CHEZ KANE
‘CHEZ KANE’
Frontiers Records

Chez y Danny Rexon (Crazy Lixx) han sabido encontrar un terreno común a la potencia vocal de una y la festividad musical del otro. Un trabajo con un arma de doble filo: es fácil de digerir. Esto puede hacer que llegue a más gente de entrada, pero también que nos cansemos de él con mayor facilidad al no encontrar matices nuevos cada vez que lo escuchamos. A mí me tiene a sus pies desde que salió el primer single, y pienso seguir así un tiempo más.

El disco es variado en cuanto a sus ritmos pero es constante en cuanto a la entrega de la vocalista, la melodía, las armonías y los guiños a la música de otro tiempo. Como eres una persona ocupada y lo que buscas es que te recomiende un tema que te atrape y te dé motivos para seguir escuchando, te diré que empieces con «Too late for love», mi absoluta favorita con teclados a tope y hasta castañuelas. Luego puedes irte al otro single, «Rocket on the radio», que trae consigo un aire de veraneo y fiesta que, unido al buen tiempo que está haciendo estos días, no hace más que llenarnos de ganas de pasarlo bien.

Personalmente, me han transportado a la infancia los temas «Defender of the heart» y «Ball n’chain», porque tienen ese sonido y esos estribillos coreables tan utilizados en las sintonías de los dibujos animados de los ochenta y los noventa, especialmente en el anime que más consumía (Bateadores, Los Inventos de Eva, el Pequeño Lord, etc.). Si con esto aún no estás del todo en el lado del azúcar, tienes una última oportunidad con «All of it», que es menos melodía pero más hardrock, en el estilo de Vixen y con matices a Def Leppard. ¡No se puede pedir más!

Las chicas son guerreras y han venido a demostrarlo en un año tan difícil como el 2021. En un mundo tan endogámico como es el del AOR de corte más comercial, donde sobrevivimos rumiando a Journey, Survivor y Toto en diferentes formatos, ha venido un cometa y nos ha eclipsado. Chez Kane se ha convertido en la artista revelación de este año por mérito propio, tanto por su música como por el pelotazo que ha pegado en redes. ¡Larga vida a la nueva reina!

Ymir Peiró

INGLORIOUS
‘WE WILL RIDE’
Frontiers Music

Cuando se produce una desbandada del tipo que sucedió en Inglorious, el primer miedo que me asaltó fue perder el sonido por el cual me gustó la banda por primera vez. Pero debe ser que, en el confinamiento, nuestro queridísimo Nathan James se ha atiborrado del programa ese que te arreglan la casa y tienes que decidir si compras la nueva o te quedas con la tuya arreglada. Nathan tiene claro cuál es el sonido que quiere ofrecer y lo hace aunque cambie la mitad de la plantilla de la banda, así que ha preferido quedarse con su casa reformada. La coherencia con la trayectoria musical de Inglorious es perfecta. No falta ninguno de sus toques de Deep Purple, Led Zeppelin o Bad Company.

La entrada a casa del tito Nathan la hacemos con «She won’t let you go», un recibidor con hard rock, ritmo bailable y estribillo perfectamente cantable. Una invitación a entrar más que atrayente, no en vano fue seleccionado como uno de los singles, adelanto de lo que se nos venía encima. Pero no ha sido nada mala la selección de singles porque «Medusa», que ya nos ponía los dientes largos nada más empezar este año, te transporta a los Whitesnake más duros, previo a su etapa como éxito de ventas. Riff macarra, batería muy presente y una voz que te seduce mientras te avisa de los peligros de mirar a los ojos a la criatura mitológica.

Para hablar de conexión con el pasado de la banda, hay que pararse a escuchar «We will meet again», que se convierte en nuestro comedor lleno de retratos de familia. Pero esta es una casa con su jardín y apertura de miras al exterior también, como «He will provide» que se sacude de encima diferentes estilos. A la vez contiene desarrollos para que la diversión no se limite a lo más sencillo de digerir. Atravesado estancia tras estancia, finalmente llegamos a mi favorita: la sala de juegos representada por «Cruel intentions». Estando dentro del grupo de temas más influenciados por el pasado, desarrolla y reordena los elementos que los pioneros del género esparcieron sobre la faz de la tierra para construir una letra que cabalga en perfecto movimiento sobre el resto de elementos.

En definitiva, una banda que no se deja amedrentar por las dificultades, se reinventa, y vuelve a hacer lo que queremos escuchar, una fantástica obra de hard rock. Con su nueva formación Nathan James se ha puesto las pilas en sonar más duro que nunca. Parece ser que don Bryan May ha comentado que la banda suena a Deep Purple como nadie, y si lo dice una autoridad en el estilo, no estoy yo por la labor de contradecir. Pero es verdad que no es una copia directa, sino que añade elementos y estancias que deleitará durante su visita a quienes gustéis.

Ymir Peiró

En la edición de ayer de Empire publicamos una interesante y extensa entrevista con Sergio Guillén Barrantes, autor de AOR World. Hoy te ofrecemos la segunda parte en la que tienen cabida otros proyectos e inquietudes de Sergio, sin duda uno de los referentes del rock melódico en nuestro país.
Primera parte de la entrevista: http://empirezone.es/2020/12/29/aor-world-la-entrevista-1/
Por Ymir Peiró
Fotografía: África Paredes

Otras músicas

EM: Como buscador de tesoros que pareces ser, y se puede comprobar en tu programa de radio «Discos Para Inquietos» por ejemplo, ¿qué otros estilos te interesan y te han marcado? ¿Cuál es tu favorito?
SGB: Mis primeros recuerdos musicales me vienen de mi casa, de mi padre. Él siempre trabajó como arquitecto, pero tiene un gran amor por la música. Todos los sábados y domingos por la mañana me despertaba poniendo sus discos favoritos. En casa nunca existieron catalogaciones, únicamente buena o mala música… Y la mala era música que mi padre ya se preocupaba en no comprar. Así que cualquier día podía escuchar tanto “The War Of The Worlds” de Jeff Wayne como el “Crime Of The Century” de Supertramp, “Quarterflash” de los Quarterflash, el “Abbey Road” de The Beatles –mi grupo de cabecera, sin la menor duda; y Paul McCartney, mi Beatle predilecto–, “Wednesday Morning, 3 A.M.” de Simon And Garfunkel, “Trans-Europe Express” de Kraftwerk, “Nashville Skyline” de Bob Dylan o “Water Bearer” de Sally Oldfield –le encantaba a mi madre–, por citar unos cuantos de centenares. Ese amor me caló profundo desde el primer momento y podría decirse que con apenas cinco años tenían tanto sentido en mi vida los juguetes como los discos. En mi cuarto atesoraba un radiocasete donde escuchaba todos esos elepés que mi padre me pasaba a cinta, además de que comenzó a regalarme casetes originales. Vivir los años 80 fue algo muy especial como oyente y descubridor de músicas. Reconozco que a veces no casaba con mis compañeros de clase pues, y aunque me gustaba todo el rock que salía en aquellos días, mis primeros referentes fueron AC/DC, Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, cuatro grupos por los que sentía verdadera obsesión. En cualquier caso, y como crecí sin barreras estilísticas, admiraba tanto el ska como el thrash metal, el blues como el glam rock, el synth pop como el rock progresivo o el swing, el heavy metal como el funk, el rockabilly como el jazz o el punk… Ya te puedes hacer una idea. Y de todo coleccionaba al tiempo. Por supuesto, y como es lógico, paso por etapas en las que siento mayor apego por uno u otro estilo, en las que el cuerpo me pide escuchar más AOR o soul, hard rock o heavy, blues o jazz, etcétera; pero nunca he abandonado ese eclecticismo musical. De hecho, mi discoteca casera de vinilos, casetes y CDs originales está ordenada por orden alfabético de los grupos y artistas, no por estilos, por lo que todo está junto. Para algunos será totalmente incomprensible, pero para mí es perfecto.

