DREAM THEATER
‘A VIEW FROM THE TOP OF THE WORLD’
Inside Out

Pues como si nada, ya tenemos el álbum número 15 del mayor exponente del metal progresivo. Dream Theater editan este ‘A view from the top of the world‘ y creo que con un título de lo más acertado, ya que creo que han regresado a la cima del metal progresivo y desde ahí pueden tener una buena vista del resto del mundo.

Este es el quinto álbum ya desde que, allá por septiembre de 2010, Mike Portnoy abandonara a los Theater y se perdiera uno de los dos pilares fundamentales de la banda junto a John Pretucci.
Y aunque pareciera que la banda igual dejaba de funcionar, reclutaron a Mike Mangini para tocar la batería, cosa que todavía, a día de hoy, hay fanáticos de la banda que no aprueban.
Y después de once años y cinco discos parece que Mangini se ha quitado la mochila que supone sustituir a uno de los mejores bateristas del mundo ¿Por qué digo esto? Pues sencillo, creo que la presión siempre le ha podido, que siempre ha intentado centrarse más en demostrar lo buen batería que es, que en ayudar y crear música conjuntamente con la banda. Bueno para ser justos siempre no, pues en el anterior disco ‘Distance Over Time’ ya se vieron los primeros brotes de esta liberación y en este a ‘A view from the top of the world’ ha demostrado que, aparte de ser un fantástico batería, es un muy buen músico. Y eso se nota en los temas, suenan mucho más naturales que, por ejemplo, en su primer trabajo ‘A dramatic turn of events”.
¿Y porque me explayo en estas explicaciones? Pues porque es el único cambio de formación desde la huida hacia delante de Portony y porque ha sido el punto discordante y el tema de discusión entre los fans.

El resto de la banda, ya la conocemos sobradamente y sabemos de su calidad tanto técnica como compositiva. Otra cosa es que estén más o menos acertados a la hora de crear música. Petrucci es una bestia parda con su guitarra de 7 cuerdas. Rudess a los teclados es magia en estado puro, Myung al bajo es técnica elevada a la enésima potencia y Labrie es Labrie. En estudio excelente y seña de identidad de la banda, en directo ya sabemos lo que hay…

Un detalle digno de mención es que han grabado este disco en su propio estudio DTHQ, y eso les ha dado más libertad a la hora de grabar y de buscar sonoridades. Y han ganado muchos enteros porque la producción es más excelente de lo habitual (y eso que por norma sus discos en producción son cuasi perfectos).

El artwork, como siempre, sublime. La portada es de las más bonitas que han creado y que me evoca sin remisión a uno de sus discos mejor valorados por un servidor, ‘Octavarium’. Las montañas con la ciudad de fondo, belleza en estado puro.

Y en cuanto a la música, nos encontramos delante de su disco mas completo y redondo en años. Y eso que ‘Distance over time’ me pareció una grandísima obra pero, en éste, han mirado un poco más hacia atrás sin olvidarse que su carrera sigue hacia delante. Me explico, en todo el disco encuentras referencias a trabajos anteriores pero sin llegar a hacer “refritos”. Dos ejemplos, quizás de los mas claros, son los primeros riffs de “Answering the call” que por su dureza recuerdan al disco “Train of thoughts” y el inicio del tema “Invisible Monster” que te evoca inevitablemente al disco “Metropolis pt. II”.

