EKTOMORF
‘REBORN’
Napalm Records

¿Sabes cuando un disco te llega en el momento y estado mental adecuado? Exactamente eso me ha pasado con el retorno de la banda húngara de groove metal Ektomorf, y su último álbum ‘Reborn‘. De la banda que se formó allá por el 1994 sólo queda su líder Zoli Farkas. Éste sigue enfrentándose a los prejuicios contra los gitanos como entonces, y me plantea la cuestión de si no podrían hacer esta música los gitanos en la tierra que habito.

Admito que no necesito estar escuchando música innovadora siempre, a veces me vale con aquella que me llega y tiene un sabor que me apetece paladear. El trabajo consta de ocho cortes que abarcan el abanico del metal noventero: thrash, groove metal, y algún deje death. Me lo podría pinchar perfectamente entre Machine Head y Soulfly.

Abre con «Ebullition» a golpe thrasher con lo que, de entrada, la hostia en la cara te la has llevado. Mientras intentas reponerte abusan de tus cervicales con «Reborn», el primer single de este trabajo publicado el pasado mes de noviembre. Yo me veo saltando y coreando el estribillo en concierto, aunque puede que esté desvariando debido al síndrome de abstinencia de música en directo que sufro a causa de la pandemia. En cualquier caso, mezcla partes rápidas con riffs pesados y buenos solos de guitarra, una combinación embriagadora.

El tercer corte es el que más me ha atrapado «And the dead will walk», a pesar de no ser el que tiene mejor técnica vocal. Pero los cambios de ritmo, ese riff, y la coletilla «die with a smile on your face» ¡Sí, señor! Es justo lo que necesito para escupir toda la frustración que acumulo en estos momentos. Cuando recupero la compostura me encuentro caminando al paso de «Fear me», y me ciega la combinación de la oscuridad de los riffs con la luz de las guitarras más agudas. El inicio de «Where the hate conceives» atufa a Metallica, pero no puedo decir que eso le siente mal, ¡al contrario!

Con «The worst is yet to come», aparte de robar la frase a cualquiera de las personas al cargo del ministerio de salud de cualquier país, se marcan un temazo estupendo a lo Max Cavalera, con campanas y todo. «Forsaken» es instrumental y el corte más largo de la entrega. Se debe a que va entrando en materia muy poco a poco, como si tuviera miedo de ver lo que hay más allá. Como cuando subes a un terrao y tienes que apartar una sábana tendida: sabes que no va a haber nada, pero ¿y si sí?. Cierran por todo lo alto con un trallazo trasher llamado «Smashing the past» que es tan directo que se nota hasta en la sencillez de la letra, directo a la yugular sin adornos.

Llámalo nostalgia, llámalo higiene mental, pero necesitaba un trabajo así. Me saca las vísceras, me hace agitar la cabeza hasta romperme las cervicales y perder la voz intentando usar voz gutural. El retorno de la banda de Zoli Forkas tiene todo mi apoyo, con cuernos en alto y ovación.

Ymir Peiró

https://www.youtube.com/watch?v=ew997oldZb4

https://www.youtube.com/watch?v=clVltLWHwTo

https://www.youtube.com/watch?v=aOqknLJ3vkc

DRACONIAN
‘UNDER A GODLESS VEIL’
Napalm Records

Esperaba este disco con ansia pues Draconian siempre ha sido una banda muy especial pero tenía claro que no podía escucharlo en cualquier situación. Johan Ericson siempre ha creado unas atmósferas sobrecogedoras pero no fue hasta ‘Sovran’ que éstas alcanzaron su cenit con la incursión de Heike Langhans a la voz. Admiro el trabajo realizado por Lisa Johansson pero Heike juega la liga de las voces atemporales.

Draconian han afrontado este lanzamiento con el reto de superar un ‘Sovran’ que puso el listón muy alto y para ello decidieron empezar la casa por los cimientos. En primer lugar se han tomado cinco años para ello, siendo el mayor espacio de tiempo entre dos discos en la historia de la banda, y posteriormente recuperando su primero logo, ese diseñado por Christophe Szpajdel. Así las cosas, servidor esperaba una vuelta a las raíces y, efectivamente, me embriaga la emoción de reconocer melodías cercanas a su debut, ‘Where lovers mourn’ y, en menor grado, a su posterior ‘Turning season within’. Obviamente la banda ha ganado en consistencia con una formación que es estable desde 2012 y es capaz de desarrollar una idea musical en base a una cadencia sosegada que detiene el tiempo en «Moon over Sabaoth» donde la voz de Heike queda relegada a un segundo plano de forma magistral para ceder todo el protagonismo a Anders Jacobsson que te conduce a través de una inquietante soledad. Una sabia decisión por parte de Johan para dotar a esta pieza de la atmósfera adecuada.

‘Under a godless veil’ no conoce altibajos. Una producción que es capaz de desnudar emociones mientras Heike se contonea con suma dulzura en un mar de tristeza y desolación se convierte en el aliado perfecto para que viajes en la melancolía de tu yo interior.

«The sethian» reconoce a los Draconian más intensos y agresivos del disco mientras que «Burial fields» incluye la colaboración narrativa de Daniel Neagoe de Clouds. El final del disco es demoledor con «Night visitor» y «Ascend into darkness» que ponen la rúbrica a un trabajo que solo ellos pueden superar. Draconian se encuentran en estado de gracia, ellos lo saben, y yo solo quiero seguir sumergido en este estado catártico que me provocan mientras Heike me hace soñar una y otra vez. Absolutamente maravilloso y preciosista.

Marc Gutiérrez

STÄLKER
‘BLACK MAJIK TERROR’
Napalm Records

Aunque Stälker no son para nada una formación nueva, ‘Black Majik Terror’ es su segundo largo, me da la impresión de que este trío neozelandés, que ya ha descargado en nuestro país, sigue siendo una de esas gemas que todavía está por descubrir dentro de la gran familia metalera a excepción de los más devotos del estilo que practican: un speed metal salvaje, incendiario, con registros agudos y acometidas aniquiladoras que seguro te traerán al recuerdo nombres míticos y clásicos como Exciter, Venom, Raven o los germanos Vectom. Y es que todo, absolutamente todo, te hace retrotraerte a épocas pasadas, ya que la efectividad de su sobria producción se acabará convirtiendo en el mejor aliado de unas composiciones que suenan directas, explosivas y potentes. Además para acabar de poner la guinda a esta segunda entrega la banda ha apostado por una sugerente portada obra del prestigioso artista americano Bob Eggleton (Benediction, Burning Point, Sinister…).