EM: Entre tus libros publicados podemos encontrar novelas y parecen estar salteadas de música también. ¿Qué papel juega la música en ellas?
SGB: Una gran parte. Mis dos novelas, “Sátrapa. Rompecabezas Para Una Canción Perfecta” y “Hiel En Cuerdas De Guitarra”, poseen un trasfondo musical muy potente, de hecho es casi como un protagonista más y se hace fundamental en la trama. Hay una cara emocional y otra que es fiel reflejo de lo que significa la música a muchos niveles: en la carrera del músico, en la del coleccionista, en la del empresario que lleva un emporio de revistas del género, en la del representante e incluso en la del advenedizo. Todo capturado por mi retina y oídos durante largos y largos años de trabajo en la profesión. Finalmente dichas vivencias se entrelazan a modo de thriller con misterios, secretos, traiciones e incluso asesinatos.

EM: De entre tus libros me tengo que acercar a los dos que hablan sobre La Frontera, una de mis bandas nacionales favoritas. Intentando no destriparme el final, ¿crees que el haber estado en España les ha jugado a favor o en contra?
SGB: Me gustaría explicar algo antes de contestar tu pregunta. Realmente sobre La Frontera y su líder Javier Andreu sólo he escrito un libro; sin embargo, como bien comentas, la gente hallará dos publicados firmados con mi nombre. Aquí va la razón. Inicialmente publiqué “La Frontera. Palabras De Fuego” con una editorial que nos prometió el oro y el moro pero que a la postre no cumplió con lo acordado –dejémoslo ahí, no quiero meterme en temas legales como así tuve que hacer en su momento–. Cuando conseguí que se liberase mi obra, decidí reeditarla junto a la editorial del excepcional profesional Nando Caballero. Así que en La Produktiva Books aparecería dicha reedición a la que se cambió el título por “En El Límite Del Bien Y Del Mal. Javier Andreu Y La Frontera”. Ése es el libro que el que esté interesado debería adquirir, ya que es el único de los dos que actualmente se considera como oficial. Eso sí, únicamente se puede comprar en formato físico y, solamente, o en la web de la editorial (https://www.laproduktiva.com/books/la-frontera) o en Amazon.
Una vez aclarado esto, te diré que ni una cosa ni la otra. Recuerdo que cuando yo comencé a seguirlos, allá por 1988 o 1989, cuando editan “La Rosa De Los Vientos”, La Frontera es un grupo no solamente asentado, ya que también de gran éxito. Cuando llega “Capturados Vivos”, el concierto grabado en la Plaza Sony de la Expo92 de Sevilla, La Frontera llenaba grandes recintos. Incluso en Portugal eran admirados como primeras figuras del rock y asistían a los conciertos escoltados por policía o militares. Sin embargo, y como bien me aseguraba Javier Andreu en las charlas que dieron forma al libro, llegó un momento de fama en el que no eran capaces de pensar que aquello podía desaparecer de la noche a la mañana. Y es que eran muchos los grupos nacionales que disfrutaban de un éxito bárbaro, bandas que llenaban interminables pabellones y que cobraban cachés más que importantes. Y eso duró hasta el ecuador de los años 90 sin tener visos claros de fin. Luego llegó un duro golpe contra una realidad que no debió ser tal. La Frontera, en cualquier caso, siempre ha intentado mantenerse en marcha y grabar discos con cierta regularidad desde entonces.

EM: Y hablando de otros estilos, ¿qué nos puedes contar sobre el proyecto relacionado con la New Wave of British Heavy Metal?
SGB: Es un proyecto que en la actualidad se encuentra en estado de hibernación. Tanto ese libro como una biografía sobre The Monkees eran los siguientes pasos una vez publicado el libro “AOR World. Un Viaje Por La Historia Del Rock Melódico En 200 Discos”. Pero, como ya contaba, llegó la gran respuesta de los compradores y acepté su petición de darle una segunda parte, así que aparqué dichos proyectos para un futuro próximo. El libro sobre la NWOBHM tendría tanto una parte histórica como una ya más similar al del AOR, es decir, la realización de una radiografía del género por medio de elepés fundamentales y otros no tan conocidos.

EM: Aún estoy intentando conciliar en mi mente la idea de que toques la batería y compongas música electrónica al mismo tiempo. ¿Me puedes ayudar a entenderlo, cómo compaginas esas dos pasiones? ¿Puede tener alguna influencia el haber crecido durante los 80 y 90 cuando la música electrónica llegó a todos los estilos?
SGB: La batería es, ha sido y será mi instrumento predilecto. Desde crío ya me dedicaba a intentar seguir mis canciones favoritas con lapiceros, tenedores o todo lo que se pudiese asemejar a unas baquetas. Adoro la espina dorsal rítmica de una banda. Me obsesiona y, si tuviese más tiempo, el otro instrumento que aprendería a tocar es el bajo. Soy de la época en la que no existían Youtube y sus tutoriales, los días en los que los chavales aguzábamos el oído para sacar las partes de batería de nuestras bandas predilectas. Comenzábamos aún sin batería, autodidactas, tocando sobre los cojines del sillón o sobre los almohadones de la cama. No recuerdo etapa de mi vida en la que no me subyugase la batería, el practicar, el ensayar, el disfrutar tocando aunque fuese únicamente un rato al día.
En cuanto a la música electrónica, y aunque por supuesto colecciono synth pop o pop electrónico de los años 80, mi forma de afrontarla no viene de ahí. Venus Bites, como titulé a mi one-man band, era una apuesta inicialmente fantasma para la que me inventé una biografía salida de madre –muy a lo Spinal Tap– donde vendía al proyecto como un olvidado grupo de electrónica experimental de mediados de los años 70 y lo situaba como contemporáneo de Popol Vuh, Cluster, Tomita o Kitaro; y en cuanto al sonido de mi primer CD, “Friday Morning Sound Therapy” (2007), por ahí iban los tiros. Esta idea me llevó a atreverme con el rodaje de un corto amateur, “Psychotic Reaction”, que sería seleccionado en el concurso Filmo Laboral 2009 de Gijón, Asturias. Luego, ya en 2011, y con “The Loops EP”, el concepto de Venus Bites se reinventa y me acerco entonces a nombres como Yamo, Ship Of Fools o Kraftwerk. Jugando con diversos loops atajé nuevos desarrollos instrumentales en una búsqueda en favor de las mezclas inesperadas y cargadas de preponderantes bases rítmicas.
Otras facetas

