CHEZ KANE
‘CHEZ KANE’
Frontiers Records

Chez y Danny Rexon (Crazy Lixx) han sabido encontrar un terreno común a la potencia vocal de una y la festividad musical del otro. Un trabajo con un arma de doble filo: es fácil de digerir. Esto puede hacer que llegue a más gente de entrada, pero también que nos cansemos de él con mayor facilidad al no encontrar matices nuevos cada vez que lo escuchamos. A mí me tiene a sus pies desde que salió el primer single, y pienso seguir así un tiempo más.

El disco es variado en cuanto a sus ritmos pero es constante en cuanto a la entrega de la vocalista, la melodía, las armonías y los guiños a la música de otro tiempo. Como eres una persona ocupada y lo que buscas es que te recomiende un tema que te atrape y te dé motivos para seguir escuchando, te diré que empieces con «Too late for love», mi absoluta favorita con teclados a tope y hasta castañuelas. Luego puedes irte al otro single, «Rocket on the radio», que trae consigo un aire de veraneo y fiesta que, unido al buen tiempo que está haciendo estos días, no hace más que llenarnos de ganas de pasarlo bien.

Personalmente, me han transportado a la infancia los temas «Defender of the heart» y «Ball n’chain», porque tienen ese sonido y esos estribillos coreables tan utilizados en las sintonías de los dibujos animados de los ochenta y los noventa, especialmente en el anime que más consumía (Bateadores, Los Inventos de Eva, el Pequeño Lord, etc.). Si con esto aún no estás del todo en el lado del azúcar, tienes una última oportunidad con «All of it», que es menos melodía pero más hardrock, en el estilo de Vixen y con matices a Def Leppard. ¡No se puede pedir más!

Las chicas son guerreras y han venido a demostrarlo en un año tan difícil como el 2021. En un mundo tan endogámico como es el del AOR de corte más comercial, donde sobrevivimos rumiando a Journey, Survivor y Toto en diferentes formatos, ha venido un cometa y nos ha eclipsado. Chez Kane se ha convertido en la artista revelación de este año por mérito propio, tanto por su música como por el pelotazo que ha pegado en redes. ¡Larga vida a la nueva reina!

Ymir Peiró

INGLORIOUS
‘WE WILL RIDE’
Frontiers Music

Cuando se produce una desbandada del tipo que sucedió en Inglorious, el primer miedo que me asaltó fue perder el sonido por el cual me gustó la banda por primera vez. Pero debe ser que, en el confinamiento, nuestro queridísimo Nathan James se ha atiborrado del programa ese que te arreglan la casa y tienes que decidir si compras la nueva o te quedas con la tuya arreglada. Nathan tiene claro cuál es el sonido que quiere ofrecer y lo hace aunque cambie la mitad de la plantilla de la banda, así que ha preferido quedarse con su casa reformada. La coherencia con la trayectoria musical de Inglorious es perfecta. No falta ninguno de sus toques de Deep Purple, Led Zeppelin o Bad Company.

La entrada a casa del tito Nathan la hacemos con «She won’t let you go», un recibidor con hard rock, ritmo bailable y estribillo perfectamente cantable. Una invitación a entrar más que atrayente, no en vano fue seleccionado como uno de los singles, adelanto de lo que se nos venía encima. Pero no ha sido nada mala la selección de singles porque «Medusa», que ya nos ponía los dientes largos nada más empezar este año, te transporta a los Whitesnake más duros, previo a su etapa como éxito de ventas. Riff macarra, batería muy presente y una voz que te seduce mientras te avisa de los peligros de mirar a los ojos a la criatura mitológica.

Para hablar de conexión con el pasado de la banda, hay que pararse a escuchar «We will meet again», que se convierte en nuestro comedor lleno de retratos de familia. Pero esta es una casa con su jardín y apertura de miras al exterior también, como «He will provide» que se sacude de encima diferentes estilos. A la vez contiene desarrollos para que la diversión no se limite a lo más sencillo de digerir. Atravesado estancia tras estancia, finalmente llegamos a mi favorita: la sala de juegos representada por «Cruel intentions». Estando dentro del grupo de temas más influenciados por el pasado, desarrolla y reordena los elementos que los pioneros del género esparcieron sobre la faz de la tierra para construir una letra que cabalga en perfecto movimiento sobre el resto de elementos.

En definitiva, una banda que no se deja amedrentar por las dificultades, se reinventa, y vuelve a hacer lo que queremos escuchar, una fantástica obra de hard rock. Con su nueva formación Nathan James se ha puesto las pilas en sonar más duro que nunca. Parece ser que don Bryan May ha comentado que la banda suena a Deep Purple como nadie, y si lo dice una autoridad en el estilo, no estoy yo por la labor de contradecir. Pero es verdad que no es una copia directa, sino que añade elementos y estancias que deleitará durante su visita a quienes gustéis.