Tal vez pueda sonar a obviedad, e incluso llegar a caer en la redundancia, pero lo cierto es que en líneas generales las nueve composiciones contenidas en ‘Black Majik Terror’ suenan más veloces, incisivas y amenazantes que las que facturaron en su antecesor ‘Shadow Of The Sword’. Además, el trío ha añadido en esta ocasión una dosis extra de épica, con lo que han conseguido que sus nuevos temas suenen todavía más aniquiladores y adictivos. Y eso queda patente desde la inicial “Of Steel And Fire”, una carrera desatada en la que el trío neozelandés parece no querer hacer prisioneros y esta dispuesto a aniquilar al oyente desde el mismo arranque, invitándole al headbanging en un corte directo y certero que servirá para poner de manifiesto su devoción por la velocidad, los coros, y los fraseos aniquiladores de guitarra.
Seguramente tras degustar el corte de apertura los menos avezados a este estilo habrán tenido suficiente y optarán por pulsar al stop de sus reproductores. Pero para los que adoramos esta forma de metal la fiesta no ha hecho más que comenzar. Un órgano lejano y con tintes fúnebres será el encargado de abrir la pieza que presta título al álbum ‘Black Majik Terror’, sumergiéndonos de lleno en una ambientación propia del heavy metal épico. Pero será tan solo un espejismo porque la maquinaria de Stälker no tardará en ponerse en marcha para hacernos cabalgar propulsados por la dinámica avasalladora de la base rítmica y esos coros que corean una y otra vez el nombre del tema para acabar rematando la jugada con otro de esos gritos ultra-agudos marca de la casa.

La estrecha línea que separa el speed del thrash llega a confundirse en “Sentenced To Death”, y no porque la propuesta de la banda cambie o modifique sustancialmente sus parámetros, sino más bien por el propio título, la temática ocultista de su letra y por el mayor protagonismo de una sección rítmica que en esta ocasión llegará a eclipsar la catártica sucesión de hirientes riffs de Chris Calavrias. Como habrás podido suponer a estas alturas, el sonido de Stälker bebe en gran medida de algunas de las bandas que fueron pioneras de la N.W.O.B.H.M., y es en cortes como el propio “Stalker” en el que el trío deja patente esas influencias.

Será durante “Holocene´s End” cuando la formación de Wellington levante por primera vez el pie del acelerador para sonar más oscura y demoniaca si cabe, dejando que sea el registro más teatral de Daif -recurriendo en varios pasajes a las voces dobladas y sus desquiciantes carcajadas- los que acaben marcando una pieza que destila un aroma ocultista y demoniaco durante su primera mitad para acabar desembocando en una cabalgada repleta de aromas clásicos. Nuevamente volverán a repetir una fórmula similar a lo largo de “Domolition”, con una primera mitad en la ponderarán la velocidad para dejar que una crujiente parte intermedia sirva como reclamo para conectar con el oyente antes de noquearle definitivamente en su salvaje andanada final.

Como buenos discípulos del heavy metal más clásico y añejo tampoco podía faltar esa especie de tributo a Black Sabbath durante los compases iniciales de “The Cross”, en el que bajarán notablemente el nivel de velocidad y la afinación de los instrumentos para posteriormente hacer estallar otra tormenta de watios y velocidad. Con la banda absolutamente desatada y un grito marca de la casa se abre “Iron Genocide”, esta vez apostando por una estructura más lineal y en la que la caña, los contagiosos coros, y el soberano trabajo de Nick Oakes acabarán siendo lo más destacable. El capítulo final para un trabajo cuya escucha pasa volando llegará con “Intruder”, que curiosamente pasa por ser uno de los cortes más pegadizos de todo el plástico, ya que la reiteración de su estribillo y la explosividad de sus riffs lo convierten en un arma segura de cara a los próximos directos de la banda.

No creo que ‘Black Majik Terror’ sea un trabajo en el que pueda haber mucho debate. No pienso que haya medias tintas: o te encanta o lo aborreces. Así que como comenté al principio de la crítica si te gusta el metal ultra-rápido, afilado y deudor del material clásico de la década de los ochenta no debes dejar de escuchar este segundo largo de Stälker, seguro que no te defraudará.

Alfonso Díaz (en colaboración con www.rockeandobcn.com)

Después de sus inicios en 2014, Beyond the Black se han convertido rápidamente en una de las bandas ascendentes del metal melódico y sinfónico, siguiendo el camino de otras como Within Temptation o Delain. Ahora publican su cuarto disco, ‘Hørizøns’, con el que se reinventan hacia un sonido menos sinfónico y más pop y electrónico, y también tienen planes para una gran gira junto a Amaranthe el próximo año. Nos sentamos un ratito con su vocalista, Jennifer Haben, para hablar de la banda, de su evolución, de sus influencias y de sus planes futuros…

Por Vivien Scalbert

EMPIRE MAGAZINE (EM): Primero de todo me gustaría hablar de Beyond the Black porque en apenas unos años habéis tenido un ascenso meteórico dentro del metal moderno y melódico y acabáis de sacar vuestro cuarto disco, ‘Hørizøns’ ¿Me puedes hablar del origen de la banda y su viaje como banda hasta ahora?
JENNIFER HABEN (JH): ¡Hay mucho que decir pero voy a intentar resumirlo! Empezamos como Beyond the Black en 2014, con mucho metal sinfónico en los discos anteriores y hemos cambiado un poco el sonido y las letras para ese nuevo disco, ‘Hørizøns’. Han pasado muchas cosas, hemos tocado mucho en Wacken Open Air y tuvimos muchas oportunidades fantásticas de abrir para bandas increíbles como Within Temptation, Scorpions, Aerosmith… Me parece una locura hablar de todas estas cosas y creo que tenemos mucha suerte de haber podido vivir todo esto.
Pero Beyond the Black también tuvimos malos momentos en estos seis años, como el cambio de formación… Así que es un viaje con sus altibajos, pero para mí lo que importa son los buenos momentos.
Con el nuevo disco, ‘Hørizøns’, creo que, de verdad, hemos ampliado nuestro horizonte y es la razón por la cual lo hemos titulado ‘Hørizøns’, como para demostrar los nuevos estilos de Beyond the Black. Todos hemos cambiado un poco, en la banda y a nivel personal, y no nos vemos como una banda que siempre tiene que sonar igual. Sé que hay bandas de las que se espera que suenan de una cierta manera pero para mí, Beyond the Black siempre ha tenido un sonido muy variado, y todavía lo tiene. Intentamos no repetirnos y seguir haciendo una misma cosa, hacemos lo que sentimos.

EM: La verdad, es gracioso que me hables sobre nuevos horizontes como la razón del titulo del nuevo disco porque era precisamente mi próxima pregunta. Quería preguntarte si el título tiene que ver con nuevos horizontes para la banda, cambios y nuevos retos…
JH: Exacto. Y saber quién eres o lograr saberlo… Es algo que ha estado muy presente en nuestros últimos dos o tres años con la nueva formación. Estábamos como flotando al principio e intentando que todo funcionara entre nosotros… Pero con los años hemos encontrando quienes somos y todo lo que hacíamos bien, solo teníamos que hacer música, y nos dijimos “vale, pues solo tenemos que concentrarnos en lo que queremos hacer ahora”. Solo escuchábamos lo que nos gustaba en privado, durante las giras, y buscábamos lo que queríamos añadir a nuestra música al instante. Este tipo de cosas modernas, electrónicas… nos encanta y lo queríamos añadir a lo que ya teníamos antes.

