DVNE + DÉLUGE + SANTACREU
Sala Bóveda, 24.09.2021
Promotor: Madness Live

Más de un año y medio sin ir a concierto en sala. Ya tenía ganas y lo cierto es que las sensaciones eran muy raras. Se me hizo rarísimo acercarme a la entrada de la sala Bóveda y ver vallas, y gente haciendo cola, y personal de seguridad. Se me hizo raro llevar la mochila con la cámara colgada, y disparar frente al escenario, y hacerlo con el público sentado detrás de mí. Pero si os escribo esto es que poco a poco, demasiado poco a poco, las cosas empiezan a volver a una relativa normalidad.

Antes de continuar quisiera acordarme de todos esos promotores, salas, bandas y técnicos a los que no se les ha permitido trabajar durante estos más de 500 días. Y por eso un día como el 24 de septiembre era motivo de celebración porque Madness Live, la promotora del metal por excelencia en España desde hace ya un tiempo, volvía a hacer un concierto en Barcelona.
Abrieron el concierto los locales Santacreu, una banda en auge de Doom / Post que con solo un EP en el mercado, ‘L’oblit’, están dando que hablar. En formato trío con Eugeni a la guitarra y voz, Kandro Ruiz al bajo y Guillem Bosch a batería se presentaron en el escenario con un público que ya casi llenaba el aforo y aunque muchos no los conocíamos, Santacreu nos mostraron la delicadeza de su propuesta con cambios de atmósfera, de tempo, letras en catalán y una puesta en escena, aunque austera, muy eficaz en la que destacó la situación de la batería, en perpendicular al público.

El setlist incluyó dos temas nuevos, “L’absència” y “La llum” para dejar paso a los dos cortes que conforman ‘L’oblit’, “Dins la reminiscencia” y “Tot s’esvaeix”. Con un sonido más que aceptable, la banda sacó adelante su actuación con mucha solvencia y consiguieron nuevos fans. Esperaremos a ver cómo evolucionan porque tienen potencial para ser un nombre importante de su estilo y no hacen más que confirmar que la escena catalana tiene un nivel altísimo.

Reconozco que mi motivación principal en el cartel eran Déluge cuyo ‘Ӕgo templo’ me parece un disco sensacional ¿Cuántas veces has escuchado aquello de que en directo hay que ser capaz de plasmar lo que se graba en disco? Pues bien, Déluge dieron un concierto que, bajo ningún concepto, es lo que se esperaba de ellos. Concierto intenso hasta el punto de no parar ni para dar las buenas noches al público pero que fue de más a menos. Sorprendió la contundencia y la fuerza que imprimieron desde el primer momento, pero a medida que avanzaba su actuación tuve la sensación de estar viendo un tema de tres cuartos de hora al que no conseguía engancharme. Esto se vio agravado por un sonido embarullado que impedía disfrutar de las atmósferas, los matices y la delicadeza de su música.

Por si esto fuera poco, llevan una cantidad de samples y pre grabados que les resta credibilidad, aunque el mayor hándicap de ello es que no se escuchen bien en directo y que solo contribuyan a aumentar el caos sonoro. Si esa es la intención de Déluge en directo, chapeau, sino creo que debería replantearse como plasmar su música en directo. Cuando una banda es mejor en disco que en directo y además no se dirige al público en ningún momento, ni para dar las buenas noches…
Pese a lo equilibrado de su repertorio entre ‘Aether’ y ‘Ӕgo templo’, la banda no supo imprimir el carácter que requerían sus canciones y ni tan siquiera una pieza como “Ӕgo templo” o “Vers” se salvaron de la quema. Una pena.

La mejor forma de curar un descalabro de tal magnitud es con un concierto de Dvne. Con una puesta en escena austera, sin tan siquiera telón de fondo, salieron al escenario con una cosa muy clara: la música debía hablar por sí misma y ser la protagonista del concierto. Y a fe que lo fue.
Casi hora y cuarto en la que demostraron muchas cosas. En primer lugar, el entendimiento entre todos sus componentes sin tan siquiera mirarse tocando una música compleja, técnica y con tantos cambios.

Además la banda tiene muy claro como suenan sus discos y qué deben hacer para sonar igual o mejor en directo y la fórmula es sencilla, mantener una producción limpia y natural. Los temas se sucedían y la inmersión en su música era absoluta. Nos hechizaron con “Court of the matriarch” y siguieron con “Towers” y “Omega severer” entre otros. El público lo agradecía con aplausos y miradas de complicidad. Su exhaustivo repaso a su reciente ‘Etemen Ӕnka’ tuvo tres excepciones en “Thirst”, “Si-XIV” y una descomunal “Of blade & carapace” con la que cerraron una actuación maravillosa. Los detalles, los matices de su música, la importancia de cada instrumentos y la claridad de ideas fueron la clave de su actuación.

Esperemos que la formación comandada por Victor Vicart, Dan Barter y Dudley Tait encuentre la estabilidad con Greg Armstrong al bajo y Evelyn May al teclado y pronto vuelvan por aquí porque la impronta que han dejado es muy satisfactoria.

Texto y fotos: Marc Gutiérrez

DRACONIAN
‘UNDER A GODLESS VEIL’
Napalm Records

Esperaba este disco con ansia pues Draconian siempre ha sido una banda muy especial pero tenía claro que no podía escucharlo en cualquier situación. Johan Ericson siempre ha creado unas atmósferas sobrecogedoras pero no fue hasta ‘Sovran’ que éstas alcanzaron su cenit con la incursión de Heike Langhans a la voz. Admiro el trabajo realizado por Lisa Johansson pero Heike juega la liga de las voces atemporales.

Draconian han afrontado este lanzamiento con el reto de superar un ‘Sovran’ que puso el listón muy alto y para ello decidieron empezar la casa por los cimientos. En primer lugar se han tomado cinco años para ello, siendo el mayor espacio de tiempo entre dos discos en la historia de la banda, y posteriormente recuperando su primero logo, ese diseñado por Christophe Szpajdel. Así las cosas, servidor esperaba una vuelta a las raíces y, efectivamente, me embriaga la emoción de reconocer melodías cercanas a su debut, ‘Where lovers mourn’ y, en menor grado, a su posterior ‘Turning season within’. Obviamente la banda ha ganado en consistencia con una formación que es estable desde 2012 y es capaz de desarrollar una idea musical en base a una cadencia sosegada que detiene el tiempo en «Moon over Sabaoth» donde la voz de Heike queda relegada a un segundo plano de forma magistral para ceder todo el protagonismo a Anders Jacobsson que te conduce a través de una inquietante soledad. Una sabia decisión por parte de Johan para dotar a esta pieza de la atmósfera adecuada.

‘Under a godless veil’ no conoce altibajos. Una producción que es capaz de desnudar emociones mientras Heike se contonea con suma dulzura en un mar de tristeza y desolación se convierte en el aliado perfecto para que viajes en la melancolía de tu yo interior.

«The sethian» reconoce a los Draconian más intensos y agresivos del disco mientras que «Burial fields» incluye la colaboración narrativa de Daniel Neagoe de Clouds. El final del disco es demoledor con «Night visitor» y «Ascend into darkness» que ponen la rúbrica a un trabajo que solo ellos pueden superar. Draconian se encuentran en estado de gracia, ellos lo saben, y yo solo quiero seguir sumergido en este estado catártico que me provocan mientras Heike me hace soñar una y otra vez. Absolutamente maravilloso y preciosista.

Marc Gutiérrez

My Dying Bride es uno de esos nombres que levantan pasiones incontestables, admiraciones sin condiciones y uno de esos nombres que cuando suena la gente se pone seria. Tras una época realmente complicada para Aaron Stainthorpe, y por extensión para la banda, están de vuelta con ‘The ghost of Orion’, un trabajo sobrecogedor que no está dejando indiferentes a sus fans. Charlamos con Aaron y nos deja algunas perlas…

Por Carlos De La Puente

EMPIRE MAGAZINE (EM): Antes de comenzar me gustaría preguntarte ¿Qué tal estás estos días de cuarentena?
Aaron Stainthorpe (AS): Estoy bien, nada mal. Cuando salgo no suelo ver mucha gente normalmente así que hemos encontrado la manera de luchar con esto. Somos una gran familia, así que por el momento estamos bien. ¿Qué tal estás tú?. Pues bastante bien, pasando el tiempo con discos pendientes, videojuegos, películas… Mi padre sale a comprar cada 15-20 días, así que por el momento, estamos todos bien.

EM: Enhorabuena por ‘The Ghost of Orion’, es un disco excelente. Ahora que han pasado
unos días, ¿Cuál es tu pensamiento del disco?
AS: ¡Muchas gracias! Me gusta muchísimo (risas), ha ido bastante bien. Le hemos dedicado bastante tiempo, hemos trabajado bastante en este disco, para hacerlo lo mejor posible. Creo que tiene la mejor producción, lo hemos hecho más accesible para que mucha más gente disfrute de My Dying Bride aunque muchos no lo terminen de contemplar. Ya sabes muchos de nuestros seguidores más antiguos nos dicen que el sonido es terrible, muy limpio, que si le hemos hecho una sobre producción… está bien, es algo que recibimos con cada nuevo lanzamiento. Nosotros escribimos para complacernos a nosotros mismos aunque a veces la gente se olvida de que no lo hacemos para complacer a otras personas, escribimos canciones con las que nos sentimos bien que son las que nos gusta escuchar y con suerte encontramos a alguien que le guste también. El Feedback con los medios y con los fans es fantástico, así que todo está bien en este momento.