Y si bien, entre agosto y octubre nos dieron 2 pildoritas para ir abriendo boca, como fueron “The Alien” e “Invisible Monster” (que ya nos hicieron babear pensando en lo que se nos venia encima), no ha sido hasta hoy que he podido escucharlo entero y creo que van 3 o 4 veces, pues se ha quedado en bucle.
De siete temas consta este trabajo y desde el principio con “The alien” hasta ”A view from the top of the world” que lo cierra nos deleitan, a través de sus más de 70 minturos, con metal progresivo de alto octanaje y como dije antes, con cada escucha, vas descubriendo detalles que te evocan a los mejores Theater de años atrás.
Mención aparte, el último tema “A view from the top of the world”, de 20 minutos de duración donde dan el do de pecho, mostrando todas sus virtudes y que se hace incluso hasta corto, y eso que son 20 minutos.
Y, siempre suelo destacar algún tema, pero en este caso, los destaco todos, porque todos son espectaculares, siempre y cuando te guste el progresivo.
Estamos ante una declaración de intenciones en toda regla, un “aquí estamos y aquí seguiremos” que a mí, particularmente, me ha encantado sobremanera. Tenía bastantes esperanzas, pero el disco ha superado mis expectativas con creces.
Así que, sin más, disfrutaremos de este gran trabajo que va a hacer las delicias de todos los seguidores de la banda, sin duda.

Enrique Sobrino

https://www.youtube.com/watch?v=8DeiV0ryQDY

https://www.youtube.com/watch?v=PoUYX2Ospjg

https://www.youtube.com/watch?v=V462IsOV3js

https://www.youtube.com/watch?v=s0Wmg7Tq4Pk

https://www.youtube.com/watch?v=l6PfvxF2I9c

https://www.youtube.com/watch?v=86h3BYGrRp8

SONS OF APOLLO
‘MMXX’
Inside Out

Cuando en 2018 se anunció que una nueva banda llena de pesos pesados de la música se juntaban para ofrecer al mundo un derroche de técnica y calidad como el que encontramos finalmente en ‘Psychotic Symphony‘ hubo quien pensó que, como en muchas otras ocasiones, solo sería flor de un día. Pues bien, dos años después tenemos en nuestras manos el tercer trabajo de Sons of Apollo tras su reciente directo ‘Live at Plovdiv‘. El disco de debut puso el nivel muy alto a este segundo trabajo en estudio, pero cuando los nombres de Portnoy, Sherinian, Sheehan, Thal y Soto se mezclan bien, el resultado final es toda una obra de artesanía musical, en la que los desarrollos, los cambios y las melodías enlazan como un todo y no como la mera suma de sus partes. Sí, hay momentos de
lucimiento individual a lo largo del disco, pero la sensación de conjunto sobrevuela en cada
uno de los ocho temas de los que consta el disco. Una hora de virtuosismo continuo pero
asequible desde la primera escucha sin resultar para nada pesado. Y creo que parte de la
culpa de que eso sea así es del excelente trabajo vocal melódico que ofrece Jeff Scott Soto en este ‘MMXX‘. A medida que se suman las escuchas del disco, los pequeños detalles van apareciendo y acaban envolviéndote.

El tema con el que abren este trabajo es «Goodbye Divinity», una perfecta carta de presentación en la que Sherinian nos invita a entrar, a través de una melodía espacial que pronto se endurece dando paso a un riff demoledor y a la potente voz de Soto, que nos brinda uno de sus estribillos marca de la casa y en el que encontramos una muestra de la calidad de cada uno de los músicos. A partir de aquí, un disco sin fisuras en el que, al contrario que en el primer trabajo, no hay ningún tema instrumental y que en conjunto muestra un lado más duro de la banda. Un buen par de ejemplos son «Wither in Black», el tema más directo y corto y «Asphyxiation», por el que planea la sombra de Dream Theater y su giro al metal ‘Train of Thoughts‘.
Y cuando se hace difícil destacar entre la excelencia, aparece «Desolate July», tema que Soto compuso tras la muerte de su compañero de banda David Z. Un sentido homenaje en forma de balada épica que enlaza con «King of Delusion» mediante un piano con cierto aire flamenco que va oscureciéndose poco a poco hasta explotar en el contundente riff de uno de los temas más duros y completos del disco. Sin duda alguna los dos temas sobresalientes del disco. «Fall To Ascend», el segundo single, y «Resurrection Day» son los temas más “sencillos” dentro de esta compleja amalgama de sonidos que nos ofrece la banda, y con los que muestran que también pueden ser directos, sobretodo en el primero de ellos en el que la vertiente más heavy de la banda se desata en poco más de cinco minutos. Los sonidos arábigos de «Resurrection Day» sirven como base para una nueva muestra individual en la que destaca un Sheehan que, no se si de manera intencionada o no, se aleja de su sonido más tradicional para acercarse al estilo de Marcel Jacob (Talisman). Para cerrar el disco, y siguiendo la estructura de ‘Psychotic Symphony’ el tema más largo del disco, “New World Today”, que sirve como perfecto resumen de lo que es la banda: desarrollos perfectamente encajados, coros y pasajes que evocan a Dream Theater, la fuerza y potencia vocal de Soto planeando en todo el tema, y Ron “Bumblefoot” Thal, que remata en este tema el excelente trabajo a las seis cuerdas que ha ofrecido durante todo el disco.