EM: Vuestro nuevo disco también es muy pop. Ya teníais influencias pop antes pero ‘Hørizøns’ se acerca más a la música pop moderna en mi opinión. Muchísimas bandas de metal han aportado influencias pop a su música antes pero pienso que pocas mezclan tan bien los sonidos y tendencias pop actuales dentro de su sonido y me pregunto si era lo que queríais hacer en este disco, mezclar pop y metal… ¿o tal vez el sentido inverso?
JH: No nos importa mucho si a la gente le gusta el sonido pop o no y no es que quisiéramos añadir más pop. Creo que ya teníamos esos elementos en nuestra música pero nunca fueron tan evidentes y cuando escuchas diferentes canciones de Beyond the Black no puedes decir que “Misery” o “Golden Pariahs” representan el disco entero porque son muy variadas. “Misery” era una canción con la que decir que no nos importaba una mierda si la gente piensa que somos demasiado pop. Queríamos un verso que fuera súper pop y también para enseñar a la gente lo que es el pop porque siempre escuchamos a la gente decir lo que pop es y nosotros no lo vemos así. Queríamos mostrar nuestra visión del pop y luego volver a lo que hacíamos antes.
Nunca dije que no queríamos pop en nuestra música. Sé que hay un montón de fans o bandas de metal que no quieren esos elementos en su música. Cada uno tiene su estilo pero a nosotros nos gusta la música pop así que no es nada prohibido. Siempre quiero probar cosas así que no es que quisiera añadir pop a nuestra música sino que quizás es lo que surge de nosotros para combinar todos los elementos que nos gustan… Pop, metal, también hay muchas cosas electrónicas que no son exactamente pop… No sé exactamente como definir el pop y pienso que cada uno tiene su propia definición.

EM: Hay otra banda que tiene muchas influencias pop y sonidos electrónicos, imagino que que sabes a quien me refiero…
JH: ¡Amaranthe!

EM: Exacto y es una banda con quien parece que compartís una conexión importante porque no solo Elize (cantante femenina de Amaranthe) aparece como invitada en vuestro nuevo disco sino que también os vais a embarcar en una gran gira co-headliner con ellos el proximo año ¿Me puedes contar de la conexión que tenéis con Amaranthe?
JH: No nos conocíamos personalmente antes del principio de este año y tuvimos como cuatro conciertos juntos en Finlandia en enero, creo. Ambas bandas teníamos la idea que nuestros sonidos podrían combinarse muy bien y como siempre se piensa en el publico creímos que hay mucha gente a la que le podría gustar pero que todavía no nos conoce. Y, personalmente, he de decir que me encanta la voz de Elize y las de los chicos también, pero soy muy fan de las voces femeninas poderosas y me gusta mucho que lo puedan hacer en vivo también. Creo que Elyze es increíble. Y también escucho a Amaranthe cuando hago deporte así que bueno…

EM: Claro, es muy apropiado. Es muy motivante, de hecho.
JH: ¡Si lo es!

EM: Y hablando de otras bandas, antes has dicho que habéis girado con bandas como Within Temptation o Epica y me pregunto si vuestra evolución musical de un estilo más sinfónico ha podido estar influenciada por estas bandas…
JH: Bueno a Within Temptation les escucho mucho, sí, y también a Evanescence, Amaranthe… Para se honesta escucho menos las voces operísticas. Conozco lo que hacen esas bandas pero en casa escucho principalmente voces rockeras poderosas… ¡Pero para mí, ir de gira con Within Temptation fue increíble! Girar con Evanescence también fue fantástico aunque pienso que Within Temptation es lo más cercano a lo que hacemos y me encanta la voz de Sharon pero también las de Amy Lee o Floor Jansen… Ahora te podría hablar de todas pero el sentimiento que tengo con Within Temptation fue realmente increíble y estábamos entre el publico cada noche viendo su concierto. Era fantástico (risas).

EM: A propósito de la actividad en directo, todo esta suspendido actualmente debido al COVID-19 pero hace unos días disteis un concierto online para Wacken WorldWide. ¿Cómo fue la experiencia?
JH: ¡Fue bastante loco! (risas) Fue algo enorme y combinaba directo con realidad virtual. Ningún festival había hecho algo así antes, Wacken fue el precursor. Tuvimos unas semanas para prepararnos y ver todo lo que podíamos hacer y esa tecnología te permite hacer todo lo que quieras si tienes mucho tiempo. Fue genial entender lo que podíamos hacer, ver a las cosas en 3D, el pueblo de Wacken atrás, el escenario, todas esas cosas… fue bastante loco.
Fue muy especial, tuvimos mucha suerte y me siento muy agradecida de poder hacer algo así junto a cinco o seis bandas más. También fue muy extraño no tener a público enfrente nuestro, solo a cinco personas (risas). También fue muy, muy extraño porque nadie podía aplaudir porque era malo para el sonido así que todo eran festejos a modo de aspavientos pero sin hacer ningún ruido. Entre las canciones no se escuchaba nada. En el streaming se pueden escuchar ruidos de ambiente y aplausos y todo eso pero nosotros no oíamos nada (risas). Así que fue loco pero familiar porque hice unas apariciones en Instagram con canciones acústicas pero obviamente eso era otra dimensión muy distinta a tener canciones poderosas con toda la banda y luego solo tener el silencio. Fue muy divertido y me encantaría hacerlo de nuevo pero con mucho más tiempo para prepararnos y realmente hacer las cosas de la forma más grande posible. ¡Eso será fantástico!

EM: Supongo que fue como tocar para un público fantasma: sabes que están pero no puedes verlos o oírlos…
JH: Sí, pero estaba bien porque teníamos una pantalla para ver lo que la gente veía y, a veces, había vistas de la gente en casa así que los podíamos ver. Tendríamos que haber tenido más imágenes de la gente pero sí, veíamos que había gente mirando. ¡Eso era bueno! (risa)

EM: A propósito de la historia de Beyond the Black, la banda estuvo unos años separada y tuviste que buscar nuevos músicos ¿Cómo trabajáis ahora mismo como banda?
JH: No escribo las canciones sola, siempre lo hago con otras personas. Chris, nuestro guitarrista, Stefan, nuestro bajista, y también Kai han escrito canciones como “Misery” y “Paralyzed” conmigo así que intentamos juntarnos lo más frecuentemente posible pero mayormente escribimos como duo y luego nos sentamos con nuestros productores para acabar el proceso. “Misery” y “Paralyzed” son canciones que hemos creado toda la banda entera junta en una casa con mesas de billar y todas esas cosas… ¡Era como en las películas! (risas) ¡Fue muy divertido y pienso que tendríamos que hacerlo más!

EM: ¿Tienes una canción favorita on ‘Hørizøns’ o quizás una canción que piensas que representa mas al disco?
JH: Creo que las primera canción que la gente tendría que escuchar son“Wounded Healer” o “Welcome to My Wasteland”, que son las más parecidas a lo que habíamos hecho antes. Y, personalmente, diría “I Won’t Surrender” y “Human”.