EM: Pasando a tu experiencia en medios de comunicación, ya hemos mencionado la radio, pero tenemos también revistas como «Renacer Eléctrico Music Magazine». ¿Qué has querido contar en este tipo de proyectos?
SGB: Renacer Eléctrico comenzó como fanzine musical focalizado en el rock, rock duro y demás derivados, pues eso era lo que contenían los programas de mi primer espacio Despertar Eléctrico. Sin embargo, poco a poco me tomé la libertad de abrir las páginas a todos los intereses culturales que me atraían, por lo que también se habló de cine y de literatura; y, en el campo musical, se pudo leer sobre rock pero también sobre blues, jazz, country, pop, ska, música celta, sinfónico, new age… Es decir, pasé nuevamente a la catalogación entre buena y mala música, no por género. Tras el fanzine, y en los estertores de los 90, se funda Renacer Eléctrico como portal Web. Renacer Eléctrico y The Sentinel, por ejemplo, salieron en Internet cuando aún muchas de las revistas en papel reconocidas no habían creado su versión digital. Fueron años complicados pues los sellos o promotoras aún no entendían el futuro que podría tener aquello. El diseño cambió con los años, al igual que de forma puntual fuimos nuevamente revista en papel, pero en los últimos tiempos decidimos presentarnos en un punto intermedio: formato, maquetación y páginas de revista pero editada en pdf para Issuu (https://issuu.com/renacerelectricomusicmagazine).

EM: ¿Tienes alguna recomendación para un medio como el nuestro que también empezó impreso y ha acabado en la Red de redes?
SGB: Cualquiera que lleve los suficientes años en el mundo del periodismo musical y que afronte la actualidad del mismo, bien sabe que es un medio muy ingrato –sobre todo para el periodista–. Solamente unos pocos pueden vivir de ello; por lo general, el periodista musical debe de estar escribiendo para los mil y un medios, colaborando aquí, ofreciendo sus servicios allá –y en gran número de ocasiones sin cobrar, únicamente intentando que la siguiente vez sea la buena y se valore su trabajo por medio de la remuneración–. Así que mi recomendación es que creáis en vuestro esfuerzo, que os mantengáis fieles a vuestra ética de trabajo y que no os dejéis avasallar por promotoras, sellos discográficos o personas que quieran someter vuestra libertad como profesionales del medio.

EM: Como comentábamos en la introducción eres un «hombre del milenio» que no duda en utilizar todos los medios de comunicación al alcance para expresarse. ¿Cuál es el que te queda por probar?
SGB: No es que no dude en utilizar todos los medios de comunicación a mi alcance para expresarme, es que no me queda otra. Siempre me he sentido un periodista de la vieja escuela, que es lo que aprendí en la Universidad. Por lo que ahora, cuando en una oferta de empleo para periodistas no te piden escribir con alto nivel de redacción, sin faltas, con perspicacia, con conocimientos de documentación o adaptación a una línea editorial, y sin embargo te exigen conocer al dedillo la estructura de Internet, la fluctuación de una publicidad en las Redes Sociales, cómo hacer clickbait, los mejores trucos SEO para crecer en Instagram… Buf, me siento como de otro planeta. En fin, es algo que está a la orden del día en Internet, pero eso no es ser un buen periodista; son nociones que casan más con profesionales de Youtube como Romuald Fons. Es decir, una revista debe tener a unos y a otros para conseguir el triunfo en los nuevos medios, pero creo que hay que valorar por separado el trabajo de cada uno con sus pros y sus contras. El problema es que las labores que antes hacían dos personas o hasta tres en diferentes departamentos, ahora se quiere que lo haga todo uno a modo de multifunción; y así está el periodismo actual.

EM: Has confesado ser un coleccionista, en Empire Magazine tenemos perpetrantes del mismo delito. ¿Qué coleccionas y por qué?
SGB: Colecciono libros, películas y, sobre todas las cosas, música (CDs, vinilos y casetes). ¿La razón? Es la única droga o vicio que he tenido en toda mi vida.

EM: ¿Cuál es la pregunta que no te hemos hecho y te hubiera encantado responder?
SGB: Debo reconocer que esta entrevista es una de las más completas, o tal vez la que más, que me han hecho en toda mi carrera. Por otra parte, creo que ya he dado la matraca lo suficiente como para tener que alargarme más. Estoy realmente agradecido por todas tus preguntas y por el espacio que me habéis dado en vuestro medio.

EM: Muchas gracias por dedicarnos este tiempo y esperamos poder volver a contactar contigo y comentar los nuevos proyectos.
SGB: Mil gracias a vosotros, de corazón. Larga vida a Empire Zone Magazine.

Con gran expectación por su próximo trabajo relacionado nuevamente con el AOR o rock melódico entrevistamos a Sergio Guillén Barrantes. Un dedicado periodista e incansable de la música, que combina sus pasiones cuando se vuelca en la escritura, la composición, la locución o la marca del ritmo a la batería. De buscador de tesoros musicales a hombre del milenio que domina los medios en la Red, cuenta en su obra con libros, revistas, programas de radio, podcasts, páginas web, canal de YouTube, ponencias, cuenta de Instagram, LPs, etc.
En esta ocasión le contactamos para que nos hable de uno de sus proyectos «AOR World», un manual para dummies sobre el género que fue publicado en 2018 por la Editorial Milenio y que está a punto de tener un hermanito.

Por Ymir Peiró
Fotografía: África Paredes

AOR World

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas Sergio. Lo primero que te vamos a pedir es que resumas AOR World para una persona que aún no se haya topado con él.
SERGIO GUILLÉN BARRANTES (SGB): AOR World es un viaje por la evolución del rock melódico; aunque, en lugar de hacer el trayecto por medio de la narración de su historia, me desplazo por sus diferentes décadas a golpe de análisis de álbumes que me parecen fundamentales. Y cuando me refiero a fundamentales, no quiero decir que necesariamente sean las obras puntales de un artista o banda –por lo general sí–, ya que igualmente hablo de discos de importancia capital por significar un cambio en el estilo concreto de un grupo o que marcaron el futuro de un conjunto. El decenio de partida son los años 70 y no paro el motor hasta llegar a la actualidad; es decir, el lector podrá hallar análisis de discos editados en cinco décadas diferentes. Además, en AOR World las siglas AOR se utilizan como término genérico en el que poder englobar la gran mayoría de vertientes que se entienden pertenecientes al rock melódico: soft rock, hard melódico, hi-tech, pomp rock, west coast, etcétera.