La última parte instrumental nos va llevando poco a poco y sin darnos cuenta a un épico final con el que se cierra una hora de virtuosismo y que, espero que no sea el final de la historia, ya que en un principio la banda tenía contratados tres trabajos.
Sinceramente espero que en esa trilogía musical su directo sea sólo un «spin off» y aún nos quede una oportunidad más para escuchar un nuevo trabajo de esta banda.

Maese Leiva

DEVIN TOWNSEND estrena un vídeo para el tema «Genesis»; ¡El primer single de su disco EMPATH!

El artista canadiense y líder indiscutibles del progresivo, Devin Townsend ya anunció que tenía un nuevo disco bajo el brazo el cual tendrá por título ‘Empath’ y saldrá a la venta el 29 de marzo de 2019. Hoy, Devin nos muestra un pedacito de lo que tiene entre manos con el primer vídeo de su primer single «Genesis». Puedes verlo ya haciendo click:

Devin comemta: “Hola a todos :)

Es un gran orgullo (y una buena dosis saludable de trepidación) el poder finalmente presentaros una canción del disco ‘Empath’. En cada ciclo del álbum hay un dilema sobre que canción debería «liderar» el mismo, no sólo para emocionar a la gente, sino también para tener una visión global del proyecto.

Como la naturaleza musical de ‘Empath’ se turna de canción a canción, (desde el teatro musical, Death Metal, jazz con toques prog y elementos más comerciales) fue una decisión complicada. Algunas personas querían ir directamente a por la canción «Spirits Will Collide» mientras que otras querían la cinemática «Evermore». Finalememte elegimos «Genesis» como la canción a presentar ya que no sólo contiene 5 estilos diferentes (para ser honestos, algunos bastante estresantes :) sino que también incluye a tres baterías, coro, una orquesta, y básicamente hasta el fregadero de la cocina también.

La canción es definitivamente sobre cómo enfrentarse al miedo, al igual que es un análisis de la relación que se tiene con el pasador para proceder al progreso. El disco tiene un tema general sobre cómo me gustaría ver la «esperanza» en tiempos caóticos. He estado trabajando en este disco desde hace más de un año, y representa una especie de cambio para mi en mi mundo personal y profesional del cual estoy bastante orgulloso. Por primera vez en unos cuantos años hago algo así, y creo que «Genesis» representa la naturaleza caótica del proyecto (y el mundo actual en general) de la forma más precisa que he podido hacer en este estado de mi vida.

Me gustaría agradecer a todo el equipo de impresionantes músicos y artistas que me han ayudado a actualizar este material al igual que a InsideOut y Northern Music por su ayuda y apoyo.

¡La crisis en mitad de la vida!

Devin :)”