EM: “Human” también es mi favorita. Pienso que tiene un poco de los elementos sinfónicos que teníais en el pasado pero bastante discretos y también tiene un sentido un poco blues, es poderosa, y creo que tiene un poco de todo en ella.
JH: ¡Sí, pienso lo mismo! Creo que hay mucha gente que no tiene mucha paciencia para entender las canciones y creo que tiene mucha profundidad… Algunos dicen que tiene como un sentido country o western y estoy bastante de acuerdo y creo que tiene su propio sentido. Cuando escuché la primera demo que tuvimos solo eran guitarras acústicas y voces y la mantuvimos de esa forma. ¡Es lo que la hace especial y a mí me encanta esa canción!

EM: Y creo que tiene un video interesante también…
JH: ¡Sí, totalmente! ¡Algo diferente que nunca hicimos antes! ¡Fue muy divertido! Fue un poco difícil a causa de la pandemia y por eso tuvimos que prepararnos, llevar mascarillas y todo… Pero pudimos sacar lo mejor de esa situación ¡Los efectos especiales con los ojos ensangrentados, me encantan esas cosas! Estoy muy contenta con el resultado y que hayamos podido hacer algo así.

EM: He de decir que un aspecto sorprendente de Beyond the Black, para mí, es tu voz porque suena muy segura y madura aunque empezaste con la banda cuando eras muy joven (18 años) cuando empezaste con la banda… ¿Me puedes hablar de tu educación musical y formación vocal?
JH: ¡La verdad, no hay mucho que decir! (risa) Cuando era muy joven estuve en un coro durante mucho tiempo pero nunca hice clases de canto. Solo una vez cuando sentí que mi forma de cantar no era sana y di unas diez clases de canto porque quería estar segura que a los treinta años no perdería mi voz y podría seguir cantando. Pero durante muchos años, hasta ahora, no tuve cursos de canto. Para mí, es mucho más interesante y más importante tener emociones. Y pienso que si de verdad das lo mejor de ti y dejas que la gente pueda sentir lo que estás sintiendo, es más importante que tener la mejor técnica del mundo. Siempre me pareció que cuando recibes formación y unas técnicas especificas como musicales u opera, puede ser increíble pero la mayoría de la gente pierde su emoción. Y me preocupa perder mi emoción, es una de las razones por la que nunca he tomado clases de canto. Por eso solo canto en mi casa y para mí, en el escenario sintiendo lo que siente la gente y grabo con productores que me entienden mucho mejor y a la inversa también. Todo eso me ayuda mucho para saber lo que puedo hacer con mi voz y lo que quiero crear. Y no quiero que otros cantantes me digan lo que tengo que hacer, lo quiero aprender yo misma. ¡Todo eso es una repuesta muy larga para una gran nada! (risas) Pero sí, me siento segura cuando canto porque sé que hay gente que siente lo que siento yo… ¡Y es una cosa con la cual me siento cómoda en mi vida y creo que es muy bueno! (risas) ¿Puede que sea la clave? ¡No lo sé!

EM: Quería hablarte de la canción “Misery” porque me hace pensar un poco en Lady Gaga… No sé si te gusta esta comparación…
JH: ¡Ay! Me encanta Lady Gaga pero no veo qué te hace pensar en ella…

EM: Tal vez el coro de la canción o su principio, no sé… Bueno, me preguntaba si ella puede haber sido una influencia para ti porque hace música pop pero siempre dice que le encanta el metal y a veces se ve como una metalera…
JH: ¡Sí, es cierto! Y también me encanta porque muestra tantas facetas diferentes de ella, tiene tantas emociones que ofrecer a la gente… escuchas todos los discos que ha hecho y son muy, muy diferentes y eso me encanta porque también es un poco lo que hacemos Beyond the Black. No te voy a decir que intento seguirla porque su viaje es muy distinto al mío pero sí, Lady Gaga puede ser una inspiración para mí a nivel vocal porque tiene esa actitud y también canta perfectamente. Sí, usamos autotune y todo eso pero sé que lo puede hacer todo muy bien en vivo por lo que sí, puede ser que sea una inspiración para mí aunque no tan presente en mi vida como Freddie Mercury. Es alguien que muchas veces tengo en mi cabeza cuando intento dar más personalidad a mi voz… ¡Y también Adele! Tiene una actitud que puede adaptarse al rock también. Diría que esos tres ejemplos pueden ser una inspiración para lo que hago con mi voz.

EM: Entonces, Lady Gaga, Freddie Mercury y Adele…
JH: ¡Si! Esta bien, ¿verdad?

EM: Claro. Y creo que Lady Gaga también ve a Freddie Mercury como una influencia mayor para ella así que entonces todo es lógico. Una última pregunta ¿qué tal ha sido la repuesta de los fans a ‘Hørizøns’ hasta ahora?
JH: Diría que ahora todo está bien. Sé que mucha gente tuvo que escuchar al nuevo disco mucho más que los anteriores pero no es nada que no hubiéramos previsto así que bueno… Siempre es así cuando una banda cambia su estilo. Al principio la gente siempre esta como “¿Joder qué es eso?” Pero la gente nos ha dicho que es un gran disco y que les gusta más que lo que hacíamos antes. Así que para mí todo es genial. Hay gente gritando con nosotros cuando tocamos esas nuevas canciones y nos encanta tocarlas en vivo. Estoy muy contenta con ese disco y su repuesta.

Por raro que parezca nunca habíamos entrevistado a Crematory en Empire y con la salida de ‘Unbroken’ todo se nos puso de cara. Preparamos cuestionario, nos pusimos nuestras mejores galas y su discográfica nos citó con Connie Andreszka, miembro recién entrado en la banda y apenas 15 minutos. Esto es lo que dio de sí. Conste que hicimos varias preguntas sobre la banda a las que no pudo contestarnos aduciendo que eran cosa de Markus Jüllich. Eso sí, dejo entrever que hay posibilidades de venir a España.

Por Carlos De La Puente

Empire Magazine (EM): Buenas tardes Connie ¿Qué tal estos días con todo el tema del virus?
Connie Andreszka (CA): Para mí, es hacer lo mismo que llevo haciendo durante bastante tiempo. Tengo la oficina en mi casa y también tengo un estudio de grabación que es donde paso la mayor parte de mi tiempo, así que no ha cambiado tanto. Sales a la calle y ves a toda la gente con mascarillas, mirando, pasando el tiempo hasta poder entrar a los supermercados… parece una película de zombies.

EM: Como los videojuegos de Resident Evil
CA: De acuerdo. Hace poco vi una imagen del logo de la corporación Umbrella y en un laboratorio donde parecían haber creado el corona (risas), así que sería como en Resident Evil.

EM: Ya ha pasado un tiempo desde el lanzamiento de ‘Unbroken’, ¿Cómo ha sido recibido por los fans y los medios?
CA: Hemos tenido muy buenas reacciones por parte de los fans y de los medios, creo que hemos tenido muchísimas reseñas buenas. Creo que con ‘Unbroken’ todo ha cambiado, la música ha cambiado, mi estilo de cantar es bastante diferente a lo que solía hacer… Pienso que es una manera de refrescar a la banda tras treinta años. Aunque por supuesto hay gente que sigue a Crematory desde el principio y piensa que los nuevos discos son más melódicos y que son malos.