EM: ¿Cuándo o cómo decidiste que era necesaria una segunda parte? ¿Te hemos insistido mucho los fans de la primera?
SGB: Hasta el momento, ninguno de los quince libros que tengo publicados (los podéis ver todos aquí: https://sguillenbarrantes.wordpress.com), trabajando para diferentes editoriales nacionales, han sido encargos. Me explico: cada proyecto parte de mi afán por tratar sobre unas músicas, unos discos o unos artistas que admiro y de los que llevo coleccionando y estudiando toda mi vida. En ocasiones he presentado a las editoriales dichas ideas en un estado embrionario; otras veces, los libros ya estaban medio escritos o terminados cuando he firmado el contrato de edición. En esta ocasión la cosa ha sido diferente y, efectivamente, han sido las palabras de ánimo por parte de los compradores del primer AOR World las que me han llevado a darle una continuación. Desde los iniciales días de venta, allá por las Navidades de 2018, los primeros lectores ya me escribían para pedirme análisis de bandas que no habían podido entrar en el tomo que editó Editorial Milenio. Y, de hecho, en diferentes espacios de las Redes Sociales creé encuestas para que los lectores pudiesen participar en parte de la selección de algunos de los elepés de formaciones que ya tenía claro que saldrían en el siguiente libro. El fin era agradecerles todas las muestras de apoyo y cariño que habían manifestado para con mi libro; incluso, durante meses publiqué en Internet las diferentes fotos que se hacían con la obra en cuestión. Reconozco que fue muy emocionante el ver una respuesta de ese tipo.

EM: ¿Cómo y cuándo tienes pensado sacar la segunda edición? ¿Qué vamos a poder encontrar en ella?
SGB: Si se llega el 17 de enero, que es el final de la campaña de venta, al total presupuestado, únicamente quedarían cuatro pasos: terminar la escritura del libro –del que me faltan unas pocas reseñas–, realizarle la corrección, maquetarlo e imprimirlo. Los libros se enviarían a los compradores entre finales de junio y principios de julio de 2021. Para los interesados, comentar que la compra del libro solamente se puede realizar en la plataforma Kickstarter.com en este enlace: https://www.kickstarter.com/projects/aorworld2/aor-world-2-el-viaje-continua.
En cuanto a lo que podrá hallar el lector, es muy sencillo: otros doscientos análisis de álbumes pertenecientes a grupos o artistas que no aparecieron en el primer tomo.

EM: Como no había tenido ocasión de preguntarte antes, me gustaría repasar algunos puntos del primer libro. Empezaré por preguntarte: ¿cuál es el álbum que más te fastidió incluir y cuál el que más te dolió dejar fuera?
SGB: Mi segmento preferido de la historia del rock melódico en todos sus derivados va de los años 70 hasta antes del ecuador de los 90. El nuevo milenio ha traído un reverdecer de laureles para el género, y es algo que valoro sobremanera, pero no todo está a la altura que debiera. Cuidado, tampoco digo que fuese así en mis años predilectos; pero los porcentajes de aciertos eran mucho mayores entonces ya que en los 70 y los 80 no se tenía que ir a contracorriente.
En cuanto a fastidio por incluir un álbum, creo que no es algo que realmente sintiese pues a fin de cuentas soy yo el que selecciona. Pero, sin duda, al querer mostrar una imagen global y en la que se viesen reflejadas todas las décadas, sabía desde el principio que muchos elepés serían sacrificados por el bien del viaje total a las cinco décadas. Trabajos como: “In The Middle Of The Night” de Aerial, “Shaft The Light” de Airrace, “One Eighty” de Ambrosia, “Fine Fine Line” de Andy Fraser, “Aviator” de Aviator, “Images Of Forever” de Cannata, “Friction” de Coney Hatch, “The Nightfly” de Donald Fagen, “Liaison” de Liaison, “Spies Of Life” de Player, “Silk Degrees” de Boz Scaggs, “Never Say Surrender” de Red Dawn, y un larguísimo etcétera que, junto a estos discos, aparecerán en la segunda parte.

EM: Como persona seguidora del rock sureño me sorprendió toparme con bandas como Blackfoot o 38 Special. ¿Qué crees que tienen en común el rock sureño y el rock melódico para poder llegar a este tipo de mezcla?
SGB: En ocasiones puede parecer que el southern AOR sale de la nada, del mero seguir la moda que rompe en las listas; sin embargo, las semillas llevaban sembradas desde el principio en muchos de los casos. No hablo de rock melódico como se lo conocería en los años 80, por supuesto, pero en los primeros discos de grupos como los Outlaws (esos estribillos de “Breaker, Breaker”, por ejemplo) o 38 Special (la muy melódica en su medio tiempo “Fly Away” de su álbum homónimo de 1977); por no citar directamente la labor de los Allman Brothers como formación referencial para mucho combo de southern rock. El trabajo de las guitarras, la importancia fundamental de las melodías incluso en los estribillos más desbocados. Por supuesto, todo aquello se llevó a su paroxismo con ciertos vinilos de southern AOR de los 80, aunque para muchas de esas bandas fue un movimiento fugaz sobre el tablero para a la postre regresar a las raíces del terruño.

EM: En otras entrevistas te han preguntado por las bandas sonoras, porque te declaras amante del cine, y por la sección que figura al final del libro. Admito que yo me inicié en este género con ellas (Survivor, Journey…). ¿Crees que las películas tienen esa misma influencia hoy en día? ¿Por qué?
SGB: No, para nada. Eso no quiere decir que no existan en la actualidad directores que cuiden las bandas sonoras de sus películas. Pero lo crucial de aquellas bandas sonoras de los 80 es que reflejaban la música que se estaba grabando en esos momentos, además de que muchas de las tramas o los guiones podían casar perfectamente con lo narrado en las letras de estos grupos. Y no hablo únicamente de las canciones seleccionadas para las bandas sonoras, también me refiero al score completo, a los arreglos instrumentales que acompañaban a muchas de aquellas filmaciones. La suma tenía una producción y un fin muy similar, aunque no fuese todo necesariamente AOR. Fíjate en la banda sonora de un blockbuster como Top Gun: tienes a Cheap Trick, Berlin, Teena Marie o la Miami Sound Machine, por citar cuatro propuestas diferentes, y nada suena fuera de lugar.