Ymir Peiró

THE NOVA HAWKS
‘REDEMPTION’
Frontiers Records

Me lanzo sin miedo a desnudarme y admitir como soy: una persona complicada. Tengo muchas caras y muy diferentes entre sí. Es muy difícil encontrar piezas que sean capaces de tocar muchas de mis teclas al mismo tiempo, y The Nova Hawks han conseguido un acorde casi imposible. Entre los temas que componen el álbum encontramos algunos reciclados sobre viejas ideas y composiciones nuevas. La variedad alcanza desde temas con desarrollos a lo Blues Pills, hasta la raíz americana de The Black Keys, sin llegar al purismo de North Mississippi Allstars. Aman a Rival Sons y vaya si se nota en el arrastre de los temas que recuerdan a «Open My Eyes».

Son británicos. Y a este lado del Atlántico vivimos el oeste desde la distancia, barnizándolo con nuestra dosis de podrida decadencia. Se ha categorizado al dúo conformado por la vocalista prodigiosa Heather Leoni y el guitarrista Rex Roulette como blues rock británico, nada que oponer su Señoría. Como amante de la música de raíz americana, empezaría por «Technicolor» y «Run wild», dos temas desarrollados, con algo de los Black Crowes de 2009. Cuando ya sientes el polvo del desierto posándose en tus botas, entonces atacas a «Love Games (Tuesday’s Blues)» apurando tu bourbon, a punto para tu duelo al sol.

En cualquier película del oeste que se precie, tras el tiroteo tiene que haber su escena de ataúd y oscuridad. Sin duda, esa es «Dusty Heart». Parece intacta la gravedad de Nick Cave en un tema tan oscuro que hasta la batería se permite cantar. Podría formar parte de la banda sonora de la serie Peaky Blinders. La banda confiesa en las entrevistas que se alimentaban de manera vegana mientras componían el álbum, y es que según el satanismo laveyano «el humano es un animal más que se ha convertido en el animal más cruel de todos». Cerraría con uno de los singles que nos regalaron, «Redemption». Muy góspel y muy sucia, lo tiene todo. Es un tema disfrutable de tocar, de cantar y de ver ejecutado.

Me muero de ganas que termine esta pandemia y poder ver lo que da de sí esta pareja, por los buenos momentos me han hecho pasar este mes de febrero. Quizás algunos ya visteis a Heather con su banda Gypsy Heart teloneando a Inglorious en 2017, en Reino Unido, porque ya os digo que en España no. En cualquier caso, un álbum trabajado, con cambios, mucho sentimiento, profundidad y arrastre sureño.

Ymir Peiró

Seguramente Ailyn ha vuelto a ser la cantante de metal española más famosa del mundo tras una carrera bastante impresionante. Después de sus inicios en España (incluyendo una participación en el Factor X), saltó a la fama internacional en 2008 cuando entró en Sirenia como cantante principal. Aunque Ailyn se unió a la banda noruega para lo que ya era su cuarto disco, ella fue la primera cantante que se quedó para más de un disco. Ademas, su voz única contribuyó a construir el sonido y la identidad de Sirenia así que, para muchos, aunque no fue la primera cantante de la banda, Ailyn era la voz y la cara de Sirenia.

Además de todo eso, Ailyn hizo muchas colaboraciones como invitada (Serenity, Leaves’ Eyes, Diabulus in Musica, Mägo de Oz…) y también es parte del proyecto de metal opera Melted Space desde hace dos discos, junto a muchos invitados prestigiosos como Mikael Stanne (Dark Tranquillity), Clémentine Delaunay (Visions of Atlantis), Mariangela Demurtas (Tristania), Silje Wergeland (The Gathering), Jeff Scott Soto…

En 2016, y después de cuatro discos juntos, Sirenia anunció que Ailyn ya no era parte de la banda, según un común acuerdo, lo que negó Ailyn diciendo que nunca fue su decisión. Sin embargo, Ailyn no dejó que esto fuera «el fin de todo» (como lo canta en la canción «The End of It All»), y siguió grabando colaboraciones y siendo parte de Melted Space… Pero ahora, por fin, está de vuelta, más fuerte que nunca, con su nueva banda, Her Chariot Awaits, fundida con el guitarrista estadounidense Mike Orlando (Adrenaline Mob) y que recién publicó su primer disco homónimo.

Ailyn aceptó con sumo gusto charlar con Empire Magazine de su nueva banda, de su carrera, su despedida de Sirenia y de cómo siempre ha seguido siendo fiel a sí misma pese a la fama…
Por Vivien Scalbert

ENGLISH EDITION: http://empirezone.es/2020/06/27/interview-with-her-chariot-awaits/

EMPIRE MAGAZINE (EM): ¡Hola Ailyn! Primero quiero preguntarte cómo estas, especialmente en esos momentos bastante raros con el coronavirus y todo…
AILYN (A): Pues estoy bien, gracias. Toda esta situación me pilló en España. A principios de Marzo fui a ver a mi familia y allí he tenido que estar tres meses y medio. La semana pasada por fin me dejaron volver a Noruega, así que ahora mismo tengo que estar en casa de cuarentena.
La verdad es que se hace todo bastante raro. En España es todo diferente de Noruega así que solo necesito ajustarme un poco.

EM: Espero que pasaras bien el confinamiento. Me parece que la situación fue peor en España que en Noruega…
A: Sí, lo bueno es que estuve con mi familia así que no hubo ningún problema. Como en España no nos dejaban salir para nada tuvimos que buscar cosas que hacer para pasar el tiempo sin agobiarnos.