EM: Es lo que pasa con muchas bandas…
CA: sí.

EM: Eres el nuevo guitarrista de la banda y este es tu primer trabajo con Crematory ¿Has contribuido en el proceso de composición?
CA: Para mí fue como saltar a una piscina, tras entrar a la banda me preparé para los conciertos en directo y para entrar al estudio. Compuse toda mi parte, de hecho, todo el trabajo se compuso en cuatro estudios diferentes. Mi parte se grabó en mi estudio y Markus grabó en su área, ya que es el productor de discos de algunas bandas.

EM: En la canción que da nombre al disco habéis colaborado con Robse de Equilibrium.
¿Cómo surgió esa colaboración?
CA: Fue una conexión con Markus, él es quien lleva todo ese tipo de cosas. Llevan bastante tiempo en la carretera y pensaban en hacer una colaboración en algún momento y pienso que ha salido bien. Personalmente no he visto ningún vídeo con dos cantantes de gutural al mismo tiempo.

EM: ¿Con qué artistas te gustaría colaborar personalmente en Crematory?
CA: Hmmm es difícil de decir… tendríamos que ver cómo encajarían con la banda. Con el nuevo material recién sacado al mismo tiempo que el coronavirus, todos los conciertos de este año o al menos los de abril, mayo y junio parece que no podrán hacerse y eso hace que pensemos en escribir nuevas canciones y quizás grabarlo para publicarlo en algún momento. Lo de las colaboraciones serían más cosas de Markus, él es la banda. Para mí hay un montón de músicos con los que me gustaría colaborar, ya veremos qué pasa.

EM: ¿Me podrías hablar de «Broken Heroes» y de «Unbroken»? Parecen dos canciones especiales para estos tiempos.
CA: Felix escribió todas las letras y creo que ya te lo comenté antes, este año Crematory hace 30 años, han pasado muchas situaciones. Está por esos pensamientos de “no quiero tocar” o “me voy a quedar en casa sin hacer nada”. Es una manera de decir “ey, después 30 años”, “después de vuestro nacimiento”, “después de vuestro éxito”, puedes con cualquier cosa en tu vida, mantenerte animado, ser fuerte… es un mensaje general.
Ese mensaje puede servir incluso para el tema de la cuarentena. Ya sabes, mantente fuerte, no te deprimas, sobrevive, tómate el tiempo que necesites… es un buen mensaje para todo en la vida, no solo para la música.

EM: Ahora que se han cancelado todos los conciertos de la banda, ¿creéis que en otoño
realizaréis la gira?
CA: Eso espero. Espero que podamos realizar la gira fuera de Alemania, todo dependerá del gobierno. Con el tema del virus todo se está parando y cancelando, cuando todo vuelva a la normalidad saldremos a presentar ‘Unbroken’ fuera de Alemania.

EM: ¿Y vendréis a España en el futuro?
CA: Eso espero. Creo que el tour de Crematory tiene fechas en España pero veremos qué es lo que pasa. Todo dependerá de los gobiernos.

EM: La verdad, sería bueno veros en España, lleváis bastante tiempo sin venir a nuestro país.
CA: Sería algo precioso, yo sí que he estado en España con mi anterior banda en Madrid y en… ¿Cómo se llamaba la sala de Barcelona? ¿Razzmatazz?
EM: Sí, Razzmatazz
CA: ¿Conoces el restaurante que está en frente de la sala? Pues estuve en esa sala hace varios años, cuando fui de gira con Stratovarius. Veremos si finalmente vamos a España.

EM: ¿Y festivales? Es que he visto a la banda en Wacken, Masters of Rock y Metalfest pero nunca fuera de Alemania o la República Checa.
CA: Eso espero. Ahora todo está parado por el virus hasta mediados de mayo o junio. Así que ahora tendremos que esperar a que los gobiernos decidan… Tenemos festivales en junio y agosto, así que ya veremos. Si se cancelan será todo muy malo, incluso para los fans ya que nosotros lanzamos el trabajo poco antes de que el virus saliera, así que todas las bandas que publiquen su material ahora, si el gobierno dice que «tras verano podréis salir de gira», todo el mundo saldrá de gira.

EM: ¿Qué canciones de ‘Unbroken’ crees que acabarán en un futuro en himnos para
Crematory?
CA: Buena pregunta. Personalmente lo he escuchado varias veces y muchas veces cambio de opinión. Es muy duro elegir una canción o dos, creo que es todo el disco… Un día es «My Dreams Have Dive», otros es «Unbroken» o «Broken Heroes», cambia cada día.

EM: A día de hoy con las plataformas digitales es más difícil vivir de la música ¿Cómo ves el uso de estas herramientas?
CA: Sí. Es como has dicho, en Alemania tenemos un dicho que es “un cuchillo clavado en tu espalda”… para bandas que necesitan promocionarse por todo el mundo Spotify es perfecto pero para nosotros que no hacemos mucho dinero vendiendo discos, es muy duro. No puedes vivir solo de la música… para bandas que están comenzando, está bien, para las ya establecidas, no tanto, necesitas otros trabajos para poder vivir y es la única manera de hacer música.

HÄLLAS
‘CONUNDRUM’
Napalm Records

Si fuera una de aquellas, diría que ya les conocía de antes… pero me estaría contradiciendo con lo de llamarles grupo revelación (http://empirezone.es/2019/12/31/lo-mejor-de-2019/). Si fuera una de aquellos, diría que el primer trabajo es más auténtico, el EP incluso… pero no sería lo que opino. Venía esperando este nuevo trabajo desde que presentaron el adelanto «Tear of a traitor» a su paso por Barcelona, el pasado mes de noviembre. Las expectativas se han visto colmadas con dosis de paisajes musicales estelares, construidos sobre guitarras siderales, teclados galácticos, ritmos absorbentes como agujeros negros y voces en circulo como anillos de Saturno. Musicalmente han alcanzado un nivel superior.

Para quienes no la conozcan, es una banda afincada entre Jönköping y Linköping (Suecia). Está compuesta por Tommy Alexandersson (voz y bajo), Kasper Eriksson (batería), Alexander Moraitis (guitarra), Marcus Petersson (guitarra) y Nicklas Malmqvist (teclado). Se confiesan unos apasionados de la ciencia ficción, la fantasía, el rock de los 70, los teclados de los 80 y el black metal de los 90. Etiquetan su música como ‘adventure rock’ y tiene algún regustillo a Wishbone Ash. Con ésta, nos presentan la tercera parte de una historia que empezaba con ‘Hällas EP’ y seguía con ‘Excerpts from a future past’.

Por adelantado mi advertencia: este trabajo es conceptual y recomiendo escucharlo en el orden propuesto por la banda. Como ejemplo, el salto de «Beyond night and day» a «Strider» ¡es fabuloso! Y eso a pesar de que soy una persona de escuchar música en total desorden.