EM: ¿Cómo ha sido el proceso de composición?
AS: Ha sido un proceso bastante largo ya que nos tomamos un tiempo de descanso. Andrew grabó todas las guitarras desde el principio y, por otro lado, Shaun MacGowan nuestra violinista, compuso todo el disco y lo grabo. Cuando todo el trabajo estuvo terminado yo empecé a meter las letras y grabé mi parte al final. Fue un proceso largo pero tenemos la suerte de que Nuclear Blast nunca nos pusieron una fecha límite, de hecho, nos dijeron que nos tomáramos el tiempo necesario y que cuando estuviera listo, estaría listo, así que todo perfecto. Si trabajas duro, tendrás muy buenos resultados.

EM: Honestamente no sabría decidir cuál es mi disco favorito de My Dying Bride, diría que sería ‘For Lies I Sire’, aunque ‘Feel The Misery’ o ‘The Ghost of Orion’ también estarían en este punto.
AS: Cuando grabamos un muy buen trabajo, mucha gente se siente igual. ‘Feel The Misery’ tuvo muy buenas ventas, así como muy buenas reseñas en todas las revistas. No creo que ‘The Ghost of Orion’ sea superior a ‘Feel The Misery’ o a cualquier otro, eso no es lo que yo creo, eso más bien es cosa de los fans y de su gusto.

EM: Jeff Singer es vuestro nuevo batería y Neil Blanchett se ha unido a las guitarras.
¿Estuvieron cuando comenzasteis a trabajar en el disco?
AS: Oh, no. Neil se unió después de que el disco fuera grabado, ya para los directos. Jeff sí que estuvo desde el principio ya que nuestro anterior batería se fue el día antes de empezar a grabar el nuevo álbum y eso hizo que se retrasará la grabación. El estudio donde trabajamos nos mencionó a un batería que tenía todo preparado así que simplemente le llamamos. La primera vez que le vimos tocó algunas canciones de My Dying Bride, así que lo hizo bastante rápido, fue un gran trabajo. Neil se unió más tarde y ambos estarán tocando con nosotros en directo y les podrás ver en directo cuando salgamos de gira.

EM: ¿Cómo ha sido trabajar con ellos?
AS: Es genial, son unos chicos encantadores. Conocemos a Jeff desde el principio, es un chico muy amable, padre de familia, muy sensible… Y Neil viene de una banda local, Valafar, una muy buena banda. Neil todavía sigue con ellos así que por el momento tiene dos bandas y es también un chico bastante increíble. Espero que tengamos muchos años por delante juntos.

EM: ¿Te puedo preguntar por tu hija? Más que nada porque mencionaste que fue al estudio con vosotros ¿Cómo te sientes después de todo el tema de su enfermedad?
AS: Ella vino al estudio solo un día, cuando se encontró mejor. Hizo un trabajo genial, de hecho puso algunas letras (ndr: aquí Aaron se puso a cantar) y lo grabamos. No está incluido en el disco, pero sí que estará en un EP que saldrá en unos años.

EM: También tengo entendido que una familiar tuya perdió su fe en la religión ¿Crees que con el tema del Covid-19 mucha gente perderá su fe?
AS: A veces pienso eso, sí. Depende de lo religioso que seas porque un virus como este, por ejemplo, pone a prueba a la gente. A veces la humanidad necesita ponerse a prueba para ponerse en el camino correcto por un tiempo, otros piensan que es cosa de Dios y porqué Dios lanza el virus o porqué le da cáncer a los niños, es una pregunta difícil. No soy una persona anti religiosa, entiendo que hay gente que necesita ir a la iglesia para hacer sus vidas más fáciles; yo no necesito ir a la iglesia, yo necesito más bien a mi familia. Creo que las organizaciones religiosas están bien montadas y tienen billones de dólares, pero en otras partes del mundo hay gente que muere de hambre. Si realmente tanto les preocupará el malestar del mundo ayudarían a esa gente, pero es como funciona el mundo. Pienso que está bien si hay gente que lo necesita aunque también deberías ver que hay gente que no lo necesita.

EM: También la parte en la que si escuchas rock/metal, eres homosexual o incluso te gustan las camisetas rojas, directamente vas al infierno. Pero si eres un violador, asesino o ladrón dices “Dios, perdóname” y aquí como si no hubiera pasado nada.
AS: Sí, es un mundo extraño. Conozco personas religiosas como las que mencionas, pero la mayoría se toma la biblia al pie de la letra, porque a muchos de ellos no les gusta que se lo insinúes. Que creas en Dios no significa que te tomes todo lo que dice la biblia en serio. De hecho, aún no conozco a nadie que tome en serio todo lo que se ha escrito. Es un mundo bastante loco porque si hay alguien que asesina a miles de personas y menciona “oh dios, perdóname”, entonces le perdona y le dice que irá al cielo aunque matará a miles.

EM: Creo que eso no es una religión. Para mí sería más bien que si eres una buena persona independientemente de tu condición sexual, lo que escuches o lo que lleves, irás al cielo pero si eres una mala persona irás al infierno, no habrá perdón.
AS: Sí, eso suena perfecto para mí.

EM: Este 2020 hacéis 30 años como banda. ¿Tenéis planeado hacer algo especial?
AS: No (risas), el problema es Carlos, ahora mismo Andew y nuestro agente están muy  ocupados como para pensar en nuestro aniversario. Quizá organicemos una fiesta o un concierto especial o algo similar, creo que es un buen momento para pensarlo porque ahora con el coronavirus se está cancelando todo, quizás en 2021 celebremos nuestro 31 aniversario, porque este año es muy loco. Muchas bandas están perdiendo dinero con las cancelaciones, no se están realizando giras, es un tiempo bastante terrible. Quizás hagamos algo especial el año que viene, pero este año, de ninguna manera.

EM: ¿Y os plantearíais una gira tocando íntegramente uno de los discos de My Dying Bride?
AS: Eso ya lo hicimos cuando tocamos en el Roadburn Festival, hace unos años. Nos preguntaron si podríamos tocar un disco íntegramente y lo hicimos, y a la gente le gusto. Creo que tocamos bastantes canciones de un disco.
Cuando tienes 30 o 40 discos y tocas durante hora y media, es muy difícil elegir que canciones tocas, así como el elegir que canciones entran de cada disco. Porque tienes muchas canciones que enseñarle a tus fans cuando vas a hacer la gira es bastante difícil elegir qué es lo que vas a incluir en el setlist. Tratamos de meter cosas de toda nuestra carrera, desde el principio hasta lo más nuevo. Es muy difícil hacer feliz a la gente porque se ha tenido que quedar su tema favorito fuera. Lo hemos intentado pero no siempre funciona.

EM: Y si no puedes tocar una canción de un disco a los fans les molesta…
AS: Exactamente. Cuando nos reunimos en la habitación para ensayar, solo tocamos dos canciones de ‘The Ghost of Orion’, «Your Broken Shore» y «To Outlive the Gods» porque con esas dos ya se nos van 15 minutos de reloj. Eso es lo que nos pasa con cada álbum.
Cuando un fan nos dice que toquemos 5 canciones del nuevo disco siginifica que no podríamos tocar ninguna de nuestras canciones más clásicas. Necesitamos tocar de la mayoría de nuestros discos, es algo que les pasa a todas las bandas.

EM: Este 2020 también tenemos un nuevo disco de Paradise Lost. ¿Habéis planeado hacer
una gira conjunta?
AS: Si, no veo el porqué no. Somos muy amigos de Paradise Lost desde sus primeros ensayos, antes de que salieran a tocar en directo, antes de que grabaran su primer trabajo. Nos conocemos de hace muchos años, estamos con el mismo sello discográfico y ambos tenemos nuevos trabajos. Creo que podríamos hacer algo juntos, será genial.

EM: En verano estaréis en el Rock Fest Barcelona, si no se cancela ¿Qué me puedes contar de ese concierto?
AS: Si llega a realizarse… aún no sé si se ha cancelado. Ha pasado bastante tiempo desde la última vez que tocamos en España, no puedo hablarte mucho de este concierto, es otro festival. Este año solo tocaremos en festivales pero no habrá gira de My Dying Bride este año porque ha pasado bastante tiempo y preferimos ir más tranquilamente. Estamos trabajando en un tour como cabezas de cartel el año que viene y por supuesto España estará incluida, este año solo festivales, si no se cancelan porque este virus es terrible.

EM: Hablando de conciertos, en 2018 ibais a venir al Madrid is the Dark. ¿Hay algún indicio para venir este 2020?
AS: Tengo que hablarlo pero creo que aún no está confirmado, tengo un email mencionando ese concierto, pero creo que nuestro tour manager está negociando con ellos. Sería genial pero aún no lo sé, estamos a un 50% que si o que no.

Golgotha son uno de los grupos clave que se citan cuando hablamos de la historia del Metal en nuestro país. Formados en 1992 por Vicente Payá, desde entonces han predicado su visión de la humanidad a ritmo de un Doom/Death Metal muy pesado. Tras sus idas y venidas en la formación y varios lanzamientos en su haber, este 2019 regresan más fuertes que nunca con un nuevo trabajo llamado ‘Erasing the Past’. Este es el nuevo lanzamiento de Golgotha tras 15 años y está compuesto por ocho cortes que presentarán oficialmente en Catalunya. Será su regreso a la provincia de Barcelona tras su última incursión en 2006, donde actuaron en la tercera edición del Kanya!!! Extreme Fest.

