BEAST IN BLACK
‘DARK CONNECTION’
Nuclear Blast

Pues ya están aquí de nuevo las huestes del señor Kabanen con su nuevo material. Parece mentira, pero ya han pasado cuatro años desde aquel 2017 donde Anton Kabanen decide lanzar a su nueva banda después de separarse de Battle Beast.

Si se marchó o lo echaron de Battle Beast por intentar hacer la música que está realizando ahora, lo mismo me da pero gracias mil por ello. Y si hablo en singular es porque Anton Kabanen es el compositor y escritor de toda la música y letras del disco así que, aunque la banda es Beast in Black, bien podría llamarse Anton Kabanen Band.

La formación es la misma desde los principios allá por 2017 con el único cambio en la batería que se produjo entre el primer y segundo disco. Así pues, la banda está formada por Anton Kabanen a las guitarras, teclados y sintetizadores; Yannis Papadopoulos a las voces; Kasperi Heikkinen a las guitarras; Mate Molnar al bajo; Atte Palokangas a las baterías; y la incorporación de Cynthia a los sintetizadores y teclados y que, sinceramente, espero que se una como miembro permanente, sobre todo para dar mas veracidad a los conciertos y no tener que llevar los teclados y los sintetizadores pregrabados.

Y en cuanto al trabajo en sí, según el propio Kabanen, esto es como el final de una trilogía, que comenzó con ‘Berserker’, continuó con ‘From Hell with Love’ y que acaba con este ‘Dark connection’.

La portada ha vuelto a correr a cargo de Roman Ismailov y de primeras ya nos da a entender que nos vamos a adentrar en mundos futuristas, ciberpunks y temáticas similares. Lo que me sorprendió muchísimo fue que, a primera vista, no se veía la mascota, la bestia que aparece en las anteriores portadas y me resultó muy extraño. Menos mal que cuando me llegó el cd pude observar con más detenimiento la portada dándome cuenta que sí está la Bestia, compartiendo la mirada con la mujer fatal de la portada, detalle que me ha encantado por no ser apreciable a primera vista.

Además, este disco lo dedican íntegramente a la memoria de Kentaro Miura, creador de series manga como ‘Berserk’, y que ha sido fuente de inspiración de Kabanen y compañía, y que falleció mientras estaban grabando el disco.

Y en lo musical, nos vamos a enfrentar a lo que yo he denominado power-techno-metal, porque la presencia de los sintetizadores es la mayor de la historia de la banda, dándole un aura futurista a todas las canciones y transportándote al mismo tiempo a mundos futuros y a discotecas de los setenta u ochenta. Para mi gusto, un excelente trabajo pues ya sabemos la predilección de Kabanen por entremezclar el power y el heavy con los sonidos más electrónicos.

El resto de la banda, como ya pasara en el anterior disco, roza la perfección siendo el complemento perfecto a las ideas de Kabanen. Y lo de la voz de Yannis es de mención aparte.
Este tío canta como quiere, llegando a unos agudos casi imposibles, rasgando la voz con una agresividad sublime y acariciando sus cuerdas vocales en los temas más tranquilos haciéndote pensar que hay varios cantantes en el disco, pero no, solo esta él. Aparte lo he notado mucho más agresivo en los temas más cañeros que en anteriores ocasiones.
Y en cuanto a las canciones tenemos a Beast in Black en plena efervescencia. Me explico, las partes más heavys son las más heavys que han hecho y las partes techno son las más techno que han hecho. Así que la mezcla es Beast in Black elevado al máximo exponente.
Posiblemente al publico menos acostumbrado al sonido de la banda, todo esto le chirriará mucho, pero para los fans este trabajo colmara su sed de música.

Temas como «Blade Runner» o «Revengeance machine» te harán mover la cabeza sin parar, por su
velocidad y contundencia. «Bella Donna» es la conexión con los primigenios Beast, más heavy y menos teclados, que me ha recordado infinitamente al tema «Blind and Frozen» de su primer disco ‘Berserker’. También tenemos las partes más techno y discotequeras como pueden ser «Hardcore» y «One night in Tokyo» con las cuales te dan ganas de ponerte unos calentadores e ir a una pista de baile y que me parecen dos temazos bailables al 100%.
Lo que sí he añorado en este disco es una balada, como sucedió con «Ghost in the rain» o «Oceandeep». Aquí lo más parecido es el tema que cierra el disco, «My Dystopia», que es un medio tiempo mega sensible donde Yannis sobresale de manera espectacular pero no llega a ser una balada como tal.
A modo de bonus tracks nos ofrecen dos versiones de lo más variopintas como son «Battle Hymns» de Manowar, que suena realmente bien y muy épico con la incorporación de los teclados y donde Yannis casi iguala a Eric Adams en la forma de gritar; y, por otro lado, «They Don`t Care About Us» del rey del pop, Michael Jackson, muy bien enfocada desde el prisma de Beast in Black.