Con ‘Conundrum’ (Enigma, en castellano) la banda sueca se vuelve a tomar muy en serio traer el sentir de los setenta a las personas que no tuvieron la ocasión de vivirlo, o dar la opción de rememorarlo a los que si disfrutaron intensamente de su sabor. Consta de ocho cortes que para mí son como una sola canción de 43 minutos. Te provocan la sensación de estar viendo una película o leyendo un libro de esos que no puedes dejar a medias. Por ello se me hace muy difícil recomendar alguna parte por encima de las demás, pero creo que no digo ninguna tontería si admito que ‘Conundrum’ es una obra ascendente y que la segunda parte del trabajo brilla de forma espectacular.

A pesar de todo, os voy a guiar cual vidente astral (tema del disco anterior) a escoger un tema, en caso de que no tengáis tiempo para más: para los épicos con ganas de alzar el puño y cantar, «Strider»; para los que echáis de menos los teclados de Jon Lord, «Tear of a traitor»; para los frikis de los videojuegos ochenteros «Carry on»; quien sea de Thin Lizzy y Blue Oyster Cult que tire por el «Labyrinth of Distant Echoes» (ese inicio con la voz sola y la rotura del tempo a mitad del tema ponen la carne de gallina). Pero si el tiempo no es un impedimento, es obligatorio darle a los dos últimos, «Blinded by the emerald mist», que me recuerda a ‘La Dimensión Desconocida’ o «The Twilight Zone», y «Fading Hero», ésta me la pongo en loop de a tres, como son ocho minutos cada vez, me la escucho 24 minutos seguidos. Ese vocoder es estremecedor y bowie-niano a la vez. Quizás sea mi favorita.

Mientras consiguen lo que necesitan para ofrecernos un montaje a lo grande con espectáculo en directo de las aventuras del caballero Sir Hällas, podemos pasar el tiempo disfrutando de su primera trilogía terminada. Y de los conciertos que vayan dando para presentarlo. Si os los topáis en letra pequeña de algún festival al que vayáis este año, no dejéis de ir a echarles un oído. ¡Buen servicio Sir Hällas!

Por cierto, ya en 2017 Witchtower decían en una entrevista a EmpireZone (http://empirezone.es/2017/06/08/entrevista-con-witchtower/) que eran la banda nueva que más le había impactado.

Ymir Peiró

DIABULUS IN MUSICA
‘EUPHONIC ENTROPY’
Napalm records

Antes de empezar a destripar el nuevo trabajo de Diabulus in Musica, voy a darme el gusto de dar una opinión que hace tiempo pienso. Una de las razones por las cuales este país (España) no es un gran exportador de música a los países que no tienen la lengua castellana es porque nosotros mismos somos los primeros que no valoramos de forma seria a nuestras bandas y despreciamos, la mayoría de las veces, productos de una calidad sobradamente demostrada. Nosotros solos nos encargamos de que una banda no sea reconocida y pierda la fe en si misma gracias al ninguneo que sufren tanto por parte de la prensa especializada, como de los festivales, o como del mismo oyente, valorando y dando más oportunidades a cualquier grupo extranjero de medio pelo que a uno nacional. Y hago esta entrada refiriéndome, principalmente, a las bandas que tienen como lenguaje musical el inglés, por tanto, Diabulus in Musica es una de esas bandas que ha sufrido desde su fundación gran parte de lo escrito anteriormente. Pero podríamos poner más nombres como Dark Moor, Easy Rider, Vhaldemar o Runic. Solo en los últimos años, muchas veces con discográficas internacionales y curiosamente mas cerca del metal extremo, grupos como Angelus Apatrida, Crisix o Noctem sí han tenido un reconocimiento nacional y a la vez están teniendo una aceptación en el extranjero mucho mayor que hace unos años.

Diabulus in Musica llevan años editando discos de una calidad asombrosa y sin embargo en este país han sido ignorados por todos los estamentos del mainstream nacional, desde el primerizo
‘Secrets’, pasando por los fantásticos ‘The wanderer’ y ‘Argia’, hasta llegar al espectacular ‘Dirge for the archons’.
A pesar de todo esto Diabulus in Musica vuelve a demostrar con su «Euphonic entropy» que ellos están por encima de todas estas situaciones, y lo hacen con un discazo de esos que en cualquier otro país serían ampliamente aclamados por prensa y fans.
Porque si algo tiene este grupo es personalidad, se les puede comparar con Epica e incluso Nightwish pero ellos son mucho más que esos dos nombres. La amalgama de estilos que contiene este nuevo trabajo es la más rico de su carrera, la variedad es inmensa y esto hace que sea más lento el proceso de absorción, que cada tema de este disco sea un mundo en sí mismo, y requiere una escucha atenta para poder saborear la profundidad de matices que tiene cada corte.

La intro «A Lucid chaos» con toques futuristas no es capaz de hacernos vislumbrar lo que nos va a venir encima, es como la calma antes de la tormenta porque inmediatamente entra la poderosa y frenética «Race to equilibrium», con un ritmo endiablado en su inicio, estrofas elegantes y unos coros que te pondrán los pelos de punta. ¡Diablos! Qué producción… ¡joder, es apoteósico! Todo acompañado de acolchados sinfónicos entre futuristas y apocalípticos, como si a Therion o Rhapsody los hubiesen puesto de director de orquesta al mismísimo Lucifer. Pero esto solo es el inicio.
«Nuevo rumbo» va por los mismos senderos variando el lenguaje, esta vez cantan en castellano y parece ser todo un alegato a su situación delante de todos los problemas que está teniendo el grupo para seguir su camino. La primera sorpresa es la jazzística y cabaretera «The Misfit’s swing», divertida, con un estribillo muy alegre y rápido. Temas como éste son los que hace que Diabulus in Musica salgan airosos de cualquier comparación con los grupos citados anteriormente.
Esta variedad en algunos cortes les da un plus sobre el resto de grupos porque «In quest of sense» sí entra en terrenos más típicamente powermetaleros orquestales pero con una calidad y estilo a prueba de bombas. Y lo de Zuberoa es de otro mundo pues cambia de registro continuamente, en tonos medios o muy altos, es prodigiosa. Los toques folkies vienen del tema «Otoi» y aquí sí me recuerdan a los últimos Nightwish, tanto con Annette como con Floor Jansen pero cantada en vasco que le da un toque original. Llega la calma en «Buried dreams», precioso medio tiempo donde la producción vuelve a destacar en los acompañamientos sinfónicos, los coros, las guitarras acústicas, todo suena nítido y perfecto en un crescendo en medio del tema grandioso. Y podría seguir alabando tema por tema este disco, cada componente, cada detalle de la producción, pero como dirían en mi pueblo… ¿pa’ que?
«On the edge» es tan poderosa y potente como los temas anteriores. «One step higher» lo mismo pero con un sonido mas futurista y un estribillo muy melódico. En «Blind muse» destapan el tarro de las esencias, es majestuosa, con estrofas cantadas por Zuberoa con una elegancia sublime, la parte instrumental central no puede ser mas épica y el final apoteósico con el estribillo del tema por todo lo alto. Me dejo casi para el final «Our last gloomy dance», el más largo, un tema con cierto aire circense que recuerda a «Ring around dark fairie’s carousel» del disco ‘Dirge for the archors’, con toques menos oscuros, más sinfónico, más cambios de ritmo y unos coros más épicos, y una Zuberoa esplendida sacando casi todo su repertorio vocal, quizás la joya del disco y la demostración de por que Diabulus in Musica son, para servidor, la mejor banda de metal sinfónico del planeta. Y lo digo tranquilamente mientras escucho esta obra maestra. Y para terminar nos dejan con «In the vortex» en plan operístico total, solo Zuberoa y los instrumentos orquestales para sacar a relucir la capacidad vocal de soprano de la cantante navarra.