EM: ¡Y teníais la salida de tu nuevo disco con Her Chariot Awaits planeada justo en medio de todo esto!
A: Sí, la verdad es que nuestro álbum tenía la fecha de salida para abril y al final por todo el problema con el Covid-19 tuvimos que retrasarlo hasta mayo. Y bueno, qué puedo decir, no hay nada que podamos hacer al respecto, pero estamos deseando que todo vuelva un poco a la “normalidad” y podamos empezar a salir de gira y promocionar el álbum.

EM: A propósito de eso, sé que ahora la cuestión de volver al escenario está todavía suspendida pero ¿Tenéis planes de girar con Her Chariot Awaits en el futuro cuando todo vuelva a la normalidad?
A: Ahora mismo todo es incierto, pero sí, la verdad es que el plan era empezar a salir de gira con la salida del disco. Toda la banda opina lo mismo, nosotros no queremos que Her Chariot Awaits sea un proyecto de un solo disco, queremos que sea una banda de verdad, con la que podamos ir de gira y, por supuesto, poder hacer mas discos en un futuro. Esperamos que todo vuelva a la normalidad pronto para poder empezar a mirar fechas.

EM: ¡Ojalá sea así y podáis girar! Tal vez tendréis más fechas en Estados Unidos ahora que eres parte de una banda estadounidense, porque sé que tienes muchos fans allí también…
A: Eso me encantaría. Antes de esta nueva experiencia nunca había estado en Estados Unidos, así que realmente ¡espero que podamos ir de gira por allí!

EM: ¿Me puedes contar la historia que hay detrás de Her Chariot Awaits ?
A: ¡Claro! Todo viene de parte de Frontiers Records, ellos ya estaban negociando con Mike para crear una nueva banda de Hard Rock cuando se pusieron en contacto conmigo. Yo acababa de colaborar con la banda Chaos Magic, que también están con Frontiers. Después de eso se pusieron en contacto conmigo y me hablaron de este nuevo proyecto.
Luego me pusieron en contacto con Mike para hablar un poco de cual era su idea y nos dimos cuenta de que los dos buscábamos lo mismo, así que nos embarcamos en este nuevo proyecto.
Trabajar con Mike ha sido todo un honor y una gran experiencia. Ese hombre es una máquina en su trabajo además de ser una gran persona. Me apoyó mucho durante todo el proceso y me dio el empujón que necesitaba ya que yo venía de un estilo totalmente diferente y tuve que cambiar de actitud para llevar este proyecto.

EM: Claro, es una gran metamorfosis para ti. En Sirenia tenías un poco la imagen de la «princesa gótica» un poco frágil, con una voz alta, a veces lírica, y con tu nueva banda, el público te puede descubrir con una imagen de mujer muy fuerte, con un canto muy poderoso, mucho mas «rock». ¿Resulta ese gran cambio de una voluntad de demostrar ese aspecto de tí misma, tal vez como una revancha a tu despedida de Sirenia y al imagen de hermosa chica gótica frágil que tenias en esa banda, o mas bien te has adaptado al estilo de tu nueva banda?
A: ¡Es un gran cambio! Y la verdad es que me encanta. Estoy muy contenta de tener la oportunidad de hacer algo completamente diferente. Era algo que quería hacer desde que fui despedida de Sirenia. Tenía muy claro qué quería que mi próxima banda tuviera un estilo totalmente diferente. Y como tu dices, anteriormente tenía la imagen de “princesa gótica y dulce” y sí, no te voy a negar que soy una persona dulce, pero nunca he sido una persona frágil a la que hay que cuidar para que no se rompa. Me considero una mujer fuerte y con carácter y Her Chariot Awaits me ha dejado mostrar esa parte de mí que muy pocos conocían.

EM: ¡A mí me parece genial! Especialmente porque esos años pasados se ha hablado mucho del tema del sexismo en la sociedad con el caso Wenstein en Hollywood, el movimiento #metoo… A propósito de eso, contaste antes que fuiste despedida de Sirenia por Morten Veland, aunque has sido la voz y la cara de la banda por muchos años… ¿Piensas que una banda con un cantante masculino podría despedir a su cantante como se hace con muchas mujeres que, en ciertos casos, siguen siendo consideradas como si fueran intercambiables?
A: La verdad, es difícil de decir. Supongo que también habrá habido algún caso de cantantes masculinos que hayan sido despedidos de alguna banda de la misma manera.
Estuve hablando con Mike sobre esto y por lo que me dio a entender, esta moda de despedir a la cantante de un día para otro pasa más aquí en Europa. Yo no lo había pensado hasta que él me dijo que en Estados Unidos el cambiar de cantante tan rápido como te cambias de calcetines no está bien visto. Por supuesto, una banda la forman todos sus miembros y todos somos igual de importantes. Es normal que una banda tenga que remplazar a algún miembro en algún momento, por el motivo que sea. Pero en mi opinión cambiar de cantante todas las veces que se te antoje solo porque estáis en desacuerdo con algo, me parece una falta de respeto enorme para con el público. He escuchado casos de muchas otras bandas que han hecho lo mismo con sus cantantes y
yo no puedo hablar sobre ellas, pero por mi propia experiencia puedo decir que sigue habiendo mucho machismo en el mundillo. Realmente te hacen sentir como si no fueses más que un pañuelo de usar y tirar, te usan cuando te necesitan y cuando ya no les sirves te tiran y buscan uno nuevo.

