente, y contando con los servicios de Alex Weisbeek al bajo y Bernt Sørensen a la guitarra quedando como único miembro original sobre las tablas Anders Kobro tras la batería. Los de Kristiansand en un ejercicio de vuelta a los orígenes nos recordaron por qué en los noventa fueron una de las grandes bandas en esto del black de corte más gótico y melódico. IN THE WOODS sonaron realmente fríos, en el buen sentido de la palabra, con un James Fogarty enorme a las voces, dónde no se echó de menos a Jan Kenneth Transeth quien grabó las voces de Heart of the Ages. La inicial “Yearning the Seeds of a New Dimension” seguida de “The Heart of the ages” nos puso a todos firmes y desde el primer momento vimos a una banda compacta, con unos músicos dándolo absolutamente todo, algo que contagiaron a una sala BUT llena hasta la bandera y que disfrutó de una banda harto difícil de ver en vivo.

Los ya más que conocidos del festival, AHAB volvían a la capital del estado esta vez para ofrecer un set basado exclusivamente en el disco “The Call of the Wretched Sea”. Con algún que otro problema previo en uno de los cabezales, los alemanes volvieron a hundirnos en su particular océano doom y volvieron  a demostrar que en esto del doom pocos rivales a batir tienen y en Madrid volvieron a salir por la puerta grande.

El Sábado lo cerrarían los alemanes HAGGARD, banda que a priori desentonaría bastante con la temática musical del festival pero que aún y así ofrecieron un show más que correcto. El show de HAGGARD y sus doce músicos sobre el escenario, los cuales cupieron sin muchos problemas, no estuvo exento de polémica y de poco control de los tiempos por parte de Asis Nasseri. Salieron tarde, Asis perdió mucho tiempo hablando durante el show y presentando a los músicos, algo que propició que de los dos temas que tendrían para los bises solo pudieran tocar uno.

SÁBADO

El Sábado la actuaciones empezarían media hora antes, así que a eso de las tres y veinte de la tarde y con muchísimo público ya en la sala, aparecerían los madrileños AUTUMNAL con la baza de jugar en casa. Hacía mucho que no se les veía en directo y las dudas de cómo se desarrollaría su concierto eran obvias. Pues he de decir que vi  a la mejor versión de AUTUMNAL, y una de las mejores actuaciones del festival a pesar de, injustamente ser los primeros en abrir. Javier de Pablo ( voz ) estuvo espléndido regalándonos todo tipo de registros vocales, desde los lamentos más sobrecogedores a sus característicos guturales que ponían la piel de gallina.

Así pues, delante de un buen número de seguidores, los madrileños abrieron con “A Tear from a Beast” tema que abre también su último trabajo de estudio llamado “The End of the Third Day” ( Cyclone Empire, 2014 ) y que cumplía tres años el pasado Octubre. Con la sobrecogedora “One Step… And the Rest of Our Lives” tanto Oscar como Julio a las guitarras y el enorme trabajo una vez más de Javier a la voces, nos transportaron a su visión decadente de la música y del ser humano. Además de los citados, Miguel A. Gutiérrez ( bajo ) y Ricado de Pablo ( batería ), miembros estables en la banda desde sus inicios, completaban la formación que como digo, firmaron uno de los mejores momentos del festival. Como broche y buque insignia de la banda, Autumnal interpretaron “As Soon As You Die, Kill Me” demostrando que AUTUMNAL siguen en plena forma, aunque Javier que empeñara en decir que estaban viejos para esto. Enormes.

Había muchas ganas de ver a los británicos A FOREST OF STARS y eso se palpaba abajo, dónde cada vez había más y más público. Los de Leeds con Mister Curse al frente, bueno, mejor dicho de lado, y algo nervioso por cierto, sufrieron con el peor sonido del festival, sonando a un volumen ensordecedor y dónde a veces costaba encontrar los detalles como el violín de Katheryne ( ex – My Dying Bride ) o las voces del citado Curse. Vestidos impolutos de época, basaron su propuesta avantgarde-black metal en los temas de su último disco “Beware the Sword You Cannot See” ( Lupus Lounge, 2015  ) tanto con los seis temas que conforman uno sólo y de nombre “Pawn on the Universal Chessboard” como con “Drawing Down the Rain” o “Gatherer of the Pure”.