Hay un nombre que ha estado presente en todo este escrito como es Zuberoa pero sinceramente el conjunto del trabajo es brutal. La base rítmica es una auténtica salvajada con un David Carrica que saca a relucir toda su calidad, con una versatilidad tremenda; y Alexey Koligyn aunque queda en un segundo plano con la guitarra está perfecto. Como no, Gorka a los teclados y las partes sinfónicas es esencial para que Diabulus in Musica suenen tan épicos y grandilocuentes, ademas de aportas las partes vocales guturales que están más presentes que nunca y hacen que la banda sea más agresiva. Todo rematado en la mezcla y masterización por Jacob Jansen que aporta ese sonido tan compacto y poderoso.

Habrá gente que dirá que suenan demasiado grandilocuentes, que es en conjunto un disco excesivo e incluso largo, pero para mí lo que hay es una apuesta por todo, lo tomas o lo dejas, esto es Diabulus in Musica, todas sus capacidades y esperanzas están en este disco, cómo si fuera su canto del cisne (que esperemos no lo sea).

Posiblemente sea su mejor disco, posiblemente uno de los mejores discos de este 2020 y posiblemente uno de los mejores discos de la historia del metal en España… y quizás le quitamos el posiblemente a todo!!!

Kike Molla

THE NEW ROSES
‘NOTHING BUT WILD’
Napalm Records

De la mano de Napalm Records nos llega el cuarto trabajo de esta banda de Wiesbaden (Alemania) cayendo al lado del hard rock con toque sureño. La fórmula que tantos años antes se ha utilizado no deja de tener pegada y sobretodo en verano, donde apetece desmadrarse, quitarse de encima la rutina y disfrutar de la vida con unos pocos límites menos.

Empieza fuerte con un tiro directo a las ganas de veraneo «Soundtrack Of My Life», te viene a avisar que lo que vas a tener es movida y rock’n’roll. El segundo corte me recuerda a otros que han sido maestros del estilo los últimos años: Bonafide. «Can’t stop rock & roll» es una canción de bebida fresquita y sol.
«Down by the river» te hace viajar a esos veranos en que vas a un lugar lejos de tu vivienda habitual, tu lugar entre la tierra y el cielo, donde te sientes genial. Trozos en que la voz se queda a solas con la batería, estribillos coreados, y una guitarra preciosa. Se hacen uno de esos solos a lo Journey, que no son virtuosos pero sí magníficamente empastados con la melodía.
Macarreo total y absoluto para «Nothing but wild», el tema que da título al álbum y está bien escogido, con un hard rock de corte más clásico, recordando a los ochenta. Si querían llegar a mucha gente, esta es la manera.
Cuando toca recoger las cosas ya sea en la playa, el lago, la montaña o tu sitio de disfrute y volver para casa disfrutando del sol cayendo con el atardecer suena una balada que sabe a country, «The bullet», y una sonrisa se dibuja en tus labios.
Con el duo «Running out of hearts» y «Unknown territory» tenemos que admitir que han sabido aprender de los antecesores del género y extraer todo el jugo, porque el alumno está pero que muy cerca del maestro.
Una auténtica delicia el tema que cierra el trabajo, antes de los bonus track. «Glory road» el segundo single del álbum, huele a canal y Guiness recién escanciada, no se cómo se le puede dar un toque irlandés a un tema sureño compuesto por un alemán, pero ahí está la prueba. Y así se convierte en mi tema favorito.
Cuando los bonus tracks se hacen con sentido común encuentras este tipo de joyas, dos temas acústicos, «Down by the river» y «Fight you leaving me». El que sean acústicas parece hecho totalmente a propósito para admirar la voz tan personal de Timmy Rough.

Esta banda es otra de las joyas que nos dejó en su momento la serie televisiva «Sons Of Anarchy». Con su cuarto trabajo encontrarás sabores a Journey, Bon Jovi, Thin Lizzy, Mr. Big y hasta a Springsteen han citado algunos. Timmy no hace nada más y nada menos que afianzarnos en nuestro amor por la vibración de su voz rasgada.

Ymir Peiró

El próximo 16 de agosto verá la luz ‘Dominion’, el nuevo trabajo de Hammerfall, a través de Napalm Records. La portada es obra del reconocido artista Samwise Didier y la formación que ha grabado el disco es Joacim Cans (voz), Oscar Dronjak y Pontus Norgren a las guitarras, Fredrik Larsson (bajo) y David Wallin (batería).

El primer single del disco es «We make (Sweden Rock)» cuyo lyric video podeis ver a continuación junto a la interpretación que hicieron del mismo en el festival Sweden Rock hace dos días con un montón de gente en el escenario.

Si quieres verlos en concierto no olvides que estarán en el Leyendas del Rock y en Rock Fest este verano.

JOACIM CANS describe la creación de «(We Make) Sweden Rock» como «un glorioso tributo al movimiento de hard rock y metal sueco con un tema lírico que utiliza referencias directas a otras bandas y canciones. Con riffs contagiosos y melodías encandiladoras, esta canción será un clásico en los futuros shows de HammerFall. Sin la escena sueca de rock y metal con bandas como Heavy Load, At the Gates e Yngwie Malmsteen, el mundo sería un lugar bastante aburrido. Este es nuestro noble tributo a todas las bandas que nos inspiraron no solo a tocar metal, si no a formar bandas y, finalmente, a cruzar el mundo en nombre del heavy metal. Saluden a todos los hijos de la aurora boreal!”

‘Dominion’ es el decimoprimer trabajo de estudio de Hammerfall y segundo con Napalm Records. Hoy el sello lanza la preventa del nuevo trabajo en varios formatos, CD, Vinilo y una Caja de Edición Limitiada que incluye un digipack, un 7″ en color azul, un cassette, una reproducción de la portada, fotos, un parche y pegatina. Desde hoy puedes reservarlo aquí

El track list de ‘Dominion’ es:
1. Never Forgive, Never Forget
2. Dominion
3. Testify
4. One Against the World
5. (We Make) Sweden Rock
6. Second to One
7. Scars of a Generation
8. Dead by Dawn
9. Battleworn
10. Bloodline
11. Chain of Command
12. And Yet I Smile

Para la grabación del nuevo disco, HAMMERFALL se asociaron a James Michael para las voces en los estudios Red Level Three, y Fredrik Nordström de Studio Fredman en Castle Black Studios para la grabación de los instrumentos de la poderosa colección de 12 canciones. OSCAR DRONJAK comenta:

«‘Lo bueno no es lo suficientemente bueno; tiene que serlo’. Este es el mantra que hemos aplicado a todos los aspectos de la creación de este álbum, desde la composición de las canciones y los ensayos hasta la producción y el rendimiento de cada miembro. El resultado es ‘Dominion’, una poderosa fuerza de la naturaleza que no se puede detener. Una vez que la escuches lo entenderás».