EM: Claro, porque aunque no fuiste la primera cantante de Sirenia, fuiste la primera que se quedó por más de un disco y por eso pienso que para el publico fuiste realmente la voz de Sirenia… Pero siempre ha quedado claro que era la banda de Morten Veland… Y me pregunto si te hizo sentir un poco limitada a nivel artístico y, en ese caso, si te sientes mas libre ahora con Her Chariot Awaits.
A: Sí, a nivel artístico hubo mucha limitación. Creo que ya lo he comentado muchas veces pero incluso si me gustaba ser la vocalista de Sirenia me sentía muy limitada y frustrada. Como tú has dicho es su banda así que para mi ir al estudio era hacer el trabajo que me daban tal y como me lo daban. A ver, no voy a decir que todo era malo. Morten graba en casa y yo me quedaba con él y su mujer durante la semana de grabaciones. Éramos amigos así que nos divertíamos mucho, pero a nivel artístico el verte limitado a hacer algo cuando realmente sabes que si te dejaran cambiar unas cosas tu voz sonaría mucho mejor, es agotador.
Con Her Chariot Awaits todo ha sido mucho más fácil, Mike me enviaba las canciones y cantaba las líneas vocales para enseñarme su idea, pero luego yo podía trabajar con las melodías y adaptarlas o cambiarlas. Cuando hicimos la demo cada uno lo hizo desde casa y cuando nos juntamos en el estudio los dos trabajamos juntos para ver cómo hacer que todo sonase mejor. A los dos nos da igual de quién es la idea, lo importante es el resultado.

EM: Como dices, tu voz con Her Chariot Awaits es muy distinta de tus discos anteriores, con un enfoque mucho más rock y directo, con algunos gritos y con un poco de rap… ¿Fueron esas nuevas canciones un desafío técnico para ti o simplemente es otro aspecto de tu voz que ya tenías pero que el público descubre hoy?
A: Esa era la idea desde el principio. Quería demostrar que era más que una voz dulce y aguda. Con Her Chariot Awaits por fin tenía la oportunidad de experimentar con mi voz y poder demostrar esa otra faceta. La voz raspada y el rap ya lo hacía de antes, además de que siempre me ha gustado usar mi registro más grave. Siempre me ha gustado cuando otras vocalistas hacían growls o screaming, pero nunca me había imaginado a mí misma en esa tesitura. Fue muy divertido la verdad (risas).

EM: Her Chariot Awaits es una banda con un estilo heavy americano típico, lo cual está muy alejado del metal gótico y sinfónico con influencias death que es por lo que te conoce el público. ¿Cómo reaccionaron tus fans? ¿Estabas nerviosa antes de la salida del disco por saber si a tu publico le iba a gustar?
A: Al principio estaba nerviosa, pero estoy muy sorprendida de que la mayoría de los comentarios son buenos. Al ser un estilo totalmente diferente me daba miedo que los fans pudieran estar descontentos. Pero la verdad es que todos son estupendos conmigo y aunque sea un estilo diferente al que posiblemente se esperaban, siguen ahí, dándome su apoyo.

EM: Y según tú, ¿hay una diferencia en el enfoque musical y en la manera de trabajar entre una banda europea y norteamericana?
A: La verdad es que no lo sé, supongo que cada músico tiene su propio enfoque musical sin importar de que país sea.

EM: También has sido parte de los dos últimos discos del proyecto metal opera francés, Melted Space, junto a otros invitados como Silje Wergeland, Mariangela Demurtas, Mikael Stanne… También estuviste con ellos de gira ¿Sigues siendo parte del proyecto como miembro permanente o mas como artista invitada?
A: Sí, ha sido una gran experiencia poder trabajar con Melted Space. Es una banda con muchísimo potencial y talento. Estoy muy agradecida que quisieran contar conmigo en los dos discos y me encantaría seguir trabajando con ellos en un futuro ya que a parte de ser todos músicos estupendos, también somos todos buenos amigos.

EM: Hoy, seguramente, eres una de las cantantes de metal españolas más famosas del mundo. Primero en España, especialmente con el Factor X, y luego a nivel internacional con Sirenia, ¿Cómo viviste la fama a nivel personal?
A: Para mí la fama nunca ha sido el factor más importante en mi carrera. Siempre he sido una persona sencilla. Soy una persona normal y corriente, no me considero ni mejor ni peor que otros solo por el hecho de ser artista. Mi madre siempre me enseñó a tener unos buenos valores y me gusta tener los pies en el suelo. Aún ahora, después de todos estos años, sigo conservando las mismas amistades que tenía desde antes de empezar a ser conocida. Nunca he dejado que la fama afectase a mi forma de ser, por lo que sigo siendo la misma persona que era cuando empecé a cantar de forma profesional.

EM: Has sido parte de una banda española, francesa, noruega y ahora estadounidense… ¿Cómo valoras toda esa experiencia al trabajar con gente de todo el mundo?
A: ¡Es estupendo! Siempre me ha gustado aprender cosas nuevas, soy una persona algo inquieta y mi cabeza nunca deja de trabajar. Trabajar con bandas de distintos países y estilos me da la oportunidad de seguir aprendiendo y mejorar en todo lo que pueda.