Formación:
Vicente – Guitarra
Amon – Voz
Tomeu C – Batería

Localidad natal:
Palma de Mallorca

Contacto con la banda:

http://www.golgothaofficial.com

vinte.paya@gmail.com

MADRID IS THE DARK VII

Sala But (Madrid)

Texto: Jero García
Fotos: Irene Serrano (http://ireneserranophotography.com/)

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Mientras que en el resto del país se suceden los tira y afloja por parte de los grandes promotores y los billetes pasan de unas oficinas de contratación a otras en cuestión de horas, en la capital hay un pequeño reducto que sigue haciendo su camino sin mirar lo que hacen estos, únicamente centrados en la idea que les mantiene vivos después de siete ediciones, y que no es otra que la de confeccionar año tras año un cartel que a los seguidores del Doom, Death, Gothic, etc ( añadan ustedes el resto de etiquetas ) les agrade como para acercarse año tras año al centro de Madrid en el frío puente de Diciembre, aunque este año no lo haya sido tanto.

Y vaya si lo consiguen. No hay año que el cartel no contenga nombres lo suficientemente atractivos como para perdérselo y congregar a su siempre fiel y cada vez más nutrida parroquia. Y es que Jose Luis y Tana ( las cabezas pensantes del MITD ), saben muy bien con quien contar y sobre todo, para quien.

En la noche del Jueves 5 de Diciembre y a unas pocas horas del arranque del festival, se rumoreaba y volaban los mensajes a través de los distintos servicios de mensajería, de que la banda Saor había cancelado su actuación debido a problemas con su vuelo, algo que la organización en la mañana del viernes confirmó en redes sociales ( y van van tres veces en nuestro país ). Debido a la huelga de controladores aéreos y los violentos altercados ocurridos en Francia, el espacio aéreo francés quedaba bloqueado y algunas aerolíneas no pudieron volar, como EasyJet en este caso, impidiendo hacerlo a Andy Marshall y sus Saor desde Edimburgo, algo que afectaría también a su actuación en el festival luso Under the Doom, dónde iban a tocar al día siguiente.

Sin ningún margen, ni tiempo de reacción para encontrar a una banda que les sustituyera, la única opción por parte de la organización fue la de darles diez minutos más a Hamferd, Daylight Dies y Borknagar, algo que a duras penas se cumplió.

Viernes 6 Diciembre

 Los primeros en inaugurar esta séptima edición fueron los barceloneses Obsidian Kingdom, con su vanguardista propuesta musical y quienes presentaban numerosos cambios en su formación. Por un lado Jade Riot Cul ( Ex Persona ) a los samplers, y por otro Dani ( ex – Lux Divina ) a la guitarra, ocupando temporalmente el puesto de Eaten Roll I la cual no viajó a Madrid en esta ocasión. A las cuatro de la tarde y ya con muy buena entrada, Obsidian Kingdom se disponían a quitarle el precinto al festival con el hándicap de tener que darlo todo ante un público que aún tenía el café por digerir…

Tras la enigmática introducción por parte de Jade Riot Cul reventando samplers como quien exprime un limón hasta la última gota y dañando nuestros tímpanos con un muro de frecuencias endiabladas, sonaron las primeras notas de “The Kandinsky Group” perteneciente a su último trabajo “A Year With No Summer” bajo un manto de graves desproporcionados y caóticos loops asesinos como solo ellos saben crear.

La banda, consciente de que tenía que darlo desde el minuto uno, demostró tener el poder de aceleración de un coche de carreras, poniéndose de cero a cien en pocos segundos. Así pues, vimos a un convulsionado Rider G Omega ( voz y guitarra ), con una ganas terribles de comerse el escenario, elevando su guitarra por encima de su cabeza ya en los primeros compases, a Om Rex Orale al bajo quien en “Ball-Room” ya se encontraba de un salto entre el público aporreando las cuatro cuerdas mientras algún que otro atrevido seguidor le abrazaba impregnándose del sudor del barbudo bajista. Dani, más comedido, observaba desde su posición derecha y mientras machacaba su guitarra, como el entregado público les estaba recibiendo, mientras Jade Riot Cul ( samplers ) no paraba de hacer headbanging y saltar fuera de sí sobre el escenario, mientras de espaldas sonreía a Ojete Mordaza II tras los parches. Tan solo tres temas de “Mantiis” como “Ball-Room”, “Cinnamon Balls”, “Last of the Light” y dos de “A Year With No Summer” como la citada “The Kandinsky Group” y “Black Swan”, con el vídeo del propio tema proyectado en la pantalla trasera de leds, más dos temas nuevos aún sin titular y que formarán parte de su próximo disco, fueron los que ocuparon los cuarenta minutos asignados. Obsidian Kingdom están de vuelta, y de qué manera!

Lo de Hamferđ posiblemente se podría catalogar como una de las mejores actuaciones del festival. Impresionante lo de esta banda procedente de las lejanas Islas Feroe. Vestidos impolutos de traje y manteniendo una actitud fría, solemne y distante hacia el público, los feroeses con su increíble vocalista Jón Aldará al frente ( también vocalista en los finlandeses Barren Earth ), nos derrumbaron anímicamente con su Doom Death profundo, lánguido y desalentador. La versatilidad vocal de Jón se puso de manifiesto en temas como Deyðir varðar del primero de sus dos álbumes,“Evst” . Es increíble la facilidad con la Jón se paseaba vocalmente entre los registros líricos más delicados y limpios a los guturales más profundos en el tiempo de un chasquido de dedos, dejándonos completamente atónitos.

 Difícil lo tuvieron Daylight Dies para igualar lo que Hamferđ acababan de hacer. Los norteamericanos visitaban de nuevo el festival tras su actuación allá en el lejano 2011 presentando el magnífico “Lost to the Living”, algo que no han olvidado como bien recordó Nathan Ellis dirigiéndose al público. Los primos lejanos musicales de Katatonia u October Tide se centraron basicamente en “Dismantling Devotion” y en “A Frail Becoming”. No gozaron de muy buen sonido, algo que empañó su actuación.

 Había muchas ganas de ver a los noruegos Borknagar en directo en su primera actuación en Europa tras la reciente publicación del magnífico “True North”, uno de los mejores trabajos editados en este 2019 que ya termina. Pero nada más lejos de la realidad. A los de Bergen, les faltó pegada y credibilidad, además de nitidez y una mejor ecualización, algo de lo que carecieron durante casi todo su show. No voy a criticar la actitud de Simen ya que es harto conocido por su dejadez y pachorra sobre el escenario, pero sí el hecho de no dejarse aunque sea “un poco”, sólo pido “un poco”, la piel sobre el escenario. No vale con plantar en el monitor la pezuña y permanecer gran parte de show tan sólo centrado en el instrumento. Credibilidad, señores.

Incomprensiblemente, “True North” no fué el disco más representado esa noche, del cual sólo interpretaron las magníficas “The Fire That Burns” y “Up North”. Por raro que parezca, “Quintessence” y “The Archaic Course” tuvieron más notoriedad en el set list, relegando al olvido “Empiricism” o “Universal”. Mención importante para Lars “Lazare” Nedland ( voz, teclados y ex – mil bandas noruegas de Black Metal ) quien apoyó en las líneas vocales limpias a Simen, aunque en ocasiones el volumen de la misma se veía enterrada entre capas de guitarras o los gorgoritos del propio Simen. A todo esto, Bjørn Dugstad Rønnow ( batería ) y Jostein Thomassen ( guitarra ), y recién incorporados a la banda, veían como un serio Øystein G. Brun ( guitarra y fundador de la banda ) se miraba de reojo a Simen en los temas donde esporádicamente se iba de tiempo con sus característicos gorgoritos, demostrando a pesar de ello su gran capacidad vocal. Sabor agridulce el que nos dejaron los noruegos.

 El broche final de la primera jornada lo pusieron los franceses Alcest, quienes han vuelto a conquistar el trono que habían perdido con “Shelter” y que han recuperado con “Kodama” pero sobre todo con “Spirit Instinct”. Incomprensiblemente, Alcest nos desconcertaron haciendo una escueta prueba de sonido delante de todos nosotros tocando sin previo aviso y casi hasta la mitad “Là où naissent les couleurs nouvelles”. Con la sala But a reventar, los de Neige no fallaron y nos volvieron a enamorar con su evocador black-shoegaze en un concierto que, si bien fue escaso, rozando los sesenta minutos, convencieron a un público que no dejó de reaccionar a cada primera nota de cada uno de los temas que interpretaron. Zero ( guitarra ) volvió a copar toda la atención con su imponente presencia, pero sobre todo por su magnífica labor a las segundas voces integrándolas perfectamente y al unísono con la de Neige, creando esas líneas vocales tan características en ellos.