La gira de verano de la banda comienza con el Domination Festival en la Ciudad de México y atravesará Europa durante todo el verano de 2019, incluyendo paradas en el legendario Sweden Rock, Graspop Metal Meeting y Wacken Open Air. Harán 3 fiestas del lanzamiento del disco en Estados Unidos y serán los invitados en la gira de Sabaton en Norte América. También anuncian las fechas para la gira europea de 2020.

En España les veremos, de momento, el 7 de Julio en Barcelona Rock Fest y entre el 7 y 10 de Agosto en el festival Leyendas del Rock.

HAMMERFALL live:

03.05.19 MX – Mexico City / Domination Festival
31.05.19 CZ – Pilsen / MetalFest
02.06.19 NL – Nijmegen / Fortarock 2019
08.06.19 SE – Sölvesborg / Sweden Rock Festival
13.06.19 SE – Västervik / Hojrock
22.06.19 BE – Dessel / Festivalpark Stenehei
07.07.19 ES – Barcelona / Rock Fest
20.07.19 SE – Rättvik / Dalhalla
27.07.19 RU – Kemerovo / Heroes of World Rock Festival
01.08. – 03.08.19 DE – Wacken / Wacken Open Air
07.08. – 10.08.19 ES – Alicante / Leyendas Del Rock
14.08. – 17.08.19 DE – Dinkelsbühl / Summer Breeze Open Air
16.08. –17.08.19 AT – Graz / Metal On The Hill
29.08.19 CO – Bogota / Royal Center
30.08.19 CO – Medellin / Teatro Universidad de Medellin
31.08.19 CO – Pereira / Perla del Otún
01.09.19 CO – Cali / Teatro Jorge Isaacs
03.09.19 CO – Pasto / TBA
05.09.19 CO – Bucaramanga / Auditorio Luis A Calvo
07.09.19 US – West Hollywood, CA / Whisky A Go Go
08.09.19 US – San Diego, CA / Brick By Brick
10.09.19 US – Brooklyn, NY / Brooklyn Bazaar

Hammerfall + Sabaton:
04.10.19 US – Ft. Lauderdale, FL / Revolution*
05.10.19 US – Tampa, FL / Jannus Landing*
06.10.19 US – Atlanta, GA / Center Stage*
08.10.19 US – Dallas, TX / House of Blues*
10.10.19 US – Phoenix, AZ / Van Buren*
11.10.19 US – Los Angeles, CA / The WIltern*
12.10.19 US – San Francisco, CA / The Regency*
14.10.19 US – Portland, OR / Roseland Ballroom*
15.10.19 US – Seattle, WA / Showbox Sodo*
16.10.19 CA – Vancouver, BC / Vogue Theater*
18.10.19 CA – Edmonton, AB / Union Hall*
19.10.19 CA – Calgary, AB / The Palace Theater*
21.10.19 US – Salt Lake City, UT / The Complex Rockwell*
23.10.19 US – Denver, CO / Ogden Theater*
25.10.19 US – Minneapolis, MN / Skyway Theater*
26.10.19 US – Chicago, IL / The Vic Theater*
27.10.19 US – Cleveland, OH / The Agora Ballroom*
29.10.19 CA – Toronto, ON / The Danforth Music Hall*
30.10.19 CA – Montreal, QC / M Telus*
01.11.19 US – Worcester, MA / Palladium*
02.11.19 US – New York, NY / Playstation Theater*
03.11.19 US – Silver Spring MD / The Fillmore*

30.01.20 DE – Bremen
31.01.20 DE – Hamburg
01.02.20 DE – Oberhausen
07.02.20 DE – Munich
08.02.20 DE – Kaufbeuren
09.02.20 IT – Milan
11.02.20 DE – Langen
12.02.20 DE – Saarbrücken
13.02.20 CZ – Prague
14.02.20 DE – Bamberg
15.02.20 DE – Ludwigsburg
16.02.20 CH – Pratteln
18.02.20 PL – Warsaw
19.02.20 PL – Krakow
20.02.20 HU – Budapest
21.02.20 AT – Graz
22.02.20 AT – Wien
23.02.20 DE – Berlin

Los germano Lord of the Lost presentan su nuevo video clip, «Black Halo» que servirá de apoyo a su reciente sexto trabajo, ‘Thornstar’ que entró directamente al número seis en la lista de ventas en Alemania.

Lord of the Lost estarán en fecha única en España el 31 de octubre en la sala Salamandra 1 de L’Hospitalet de Llobregat. Te dejamos el resto de fechas de la gira por si se cruzan en tu camino.

THORNSTAR Tour 2018/19
04.10.18 DE – Frankfurt / Batschkapp
05.10.18 DE – Hannover / Musikzentrum
06.10.18 DE – Berlin / Columbia Theater
11.10.18 DE – Nuremberg / Hirsch
12.10.18 DE – Cologne / Essigfabrik
13.10.18 DE – Dresden / Alter Schlachthof
18.10.18 CH – Pratteln / Z7
19.10.18 DE – Munich / Backstage
20.10.18 DE – Stuttgart / Im Wizemann
26.10.18 DE – Leipzig / Werk 2
27.10.18 DE – Hamburg / Markthalle
31.10.18 ES – Barcelona / Salamandra 1
01.11.18 FR – Toulouse / Rex
02.11.18 FR – Nantes / Ferrailleur
03.11.18 FR – Paris / Boule Noire
21.11.18 UK – Newcastle Upon Tyne / The Cluny
22.11.18 UK – Glasgow / Ivory Blacks
23.11.18 UK – Manchester / The Ruby Lounge
24.11.18 UK – London / Electrowerkz
25.11.18 UK – Bristol / The Fleece Bristol
20.02.19 LV – Riga / Melna Piektdiena
21.02.19 EE – Tallinn / Rockclub Tapper
22.02.19 FI – Helsinki / On The Rocks
23.02.19 RU – St.Petersburg / Zal
24.02.19 RU – Moskau / ZIL Arena
25.02.19 RU – Ekaterinburg / Dom Pechati
27.02.19 RU – Novosibirsk / Podzemka
28.02.19 BY – Minsk / Re:Public
01.03.19 UA – Kharkiv / Zhara
02.03.19 UA – Kiev / Tepliy Lampoviy
03.03.19 UA – Lviv / Fest Republic
05.04.19 MT – Haz-Zebbug / Dark Malta Festival