EM: Una última cuestión, me intriga el nombre de la banda… ¿Qué significa Her Chariot Awaits? Me suena como un contraste entre un estilo puro heavy metal y moderno y una frase de cortesía anticuada, no sé si es la idea o si es algo un poco irónico…
A: El nombre fue idea de Mike. Los dos estuvimos dándole vueltas a varias ideas, pero me acuerdo que desde un principio él dijo que le gustaría elegir un nombre que tuviera tres palabras. El nombre significa “Su Carroza Espera”. Me comentó que quería basar el nombre en mí y por eso pensó en mi forma de vestir mientras estuve en Sirenia. Decía que mis trajes eran muy señoriales y por eso pensó en Her Chariot Awaits, así, muy al estilo “Cenicienta”. Pero lo que él quería dar a entender con el nombre es más como si fuese mi paso de un estilo a otro.

EM: ¡Creo que lo logró! Muchas gracias por esa entrevista Ailyn, te deseo lo mejor para Her Chariot Awaits y espero que tengáis mucho éxito y que haya muchas giras y muchos discos más en el futuro.
A: ¡Gracias a ti Vivien! Ha sido un placer poder hablar contigo un rato.

KHYMERA
‘MASTER OF ILLUSIONS’
Frontiers Records

Tenemos de vuelta a Dennis Ward volcado de pleno en el que fue su proyecto paralelo a Pink Cream 69 y que ahora es su centro. Hace un tiempo que, frustrado y cansado de poner demasiada energía que no estaba siendo compensada en PC69, decidió abandonar la banda definitivamente. Quien escribe estas líneas tenía dos razones para no esperar demasiado del trabajo: por un lado los anteriores álbumes ya son buenos y difíciles de superar; por otro que la frustración con PC69 quizás le llevaba a cambiar el rumbo del proyecto y hacer algo más contundente y duro, cosa que no apetece nada a una amante del hard rock melódico.

Entre mis manos tengo una de esas maravillas que no esperabas y florecen. Tenemos a Dennis con un afán compositivo y una calidad de producción que no se cede un ápice de esplendor respecto a sus entregas anteriores. La delicadeza de las flores que presenta en forma de melodías apoyadas en tallos duros pero flexibles de hard rock hace que las gotas de rocío de la producción se posen sobre las canciones, dotándoles de un olor y un color que sólo es apreciable por quién no albergue alergias.

Podemos empezar desde el principio o desde el final, que el trabajo no defrauda, ni a nivel musical ni letrístico, muy en la linea de lo que debe ofrecer una banda de este estilo con cierto bagaje y nivel, no solo por los años de rodaje, sino por la calidad de sus cabezas pensantes. Destacan como atemporales y melódicos los temas «Walk Away», «The First Time» y «Victim Of Your Love». En cuanto a desarrollo, y por ser un estambre de un polen especial, destaca «Master Of Illusions» con un sabor que me recuerda levemente a Journey y me deja un gran sabor de boca. Pero si hablamos de pétalos traídos por el viento del pasado, tengo que hablar de «Just Let It Happen» y cómo entremezcla con maestría olores de perfumes pasados con un sonido actualizado y atrayente.

Quizás la portada no refleja del todo el espíritu del álbum, ya que parece más propia de una banda de metal épico que de hard rock. También es cierto que, como amantes del estilo, aún estamos buscando el tipo de portada que no sea sexista como las de los ochenta y noventa, ¡ja!

Lejos del actual Khymera quedan las ideas iniciales de Daniele Liverani (que seguramente reconocerás de muchas cosas pero destaco ‘Genius: A Rock Opera’) y Steve Walsh (ex-vocalista de Kansas). Un proyecto de Frontiers que ha sabido reinventarse y desarrollarse como solamente en un campo tan bien abonado de talento, del de Dennis Ward concretamente, podía suceder. Espero con ganas poder verlo en directo cuando se de la ocasión de empezar a presentarlo.

Ymir Peiró

BLUE ÖYSTER CULT
‘AGENTS OF FORTUNE LIVE 2016′
Frontiers Records

Si existe el término viejoven en edad, puedo inventarme el concepto repeti-nuevo para discos como el que comento hoy. Me explico. ‘Agents of fortune‘ es un álbum de Blue Öyster Cult publicado originalmente en 1976, del cual celebraron el 40 aniversario tocándolo íntegramente en Red Studios (Hollywood, California) el 18 de abril de 2016, frente a una audiencia reducida, con invitados únicamente. El pasado 6 de marzo de 2020 Frontiers lo publica ofreciendo versión cd con dvd, o blu-ray o LP. Así que es un trabajo antiguo, revisitado en directo que es siempre la mejor manera de tomar el pulso a la banda, con sonido actual, osea, un repeti-nuevo!