También ha anunciado recientemente las fechas de la gira de presentación de ‘Empath’. Puedes ver todas las fechas a continuación:
15 de noviembre– Salle Pleyel, Paris, Francia
16 de noviembre – Trix, Antwerp, Bélgica
17 de noviembre– 013, Tilburg, Países Bajos
18 de noviembre – Grunspan, Hamburgo, Alemania
20 de noviembre – Logomo, Turku, Finlandia
21 de noviembre – Cirkus, Helsinki, Finlandia
23 de noviembre – Münchenbryggeriet, Estocolmo, Suecia
24 de noviembre – Sentrum Scene, Oslo, Noruega
25 de noviembre – Amager Bio, Copenahue Dinamarca
27 de noviembre – Astra, Berlin, Alemania
28 de noviembre – Roxy, Praga, República Checa
29 de noviembre– A2, Wroclaw, Polonia
30 de noviembre – Barba Negra, Budapest, Hungría
2 de diciembre – Simm City, Viena, Austria
3 de diciembre – X Tra, Zurich, Suiza
6 de diciembre – Academy, Dublin, Irlanda
7 de diciembre – Limelight, Belfast, UK
9 de diciembre – SWG3 Galvanisers, Glasgow, UK
10 de diciembre – Albert Hall, Manchester, UK
12 de diciembre – Roundhouse, Londres, UK
13 de diciembre – Rock City, Nottingham, UK

Entradas disponibles aquí: https://www.hevydevy.com/tourdates/

Como promoción a este nuevo disco, Devin invita a los fans a caminar a través de ‘Empath’ con una serie de episodios grabados como conversaciones telefónicas durante las grabaciones del nuevo disco. Puedes ver el primer episodio aquí: https://youtu.be/y4sJ8odko2Y

En los años pasados, Devin ha tenido una gran notoriedad por sus trabajos lo que le ha dado el poder de controlar su propio destino en cuanto a creatividad se refiere. El reciente estreno de su DVD del concierto, con entradas agotadas, en el Royal Albert hall, o su disco de 2012 ‘Retinal Circus’, o su último álbum DVD del directo en Plovdiv ‘Ocean Machine’ con orquesta; le ha posicionado en un punto en el que ahora ‘Empath’ termina de definir al músico en sí mismo como una fuerza musical completamente inclasificable en un género particular.

En este disco Devin ha decidido ver qué pasaría si todos los estilos por fin se juntan y se representan en uno solo. Quitarse el miedo a la expectaciones, y simplemente hacer lo que tiene que hacer en términos de creatividad. ‘Empath’, acorde a su título, trata sobre dejar a que la audiencia sienta una emoción en la variedad musical. El dinamismo musical representado en este disco es amplio, desafiante e inmenso.

Acompañando a Devin en este disco está el ex alumno de Frank Zappa, Mike Keneally como director musical, al igual que Morgan Ågren (Mats And Morgan, Frank Zappa, Fredrik Thordendal), Anup Sastry (Monuments, Periphery), Samus Paulicelli (Decrepit Birth, Abigail Williams), Nathan Navarro, Elliot Desagnes, Steve Vai, Chad Kroeger, Anneke Van Giersbergen, Ché Aimee Dorval, Ryan Dhale y el coro Elektra Women.

Una planteamiento audaz con valores de producción masivos y una musicalidad dinámica y sin compromisos. Esta es una afirmación sobre no sólo perseguir la libertad creativa en una escena conservadora sino también intentar que la música dura sea realmente una herramienta musical válida.

KANSAS
«LEFTOVERTURE LIVE & BEYOND»
InsideOut Records

Ahora que los aniversarios en el mundo de la música parece que están a la orden del dia y que la proliferación de ediciones de lujo llenas de gadgets, demos, videos ineditos y demás chucherias para el fan (pudiente) comienza a llenar las estanterías, una banda como Kansas ha decidido que la mejor forma de celebrar el cuarenta aniversario de su aclamado «Leftoverture» tenía que ser en vivo, y nos regalan un directo que suena a gloria.
Si bien es cierto que solo quedan dos de los miembros originales de la banda, el dominio y maestría del grupo siguen intactos y aún podemos disfrutar de un potente directo. Para ello han cerrado el círculo, y la producción, al igual que en 1976, corre a cargo de Jeff Glixman. En el primer disco de este «Leftoverture Live & Beyond» hacen un repaso histórico dando espacio a otros grandes temas de la banda hasta la actualidad, mientras que en el segundo tocan el homenajeado disco en su integridad. Por tiempo que pase y veces que las escuches, joyas como “Dust In The Wind” o “Point of No Return” siguen sonando frescas y no han perdido ni un ápice de su brillante aura de clásico imperecedero. Pero el punto fuerte de este disco es la interpretación íntegra de «Leftoverture», con uno de los mejores arranques que un disco puede tener, “Carry On My Wayward Son”. En ella se permiten un momento de pausa para recibir una ovación tan intensa como merecida en reconocimiento a los cuarenta años que la banda lleva sobre los escenarios. Y en el mismo orden, uno a uno van repasando los temas hasta llegar al climax final de “Magnum Opus”.
Ojalá en algún momento podamos ver en vivo y con nuestros ojos semejante despliegue de virtuosismo y calidad musical, pero mientras Kansas pierde el miedo a venir a Europa, este disco es una buena manera de hacer más llevadera esa espera.