En resumen, un grandísimo disco que colmará las expectativas de los fans (como yo) y donde han demostrado que a los sonidos más heavys se les pueden intercalar sonidos mas technos y que suenen realmente compactos y poderosos.
A mí me han convencido y espero que a vosotros también, aunque hay que escucharlo con la mente abierta y no cerrándonos en el “truísmo”.

Enrique Sobrino

https://www.youtube.com/watch?v=EF2PrtDjR50

https://www.youtube.com/watch?v=7iu2YjG88AQ

https://www.youtube.com/watch?v=KUKIXEK2o9c

https://www.youtube.com/watch?v=gVixaG76Ldg

https://www.youtube.com/watch?v=tXZK2PIL3pc

https://www.youtube.com/watch?v=jLt-L1spOHI

HELLOWEEN
‘HELLOWEEN’
Nuclear Blast

Pues ya tenemos aquí el sueño de muchos seguidores, entre los cuales me incluyo, desde que allá por la década de los 90 Kai Hansen y Michael Kiske abandonaran el barco Helloween. El retorno de los hijos pródigos para grabar nueva música para la banda de las calabazas. Pese a que casi todo en esta vida se sustenta en el maldito dinero, y este caso no iba a ser menos, me alegra esta reunión ya han mantenido la formación que ha sustentado el nombre de Helloween en las peores épocas del Power Metal incorporando a los dos miembros “huidos” para completar un combo realmente espectacular.
¿Y en qué me baso para hablar de dinero? Pues en que la carreras, tanto de Michael Kiske en solitario, como la de Kai Hansen con Gamma Ray, estaban de capa caída. La unión de ambos en Unisonic, aun siendo una esperanza de retorno, no dio los frutos deseados. Y Helloween, por su parte, no se encontraban en su mejor momento ni compositivo ni de reconocimiento.

¿Y qué mejor manera de relanzar la carrera de todos? Pues generar un hype enorme anunciando la reunión de la banda junto a sus baluartes caídos en tiempos pretéritos. Y no contentos con eso, empezar a dar conciertos para ir evaluando la reacción de los fans ante tal magno proyecto. El resultado no pudo ser menos que espectacular ya que la gente estaba deseosa de volver Hansen y Kiske en el seno de su banda madre.

Y entretanto piensan ¿y si grabamos un tema nuevo y evaluamos como reacciona el mundo del metal? Ahí surge “Pumpkins United” y el universo del metal se vuelve loco. Ante tal tesitura y viendo la reacción de medios y fans deciden embarcarse en la grabación de un nuevo disco.

Se lo han tomado con calma, aprovechándose del parón mundial causado por la pandemia y ha generado tanta expectación como críticas. Muchos pensaron que crearían un nuevo ‘Kepper of the seven keys’ y sería un retorno al sonido clásico de la banda. Nada más lejos de la realidad.

Han gestado una gran obra de metal pero con sonido actualizado al siglo XXI. Así que si todavía no lo habéis escuchado y esperáis un viaje a la década de los 80-90 con otro ‘Kepper’ os vais a llevar una decepción. Si lo escucháis como lo que es, un disco del siglo XXI con una de las mejores formaciones que hay en la actualidad, vais a alucinar.
Y después de situar el contexto de la banda durante los últimos años, recordemos la alineación de los Helloween actuales: Andi Deris y Michael Kiske a las voces; Kai Hansen a la guitarra y voces; Michael Weikath y Sascha Gerstner a las guitarras; Markus Grosskopf al bajo; y Dani Löble a la batería. Siete miembros para este mega combo. Y la verdad, es que delante de esta formación todo lo que creen ha de ser bueno casi por obligación.

La portada y el artwork interior ha corrido a cargo del reputado ilustrador israelí Eliran Kantor, autor de portadas para grupos como Iced Earth, My Diyng Bride, Testatemt, Fleshgod Apocalypse, Sodom, Soulfly y un largo etcétera de bandas.
La portada es lo mejor que he visto en años, de hecho es la mejor portada del año 2021, con referencias de todas las épocas de las calabazas, el guardian de las siete llaves de la década dorada, el arcángel con la trompeta en la mano izquierda y los anillos en la mano derecha, haciendo clara referencia a los primeros trabajos de Deris como son ‘Master of the Rings’ y ‘The time of the oath’ y algunas referencias más que están ocultas.

Y en la parte musical, como dije antes, estamos delante de unos nuevos Helloween, resurgidos cual ave fénix de sus dos etapas, entremezclando matices y detalles de las dos épocas y plasmándolo en un grandísimo álbum que hará las delicias de cualquiera que no se haya quedado anclado en el pasado.