El directo repasa el álbum original, sin extras de ediciones posteriores; y cuenta con Bouchard como invitado, que actualmente no es miembro habitual. Aunque en el dvd no podemos ver el primer tema, en el cd sí se puede escuchar. Como material adicional encontramos una entrevista (22 minutos) con los miembros fundadores Eric Bloom, Buck Dharma y Albert Bouchard. Buena actuación, buen sonido y la oportunidad de ver como se defiende la banda en la actualidad ¿Qué más se puede pedir? Respeto totalmente a músicos que decidan retirarse pero respeto igualmente a quienes deciden seguir en una forma tan espectacular. Sin duda es un objeto de coleccionista para cualquier fan de la banda.

En lo histórico, el álbum nunca ha sido uno de los preferidos del núcleo duro de seguidores, porque marcaba el principio del fin, el momento en que la banda abandonó su vertiente más progresiva para adentrarse en el terreno comercial, poco quedaba del «heavy metal for the thinking man» que les identificaba como únicos. Aunque sin ese éxito comercial es posible que yo no estuviera cuatro décadas después hablando de esta banda. Muchas personas comentan que el trabajo no ha tenido un buen envejecer, sin embargo con la nueva oleada setentera y ochentera no me atrevo a decir que no sea un trabajo bien recibido por las nuevas generaciones.

Al tratarse de Blue Öyster Cult os tengo que dejar algunos datos curiosos y, si se puede, alguno misterioso también. Es el único álbum de la banda en el cual cada uno de los miembros originales canta algún tema (nada común en bandas de rock). Además, es el único disco en que ninguna canción está escrita por Eric Bloom (si Wikipedia no miente). ‘Imperial Dogs’ tiene un tema llamado igual que uno de los presentes en este trabajo, «This Ain’t The Summer Of Love», con la que además comparte la frase del estribillo «This ain’t the Garden of Eden. This ain’t the Summer of Love», bromas entre bandas. El tema más famoso del disco «(Don’t Fear) The Reaper» aparece en la película «Halloween» de John Carpenter (1978). Y cierro con el dato misterioso: la portada del álbum representa a una persona sosteniendo (la portada actual: mostrando en la mesa) cuatro cartas del Tarot. Esta disposición se relaciona con una historia en la cual a la banda le fueron echadas las cartas y así fue como aparecieron: la Muerte, la Reina, el Rey, y el Sol. Pero ¿por qué decidieron usar la versión de las cartas del Thoth Tarot de Aleister Crowley (Papa Satánico)? Que cada uno piense lo que quiera.

Ymir Peiró

BLUE ÖYSTER CULT
‘HEAVEN FORBID’
Frontiers Records

Hay bandas con una gran trayectoria que no has conseguido encontrar el momento de escuchar, por diferentes motivos. Puede ser que Blue Öyster Cult sea una de esas bandas para tí. Para ponernos la vida más fácil, hay una discográfica dispuesta a lavar y planchar un antiguo trabajo y presentarlo con la cara maquillada al estilo actual, va a ser Frontiers Music. El álbum escogido es «Heaven Forbid», originalmente publicado en 1998, décimo-tercer trabajo de estudio de la banda formada en Long Island (New York, EEUU) a principios de los setenta tras plantar algunas semillas a finales de los sesenta bajo otro nombre. En las filas del álbum podemos encontrar a los clásicos Eric Bloom y Buck Dharma, pero también al fallecido Allen Lanier. Batería y bajista, eran músicos de sesión en ese momento. Ha sido remasterizado por el conocido Alessandro Del Vecchio, para que lo tengamos en formato físico (ha salido en CD jewel case y LP 180g gatefold), y visible en todas las plataformas digitales.

Por resumir un poco la historia, no fue uno de los álbumes clásicos de la banda, se recibió como poco progresivo en comparación con lo que solían ofrecer, fue calificado de demasiado metalero. Las letras vienen firmadas casi en su totalidad por John Shirley, colaborador habitual de la banda, escritor estadounidense de fantasía y ciencia ficción al que no le he dedicado todavía el tiempo necesario para recomendaros una obra. A pesar que la temática es bastante futurista, aparecen temas y escenas que son de rabiosa actualidad, como en «See you in black» donde se habla sin pelos en la lengua de una mujer maltratada. Pero no debemos perder de vista que la musicalidad del trabajo es muy disfrutable, abarca un amplio rango de registros dentro del hard rock, con riffs poco ortodoxos y medios tiempos abiertos a la improvisación solística, efectivamente, poco progresivo. Quien haya leído un par de críticas mías ya sabrá que si lo pongo tan bien es porque hay buena dosis de teclas. Los temas de obligado escucha son: «Harvest Moon» y «Power Underneath Despair».

La portada es terrorífica y enigmática, el espíritu que la banda suele dejar patente en su música y sus letras, aunque hoy en día relacionemos más este tipo de portadas con estilos de metal más radicales, tenemos que pensar que esta banda era bastante durilla entre las de su tiempo. Si no, escucha el riff inicial de «See you in black» que recuerda al thrash de los noventa, nada mal para unos setenteros progresivos ¡ja!. Vale, hay una portada alternativa más angelical, pero al final escogieron esta, y eso es lo que cuenta.

En cuanto a la eterna polémica de la remasterización, soy de quienes disfrutan más de un sonido que sea representativo de la época en que se grabó el trabajo, siempre que no sea tan malo que no se entienda nada. A pesar de ello, creo que Alessandro Del Vecchio le ha imprimado bien su toque bajando un poco las voces y dando más brillo a guitarras y teclados. Así que lo dejo a gusto del consumidor si prefiere una cosa u otra.