Maese Leiva

SONS OF APOLLO
«PSYCHOTIC SYMPHONY»
Inside Out Music

Da la sensación de que de un tiempo a esta parte la proliferación de supergrupos está a la orden del día. Quizás sea por la necesidad de dar un paso hacia una zona alejada del confort o simplemente por inquietud artística, la cuestión es que este es otro de esos casos en que cinco genios se juntan, conectan y trabajan para ofrecernos uno de los discos del año.
Detrás de este proyecto están unos de los culos más inquietos de la música, Mike Portnoy, y su antiguo compañero en Dream Theater, Derek Sherinian. Y al escuchar este trabajo, podemos afirmar que la química de aquellos tiempos no se ha perdido. El origen de este disco hay que buscarlo en una colaboración puntual previa con ellos en la que Tony Macalpine y Billy Sheehan completaron la banda, y de la que quedó un sublime directo como prueba. Aquello despertó el interés por hacer un disco juntos, aunque al final Ron “Bumblefoot” Thal fue el escogido para las guitarras. Pero no querían que esta vez fuera instrumental, y si hay un vocalista que les iguale en curiosidad y se caracterice por estar en mil proyectos, ese es Jeff Scott Soto.
Con un quinteto así pueden pasar dos cosas, que la lucha de egos diluya un prometedor proyecto o, como es el caso, el talento navegue en una dirección común y presenten un disco a la altura de las circunstancias y los nombres. Con la primera escucha de «Psychotic Symphony» uno entra de lleno en los complejos paisajes musicales que la banda nos presenta con la inicial «God Of The Sun», cuyo exótico inicio nos lleva por un viaje en tres etapas a lo largo de los once minutos que dura (el corte más largo del disco), con un estribillo que se engancha enseguida y un pasaje instrumental en el que parece como si los cuatro músicos se batieran en duelo y que hará las delicias de los seguidores más clásicos de Dream Theater.
Pero no todos los cortes destilan tanta complejidad, la carta de presentación de este «Psychotic Symphony» vino de la mano de dos temas muy directos, «Coming Home» y «Sing Of Times». Estos, junto a «Alive», serían los temas más radiables, aquellos singles que en estos últimos años Dream Theater no ha conseguido tener. «Laberynth» es la prueba que demuestra porqué la de Soto debería ser considerada una de las voces definitivas del Rock, tanto por los rangos como por los matices y la intensidad que ofrece en cada interpretación. Este es otro tema épico en el que además destaca el excelente trabajo de todos los músicos.
Y si buscamos algunas diferencias más con Dream Theater es en las voces y los teclados donde las podemos encontrar. Sherinian tiene un sonido mucho más clásico y elegante llegando a recordar a John Lord en un tema como «Divine Adiction» o en los dos instrumentales que completan el disco. También hay espacio para los riffs más duros de «Lost In Oblivion» o «Sign Of Times». En definitiva, un disco que es capaz de mostrar tal multitud de detalles que hacen que cualquier aficionado al progresivo tenga un motivo para escuchar cualquiera de las canciones y pueda seguir disfrutando del disco al completo antes de dejarlo en un lugar privilegiado dentro de la colección privada de cada uno.