EM: En los bises del libro incluías una de las bandas nacionales que más me han marcado: Hardreams. ¿Sigue en pie la voluntad de incluirla en el segundo libro? ¿Seguiría siendo «Calling Everywhere» el álbum escogido? ¿Nos puedes avanzar algo de las razones o es algo que dejas para la persona que lea el segundo tomo?
SGB: Hardreams es un conjunto excepcional que descubrí precisamente en el año de edición de su “Calling Everywhere”. Yo por entonces dirigía la revista musical digital Renacer Eléctrico Music Magazine y nos llegó a la redacción este trabajo. Mi sorpresa fue mayúscula y tremendamente positiva. Puede que luego asentasen su sonido, pero aquel CD me sigue pareciendo muy significativo de lo que propone la apuesta –esto es a lo que me refería al principio: algunas de mis elecciones en la discografía de una banda tal vez descoloquen a parte de su afición, pero puedo asegurar que tienen su sentido y siempre explico las razones–.

EM: Con algunas de las formaciones y tantos cambios a veces cuesta ubicarse. ¿Has pensado alguna vez en incluir árboles genealógicos como se hace en las sagas literarias?
SGB: Tienes razón, y es algo que ya me sucedió cuando me enfrenté a escribir sobre la historia de la música experimental y progresiva en los dos tomos de Radiografía del Rock Experimental que coescribí junto a Andrés Puente. Allí lo resolvimos organizando el libro por años –AOR World va por orden alfabético de bandas– y manteniendo ese timeline desde la fundación de cada proyecto a su desaparición o a su estado actual, si aún seguían en activo. En cada año podías leer lo que había hecho o lo que le había pasado a uno u otro grupo. Pero sí, lo del árbol genealógico de cada conjunto sería muy interesante; aunque solamente con ellos ya llenaríamos las doscientas páginas, pues hay nombres por los que han pasado o con los que han colaborado decenas y decenas de músicos.

EM: Aparte del libro, recientemente has lanzado un podcast, accesible en https://www.ivoox.com/perfil-aor-world-radio-show_aj_23489054_1.html, complementario a tu canal de Youtube https://www.youtube.com/c/AORWORLD/. ¿Tienes la intención de construir en AOR World un mundo multimedia?
SGB: No era mi intención primera, pero entiendo que la iniciativa AOR World se pueda ver como un todo. Mi forma de escribir, de expresarme, de analizar la música, siempre ha sido muy concreta, siempre intentando crear una firma. Llevo veinticinco años trabajando en el periodismo musical y el tratamiento que le doy a esta disciplina sigue una línea muy clara que reconocerás tanto en uno de mis textos como en cualquier audio de mis programas radiofónicos. El canal de Youtube fue una idea loca. He hecho de todo en el periodismo, pero nunca me he tenido que enfrentar a una cámara. Fue un reto, aunque tampoco salgo tanto en los vídeos –me refiero a mi imagen–. No soy el protagonista, no soy un influencer, únicamente personifico al cicerone que te acompaña a la mesa, que te presenta el análisis que vas a escuchar; sí, un análisis que lleva mi voz también, pero en el que estás viendo imágenes de directos o videoclips del artista o grupo a tratar. De hecho, en un primer momento yo no tenía intención de salir ante el objetivo, pero entendí que Youtube marca otras reglas y hay que seguirlas, aunque únicamente sea para presentar tu proyecto. Yo ya tenía un canal en Youtube personal, pero su contenido era totalmente random. Subía desde vídeos que durante años he grabado a bandas en sus directos como tutoriales míos mostrando cómo se tocan diferentes canciones a la batería, al igual que teasers que montaba sobre mis libros; todo muy de estar por casa, sin importarme audiencias, días de publicación o cualquier otro dato de referencia relacionado con el flujo de visitas.
El canal de AOR World encuentra su nacimiento en la necesidad que siento de dar una continuidad al libro mientras llegaba o no la segunda parte. La editorial no terminaba de confirmar si publicaría la obra –al final sería que no–; yo veía que ya pasaba el primer año tras la edición de AOR World, seguía recibiendo mensajes preguntando por ese posible AOR World 2, y pensé que lo de Youtube podía ser un parche para que no se hiciese tan larga la espera. Desde su comienzo me planteé que debía tratarse al canal como a una suerte de programas sobre el mundo de la música AOR, como un espacio semanal televisivo que te podrías haber encontrado cual sección dentro de un magazine musical –si quedasen magazines musicales en la televisión y si en algún momento se hubiesen preocupado por el rock melódico–. Sin embargo, de mero “parche” el programa ha cobrado vida propia, por lo que de las iniciales audio reseñas se llegó a los rankings por años y a entrevistas de nombres como Jordi Castilla, el argentino Charlie Giardina, Hackers o Güru.
En cuanto a AOR World Radio Show, creo que era el paso lógico. Incluso pensé en ello antes del canal de Youtube. He estado más de quince años haciendo radio: comencé en Onda Mayor en los años 90 y luego pasé por emisoras decanas de Madrid como Radio Carcoma o Radio Enlace. Durante todo aquel tiempo dirigí y presenté espacios como el dedicado al rock/hard rock/metal “Despertar Eléctrico” (posteriormente titulado Renacer Eléctrico, que también sería el nombre de mi revista, aunque ya abierta a decenas de estilos musicales), el magazine cultural y musical “El Puente de Cassandra”, “Un Mundo Entre Dos Décadas” (versado únicamente en la música de los años 60 y 70) y “Discos Para Inquietos” (del que incluso llegué a escribir y publicar con la Editorial CastellArte un libro). Todavía entendiendo que era mi medio natural, veía que en las Redes Sociales la gente era más proclive a ver un vídeo de Youtube que a meterse en un enlace de iVoox o a esperar cierto día para escuchar en una emisora digital un espacio radiofónico. Por ello me decanté por Youtube. Sin embargo, sentía que faltaba la música. Hallé grandes problemas en Youtube únicamente por mostrar unos minutos de diferentes vídeos oficiales de las bandas –de la música ya ni hablamos, aunque fuese unos segundos de uso a modo testimonial–, y también me vi obligado a tener eso en cuenta a la hora de editar y montar las imágenes. Finalmente hace unas pocas semanas, y tras llevar desde 2011 sin hacer radio, comenzaron las emisiones de AOR World Radio Show; un espacio del que cada miércoles subo nuevo programa en iVoox y que, posteriormente, ya en horario de 22:00 a 23:00 los sábados por la noche, se emite también en Rockliquias Radio.