Ya no me queda más que invitar a quien no se haya adentrado en el universo del «Culto de la Almeja Azul» a aprovechar esta o cualquier otra ocasión para hacerlo. Si con este disco no te convenzo, ponte el temazo «(Don’t Fear) The Reaper» (puedes escucharlo en la serie de televisión Sons of Anarchy, cuyo logo es una parca en honor a esta canción), o «Burnin’ For You» si eres más de bailar. Verás cómo te postras en reverencia.

Como truco final para acabar de quedarse con esta banda, su logo de una cruz terminada en gancho (adaptación del símbolo del Titán Cronos) aparece en casi todas sus portadas, a veces más evidente, a veces figuradamente. Si eres capaz de encontrarlo en esta portada añade un comentario en el post de Facebook. Si no lo acabas de ver o dudas, pide pista en el post o mándame un privado y te doy pista de dónde está.

Ymir Peiró

Búscalo aquí: https://www.progarchives.com/progressive_rock_discography_covers/2940/cover_1727121112016_r.jpg

WORK OF ART
‘EXHIBITS’
Frontiers Records

Aprovechando esos pequeños momentos de felicidad entre mala noticia y tweet hater, me atrapa el nuevo trabajo de Work Of Art, ‘Exhibits’, y me ilumina la cara con una felicidad máxima. Todo el álbum se sostiene en el éter de melodía y equilibrio que no esperas escuchar en estos días, en los que el aturullo de sonidos es la marca de la época. La calidad del trabajo viene estoicamente fundamentada con una base muy fuerte (Lars-Robert-Herman) y revestida de una lista de colaboradores de lujo, desde el maestro Jim Peterik (Survivor, Pride of Lions), al purista del bajo Shem von Schroeck (Toto), o el creativo Jeff Scott Soto (Wet, JSS, Talisman, Yngwie), por nombrar los más conocidos.
Con colaboraciones empiezo el repaso porque, desde que nos informaron en su perfil de Facebook de la colaboración de Jim Peterik en lo musical he estado esperando sus temas. Tanto «Misguided Love» como «Let Me Dream» son dos de las joyas escondidas en este cofre del tesoro, y hacen total justicia la experiencia y nombre del maestro. La primera movida y cantable, la segunda power-ballad con mucho sentimiento, ambas tratadas con el cariño y la delicadeza que suele ofrecernos la banda.

Aunque las once canciones son dignas de ser paladeadas, me centro en las que me devuelven a un estado de alegría y felicidad que debería visitar más a menudo. «Be The Believer» tiene fuerza, energía y mensaje para despertarte y hacerte creer de nuevo. «This Isn’t Love» combina el teclado de Vince DiCola con una melodía que se queda en la cabeza, y no puedo dejar de cantar. «If I Could Fly» tiene el solo de guitarra más acertado de todo el conjunto, hace dibujos con la melodía y te transporta, perfecta sinergia entre música y sentimiento. En las lentas, además de la comentada más arriba, «Another Night» es un medio tiempo de melancolía y súplica, donde incluso los agudos más altos de las voces no sobresalen, acunados por un solo de guitarra deliciosamente justificado.

Con el nuevo trabajo, Work Of Art mantiene perfectamente el ritmo y el nivel de sus composiciones anteriores, no contiene giros inesperados pero no los necesita. Un compendio de melodía y calidad que empiezan a ser marca de la casa y que espero que nos acompañe muchos años más.

Ymir Peiró

FIRST SIGNAL
‘LINE OF FIRE’
Frontiers

Aprovechando que se acaba de publicar recientemente su segundo single, acompañado de un «lyrics video» le damos un repaso a este trabajo de hard rock melódico.

Para que quien no esté familiarizado con la banda, se trata de un proyecto que iniciaron en 2010 en la factoría Frontiers, juntando nada más y nada menos que a la gran voz de Harry Hess (conocido por Harem Scarem), a Dennis Ward a la música (Pink Cream 69) y el productor Daniel Flores. Siendo el primer trabajo más un enlatado al que Harry tenia que dar voz, el segundo y tercer trabajos son ya una amalgama compositiva.

Y del tercero es del que hablamos: Line Of Fire, sacado a la palestra el pasado 17 de mayo de 2019.

La entrada la da un riff que parece venido de los ochenta para indicar los pasos que seguirá el trabajo. «Born to be a rebel» cuenta la historia de lo difícil que es mantener a una mujer rebelde a tu lado, una de esas que no se dejan decir lo que es mejor para ellas. Teclado, melodía y estribillos estupendos, pero una guitarra que debería brillar más en el solo, ya que se queda tapada como entre nubes.

«A million miles» empieza trayendo temprano la voz rasgada que nos encanta, nos atrapa y conduce hasta el cantable estribillo sin descanso. El cambio de tono en el estribillo, otra huella ochentera que hace las delicias del oyente, sobretodo cuando entra la parada con el teclado. Un tema de desamor del día a día, perfectamente cuajado con la música, que culmina en otro solo de guitarra audible a medias.