Abrieron de entre la penumbra con la preciosa “Kodama” para seguir con los dos hitazos de “Spiritual Instinct” como son “Sapphire” y “Protection”. También de “Kodama” cayó “Oiseaoux de Proie” y seguidamente “Autre Temps” provocando un Oh! por parte del público dejando claro que era uno de los temas más esperados. No podía faltar la emotiva “Percées de Lumière”, una de las mejores composiciones de los franceses. El punto y final lo pusieron con “Là où naissent les couleurs nouvelles” y con “Délivrance” del denostado “Shelter” tema con el que siempre cierran desde su publicación allá por principios de 2004.

Sábado 7 de Diciembre

El cansancio y los excesos de la noche anterior hacían mella en una sala But, con una hasta el momento, tímida asistencia. Eran las tempranas tres y veinte de la tarde cuando el proyecto en solitario de Jayn Maiven llamado Darkher, aparecía de entre las sombras y con un tétrico bosque en el ocaso proyectado en la pantalla trasera. En formato dúo y con C. Smith a la batería y totalmente encapuchado, la enigmática vocalista y ofreció algo más de media hora de etéreo doom pesado hilado con su espectral y frágil voz, repasando “Realms” su único disco de estudio hasta la fecha y editado en 2016, con temas como “Buried Pt I y II”, “Foregone” o “Wars” con la que acabaron repentinamente y con una tímida despedida, casi sin mirar al público. Todo un lujo disfrutar de una de las apuestas del sello alemán Prophecy Productions en nuestro país pero que supo a poco, muy poco.

Otros que estuvieron a punto de cancelar su actuación por culpa de los vuelos fueron los alemanes Disillusion, pero por suerte para todos, sólo se quedó en un susto.

No gozaron de un sonido cristalino, algo que pareció no importar a aquellos que veían a la banda por primera vez aquí, banda que se dejó la piel y que emanó euforia en cada gesto que realizaban. Disillusion estaban emocionadísimos de volver a los escenarios y se notó nada más empezar con la gran “ Wintertide” de su último trabajo llamado “The Liberation” interpretandola como quien sube por primera vez a un escenario. Sin bajo conocido, tres guitarras en el escenario y comandados por el veterano Andy Schmidt, Disillusion demostraron ser una factoría de auténticos hits, nadando entre el death de corte más progresivo a temas más accesibles y “toca-patatas” como “A Shimmer In The Darkest Sea” también de su último trabajo. Con una despedida emocionadísima por parte de la banda, los alemanes ya son historia del festival y serán recordados como aquella perlita que nos regaló la edición de 2019.

 Este año el Funeral Doom de libro estuvo representado por los británicos Esoteric, quienes ya estuvieron en la segunda edición del festival. Con “A Pyrrhic Existence” recién editado y fiel candidato a entrar dentro de los tops anuales en los medios especializados, los de Greg Chandler y Gordon Bicknell nos hundieron en la miseria con tan solo tres temas, “ Rotting in Derelicition” y sus casi 16 minutos y perteneciente a su último trabajo, “Stygian Narcosis” del “The Pernicious Enigma” y “ Culmination” también de “A Pyrrhic Existence” y sus nada más y nada menos que diecinueve minutos de asfixia. Toda una angustiosa experiencia el sentir y contemplar in situ cómo inexplicablemente entran con la precisión de un reloj suizo en cada espaciadísimo golpe de caja. Tremendos.

 Los noruegos In The Woods…quienes ya son como de la familia en el Madrid is the Dark, volvían al festival por segunda vez tras su actuación en 2017, previa cancelación por enfermedad en 2016, con un concierto arrollador.

Tras la marcha de los hermanos Botteri y con media formación renovada, los de Kristiansand y con un “chisposo” y parlanchín en un más que digno español, James Fogarty a las voces, quien sospechamos se bebió la mitad del catering,  salieron a matar con un fantástico repertorio donde no faltaron “Heart of the Ages” que revolucionó a la sala por completo o “299 796 km/s” del fantástico “Onmio”. Con ayuda o no, los noruegos se calzaron un conciertazo de black-doom como sólo ellos fueron capaz de crear allá por 1995, con un derroche de energía y entrega hasta ahora escaso en las casi dos jornadas de festival que llevábamos a las espaldas, algo que contagiaron a todos los allí presentes. Se ganaron con creces la gran ovación que el público les brindó. Como si vienen cada año.

Uno de los retos de la organización cada año es traer a una banda que en los noventa tuviera peso dentro de la escena Gothic-Doom. Si el año pasado contaron con Liv Kristine Espenaes ( a modo de recuerdo ) por haber sido parte de los grandes Theatre of Tragedy ( actuación que no ha pasado a la historia como un hito, la verdad sea dicha ), este año, aprovechando el 30 aniversario de la formación como banda y con mejor suerte, contaron con The Gathering, banda que pocas presentaciones necesita. Lo malo? Y que conste que es una opinión personal; The Gathering sin Anneke van Giersbergen no son The Gathering. Yo lo siento pero hay veces en que una retirada a tiempo es una victoria y eso es lo que tendrían que haber hecho después de la marcha de Anneke.

Es frustrante para nosotros ( no sabemos si también para ella… ) el ver cómo Silje Wergeland ( ex-Octavia Sperati y quien lleva ya diez años en el combo holandés y con discos editados muy dginos ) se limita a imitar absolutamente todos los gestos de la inimitable Anneke, voz, movimientos y hasta el corte de pelo! Y que ojo! No lo hace nada mal, pero la sensación y vuelvo a repetir, es una opinión personal, es la de estar viendo a una imitadora. Eso no quita, por supuesto, que fuera un concierto más que digno y con unas tablas y experiencia como músicos que nadie osa negar; recordemos que los músicos siguen siendo los de la formación original  A quién no se le escapa una lagrimilla al oír en directo “Saturnine”, “Eléanor”, o “On Most Surfaces” del impresionante “Nighttime Birds”? Demostraron veteranía y saber hacer, algo que no se les puede reprochar en directo. Aparte de los mega conocidos “Mandylion” y “Nighttime Birds” hubo tiempo para hacer un pequeño muestreo de toda su discografía, obviando “ Always…” y “Almost a Dance”, con guiños a “How To Measure a Planet” con “Probably Built in the Fifties” y “Great Ocean Road” o a “If Then Else” con la ya nombrada “Saturnine” o “Analog Park”. El fin de fiesta vino de la mano de “I Can See Four Miles” y su catártico final con el carismático guitarrista René Rutten atravesando con el mástil las ondas de su Theremin creando enfermizas frecuencias. Bien, pero con sabor agridulce.

 La esperada guinda del pastel, la pusieron los veteranos y unos de los pioneros de todo esto, Paradise Lost. Otros que no necesitan presentación alguna.

Con la continuación de “Medusa” recién grabada en los Orgone Studios de la mano de Jaime Gómez Arellano ( productor ) y según ellos con un sonido más ecléctico, los de Halifax aterrizaban por primera vez en el festival, algo que muchos estábamos pidiendo a gritos desde hace años ( veremos el año que viene si nos dan la alegría que todo seguidor del Doom Metal estamos esperando…ejem ).

Con la sala But a reventar como no se había visto en todo el fin de semana, y con las primeras notas de “Enchantment” la sala literalmente se vino abajo cantando eso de: Like a fever, fever –  inside of me!

A Nick Holmes se le vió cercano, dentro de su perpetuo distanciamiento con el resto del mundo, ya sabéis que esto va según el día, bromeando incluso hasta más que de costumbre. Aaron Aedy aporreó hasta la saciedad su rítmica siempre fiel escudero de ese AMO absoluto de las melodías llamado Gregor Mackintosh quien exultante acaba de dar vida a su nuevo proyecto Strigoi ( muy recomendable ), mientras dos pasos atrás y al bajo teníamos al cada vez más estático ( por si ya no lo era suficiente ) Steve Edmonson y al fondo al jovenzuelo finlandés de oro Waltteri Väyrynen, a quien pudimos ver hace pocos días haciendo lo propio con sus colegas Finntroll en el Damask Fest de Hospitalet de Llobregat.

Pocos peros a un repertorio que repasó gran parte de su intachable discografía, paseándose por “Shades of God” con ese atemporal “As I Die” ( algunos osados pedían a gritos “Pity the Sadness”…), “Isolate” y sus tufo eléctronico o “Beneath Broken Earth” destrozando cualquier atisbo de esperanza o la brutal “Faith Divides Us – Death Unites Us”. Traca final con la siempre celebrada “Say Just Words” que cayó como lluvia en noche asfixiante, “No Hope in Sight” de esa obra maestra que es “The Plague Within” y “The Last Time”. Así se cerró la más exitosa de todas las ediciones del festival tanto por público como por calidad en las contrataciones. Nos vemos en 2020!

Hace ya ocho años que descubrí a Hamferð, cuando, con tan solo un EP, abrieron la gira de Moonsrrow y Týr. Desde entonces la banda ha crecido y ha madurado un sonido que recorre la esencia del doom. Este fin de semana están tocando en el Madrid is the Dark y hemos querido charlar con Jón Aldará sobre el presente de la banda y situar a la banda en la insularidad que supone vivir en Islas Feroe.

Por Marc Gutiérrez

EMPIRE MAGAZINE (EM): Os vi por primera vez cuando estuvisteis tocando en Barcelona en 2011 con Moonsorrow y Týr ¿Qué recuerdas de aquellos viejos días y de tu paso por Barcelona?
JÓN ALDARÁ (JA): Fueron tiempos maravillosos, fue nuestra primera gira por la Europa continental y Barcelona fue maravillosa en todos los sentidos. Como suele ser el caso, teníamos el tiempo limitado para disfrutar de la ciudad, pero nos las arreglamos para pasar una agradable velada y comer comida increíble en Gauchos, un restaurante local. Algunos de los chicos estuvieron en el mismo restaurante en sus vacaciones y dicen que era tan bueno como la primera vez. ¡Gracias por la publicidad gratuita, Gauchos!