EM: ¿Qué tres bandas tótem (y su disco) recomendarías a una persona que no sabe de este estilo y lo quiere conocer?
SGB: Parece una pregunta sencilla de contestar, pero claramente tiene su miga. Aunque en ocasiones el rock melódico pueda parecer un género estanco, no lo es; y como pasa con el rock progresivo, hay muchas variaciones, modos de entenderlo, subcategorías, afluentes o influencias que hacen que no todo el rock melódico se rija por unos cuantos estatutos inamovibles. De hecho, con los años he descubierto que hay amantes del AOR que no entienden el género si no es a partir de lo que se publicó en los años 80; es decir, no comulgan ni con las ideas musicales ni con las producciones de los 70. Al igual que también hay oyentes que aman el AOR pero no ven sus concomitancias con el pop, al igual que otros sí lo hacen. Nadie es mejor ni peor, pero lo cierto es que todo esto puede condicionar a una u otra persona a la hora de entrar en esta disciplina. Por eso, y aunque parezca muy trillada la respuesta, los nombres clásicos siempre suelen funcionar como primera invitación al género: el “4” o “Agent Provocateur” de Foreigner, “Turn Back”, “IV” o “Isolation” de Toto, “Eye Of The Tiger” o “Vital Signs” de Survivor, “Hi Infidelity” o “Good Trouble” de REO Speedwagon, “Escape” o “Frontiers” de Journey…

EM: ¿Qué 3 bandas en activo actualmente señalarías como las que están manteniendo vivo el género?
SGB: Te voy a nombrar a tres bandas actuales que creo que ofrecen una muy interesante visión del rock melódico: los Hackers desde Las Palmas de Gran Canaria, el noruego Satin y los Palace del sueco Michael Palace.

EM: No puedo evitar preguntarte sobre uno de los cambios de vocalista más polémicos de los últimos días: en Sunstorm, sale Joe Lynn Turner y entra Ronnie Romero. ¿Qué te parece el cambio?
SGB: Últimamente se ha creado un gran revuelo en las Redes Sociales sobre este respecto, y la verdad es que lo entiendo. Recuerdo que Joe Lynn Turner, precisamente hablando hace algunos años sobre Sunstorm, me dijo que él seguía aceptando muchas de las propuestas de músicos que lo contrataban vía internet para que pusiese voz en un disco o hiciese un dueto con ellos. Hay que comer y la vida del músico está cada vez peor; y no hablo de la actual crisis que ha traído la pandemia, que eso ya es totalmente descorazonador, me refiero a músicos que han visto que en el nuevo siglo no se puede vivir de lo que décadas atrás fue una profesión más que asentada. Romero ha estado en los últimos ocho años relacionado con nombres o bandas como Nova Era de José Rubio, Lords Of Black, Rainbow, The Ferrymen, Destinia de Nozomu Wakai, CoreLeoni e incluso Adrian Vandenberg. Entiendo que lo de Ronnie en Sunstorm habrá sido un ofrecimiento directo del capitoste de la casa Frontiers, Serafino Perugino; pero el fundador del sello italiano no se ha percatado de que esta clase de jugadas en ocasiones pueden llegar a dañar la credibilidad de un proyecto de este tipo –sobre todo cuando están asociadas a un nombre, a un registro vocal y a una figura en concreto de tanta relevancia como la de Turner–.

ONE DESIRE
‘MIDNIGHT EMPIRE’
Frontiers Records

Dos años han pasado desde el disco debut de One Desire, la banda puesta en marcha por Ossi Sivula, completada por Jimmy Westerlund, André Linman y Jonas Kuhlberg, que nos tenía pendientes de ellos desde el bombazo «Hurt». Sin alejarse demasiado del sonido de las bandas de origen como Sturm Und Drang y Kometfabriken, consiguen marcar una dirección y tono distintos dentro del hard rock melódico más comercial. No en vano han contado con ellos como teloneros bandas como Eclipse o The Night Flight Orchestra. A éstos les vinieron acompañando el pasado 11 de marzo de 2020 en Salamandra (justo antes de aterrizar el confinamiento).

La entrada al disco viene de la voz de Raymond Burr (¿os acordáis de Perry Mason/Ironside, las series en blanco y negro? pues el mismo), con las frases más significativas de su personaje, Barney Chavez, en «The Bride of the Gorilla» (1951), película de horror de serie B. Un maridaje perfecto entre película y tema, «Shadowman», ambas hablan de la soledad que se siente al vivir dotado con una gracia que ahuyenta a los demás, ya seas hombre lobo, bruja, mr. Hyde, vampira, o Sheldon Cooper. Este tema crece poco a poco y te rodea como si de una película se tratara. Se convirtió en el segundo single, aunque en su momento el sonido no presagiaba nada bueno para el álbum. Por suerte los siguientes temas no son tan profundos y son más agradecidos de cantar, «After you’re gone» y «Down and dirty», un poco de amor, un poco de desamor y algo de picazón sexual, vamos, una combinación clásica.

Hay momentos que la electrónica nos hace dudar del tipo de música que estamos escuchando pero recomiendo aguantar porque los temas acaban evolucionando a melodías estupendas acompasadas con guitarras, al fin y al cabo están explotando la vertiente comercial del hard rock melódico. «Godsent extasy» es uno de estos temas en que el movimiento en la pista viene acompañado de un merecido solo de guitarra, muy en la onda H.E.A.T., de las de añadir en la playlist de hacer deporte. En la balada «Through the fire» se emplean a fondo con el uso de la guitarra acústica en modo zeppelin, queda una power ballad con una intensidad en el solo de guitarra muy disfrutable. El que fue el segundo single, «Heroes», muestra claramente la dirección de la banda y acaba siendo una de mis favoritas sobretodo por el contenido: cuando todos tus héroes han caído, sé tu propio héroe ¡Fantástico mensaje!

La tercera parte del trabajo no puede empezar mejor que con «Rio», medio tiempo que me enganchó al disco desde la primera vez que la escuché. Tiene una melodía preciosa, sostenida por una batería y un teclado que en ningún momento se pisan. Volvemos a la intensidad y el ritmo con «Batterfield of Love» y «Killer Queen», para acabar rematando suave y despacio con «Only when I breathe», que se saborea como ese último beso antes de no saber cuándo le vas a volver a ver.

El álbum, que se filtró antes de salir, tuvo muchas opiniones encontradas respecto al sonido, pero el resultado final creo que ha sido retocado. One Desire se están abriendo paso desde Finlandia en el hard melódico más comercial, acercando posturas pero marcando su propio paso a recientes estrellas del género. ¡No sólo del continente amigo iba a venir este tipo de música! Mi receta: recomendable tomar bien fresquito mientras se ejercitan el cuerpo y la voz.

Ymir Peiró

GATHERING OF KINGS
‘DISCOVERY’
RN Records

15 de mayo de 2020: La ciencia investiga el origen de la melodía en las frías tierras del norte de Europa. No es un titular, pero debería serlo a estas alturas. Que un grupo de colegas músicos se junten para pasárselo bien y salga un buen disco, puede ser casualidad. Que cambien los amigos, se vuelvan a reunir y salga otro gran trabajo, da pie a sospechar. Después de dos meses de su publicación, he podido disfrutar largo y tendido del nuevo trabajo del super grupo Gathering Of Kings, ‘Discovery’, y es para relamerse. ¡Quién me iba a decir a mí que iba a descubrir una de mis bandas favoritas en un «Eurovisión del Metal»!