Maese Leiva

En una carrera que se ha extendido a 30 años y durante la cual han vendido más de 8 millones de álbumes y han sido nominados a dos Grammy, la banda estadounidense de metal progresivo Dream Theater nunca han hecho lo predecible. Esto era evidente sobretodo gracias a sus ambicioso último disco de 2015 ‘The Astonishing’ y a su elaborado tour que vino tras este disco.

Ahora Dream Theater están orgullosos de anunciar que han firmado un contrato discográfico con Sony Music en todo el mundo, a través del sello (ahora de Sony) de progresivo InsideOutMusic, para sacar el décimo cuarto álbum de estudio de la banda. Así que ahora, Dream Theater se encuentra entre un impresionante roster de bandas muchas de las cuales no existirían sin ellos habiéndoles abierto camino e inspirando también a un montón de jóvenes músicos de principios de los años 90.

La banda comenta: ¡Estamos muy emocionados de firmar nuevo contrato discográfico con InsideOut/Sony! Conocemos a Thomas Waber desde hace mucho tiempo y es genial el tener por fin la oportunidad de trabajar juntos. El entusiasmo de Thomas, la energía , la experiencia en la industria de la música y su visión de futuro positiva para la carrera de Dream Theater ha sido perfecta para atestiguar, y ¡no nos cabe duda de que ser parte de la familia de InsideOut/Sony va a ser una experiencia creativa y profesional para todos nosotros!

El director y A&R del sello Thomas Waber añade: “Esta es la situación por la que la frase «se cierra el círculo» fue inventada. Hemos seguido a la banda de una forma muy cercana desde que empezaron a girar por Europa en 1993, y ha habido un montón de historia y amistad entre la banda y nosotros desde hace 25 años. Los pasos hasta el plato para unirse con ellos en este nuevo e importante capítulo de su carrera se hace sentir de una forma natural y como forma correcta de hacer las cosas. ¡No puedo esperar más a que esto empiece!”

Philip von Esebeck de Sony Music Germany CFO continúa: “¡Esta es una firma importante en nuestro objetivo para apoyar y hacer crecer al sello the InsideOutMusic como marca, y estamos muy emocionados de dar la bienvenida a Dream Theater y de tenerlos en el roster de Sony como prioridad!”

Desde que completaron la etapa teatral de presentación de ‘The Astonishing,’ Dream Theater han estado tocando por todo el mundo celebrando el 25 aniversario del álbum más querido por los fans de la banda y disco de oro ‘Images & Words,’ álbum que hizo mella y consiguió estar en el Top 10 gracias al hit “Pull Me Under.”

A principios de 2017, la banda ha estado tocando en Europa, Japón Australia, India, Sudeste Asiático y Oriente Medio y justo acaban de terminar su tour por Norte América.

Durante casi 25 años,InsideOutMusic ha sido uno de los sellos líderes en música progresiva y parte del grupo Century Media Label Group, una división de Sony Music.

El festival barcelonés ( y cada año más y más internacional a lo que público se refiere ) acaba de confirmar al cabeza de cartel de la edición 2018. Tras muchas cábalas, diles y diretes, las sospechas han sido ciertas y la banda de Billy Howerdel y el líder de Tool, Maynard James Keenan, A PERFECT CIRCLE serán el plato fuerte de la edición del año próximo.

Pero no queda ahí, la cosa, no. También los finlandeses post-black-metaleros ORANSSI PAZUZU a quienes pudimos ver hace escasos meses en nuestro país, se unen al cartel, así como lo suecos KATATONIA quienes repiten esta vez con un set especial recordando en directo e íntegramente su aclamado álbum «The Great Cold Distance».

LEPROUS
“LIVE AT ROCKEFELLER MUSIC HALL”
Inside Out Music

“Hecho por fans para fans”. Si algo caracteriza a Leprous es su cercanía y en su primer lanzamiento en vivo eso no iba a cambiar. Grabado en su tierra natal muchas eran las ideas que rondaban por la cabeza de Einar y los suyos antes de subirse al escenario. Se preguntaban: ¿cómo podemos captar ese sudor que desprenden los asistentes a nuestros conciertos y que aquellos que están en casa lo sientan tal cual? ¿Soluciones? muchas; ¿dificultad? la misma en todas las opciones. Si se iba a hacer algo tenía que hacerse bien y como Leprous es un grupo cercano probaron suerte con esa reciprocidad llamada crowdfunding.