EM: Esta semana estáis tocando en el Madrid is the Dark ¿Qué podemos esperar de vuestro concierto?
JA: Una procesión fúnebre del Norte oscuro. Además, han pasado muchas cosas desde que visitamos Madrid por última vez hace ocho años por lo que aquellos que nos vieron entonces pueden esperar una gran evolución. Ahora sonamos más pesados y agresivos que nunca y esperamos poder demostrarlo.

EM: ¿Por qué utilizáis uniformes en el escenario? ¿Qué queréis reflejar?
JA: La respuesta fácil es empezar como en la pregunta anterior, diciéndote que se trata de un funeral. Una de nuestras inspiraciones cuando empezamos fue el aspecto sombrío de muchos salmos que se cantan en los funerales aquí, en Islas Feroe y la estrecha relación que los feroenses tienen con la muerte. Es por eso que nos pareció adecuado arreglarnos para deprimirnos.

EM: Creo que eres uno de los mejores vocalistas del género, especialmente cuando utilizas voces limpias ¿has tomado clases de canto? ¿sabes en todo momento cuando utilizar guturales y cuando meter voces limpias?
JA: Gracias, eres muy amable. No he estudiado ni he tomado clases de canto, aunque espero poder hacerlo pues tengo mucho que aprender aún. Utilizo voces limpias o guturales dependiendo de mi estado de ánimo y de la composición de la música. A menudo grito para expresar las emociones más primitivas y oscuras como la locura o la agresión por lo que también depende de la letra.

EM: Vuestro más reciente lanzamiento es un EP llamado ‘Ódn’ que incluye dos temas en directo, aunque creo que la que da título es nueva. Si estoy en lo cierto ¿por qué la habéis editado por primera vez en directo?
JA: ‘Ódn’ es, en realidad, nuestra canción más antigua. Esa es la canción con la que empezamos Hamferð pero nunca la editamos de forma oficial. Solo la hemos tocado en directo y aunque lo hemos intentado, nunca hemos podido capturar la magia de la canción en estudio. Por eso, simplemente, hemos decidido grabarla en un concierto en Islas Feroe y lanzarla en este formato.

EM: ¿Crees que vuestra música es una extensión de vuestras costumbres, tradiciones y clima?
JA: Sin duda son algunas de nuestras influencias. Tanto el concepto musical como lírico están fuertemente influencias por la historia feroense, la mitología y la naturaleza. Nuestra cultura es muy rica y profunda pues hemos vivido aquí durante más de mil años y la oportunidad de explorar e interpretarla a través de nuestra lente metálica es única y supone un auténtico privilegio.

EM: Hace unos meses entrevisté a Helevorn, de la isla de Mallorca, y les pregunté por la insularidad y como afecta al desarrollo de la banda en términos de composición, ritmo de vida, conciertos y viajes…
JA: Los viajes para los conciertos definitivamente afectan a nuestra vida porque normalmente necesitamos días extras para cada viaje y eso afecta a nuestros trabajos y responsabilidades más de lo que nos gustaría. Afortunadamente Islas Feroe tiene un gran sistema de ayuda que permite a los artistas feroenses solicitar fondos para volar cuando tienen que tocar en el extranjero y sin duda es una gran ayuda!
La insularidad está muy arraigada a nuestra sociedad y a nuestro estilo de vida y, aunque hemos adoptado muchos valores y tecnología de la Europa occidental en las últimas décadas, creo que la sociedad feroense está muy influenciada por el entorno único y de aislamiento por lo que eso siempre se filtrará dentro de nuestra música.

EM: Tenéis contrato con Metal Blade que, inicialmente, es una discográfica que tiene poco que ver con vuestro estilo de música ¿cómo es trabajar con ellos? ¿Firmar con ellos tuvo que ver con ganar el WOA Metal Battle?
JA: Tenemos una gran relación con Metal Blade, son gente apasionada y dedicada que aman todo tipo de metal. Yo también tuve algunas dudas al principio porque Metal Blade son conocidos por estilos de metal más clásicos / tradicionales pero hoy por hoy no me preocupa estar en un estilo u otro de música. Firmamos con ellos en 2017, cinco años después del Metal Battle, por lo que ambos hechos no tienen relación directa aunque seguramente ayudó.

EM: ¿Tenéis planes de grabar pronto un nuevo disco? Si es así, ¿puedes darnos algunos detalles?
JA: Sí, estamos trabajando en un nuevo disco pero todavía se encuentra de una fase bastante embrionaria por lo que no puedo explicarte gran cosa. Queremos seguir fieles a nuestra interpretación del alma feroense pero estamos viendo muchas posibilidades diferentes en nuestro sonido. Al final tendremos que ver donde nos lleva todo el proceso creativo.

EM: ¿Cómo está la escena metal en Islas Feroe en estos momentos?
JA: En estos momentos la escena metal no está en su mejor momento. Tuvimos una fuerte oleada de bandas hace unos años pero ahora tenemos a unas cuantas bandas de metal y rock que están inactivas, incluyendo a la banda de folk Hamradun y a Ótti, la banda de post metal inspirada en los salmos, y que recientemente editaron discos y en los que hay miembros de Hamferð. También hay una joven banda de nu metal cristiano llamada Impartial que lanzó unas cuantas canciones a través de youtube y son muy prometedores por la alta calidad que muestran (pese a lo dudoso del estilo musical)!
Y, por supuesto, Týr siguen siendo la banda más grande que ha salido de las Feroe y además han editado disco este año. Para un país de 50.000 habitantes la producción es bastante abundante.

EM: Jón, sé que habéis estado en contacto con un promotor español para actuar con Barren Earth pero finalmente no ha sido posible acabar de cuadrarlo ¿hay opciones de ver a Barren Earth en España?
JA: Barren Earth está descansando en estos momentos pues todos estamos muy ocupados con otras cosas así que no puedo prometerte mucho. Eso sí, nos encanta tocar Suomi-Feroese death-prog para la gente así que si recibimos una buena oferta siempre estaremos interesados!

EM: Y para acabar me gustaría saber que discos están en tu top de 2019.
JA: Creo que ha salido muy buen material este año y muy interesante aunque no he tenido mucho tiempo de escuchar música. Algunos discos que he catado con ‘The Liberation’ de Disillusion y ‘True North’ de Borknagar. La lista de discos en espera es enorme y espero sumergirme pronto en los excitantes discos de Blood Incantation, Wilderun, Tomb Mold, Mayhem, Kull, Xoth y muchos más. Tengo pendiente también la nueva remezcla de ‘Cruelty and the Beast’ pues será una grata experiencia escuchar esos temas clásicos con una producción más potente!
Sé que los otros chicos de la banda han sucumbido a los nuevos discos de Tool, Leprous e Idle Hands.

SWALLOW THE SUN + OCEANS OF SLUMBER + AEONIAN SORROW
28.04.2019, Sala Bóveda, Barcelona
Promotor: Madness Live

Apenas sin descanso de su gira por Estados Unidos junto a sus compatriotas fineses Wolfheart, Swallow the Sun aparcaban de nuevo su autobús de gira en Barcelona cuatro años después de visitarnos con «Songs from the North» y precisamente con Wolfheart también de teloneros.

La banda de Juha Raivio venía a presentar el flamante «When a Shadow is Forced Into the Light» el cual viene a ser el terrible duelo que está sufriendo su líder y compositor a raíz de la muerte repentina de su prometida Aleah Starbridge (Trees of Eternity), en forma de tributo.

En esta primera fecha, e imperdible para los seguidores del Doom Metal Melódico, los de Jÿvaskÿla vinieron flanqueados por los greco-finlandeses Aeonian Sorrow y los texanos Oceans of Slumber a quienes ya vimos por nuestros escenarios teloneando a Enslaved hace casi tres años y presentando su flamante segundo disco «Winter».

Cuando Aeonian Sorrow hicieron sonar los primeros compases de «Forever Misery» aún estábamos por entrar, habiendo delante de la banda liderada por Gogo Melone y Ville Rutanen apenas 30 personas. La banda, de reciente creación y con sólo un álbum en el mercado de nombre «Into the Eternity a Moment We Are» desgranó cinco de los temas que lo componen casi en el mismo orden de publicación. Lo suyo es Doom Death de libro dándose la mano sin tapujos con los primeros Draconian, dónde la dulce y potente voz de Gogo Melone y los guturales de Ville Rutanen nos hicieron sucumbir en la mayor de las miserias. «Shadow Mourn» sonó densa, aplastante, demoledora, con un conjunto vocal estremecedor y aderezado con los densos riffs de los impasibles Jukka Jauhiainen quien pudo comprobar a golpe de botella el buen vino que se bebe en estas tierras y del intimidante Taneli Jämsä. A la batería tendríamos a toda una institución dentro del Doom Metal como es el rumano Daniel Neagoe, vocalista en Clouds, Obseqvies, Eye of Solitude, e, incomprensiblemente no contarían con Pyry Hanski al bajo.