Empezaron atacando con tres singles que no dejaron indiferente a nadie. «Heaven on the run» fue un primer single excelente, estando a la altura del primer trabajo, ‘First Mission’, con el teclado marcando el paso y la recuperación de uno de los vocalistas, Rick Altzi, cuya voz aporta ese rasgado tan especial y hardrockero. Cuando estábamos encantados con el primer adelanto, poniendo la barra de las expectativas a la altura de Saturno, sacan el órdago de fichar al enorme Jonny Lindkvist (Nocturnal Rites). Lindkvist se enfrenta en «Moonlight» a un teclado que reclama espacio a cada compás, reforzándose con capas y capas de melodías. Él resuelve llenando de dureza tanta melodía, como sólo él podría hacer. El último adelanto fue «Kiss from above» y nos vinieron a la cabeza mil comparaciones, que si se parece al «Story ain’t over» de Avantasia, que si al tema del disco anterior «Long Way From Home», que si tiene algo de Stryper… Para mí, otra muestra de que recogiendo el testigo de quienes han recorrido la misma senda, se pueden hacer temas frescos y nuevos, sin que haya que dilapidar el estilo.

Luego salió el trabajo al completo, cuando llevábamos dos meses de confinamiento y consumíamos música de manera compulsiva, y ya no pude parar de escucharlo. Desde la introducción galáctica de «Starsleeper» hasta el cierre perfecto de «Final Hour» en el que hacen un cierre magnífico como si de un musical de Broadway se tratara. Los fans de Apollo Papathanasio no pueden dejar de escuchar «Revelation» con ritmo a lo Whitesnake, actitud de pisar fuerte con el mundo a tus pies. La otra colaboración de Lindkvist, «December», hace que no puedas parar de cantar y culmina con un solo de guitarra que brilla y va dejado un rastro a su paso como un cometa. Para no dejar fuera a ninguno de los vocalistas, de Tobias Jansson hay que escuchar atentamente «Lorelei», donde la guitarra de Victor Olsson habla al teclado de Erik Wiss (Creye) y nos devuelve a cuando las respuestas entre instrumentos eran piezas clave en las canciones.

La marcha casi en su totalidad del aporte de The Night Flight Orchestra se ha notado en un segundo trabajo que toma un camino propio, alejándose algo del anterior, pero no lo suficiente como para que no se vea una continuidad, sobretodo en la calidad de sonido y la melodía. Otra gran puesta en escena de los fantasmas que le rondan por la cabeza a Victor Olsson (guitarrista y compositor mayoritario). Otra gran reunión (gathering) de músicos.

Ymir Peiró

ASKVÄDER
‘ASKVÄDER’
The Sign Records

El pasado 13 de marzo se publicaba el primer larga duración de Åskväder, sin título y con una clara influencia de su banda favorita, The Hellacopters. La compañía encargada es la muy sueca The Sign Records, que os sonará de otras bandas que se han pasado por la península con sendos discos bajo el brazo como Hällas, Heavy Feather, Honeymoon Disease o Lizzies. Parece que la compañía tiene un claro delirio por lo que suena a rock y hard setentero.

Me gusta mucho la descripción que hacen de sí mismos como «power trio de las ventosas costas de Goteborg» formado por Martin Gut a la guitarra, Jon Solheim a las voces y batería, y Staffan Persson al bajo. Una banda siempre mola más si el cantante se sienta detrás de los parches. Si es que para hacer el estilo que practican no necesitan nada más (ni nada menos): energía, adrenalina, buena sección rítmica y melodías pegadizas que lo acompañen.

Para dejarse atrapar y viajar a la escena rock escandinava de los 90, con temas a medio camino del rock y el punk como «Thunderstorm», «Nothing To Lose» o «God’s Grace». De paso, como es un grupo con poca discografía aprovecha para darle una escucha a su EP anterior, en concreto el tema que le da nombre «Quick Fixes» y su arpegio molón, te lleva a un ritmo frenético aunque de melodía más oscura que el larga duración publicado. Ya hacia el final nos sorprenden con un rock and roll de manual muy cantable que sienta estupendo como arco de cierre, «Defeat».

Por sacarle una pega al disco diría que en «Give In» se han dejado el brillo de la voz por algún lado y me produce que el disco decaiga un poco. Es precisamente en este tema que incluyen a uno de los invitados en este disco, Robert Pehrsson (te sonará de Imperial State Electric, todo queda en casa), que viene acreditado por marcarse el solo de guitarra. Mali Strelitzsky acompaña a las voces en «Bit My Lip», aunque no son mis temas favoritos. Destacaría no obstante la portada sencilla y muy descriptiva de lo que puedes encontrar en la música salida de la cabecita y las manos de Johan Leion, que alguna cosilla ha hecho para In Flames ¿Había comentado que también es sueco? ¡Jaja!

Un disco de lo más aceptable para ser un debut, donde se nota que hay madera para que nos den grandes alegrías en el futuro dentro de este mundo tan especifico como es el hard rock escandinavo de corte setentero. Los aspirantes al trono de The Hellacopters están empezando a dar sus pasos. ¡Cuidado!

Ymir Peiró

WAITING FOR MONDAY
‘WAITING FOR MONDAY’
Frontiers Records

Descubrir nuevas bandas que aporten algo nuevo y refrescante a la escena del hard melódico no es tarea fácil. Sin duda Frontiers es una de las compañías que mejor cumplen con esta labor para regocijo de quienes disfrutamos del género. Waiting for Monday es una banda integrada por músicos con experiencia dentro de la escena musical en diferentes manifestaciones, liderada por Rudy Cardenas a las voces y August Zadra a la guitarra. Seguramente estos pájaros ya te suenen, pero si además viene a la producción y las teclas Walter Ino, el multi-instrumentista, arreglista, y también actual guitarrista de Eagles of Death Metal (sí, la banda que sufrió el incidente en Bataclan en 2015 pero que no hace death metal), la calidad está garantizada. Completan la formación en la sección rítmica Joe Travers a la batería y Eric Baines al bajo.

Recomendados de por el gran Jeff Scott Soto, que parece tener el mismo talento como ojeador que como vocalista y frontman, vienen a aportarnos una nueva vuelta de tuerca a sonidos similares a leyendas como Survivor o Journey. Nada es casualidad ya que el Sr. Ino se tiró 6 años acompañando a Survivor. ¿Aún pensabais que se me iba a escapar un grupo con buen teclista? ¡Ni hablar!

Entrando en materia musical, este trabajo tiene un halo de dulce melancolía, ese sería el sentimiento que me embarga al escucharlo, echar de menos algo que tenías y te encantaba tener, pero que te encanta regocijarte en echarlo de menos.