Uno de los platos fuertes del festival era la actuación de uno de los estandartes del Doom Metal, EVOKEN. Si bien el sonido no fue lo mejor a destacar de la actuación de los de New Jersey, Paradiso y los suyos lograron congregar al mayor número de asistentes de todo el festival, poniendo de manifiesto que son uno de los grandes del género. Como digo , la voz de Paradiso no llegó a escucharse con el volumen que debiera y la caja de Vince Verkay se comía en ocasiones a las guitarras del propio Paradiso y Molinari. A pesar de ello, EVOKEN nos hundieron en la miseria con temas como “ A Tenebrous Vision”, “Tending the Dire Hatred” o “Anthithesis of Light”. Como sorpresa, EVOKEN nos ofrecieron un tema nuevo llamado “Valorous Consternation”, del cual Paradiso aún no lograba recordar la letra. Si a todo esto le sumamos que en la pantalla trasera se proyectó durante el show imágenes de la película “Begotten ( 1990 )” nos da como resultado final la dura experiencia que es ver y escuchar a EVOKEN en directo.

En quince minutos pasamos del Funeral Doom más pesado a la vanguardista propuesta de los noruegos GREEN CARNATION, quienes rubricaron uno de los mejores conciertos del festival. Paradójicamente el de GREEN CARNATION no fue uno de los conciertos más oscuros y pesados del festival, pero si uno de los que más hicieron disfrutar a los cientos de seguidores que les esperaban con muchas ganas. Liderados por el gran ,en todos los sentidos, Kjetil Nordhus ( Tristania, ex Trail of Tears ) a la voz, los de Kristiansand salieron a darlo todo con “A Place for Me” y sorprendiendo a propios y extraños con la calidad del sonido y la potencia emanada desde sus amplis. Tal y como Kjetil nos recordó, era la primera visita de la banda a España, algo que les hacía estar muy contentos.

Con la efusividad de la novedad prosiguieron con “The Quiet Offspring”, “Myron and Cole” y “Crushed to Dust” entre otras demostrando que, aunque no sea una banda prolífica en directo siguen poseyendo unas tablas accesibles a muy pocos.  Por algo son unos de los referentes en la escena noruega, algo que la organización del Madrid is the Dark sabía perfectamente, y que haría del cartel algo aún más exclusivo. Tuvimos la suerte de presenciar el estreno de un nuevo tema en directo llamado “Sentinels of Chaos” y a juzgar por lo visto en la sala BUT , la banda sigue en un estado compositivo envidiable. Tras “Pile of Doubt” y “Writing on the Wall”, Green Carnation finalizaron con uno de los mejores momentos del festival como fue escuchar en directo “When I Was You” dejándonos sin aliento y casi con lágrimas en los ojos. ESPECTACULARES.

Si lo de GREEN CARNATION fue apoteósico ,lo de SATURNUS, quienes sustituyeron junto con TIAMAT a MY DYING BRIDE, no se quedó atrás. Los daneses, grandes amigos del festival, nos ofrecieron una clase magistral de Doom Death melódico cómo sólo ellos saben hacer. Tan solo cinco largos temas fueron los que tuvieron tiempo de desgranar, como fueron la inicial “Litany of Rain”, “ I Love thee”, “Forest of Insomnia”, la brutal “I long” y “Christ Goodbye” dejando de manifiesto por qué son unos de los abanderados del Doom Metal melódico.

 El fiasco del festival llegó desgraciadamente con la presencia y actuación de LIV KRISTINE ESPENÆS quien no supo enfocar su repertorio dentro de un festival con una línea musical muy marcada. Fue un acierto por parte de la organización el contratarla por su aportación al estilo cuando formó parte de los irrepetibles THEATRE OF TRAGEDY, y hubiera convencido si se hubiera limitado a repasar los primeros discos de los noruegos, cosa que apenas hizo con “Venus”, sin las voces de Raymond, algo que podía haber hecho con la colaboración de cualquiera de la decena de vocalistas que por allí se dieron cita, también con “Siren” o con “Image”. Apenas 40 minutos de concierto, recortado por un retraso incomprensible de quince minutos y cual terminó con la versión acapella del “Changes” de BLACK SABBATH. Liv no tuvo su mejor día a pesar de derrochar simpatía y energía sobre todo hacia las primera filas quienes parecían obviar las carencias de un show que enfrió a gran parte del público.