El resto del repertorio escogido para la actual gira europea lo formaron «Under the Light», la preciosa «Memory of Love» e «Insendia» con la cual rubricaron una actuación que hizo las delicias de un público por entonces escaso, aunque satisfecho. Posteriormente tanto Gogo como Daniel se acercaron a su puesto de merchandising a saludar a todo el que se acercara, demostrando ser unos músicos atentos y cercanos con sus seguidores.

Cuando Oceans of Slumber aparecieron en el alto escenario de la sala Bóveda, la sala ya presentaba un mejor aspecto, aunque a ellos les tocó la china con el sonido.

Los de Texas presentaban su último disco de estudio «The Banished Earth» editado a través del sello Century Media sin apenas difusión mediática, en Marzo del año pasado, aunque abrieron con «Sunlight» de su aclamado anterior álbum «Winter» con el cual acompañaron a Ne Obliviscaris y Enslaved en su último periplo europeo. La cálida y portentosa voz de Cammie Gilbert nos acompañó en los cuarenta escasos minutos que estuvieron deleitándonos con su original propuesta, mitad metal progresivo, mitad metal de corte más denso y envolvente. El sonido, como digo, no fue lo mejor de la noche. Las guitarras de los recién incorporados a la banda, Jessie Santos y Alexander Lucian no se apreciaron todo lo limpias que hubiéramos querido y debido a ello el show quedó un tanto empañado. Aún y así es difícil no apartar la vista de la elegante y sensual Cammie quien con su voz nos puso la piel de gallina en la impresionante «The Banished Heart» tema que da nombre al último trabajo de los de Houston y que tiene todos los números para convertirse en uno de los buques insignia de la banda. Con «At Dawn» y la espectacular «No Colour, No Light», Cammie y los suyos se despidieron esta vez con una gran ovación, y es que se notaba en el ambiente que había mucho público entusiasmado que se acababa de estrenar con ellos en directo.

Por si aún hay algún despistado, es de recibo recordar que el último álbum de Swallow the Sun, «When a Shadow is Forced Into the Light»editado el pasado Enero, son todos los sentimientos volcados y luchas internas por las que ha tenido que enfrentarse Juha Raivio (guitarra y principal compositor) después de la injusta y prematura muerte de su prometida Aleah Starbridge (Trees of Eternity, 1976-2016), algo que a día de hoy obviamente no ha superado.

A raíz de la muerte de Aleah, surgió la banda Hallatar, un tributo a su persona con Juha como guitarra y bajista, Tomi Joutsen de Amorphis a la voz, y Gas Lipstick de HIM a la batería, aunque esto es otra historia…

Bajo un espeso manto de humo, teñido de un potente color azul y sin ningún foco que les iluminara sus encapuchados rostros, y mientras sonaban los primeros compases de «Lumina Aurea», single de trece minutos editado como adelanto al nuevo trabajo, aparecieron sigilosos uno a uno los seis miembros para atacar directamente con «When the Shadow is Forced Into the Light» tema que da título y abre el nuevo trabajo, un trabajo en el que tanto en estudio como el directo, se puede palpar todo por lo que la banda ha pasado estos último años con su amigo y compañero.

Al frente Mikko Kotamäki a la voz se mostró impasible, frío, estático algo que ya es seña de identidad propia y de la banda, demostrando una vez más que sus registros vocales tanto limpios como rasgados eran capaces de volver a resquebrajarnos por dentro. Todas las miradas se dirigieron obviamente a la derecha, dónde Juha Raivio siempre se posiciona, quien se mostró con una energía y una rabia contenida cómo pocas veces le hemos visto, y es que no debe ser plato de buen gusto recordar cada noche las palabras que le has dedicado al amor de tu vida, un amor al que nunca volverás a ver.

Seguidamente y casi sin darnos cuenta, atacaron con «Lost and Catatonic» única pieza elegida de «Songs from the North», con eso si, la voz de Kotamäki, algo baja, algo que sería la tónica general.

De manifiesto quedó que su último álbum ha calado hondo entre sus seguidores, ya que al sonar «Firelights» despertó respuestas positivas. Sin duda uno de los momentos más tristes de la noche («Upon the water, I’m bleeding, I’ m bleeding…»)

El repertorio de la actual gira me parece exquisito y la elección perfecta, así que no podía faltar «Cathedral Walls» tema que resume a la perfección la propuesta de los fineses, aunando todas su posibilidades musicales en un sólo tema, yéndose de los terrenos musicales más frágiles a los más aplastantes y crudos. Esa es la grandeza de Swallow the Sun, como bien demostraron en su anterior triple disco «Songs from the North», dónde en cada uno de ellos demostraron de lo que son capaces de ayer, al igual que hicieron en directo. Lo demuestran en estudio y te lo transmiten en directo, te aniquilan.

Otro de los temas más ovacionados al ser presentado fue «New Moon», disco que presentaron en la pequeña sala Be Cool de Barcelona en su primera visita junto a Mar de Grises y Sólstafir por el año 2010.

«Upon the Water» fue el primer adelanto que presentaron al mundo antes de editar el disco, tema que resume perfectamente el aura de tristeza y melancolía que envuelve a «When a Shadow is Forced into the Light» con un Mikko espléndido, aunque apoyado por las segundas voces de Jaani Peuhu un tanto altas y forzadas, ya que se encontraba enfermo e hizo un esfuerzo titánico durante todo el viaje nocturno de Lyon a Barcelona para poder hacer un papel digno.

Si con «Upon the Water» no tuvimos bastante sufrimiento, «Stone Wings» se encargó directamente de aniquilarnos emocionalmente.

Para cerrar el primer bloque, qué mejor que un tema puramente Swallow the Sun como es «These Woods Breathe Evil» dobles bombos y melodías que se insertan en el córtex cerebral a la vez que nos dejamos literalmente el cuello a cada golpe de caja.

Impresionante pieza que dio paso a unos bises que olían a fin y que no podían ser otros que esa joya llamada «Emerald Forest and the Black Bird» y la inconfundible «Swallow (Horror Pt 1)».

Una suerte poder haber visto de nuevo en directo a Swallow the Sun, toda una institución dentro del género y que ya han escrito con letras de otro su nombre en él. Si volveremos a verles o no, ya depende de Juha…

Descansa en paz, Aleah.

Texto: Jero García
Fotos: Marc Gutiérrez

Entre las bandas fetiche que tenemos en Empire están Helevorn, a los que seguimos desde que daban sus primero pasos hace como quince años. Los hemos visto crecer y madurar y ‘Aamamata’ es el reflejo de todo este proceso. Su visita a Barcelona hace unas semanas era la ocasión propicia para juntar a Jero García, Irene Serrano y Helevorn. El resultado, o parte de él, es lo que tienes aquí.
Texto: Jero García
Fotos: Irene Serrano

EMPIRE MAGAZINE (EM): Antes de nada quería trasladaros mi más sincera enhorabuena por este, vuestro cuarto trabajo de estudio de nombre “Aamamata”, uno de los discos a mi parecer más ambiciosos y maduros de vuestra carrera ¿Estáis de acuerdo conmigo?
JOSEP BRUNET (JB): Gracias Jero, te lo agradecemos. Sí, es sin duda un álbum con un trabajo inmenso detrás y en el cual, después de casi veinte años de carrera, nos hemos permitido poner toda la carne en el asador y no tener ningún tipo de complejo, tanto a nivel musical como a nivel de concepto y de letras.

EM: “Aamamata” salió a la venta hace un par de meses y visto lo visto en vuestras redes sociales, el hype que se creó alrededor del lanzamiento fue más que notorio ¿Esperabais tan cálido recibimiento?
JB: La verdad que no, tanto no. Ha sido una expectación muy exponencial a medida que iba acercándose la fecha de salida y que nos pilló un poco a traspiés. Después de unos meses muy intensos, de nervios, de ir al milímetro de todo, de trabajar mucho con las redes sociales, etc. ahora al fin toca centrarse en los directos y empezar a disfrutar de todo el trabajo hecho durante los últimos años.

EM: El hilo conductor de “Aamamata” es sin duda el Mar Mediterráneo y todas las leyendas y fábulas que se han originado durante siglos acerca de él. Sabemos que para vosotros el Mediterráneo es parte de vuestro día a día y lo lleváis en el ADN y por eso os quería preguntar cómo fue el proceso creativo líricacamente hablando.
JB: Más que hablar de mitos o historias de nuestra tradición concretamente tratamos la muerte en el mar desde una perspectiva nostálgica, es decir, de como el Mediterráneo fue un lugar de encuentro, intercambio, crecimiento y de mestizaje a lo que es ahora, un gran muro de agua que se pone en el camino de miles de personas que huyen de la miseria y de la guerra y que los ahoga en sus profundidades, como nuestra propia conciencia. No es más que visualizar la realidad. Se estima que han desaparecido unas 15.000 personas en los últimos cinco años, entre ellas unos 500 niños menores de cinco años, mientras nosotros les damos la espalda. Que nosotros no seamos ellos es pura casualidad, por eso nuestra podredumbre es tan elevada.
Hablar de la cruda y dura realidad hace que todo sea más intenso, que podamos dramatizar, que lo sintamos más. Nos deja espacio para la empatía con los ‘sin nombre’ y su profunda desgracia, que es la de todos, y eso nos hace llegar a niveles muy profundos con la historia que contamos. No me veo hablando de cosas surrealistas, ni de fábulas, ni de superficialidades. La realidad es tan brutal que no hace falta acudir a conceptos intangibles.