Todo fue un éxito y “Live At Rockefeller Music Hall” se pudo desarrollar en el mejor de los contextos soñados; sabiendo eso no nos debe sorprender el grato resultado que encontramos en su interior. Si me lo permitís dejad que explique las capas que forman el live de los noruegos como si analizásemos un rico pastel. Nos ponemos con el chip de reposteros y en lo primero que nos fijamos es en el sonido claro y conjuntado que posee, digno de la fuerza de los shows de Leprous. En segundo lugar encontramos una imagen nítida y atractiva, como la de un buen glaseado; ya sea viendo el dvd o escuchando el disco logras sentir los nervios y la adrenalina que se desprenden. Una especia que siempre marca cualquier concierto es la elección de las canciones; un set bien combinado e intenso marca el compás y exprime el jugo desde el minuto uno. Para acabar hay que enfatizar la singularidad del concierto y su importancia; desde su padrino Ihsahn hasta el barman se dejan llevar por el momento y no puedes evitar sentir una ligera envidia de todos los que estuvieron presentes.

Cuatro aspectos que, fusionados, te trasladan a Noruega sin moverte del sillón de tu casa. Desde la primera gota de sudor, hasta la colaboración de Ihsahn en “Contaminate Me” y la aparición de un seguidor aportando su granito de arena. Ellos dan al dvd esa intensidad que Leprous crea con su música. Está todo grabado, está hecho por fans para fans, no olvidéis esta premisa.

Alex Hidalgo

DEVIN TOWNSEND PROJECT
“TRASCENDENCE”
Inside Out Records

Vayamos al grano: Devin Townsend ha alcanzado tal estatus a nivel musical que las presentaciones sobran a estas alturas. Ese “regreso” bajo el lema vital mente e corpore sano ha sido lo mejor que le ha ocurrido al canadiense y su reconocimiento como artista aumenta cada día más (además, Devy sabe cómo explotarlo). Continuando con su “Project” llega un esperado séptimo largo, tras la segunda parte del extraterrestre adicto al café Ziltoid que, personalmente, no acabó de entusiasmarme.

“Transcendence” se inicia de forma arriesgada pero podríamos decir que con un guiño casi habitual en los últimos discos del canadiense. Y es que no me podéis negar que es muy osado iniciar un disco con una revisión de una canción propia: hablamos de “Truth” del “Infinity” (HevyDevy Records, 1988). El único cambio en estos casi 20 años entre ambas versiones es la pulidez del sonido y la inclusión de Anneke a los coros. Como bonus track del disco estaría bien, pero no hacía falta que fuera descaradamente tan idéntico ni que abriera su nuevo opus. Que sí, que con “Hyperdrive” y “Kingdom” los cambios tampoco fueron abismales, pero mejoraron la canción original, cosa que en este caso no es así. Pero es que tras escuchar “Transcendence”, este polémico inicio es una auténtica declaración de intenciones porque podríamos afirmar que el disco está influenciado por el propio Devin Townsend. ¿Cómo es eso posible? Pues porque en absolutamente todas las canciones encontramos una sólida base compositiva que ya ha utilizado el canadiense en el pasado.

En los diez cortes de este álbum encontramos la grandilocuencia y la épica mostradas en “Epicloud” con “Higher” (que además contiene muchos elementos Groove) o en la increíble, y una de las canciones a destacar de este largo “Stormbending”, que también contiene gran parte de esas atmósferas características de The Devin Townsend Band (léase “Accelerated Evolution” y “Synchestra”). Esa parte más progresiva y de la primera época de Devy tras alejarse de la faceta extrema también está presente en este disco con el corte “Secret Sciences” y que hacía bastante que no encontrábamos en sus lanzamientos. También escuchamos parte de esos inicios en “Failure”, que aunque contenga unos riffs que mayormente nos recuerdan a “Deconstruction”, ese solo central bien podría pertenecer a “Terria”. No podía faltar tampoco la parte más Pop plasmada en el corte que da nombre al disco, en “From The Heart” (con un cierto ramalazo a “Ghost”) y “Offer Your Light”, una canción que de buen seguro funcionará estupendamente en directo, ya no solo por la estructura compositiva, sino también por esos teclados psicodélicos a cargo de Mike St. Jean.