En teoría era el turno de los ingleses MY DYING BRIDE, pero una serie de malas noticias que sólo en el seno de la banda conocen, hicieron cancelar la actuación no sólo en Madrid sino en toda Europa,  del mayor reclamo del festival en todos sus años de existencia. A contrarreloj, la organización en un ejercicio de contratación express logró convencer in extremis a Johan Endlund para que volviera por segundo año consecutivo al festival para suplir el enorme hueco que dejaban MY DYING BRIDE, aún a sabiendas de la pobre actuación del pasado año.

TIAMAT, actualmente compuesto por miembros de PAIN OF SALVATION, THERION o EVERGREY entre otros, nos hicieron olvidar de un plumazo la modesta actuación del año pasado, gracias en parte al sonido y empaque con el que han dotado a la banda de nuevo los miembros actuales de directo. Los suecos quienes basaron su repertorio en dos de sus mejores y aclamados discos como fueron “Clouds” y “Wildhoney” convencieron y de qué manera transportándonos en el tiempo repasando el citado por completo en el mismo orden de edición desde la inicial “In a Dream”, “Clouds”, “Smell of Stars” o “The Sleeping Beauty” la cual volvió a agitar a cientos de cuellos. Cabe destacar que a pesar de que Edlund no esté en su mejor momento ( hace años que no lo está ) cumplió a la voces casi a la perfección aunque eso si, ayudado por las letras impresas que apoyó en un atril que no dudó en plantar junto a su pie de micrófono.

Para los bises harían un repaso más escueto a “Wildhoney”, con “Wathever That Hurts”, “The Ar”, “Visionaire”, “Do You Dream of Me” o la impresionante “Gaia” con la que fue despidiéndose uno a uno de sus compañeros de banda y del público. Impresionante broche de oro a una de las ediciones más ambiciosas de un festival que visto lo visto tiene un público más que fiel para seguir unos años más. Enhorabuena!

Texto: Jero García

Fotografías: Irene Serrano (www.ireneserranophotography.com) Facebook

A continuación puedes ver la galería completa con todas las imágenes del festival:

PARADISE LOST + LUCIFER

05/11/2015 Salamandra, L´Hospitalet de Llobregat

Promotor: Rock N Rock

No hay crónica en la que aparezca Nick Holmes de por medio que no esté exenta de polémica respecto a su registro y capacidad vocal y más desde que ocupa el puesto de vocalista también en Bloodbath (el guitarra Per Eriksson se dejó caer por allí) y desde que Paradise Lost han optado por una vuelta a sus raíces en este nuevo trabajo “The plague within”. Ver a Nick Holmes en directo te hace estar en vilo todo el concierto y temiendo por si salva los muebles o acaba por destrozarlos. Hablaré de ello más tarde, aunque ya adelanto que a pesar de algunas carencias fue un conciertazo. La polémica, una vez más, está servida.

En esta gira de presentación por Europa de “The plague within”, a Paradise Lost les acompañan los berlineses Lucifer, quienes a su vez presentaban su primer trabajo “Lucifer I”. Con algo de retraso sobre el horario establecido por la promotora y todavía con una sala medio vacía, salían a escena Lucifer con la rubia Johanna Sadonis al frente. Cuarenta minutos estuvieron sobre las tablas de la grande de las Salamandra, donde interpretaron temas como “Anubis”, “Sabbath”, “White mountain” donde Johanna negó rotundamente que estuviera dedicada a la cocaína o “Izrael”. Buena dosis, aunque algo lineal, de Rock/Doom de corte ocultista para calentar a una sala que ya se encontraba llena casi en su totalidad.

Es innegable, y a la vista estuvo, que aún existe una legión de fans de los viejos Paradise Lost que deseaban verles de nuevo con aquel sonido Doom Metal que les hizo populares en medio mundo y que parece que con “The plague within” han logrado rescatar. La vista no engaña. Hace tres años, en la gira de “Tragic Idol” en Razz 2, solo lograron llenar media sala y esta vez, en su primera vez en Salamandra casi cuelgan el sold out en la puerta, cosa que han logrado en varias ciudades de la República Checa o Polonia. Ambientazo de lujo para ver a una banda que lleva en activo cerca de treinta años, que ha experimentado todo tipo de sonoridades y estilos musicales y, lo más importante, dejando huella en todas y cada una de sus publicaciones.