La distribución de los temas me parece escogida y bien medida porque entra con la alegría que engancha de «Until The Dawn», para ir profundizando capas y capas de sentimiento con temas desgarradores como «End Of A Dream» o «Found You Now». Así va haciendo una montaña rusa de ánimo que sube y baja pero no deja que te aburras. Como curiosidades destacaría «Inside Her Head» o «Pick Your Lies» por ser las que se salen más del estilo, yendo más a lo visceral y rockero.

Sin lugar a dudas mi favorita de todo el elenco es «Must Have Been», por su melodía, por su sentimiento, cómo va creciendo poco a poco, los arreglos del teclado colocados justo donde deben ir, la culminación y por esa letra tan propia del estilo. Grandiosa se mire por donde se mire, no la voy a poder dejar de cantar en varios meses.

Si tengo que sacarle un ‘pero’ al trabajo sería que incluyan una canción en acústico al final, no sé si muestra de falta de creatividad o premio a los oyentes. En cualquier caso, me lamento porque de bandas como esta yo quiero un acústico al completo, no sólo un tema. Habría preferido una edición especial de dos cds uno eléctrico y uno acústico, y ganar un tema más en esta gran composición.

Un trabajo completo, que pasa por diferentes caras del hard rock y el melódico, con una producción exquisita y un sonido que recuerda a épocas gloriosas del estilo. Este va directo a la lista de la música que he tenido la suerte de llegar a conocer.

Ymir Peiró

KHYMERA
‘MASTER OF ILLUSIONS’
Frontiers Records

Tenemos de vuelta a Dennis Ward volcado de pleno en el que fue su proyecto paralelo a Pink Cream 69 y que ahora es su centro. Hace un tiempo que, frustrado y cansado de poner demasiada energía que no estaba siendo compensada en PC69, decidió abandonar la banda definitivamente. Quien escribe estas líneas tenía dos razones para no esperar demasiado del trabajo: por un lado los anteriores álbumes ya son buenos y difíciles de superar; por otro que la frustración con PC69 quizás le llevaba a cambiar el rumbo del proyecto y hacer algo más contundente y duro, cosa que no apetece nada a una amante del hard rock melódico.

Entre mis manos tengo una de esas maravillas que no esperabas y florecen. Tenemos a Dennis con un afán compositivo y una calidad de producción que no se cede un ápice de esplendor respecto a sus entregas anteriores. La delicadeza de las flores que presenta en forma de melodías apoyadas en tallos duros pero flexibles de hard rock hace que las gotas de rocío de la producción se posen sobre las canciones, dotándoles de un olor y un color que sólo es apreciable por quién no albergue alergias.

Podemos empezar desde el principio o desde el final, que el trabajo no defrauda, ni a nivel musical ni letrístico, muy en la linea de lo que debe ofrecer una banda de este estilo con cierto bagaje y nivel, no solo por los años de rodaje, sino por la calidad de sus cabezas pensantes. Destacan como atemporales y melódicos los temas «Walk Away», «The First Time» y «Victim Of Your Love». En cuanto a desarrollo, y por ser un estambre de un polen especial, destaca «Master Of Illusions» con un sabor que me recuerda levemente a Journey y me deja un gran sabor de boca. Pero si hablamos de pétalos traídos por el viento del pasado, tengo que hablar de «Just Let It Happen» y cómo entremezcla con maestría olores de perfumes pasados con un sonido actualizado y atrayente.

Quizás la portada no refleja del todo el espíritu del álbum, ya que parece más propia de una banda de metal épico que de hard rock. También es cierto que, como amantes del estilo, aún estamos buscando el tipo de portada que no sea sexista como las de los ochenta y noventa, ¡ja!

Lejos del actual Khymera quedan las ideas iniciales de Daniele Liverani (que seguramente reconocerás de muchas cosas pero destaco ‘Genius: A Rock Opera’) y Steve Walsh (ex-vocalista de Kansas). Un proyecto de Frontiers que ha sabido reinventarse y desarrollarse como solamente en un campo tan bien abonado de talento, del de Dennis Ward concretamente, podía suceder. Espero con ganas poder verlo en directo cuando se de la ocasión de empezar a presentarlo.

Ymir Peiró

HAREM SCAREM
‘CHANGE THE WORLD’
Frontiers Records

Es una noticia estupenda que, a pesar de sus idas y venidas, Harem Scarem no paren de ofrecernos música. Desde que retomaron las riendas de la banda Pete Lesperance y Harry Hess en 2013, no paran de darnos alegría tras alegría, demostrando que el hard rock está más vivo y creativo que nunca. Aunque, a decir verdad, Harry Hess haciendo otros proyectos nos tiene entretenidas, recordad sinó «Irresistible» en Voices of Rock y o el proyecto de Frontiers: First Signal, siempre tan especial.

Centrándome en el álbum, hablamos del decimoquinto álbum de la banda, tercero de la nueva era (sin contar ‘Mood Swings II’). Vienen a demostrar que la veteranía es un grado a todas las bandas emergentes que están intentando hacerse con el podio del hard rock melódico en Europa. Se sacan de la funda el mejor ábaco de melodía de su nueva era, donde las fórmulas del hard rock añejas son sumadas y restadas, para obtener un resultado musical que ninguna otra banda del panorama está ofreciendo en este momento. Está disponible en CD y LP y, quien pueda permitirse la versión japonesa, con DVD y tema extra («No Man’s Land» en acústico).

Entre los once cortes del álbum podemos encontrar coherencia en cuanto a sonido y evolución de los temas. Aunque es cierto que la melodía se acumula más en la primera parte, no me atrevería a decir que esto desmerece la segunda parte, para nada. «Change the world», «Searching for a meaning» e «In the unknown» se descubren el rostro con ritmo y letras inspiradoras para levantar los corazones en épocas tan tumultuosas como las que está atravesando este mundo globalizado en el que vivimos. «Aftershock» y «Riot in my head» se encargan del toque moderno con riffs potentes camuflados en melodías cantables. Sin ser los mejores del disco, como buen álbum de hard rock que se precie, contiene baladas: «Mother of invention» o «No me without you». Y vienen a cerrar con un corte que te deja con ganas de volver a empezar «Swallowed by the machine», quizás podría entrar en los circuitos más comerciales, pero sería un evento que acogeríamos con los brazos abiertos.

No quiero acabar sin hacer mención a dos detalles. Primero, la portada y el diseño que me parecen preciosos y acordes con el tema del álbum, a cargo de C.A. Beckston y Blekkmark Design Studio. Segundo, el detalle de dedicar el trabajo en los créditos a Bryan Toth, primer webmaster de Harem Scarem a finales de los noventa, fan acérrimo y mítico, muy apreciado por la banda y por la comunidad de fans, que perdió la batalla contra el cáncer el 22 de abril de 2018. Estos detalles hacen ver a personas detrás de los grandes músicos que son.

Ymir Peiró