Pasamos a un medio tiempo «Last of my broken hearts» que pasea por la nostalgia de un buen recuerdo que finalizó. Tema cuidado en la melodía y los coros, que sobresale en cuanto el solo de guitarra asoma, dividido en dos partes, una en medio del tema y otra al final.

Con «Tonight we are the only» estamos ante un tema que usa unos arreglos mucho más modernos para construir un tema alegre y bailable, que seguramente está enfocado a atraer la atención de la gente de menos años de escucha hard-rockera. Teclado espacial y subida de tono en la última parte de la canción, cuando se entremezcla con el solo de guitarra que pone la guinda al pastel.

«Walk through fire» me quiere recordar a un estilo Joe Lynn Turner, repasando la silueta de un propósito que es recuperar un amor perdido. Destaca la voz en el puente y el solo de guitarra que, ¡por fin!, es un solo de hard rock.

El inicio de «Never look back» nos lleva a Sambora sin buscarlo, aunque después cambia totalmente su rítmica y pasa a ser otro tema totalmente distinto con muchos cambios, una estructura del hard rock melódico más moderno, y solo de guitarra más distorsionado. Buena manera de usar un teclado.

Tanto «Walk through the fire» como «Never look back» son versiones de otra banda canadiense, seguramente muy conocida por Harry al ser paisanos, llamada MetroPolis, de finales de los noventa ambos temas.

Hay que tener mucho cuidado siempre con los temas insignia de los trabajos ya que a veces producción y banda no comparten criterio. En este caso no sé de quien fue la decisión pero no está bien elegido que «Line of fire» sea el tema que representa el sonido global del trabajo. Puede tener el solo de guitarra más heavy que hay en el conjunto de temas. ¿Quizás ellos quieren componer más duro pero Frontiers pide melodia? Meras conjeturas. La cuestión es que es un buen tema, pero no refleja el aire del trabajo en general.

Otro medio tiempo nos devuelve a lo que estábamos con «Here with you». Una especie de práctica de mindfulness (vivir el tiempo presente) a través de una relación con otra persona. A parte de ser un despliegue absolutamente maravilloso de la voz, no destaca en nada más.

«Need you now» reúne las características que más me gustan en el estilo: ritmo cadente que permite bailar, estribillo con melodía para ser cantado, despliegue de la canción en olas sin enseñarte todo lo que tiene a la primera, letra maravillosa sobre amor/desamor… Delicioso.

Para enfrentar la recta final del set tenemos un tema de los más movidos, «Falling» volviendo completamente al inicio del circulo melódico. Es imposible sacarse de la cabeza el estribillo y la frase rítmica de la guitarra que parece perseguirnos durante toda la canción rematada por un solo de guitarra de carretera.

Acabamos con el vídeo lanzado esta semana «The end of the world» que pone un perfecto punto final al trabajo con riff de guitarra, acompañamiento de teclado y melodía en la voz estupendamente de ochenteras. Hard rock melódico pasado por el colador de la modernidad en los arreglos. Representaria mucho mejor el estilo del trabajo si lo hubieran escogido como buque insignia.

Un trabajo agradable, que escuchas sin darte cuenta. Apuesto a que, tras ponerlo un par de veces, eres capaz de corear la mitad de los temas.

Ymir Peiró

MR. BIG
«DEFYING GRAVITY»
Frontiers Music

Mr. Big han vuelto tras un silencio de tres años con “Defying Gravity”, un disco que, al contrario de lo que su título podría indicar, no es ningún desafío, aunque lo cierto es que nadie les pide a estas alturas que den un giro a su carrera y presenten un disco revolucionario. Mr. Big siempre ha bebido del Hard Rock y las grandes bandas del AOR más que del Metal, añadiéndole todos los guiños pop para que los temas sean como ese vaso de agua cuando estás sediento, del que sin darte cuenta no has dejado ni una gota y ya estás pensando en ponerte otro. La banda ha vuelto a juntar fuerzas con Kevin Elson, productor de sus cuatro primeros discos y, al contrario que su último trabajo, ha sido grabado a la antigua usanza, encerrados durante seis días en un estudio y eso se nota. Los temas pueden ser de mayor o menor agrado, pero tienen cierto sentimiento de compenetración y frescura otorgada por el trabajo conjunto y no por el envío digital de ideas. Se me hace muy difícil pensar en grabar fuera de estudio un tema tan complejo como “Mean To Me”, uno de los puntos álgidos del disco que resume la esencia de la banda, riffs complejos acompañados de melodías pegadizas en una demostración de virtudes en tres minutos. Sheehan y Gilbert mantienen esa química y las letras de Martin son más maduras. El Parkinson que afecta a Pat Torpey hace que su colaboración en el disco se limite a percusiones y coros, pero, como en el recomendable DVD de la edición especial se muestra, ha estado muy metido en asesorar a Matt Starr en las baquetas. En definitiva, un disco en el que se echa de menos un single como “Undertow” (What If?, 2010), pero que está lleno de canciones como “Defying Gravity” o “Everybody Needs a Little Trouble” que poco a poco van calando. “Defying Gravity” no será un disco que te cambie la vida, pero hará que sea un poco más llevadera durante la hora que dura.

Maese Leiva