El riff inicial de Gregor en “No hope in sight” daba el pistoletazo de salida a un concierto que empezó sonando algo saturado y a un volumen excesivo y que fue mejorando conforme iban avanzando los temas. Tras ellos, una enorme lona que cubría toda la parte trasera muy bien iluminada con la impresión de la putrefacta portada de “The plague within” y dos lonas laterales con parte de la ilustración en ellas. Y en el primer tema surgen las dudas de si Holmes usa ayuda por parte de la mesa a la hora de rasgar la voz o realmente es capaz de hacerlas sin ayuda de la tecnología.

Sea como fuere y a pesar de que Holmes hace tiempo que no llega a las partes más agudas, en esta ocasión se le vio más cómodo y menos desafinado que de costumbre. Obviamente, pocos tienen el privilegio y la suerte de mantener su voz intacta después de treinta años de carretera, pero lo que sigue siendo incomprensible es que a día de hoy todavía busque excusas en diseños (según él) erróneos de fabricación de los micrófonos o el buscar con gestos incoherentes entre bambalinas “algo” inexistente para justificar su incapacidad para llegar a los tonos más altos. Todos somos humanos, señor Holmes, ya le conocemos y volveremos a perdonárselo una vez más, ya no nos es extraño…

Paradise Lost han sido, son y serán una banda estática en el escenario como ingleses que son, exceptuando al gran Gregor Mackintosh, quien sigue haciéndonos gozar con sus extensos y melancólicos solos y a Aaron Aedy quien, una vez más, volvió a dejarse la nuca con sus movimientos engorilados. Por otra parte, un cada vez más “fuerte” Steve Edmonson y su bajo no se movieron de su baldosa y eso sí: labor espectacular la del jovencísimo finés Waltteri Väyrynen, quien también hace las veces de batería en Vallenfyre y quien sustituye una vez más al ocupadísimo Adrian Erlandsson, que sigue de gira con At The Gates. La gente tenía ganas de clásicos y, a la que sonó “Widow”, se desató la locura. Le siguió “The painless”, tema que encaja perfectamente con el set list confeccionado para esta gira, aunque no les temblara el pulso para atacar seguidamente con “Erased”. “Praise lamented shade” es un buen tema, pero considero que relajó los ánimos y es que, extrañamente, Paradise Lost no eligen en esta gira un tema de “In requiem”, sino dos. Ya avisó Nick Holmes que, al que no hubiera escuchado “The plague within”, la noche le parecería una mierda ya que iban a tocar casi en su totalidad el nuevo trabajo; así pues, la siguiente en ser interpretada fue “Victim of the past”, uno de los temas que primero vio la luz en el directo que grabaron hace pocos meses en Plovdid (Bulgaria) para su próximo DVD “Symphony of the lost” junto a la orquesta filarmónica de dicha localidad. Las cuatro primeras notas de “Enchantment” hicieron estallar de alegría al público, y seguidamente un Nick Holmes más hablador y “simpático” que de costumbre avisaba que iban a tocar el tema más rápido y más lento del disco y de los que han compuesto jamás. Así pues, tocaron “Flesh from the bone” donde, perplejos, vimos cómo se originaba un bestial moshpit, sí: un moshpit donde más de uno salió calentito y, seguidamente, la impresionante “Beneath broken earth”, que sonó perfecta y aplastante, dejándonos las venas heladas por momentos.

  

Tema tras tema, le tocó el turno a otra pieza clave dentro de este puzzle Doom como es “As I die” ¡y donde el bajo de Steve sonó espectacular! Para marcharse antes de los bises, segundo tema de “In requiem” y que, a su vez, da título al disco de 2007, donde Nick sufrió lo suyo para llegar.

Fin de fiesta con un bloque de cuatro temas como fueron “Return to the sun” y su coro épico inicial pregrabado, “Faith divides us – Death united us” con el público cantando el estribillo a viva voz, “An eternity of flies” con un Gregor asesino a la guitarra y la (a estas alturas) prescindible “Say just words”, que puso Salamandra patas arriba con una descarga de una hora y veinte minutos, ni un minuto más ni uno menos, para no perder la costumbre.

Posiblemente, de la infinidad de veces que les he visto en directo, y obviamente sin contar con los conciertos de las giras de los noventa, una de sus mejores noches en Barcelona. Por haber vuelto a conquistar al público que habían abandonado hace años, por sonido y por repertorio elegido, definitivamente sí.

Texto: Jero García.