EM: En “Aaamamata”, y como ya hicisteis en anteriores trabajos, podemos encontrar infinidad de colaboraciones y algunos nombres más que reconocidos dentro del género Doom Metal, como por ejemplo el de Heike Langhans de Draconian, el de Júlia Colom, Jaume Compte o el del ex-guitarra de Golgotha, Pedro Zubiri ¿Cómo de contentos estáis con el resultado de tan variada selección de artistas?
JB:Nos gusta mucho compartir nuestra experiencia musical con otra gente, y mucho más con aquellas personas que, con su toque o conocimiento personal y/o musical, pueden llevar esta experiencia a un grado más emotivo y trascendente.
Las voces de Júlia y Heike han traído melancolía y una triste dulzura, las guitarras de Jaume Compte nos han llevado la esencia de la música mediterránea, el talento de Pedro Zubiri ha puesto un toque técnico en varios punteos de guitarra, etc. Estamos orgullosos de la gente que ha colaborado y es un honor tenerlos en ‘Aamamata’.

EM: No contentos con ello, para el tema “Nostrum Mare (Et deixo un pont de mar blava)” escrita por Miquel Martí i Pol y el cantautor catalán Lluís Llach, habéis contado con la colaboración de varias voces, cada una de ellas en distintos idiomas que van desde el hebreo, el maltés o el griego, creando en mi opinión una de las canciones más bonitas del disco ¿Cómo y por qué surgió la idea de componer un tema tan “exótico” cómo este?
JB: Este tipo de cosas siempre surgen de ideas un poco locas que, bien pensadas, hacen que sean finalmente catárticas.
Hice una búsqueda de textos que hablaran sobre nuestro mar y encontré en ‘Et deixo un pont de mar blava’ de Martí i Pol un hilo conductor y una pieza que me llevó a pensar como desarrollar ese poema. Pensé en que sería bonito dar voz a gente que nos lleva apoyando durante muchos años, a seguidores, amigos, etc. y vi la posibilidad de conjugarlo con ese poema que habla de nuestro espacio cultural común, el antiguo Mare Nostrum, y hacerlo en los respectivos idiomas de estas personas. Se lo propusimos a toda esta gente y ya sabes que cuando incluyes a personas que aportan un fuerte nivel de entrega, al final todo sucede de una forma muy potente. Escuchar idiomas como el griego, el árabe, el maltés, etc. evoca todo nuestro pasado y al mismo tiempo lo que somos en el momento presente. Ha sido, sin duda, una de las experiencias más laboriosas, pero al mismo tiempo, más agradecidas y bonitas que hayamos vivido como compositores.

EM: Otro de los temas que podemos encontrar en ‘Aamamata’ es una adaptación de “La Sibil.la”, una canción tradicional catalana con más de diez siglos de antigüedad ¿Qué importancia tienen para Helevorn las tradiciones y, sobre todo, la música folclórica tradicional?
JB: A medida que uno se hace mayor se da cuenta de la importancia que tienen sus raíces a la hora de determinar el ‘yo’ y el ‘nosotros’, la fuerza que nos da el sentirse parte de un conjunto de personas con un pasado común y que quiere seguir teniendo un presente y un futuro sin olvidar de donde viene, no excluyente y siempre con la inclusión, el mestizaje y del apoyo mutuo.
Al hilo de como trabajamos la realidad, la nuestra, sería un tremendo error no aprovechar una figura tan increíble como «La Sibil.la», esa profetisa de la antigua Grecia que cantaba el fin del mundo para redimir los pecados del mundo, y que ese canto lleva materializándose en Mallorca en los últimos 800 años cada 24 de diciembre por la noche. Un canto pagano que se cristianizó y que estuvo a punto de desaparecer y que ahora es patrimonio de la humanidad. Con todo el respeto a los que hablan de culturas ajenas, pero sería incapaz de hablar de ritos o historias de dioses vikingos, por poner un ejemplo, y dejar atrás huellas milenarias de cultura y sabiduría que nos son propias y que han determinado lo que somos.

EM: Cómo ya hicierais en trabajos anteriores, ha vuelto a masterizar el álbum el gurú del metal europeo, Jens Bogren, en sus Fascination Street Studios en Suecia. Obviamente estaréis más que contentos al trabajar con él y su equipo. Tengo mucha curiosidad por saber qué opina él de vuestra música y qué es lo que buscáis cuando le lleváis el material a sus prestigiosos estudios.
JB: Tiene la suerte que solo recibe nuevas nuestras cada cuatro años. Jens vino a Mallorca a producirnos en 2009 nuestro segundo disco, ‘Forthcoming Displeasures’, nos lo mezcló y masterizó, como también hizo con nuestro anterior ‘Compassion Forlorn’, con lo que nos une una relación personal y profesional. Él nos conoce muy bien, sabe como queremos sonar y creo que también aporta su granito para que Helevorn seamos una banda muy guitarrera pero al mismo tiempo atmosférica, sin que ninguna de las dos cosas ablande a la otra. Hay que decir que es un tipo serio, va a sacar el trabajo y no se anda por las ramas.
Con ‘Compassion Forlorn’ nos dijo que el paso que veía en la banda era gigantesco, y en ‘Aamamata’ nos dio la enhorabuena por la mejora en la composición y por el disco en general.
Hay que decir que pensamos en hacerlo en otro estudio, pero nah, cuando tienes el boleto ganador Mega + Jens Bogren es mejor seguir apostando por el mismo número.

EM: Hace escasos días os vi en directo en la sala Upload de Barcelona junto a Onirophagus y los daneses Saturnus, en un mini-festival llamado Mare Mortum 2019 y organizado por Chroma Nation dónde presentasteis por primera vez en directo temas de “Aamamata” ¿Qué nos podéis decir de ese fin de semana en el cual al día siguiente tocasteis en vuestra ciudad, Palma de Mallorca, esta vez cómo cabezas de cartel?
JB: Uno siempre está que no puede esperar a tocar los temas nuevos en directo así que el fin de semana de presentación fue bonito. Volvimos a Barcelona después de muchos años, y hacerlo con unos buenos amigos como Saturnus hacía que todo fuera más especial todavía. En Palma preparamos un espectáculo con luces, anagramas y vídeos que creo que fue potente, y donde nos acompañaron alrededor de 400 personas así que imagínate, fue una noche genial y que hace que todo el esfuerzo que llevas haciendo durante años se compense y te de energía para seguir adelante.

EM: Sé que tenéis confirmada una gira importante, pero me gustaría que dierais más detalles acerca de esta gran noticia. Cómo ha surgido esta gran aventura y oportunidad para la banda?
JB: Así es, joder, ¡que nos vamos a Canadá!
La oportunidad nos la dio nuestro gran amigo Jacobo, de la banda mexicana Majestic Downfall. Nos propuso girar con ellos por Canadá y empezamos a hablar con el promotor Abelardo Mayoral, de The Invisible Orange. No nos dimos ni cuenta y ya teníamos cerradas seis fechas, a los que iban añadiendo una por semana hasta completar las trece fechas que tenemos confirmadas.
Será un tour de dos semanas durante el mes de mayo que empezará en Victoria, en el extremo oeste, hasta Montreal, en el extremo este del país. Estamos muy ilusionados y seguro que será un paso importante para la banda, o al menos, una gran experiencia.

EM: ¡Ha sido un placer mantener esta entrevista contigo! Si quieres trasladar unas palabras a nuestros lectores son más que bienvenidas ¡Mucha suerte en todo lo que os propongáis!
JB: Queremos darte las gracias por el apoyo que siempre has mostrado hacia Helevorn, al igual que a todos y todas tus colegas ¡Un fuerte abrazo y hasta pronto!

Uno de los eventos underground del año es la visita de los daneses Saturnus acompañados por dos invitados de lujo como los mallorquines Helevorn y los barceloneses Onirophagus.

Saturnus trabajan al ritmo del estilo musical que practican y desde 2012 que editaran ‘Saturn in ascension’ no lanzan nuevo trabajo. Sea como fuere, siempre es un placer verlos en directo.

Helevorn acaban de publicar su cuarto trabajo, ‘Aamamata’, que presentarán por primera vez en directo. Además la banda traerá sus clásicos y el merch de su nuevo trabajo.

Onirophagus editan esta semana ‘Endarkenment (Illumination through putrefaction)’ a través de Xtreem Music. Cuatro temas que van de los diez a los veintitrés minutos hacen de este disco algo especial.

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LINE UP / CARTEL
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► Saturnus (Denmark)
▷ Paradise Belongs To You – https://www.youtube.com/watch?v=7VPBIVILFEk

► Helevorn (Mallorca)
▷ Presentando nuevo trabajo ‘Aamamata’
▷ Burden Me – https://www.youtube.com/watch?v=4_frA15MFGQ

► Onirophagus (Barcelona)
▷ Dark River – https://www.youtube.com/watch?v=X61IkRINiak

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ENTRADAS
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► Anticipadas: 18€.
► Taquilla: 20€

Entradas anticipadas únicamente a través de entradium.