No ha sido una sorpresa que la canción “Stars” formase parte de este trabajo. Por si en su día no os llegó la noticia, Devin participó en uno de los concursos patrocinados por Toontracks y el resultado final fue esta composición (podéis ver al documental de la creación y grabación de dicho tema en tan solo cuatro horas), pero sí lo ha sido la canción que cierra el disco: una versión extendida de “Transdermal Celebration” del grupo de Rock canadiense Ween. Volvemos a lo expuesto con “Truth”: ¿Es necesario que forme parte como una canción más en vez de como un extra? Y eso sin olvidar que la edición especial limitada es un doble disco con más de 40 minutos de composiciones y revisiones de Devin en el segundo CD. No sé de quién habrá sido idea que haya tres cortes que ya conocemos y sin apenas cambios, pero a mí me molesta bastante.

Con este nuevo opus vemos reafirmada la marca personal del canadiense en sus composiciones, pese a que en esta ocasión el proceso compositivo ha sido distinto (hasta ahora era Devin quien componía todo y lo mostraba al resto del grupo; en esta ocasión han compuesto entre los cinco) y no sabemos si ello ha sido el causante de que las influencias de este trabajo sean lo creado en todos estos años de carrera musical (todos ellos llevan años trabajando en los distintos proyectos de Devin, incluso los coros y distintas voces femeninas participantes). Además, la sobreproducción, ya marca de la casa Devy, engloba y consolida lo expuesto.

“Transcendence” es un gran disco, a la altura de lo que se espera de Devin, pero pone en duda cómo será su futuro. Un disco de este calibre es correcto ahora, que bien podríamos decir que ha sido hecho para aquellos que le han seguido durante todos estos años o bien para que los que le han conocido en sus últimos cuatro discos conozcan sus anteriores trabajos, pero no se puede abusar de esta técnica porque perdería ese punto de frescura que, mayormente, suelen tener las composiciones bajo el sello Devin Townsend. Veremos, ¡y esperemos!, si la recupera en un futuro próximo.

Xènia Von Ereticy

ANNEKE VAN GIERSBERGEN
DAY AFTER YESTERDAY – AGUA DE ANNIQUE COLLECTED
Inside Out

Hay artistas a los que no he dedicado la atención que requieren. Ni la constancia. Lo admito, Anneke Van Giersbergen es una de ellas. Gran error por mi parte. Trato de solventarlo desde hace un tiempo. Ahora se me presenta la ocasión perfecta de profundizar en Agua de Annique, el proyecto más personal de Anneke.

La salida de Anneke de The Gathering significó un cataclismo para la escena y de esa desconexión la banda, con los años, terminó separándose. Anneke optó por mostrar su lado más introvertido y personal con Agua de Annique, un proyecto bajo el cual lanzó cuatro discos, dos de estudio, uno lleno de colaboraciones y otro en directo.
En líneas generales se trata de música tranquila, intimista, acústica en muchos momentos, llena de letras personales y con un registro totalmente diferente a lo que la vocalista holandesa había expuesto hasta entonces.

Estos cuatro discos hacen justicia a una etapa cerrada de la artista, con bonus tracks, notas escritas por ella misma y fotos inéditas. Una colección indispensable para gente como yo, que hubiera pasado esta etapa por alto o que quieran conocer a una Anneke Van Giersbegen desnuda y más personal.

Marc Gutiérrez

«Feel alive»

«Wonder»

«Hey okay»

«Come wander with me»

«Day after yesterday»