Fotos: Irene Serrano

A continuación, podéis ver toda la galería de imágenes:

MY DYING BRIDE
“FEEL THE MISERY”
Peaceville Records

Un cuarto de siglo siendo el máximo exponente de la tristeza y la miseria humana más absoluta. Un cuarto de siglo viviendo sin querer vivir, muriendo sin querer soñar.

Y en esas andan My Dying Bride con una evolución musical que no conoce grandes fluctuaciones y donde en “Feel the misery” no se aprecian grandes atisbos de cambio. Acaso las guitarras se sienten más pesadas, la distorsión se agudiza y las guturales de Aaron sobredimensionan el canto a la muerte.

Porque uno no siempre siente igual, pero siente, y eso le sucede a My Dying Bride, que expresan su eterna melancolía de forma tan pasional que igual gritan que lloran, que igual susurran que se quebrantan.

Si el disco empieza con un corte titulado “And my father left forever”, dedicada al padre de Aaron, es toda una declaración de intenciones.
“Feel the misery” ofrece en el violín de Shaun McGowan la expresión clásica de sus lamentos; “I almost loved you” bien podría ser la continuación de “For my fallen angel”, conmueve solo con el título y, cuando Shaun decide que hay que dejar la habitación a oscuras, empieza a tocar el teclado con una sensualidad catártica.

Se trata de un trabajo que crece por momentos, que no tiene bajones y en el que Aaron muestra una gran cantidad de registros que lo hacen más protagonista aún; donde guitarras y base rítmica destacan por su fuerza y donde el violín y el teclado te arrancarán más de una lágrima.

Marc Gutiérrez

AHAB
«The Boats of The Glen Carrig»
Napalm Records

«The Boats of the “Glen Carrig”» es una novela de terror fantástico escrita por William H. Hodgson, hace ya más de cien años, a finales de la época Victoriana. Hodgson, contemporáneo e importante influencia del archiconocido H. P. Lovecraft, era un ferviente amante de las temáticas marinas, y algunas de sus obras así lo demuestran. Fue el pionero utilizando “el tentáculo” como elemento de terror, precisamente en la novela epónima que pone nombre al nuevo disco conceptual de Ahab, cuya portada ya dilucida muchos de los elementos que nos encontraremos durante la audición.

Los alemanes van un paso más allá en la dirección que tomaron con “The Giant”, su anterior trabajo, y siguen apostando por una producción mucho más cuidada de lo que viene siendo habitual en el género del Doom Metal. Nos regalan unas cautivadoras letras cargadas de recursos literarios –que ni me atrevo a mencionar–, ejecutadas de manera impecable por Daniel Droste, tanto en las cúspides de los temas, con sus abisales guturales, como en las partes más melódicas, donde hace uso de las voces limpias, teñidas de ese característico lamento que le imbuye a la obra una dulce teatralidad.

Así pues, la intensidad del disco va subiendo y bajando como las mareas, aunque también nos sorprenden con inesperados peñones en mitad de ese inmenso océano que son sus obras; tan despiadadas y bellas como puede serlo el mar.

La aventura arranca evocando un cálido atardecer en alta mar, con unos seductores fraseos de guitarra que, como un canto de sirena, consiguen dejar azocado al oyente desde el el primer segundo, y que rápidamente se ve azotado con implacables oleadas a medida que los botes del Glen Carrig se acercan a la isla donde está varado el naufragado barco, donde la tripulación, liderada por el protagonista de la obra, afrontará terribles encuentros con antinaturales criaturas.

“Like Red Foam (The Storm)”, la única pista que no excede los diez minutos, es una despiadada tormenta teñida de rojo que va amainando hacia el ecuador del tema, y dispone una sonoridad que recuerda a los primeros Mastodon, donde todo se construye a partir de un acorde de potencia, y se va retorciendo muy inteligentemente. En el último corte, curiosamente una bonus track, aguarda un súbito e importantísimo giro argumental que da sentido a la aterradora aventura de John Winterstraw, y que cierra el disco de una manera mucho más coherente que en la edición que carece de este, donde lo hace de una forma demasiado abrupta.

Estamos pues ante la obra magna de Ahab, ya que envidan en la fórmula del éxito sin renegar de su trasfondo, y no se limitan a simplemente amarrar fraseos efectistas, sino que los tejen delicadamente de una manera más “progresiva” en un alarde de creatividad de lo más elogiable.