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HORARIOS
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▷ Puertas: 19:15 H – 19:45
▷ Onirophagus: 19:45 H – 20:30
▷ Helevorn: 20:45 H – 21:45
▷ Saturnus: 22:00 H – 23:00

Mourning Sun es una banda chilena que empieza a recoger los frutos de un trabajo serio y constante. Esta semana han estado recorriendo Europa y hoy se presentan en el Madrid is the Dark en lo que supone uno de los mayores hitos de su carrera hasta el momento. Hablamos con su vocalista, Ana Carolina, para que nos presente a la banda y nos hable de su actualidad.
Por Marc Gutiérrez

EMPIRE MAGAZINE (EM): La base de la banda sois Eduardo Poblete y Ana Carolina que estáis en Santiago de Chile pero el resto de la formación está afincada en Europa ¿hay algún motivo en especial para ello? ¿dificulta esto los ensayos y la composición pese a tener internet?
ANA CAROLINA (AC): Eduardo se mudó a España (Madrid) hace un par de meses con el objetivo de buscar mejores oportunidades en Europa, ya que el hecho de tocar en festivales europeos se fue dando año a año, nuestro sello es español y nuestros mejores amigos en la música están en distintos países de Europa. Además, en enero de 2019 Eduardo iniciará un máster en producción musical en la ciudad, que también nos dará más y mejores herramientas para continuar aprendiendo, aplicando y mejorando. Ahora soy la única que permanece en Chile, pero de todas formas se hace más fácil trabajar en la música y viajar. La experiencia de tocar y trabajar con integrantes de otros países nos trae un aprendizaje abismante en relación con simplemente permanecer en el país y en el mismo ambiente que, si bien es generalmente bueno, no permite desarrollarse de forma transversal, pues el hecho de estar afuera nos da la posibilidad de escuchar y convivir con voces y culturas diferentes. Para nosotros la música no es sólo un conjunto de sonidos o palabras, es un paradigma, y necesitábamos vivirlo más cerca de los nuestros y de forma más real. Sabemos que no será fácil, pues establecerse en otro
continente es cambiar la vida entera, pero como nuestro objetivo no es el negocio de la música, lo que nos importa es ir profundizando y aprendiendo día a día, tratando de hacerlo algo significativo para nosotros y la gente a la que nos debemos, no importa cuántos sean.

EM: Ésta es vuestra primera visita a España ¿Qué esperáis de Madrid is the Dark?
AC: A Madrid Is The Dark postulamos tres años consecutivos. Entendemos perfectamente por qué no nos escogieron los años anteriores. Somos una de las bandas más jóvenes de la escena Doom y otras sonoridades lentas a nivel mundial y sólo tenemos cinco años de actividad. Debíamos tornarnos más merecedores de una invitación como esta y mostrar más acción y realidad, así como mayor interés y atractivo, ese atractivo natural que se produce en el secreto y en el buen sentido. Creemos que el festival tiene una línea directamente cualitativa, y por ello estamos muy agradecidos por esta
invitación, ya que no es fácil ser seleccionado para MITD. No importa si hoy estamos abriendo, otras bandas que postulan y salen rechazadas reciben respuestas bien directas, entonces con mucha humildad podemos decir que estamos orgullosos de haberlo logrado.

EM: La escena chilena es prolífica en bandas de Doom y las hay de prestigio internacional como Mar de Grises, Poema Arcanus o vosotros ¿qué tiene de especial Chile para este estilo?
AC: Chile tiene una escena Doom muy marcada y variada. Se nota una sucesión de los hechos mayoritariamente desde Mar de Grises hacia Mourning Sun, respetando las proporciones y las estéticas. No somos unos oportunistas ni unos interesados. Todo se ha dado de forma natural, partiendo desde el día en que Rodrigo Morris (ex guitarrista y compositor de Mar de Grises) llegó a nuestro homestudio a trabajar con nosotros como productor. Ese mismo día yo me integré a la banda e hice mis primeras voces. Él dijo que debíamos permanecer con el esquema algo, un valor agregado que explorar y
trabajar de forma profundizada. Seguimos trabajando hasta hoy y creemos que continuaremos en el futuro. El destino sigue teniendo un peso muy fuerte en nosotros.
Hoy tocamos junto a Juan Escobar, otro ex Mar de Grises, en este tour (Europa III). Nosotros somos hard fans de Mar de Grises, y nunca pensamos que terminaríamos trabajando con tan buenos músicos y personas. Nos sentimos muy honrados y cuesta explicar bien qué significa para nosotros estar tocando con Juan hoy en día.

EM: Nos comentaban Mar de Grises cuando los entrevistamos hace como seis años que era difícil venir a Europa a tocar, ya no solo por los costes sino porque había que presentar muchísima documentación al gobierno para que emitiera los visados ¿cómo está la situación ahora mismo?
AC: Todo sigue igual. Nos valemos por nosotros mismos, porque creemos en nuestra música y en que tendremos más oportunidades en el futuro. Nadie nos ayuda con fondos para los gastos más duros, sólo nuestro sello (The Vinyl Division) en nuestras producciones, algunos amigos clave que forman parte de la escena mundial, algunas atenciones de los promotores y la gente que compra nuestros discos, pero pese a que a veces no estamos bien financieramente para poder llevar todo adelante, sabemos que nunca nos venderemos.

EM: Este año habéis editado un Split cd con Dismal, Nightmare of the souls, Endimion y Antichrist. Parecen muchas bandas para un Split ¿cómo surge esta iniciativa y cómo ha funcionado?
AC: Fuimos contactados por Ten-Cai Records, quienes nos propusieron la idea, y nosotros
nunca rechazamos este tipo de ofrecimiento, ya que no somos mezquinos con nuestra música. Entonces siempre estamos agradecidos del interés por hacernos parte de este split. Enviamos un saludo a Ten-Cai Records y a todas las bandas que forman parte de esta edición.

EM: En vuestra discografía tenéis tanto temas cantados en español como en inglés ¿de qué depende elegir un idioma u otro?
AC: Depende de la plasticidad de la línea y el segundo a segundo. Algunos temas deben, por un tema estético e incluso moral, estar en español. Otros que tienen otro carácter en las líricas y la intencionalidad, deben ir en inglés. Depende del motivo que queramos expresar.

EM: En qué medida consideras que os ha influenciado el Doom de los noventa, de escuela clásica?
AC: Nos ha influido de forma absoluta en la búsqueda constante de expresar los motivos
de formas más profundas y de nunca captar el sentido del comercio ni la venta del Doom en el falso dolor que vemos hoy en día: lugares comunes, letras repetidas, ejecuciones más pobres, como un show de talentos. Eso idiotiza a la audiencia, sobre todo en tiempos como este donde todo se desea obtener muy fácil, sin hilar más fino, todo trata de homologarse, para formar una masa turbia de asociaciones falsas. La escena de los noventa fue mucho más pura, natural y auténtica, pues tenía también el
sentido de la búsqueda y el encuentro con emociones reales, lo de menos es más, el rechazo a la superficialidad.

EM: ¿En qué estáis trabajando en estos momentos? ¿Tenéis previsto un nuevo disco completo de estudio?
AC: Sí, luego de Europa III, junto a Eduardo debemos ordenar un poco nuestras vidas para generar más recursos y poner todo de sí en nuestra próxima producción, la cual ya está firmada con The Vinyl Division (España).

EM: A raíz de su colaboración con Clouds quería preguntarte si tienes algo más entre manos…
AC: Por el momento estoy enfocada en mis colaboraciones con PROFETUS (Funeral Doom – Finlandia), Manes (Avant-garde/Experimental – Noruega), una nueva banda noruega de la escena de Trondheim llamada Entity of Plenty, que viene como una nueva side band de Manes, y una posible colaboración con una de mis top 5 bandas, también de Funeral Doom. Estoy en lo que representa más mi esencia y lo que realmente quiero expresar en el trabajo musical. Coincidentemente con Eduardo pensamos muy parecido en cuando a eso, entonces nos apoyamos mutuamente con este tipo de decisiones.

EM: Vuestro concierto en Madrid is The Dark forma parte de una gira de cinco fechas en Europa donde tocaréis en Portugal e Italia con bandas como Mournful Congregation, Ophis o Atrox ¿son países donde estáis teniendo un mayor feedback o son las fechas que ha programado vuestra agencia?
AC: La verdad es que no tenemos una agencia y la agencia de Mourning Sun soy yo jajaja. De forma voluntaria soy quien envía las postulaciones o conversa con los promotores. He cometido aciertos y errores, a veces negociando malas condiciones, pero estoy aprendiendo. La banda ha llegado donde está porque al vernos en vivo y con la alineación que tenemos ahora, sobre todo, varias miradas más ácidas van entendiendo y acercándose al ver la entrega en el escenario. Con Mournful Congregation y Atrox tenemos una excelente relación y amistad musical, por lo que es un honor compartir escenario con bandas que admiramos.

EM: Termina el año y es momento de hacer valoraciones y me gustaría saber cómo catalogas tú este 2018 para Mourning Sun.
AC: 2018 fue un año lleno de cambios, un año difícil, pero de mucho aprendizaje y madurez. Sentimos que nuestro trayecto comienza justamente después de terminar Europa III y tenemos la convicción de que las situaciones para nosotros mejorarán para el futuro.

EM: Y por último quería preguntarte qué discos han sido los más destacados del año para ti.
AC: Mournful Congregation – The Incubus of Karma
Manes – Slow Motion Death Sequence