Estamos delante de 14 o 15 temas, según la edición de la que se disponga y el resultado no puede ser mas positivo y gratificante.
En todos los temas nos encontramos referencias y matices de las dos épocas. En todas las canciones tenemos la alternancia de las tareas vocales repartidas entre Deris, Kiske y Hansen y en todos los temas disfrutamos de heavy/power metal de calidad y con sonido de siglo XXI.

Destacaré «Skyfall» por ser el primer single, por los desarrollos, los cambios y por ser el resumen perfecto de los nuevos Helloween; «Fear Of The Fallen», donde Deris se sale literalmente y donde más se notan los primeros años de Deris en las calabazas; «Best Times» es un tema sencillo y directo, en la línea de Unisonic pero con una efectividad tremenda y que estoy convencido de que irá directo al nuevo setlist de directo.

Es un super trabajo en el cual nos han demostrado que han aparcado rencillas o temas internos, y se han centrado en hacer metal de muchísima calidad y a fe que lo han conseguido. Pero para poder apreciarlo en todo su esplendor hay que escucharlo con mente abierta y no pensando en que han retornado a la época de los ‘Kepper of the seven keys’ y ‘Walls of Jericho’.
Con él, Helloween han llegado al número 1 de ventas en España y seguro que estarán en los tops anuales de muchos de vosotros. En mi caso será el 2…

Así que estamos delante de lo que muchos han calificado el disco de la década. Ahora solo queda sentarse con una cervecita fresquita, un buen equipo estéreo y a disfrutarlo de principio a fin.

Enrique Sobrino

El Covid ha sido y está siendo un autentico desastre a todos los niveles pero una cosa hemos sacado en positivo y es que los artistas han tenido tiempo para componer y grabar discos. Este es el caso de Esa Holopainen que ha aprovechado para dar rienda suelta a su creatividad individual y dar salida a Silver Lake. Charlamos con él a propósito de su debut en solitario y para que nos de alguna pincelada sobre el nuevo disco de Amorphis.

Por Carlos De La Puente

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas tardes Esa ¿Qué tal estás llevando este segundo año de
Covid?
ESA HOLOPAINEN (EH): ¡Hola Carlos! Siento haberme retrasado, es que se me ha alargado la entrevista anterior. Si te soy sincero no soy muy optimista con la situación, el año pasado
pensaba que esto serían unos meses y luego volveríamos a la normalidad o que sería mejor,
ahora, sinceramente, ya no lo veo tan claro.

EM: ‘Silver Lake’ es tu primer disco en solitario ¿Qué me podrías contar de él?
EH: En términos musicales es mi primera demostración en solitario, es donde le enseño al mundo mis influencias musicales, lo que suelo escuchar o ver en directo. Es bastante versátil, tiene diferentes vocalistas, así como influencias distintas. Estoy muy feliz y orgulloso de él… me puse en serio a trabajar en este material cuando estalló el tema del Covid y todo cerró, para no estar quieto, mi pensamiento «fue tiempo de covid, tiempo de trabajar» en mi material en solitario.

EM: En la nota de prensa dices que estás pensando ya en el segundo. ¿Tienes ya alguna idea en mente?
EH: Sí, ya tengo alguna idea en mente. En otro caso, no tengo ni idea de cuándo podré
ponerme a trabajar en otro disco en solitario de Silver Lake… me ha llevado medio año componer las letras y volver al estudio, a eso súmale que cuando todo vuelva a la normalidad, todos volveremos a la carretera, a sacar nuevos discos, así que no tengo mucha idea de cuándo podré trabajar en el sucesor de mi debut en solitario.

EM: «Storm» ha sido tu primer single ¿Cómo ha sido recibido por los fans?
EH: Bastante bien. Pienso que la gente se ha llevado una pequeña sorpresa con el material y eso ha gustado. No es un disco instrumental propiamente, no está orientado a la guitarra, así que creo que ha sido una sorpresa positiva para la gente. El primer single, «Storm», es bastante envolvente y cada vez más gente la escucha.

EM: ¿Habrá algún otro single antes del lanzamiento del disco?
EH: Creo que habrá algunos adelantos más antes del disco, creo que uno sale a finales de este mes (se trata de «Ray of Light», ndr.), y el día de lanzamiento saldrá el tercer single.

EM: Honestamente, creo que mis canciones favoritas han sido «Promising Sun» y «Fading Moon» ¿Qué me puedes contar de ellas?
EH: ¡Muchas gracias! «Promising Sun» fue una de las primeras canciones que trabajé y cuando la canción estaba por salir pensé en Björn para que hiciera el demonio en «Promising Sun», estoy muy contento con ese tema. Björn hizo todos los arreglos vocales y las letras. Lo mismo ocurre con «Fading Moon», estoy completamente enamorado de este tema.

EM: En el disco colaboras con Jonas Renkse (Katatonia), Håkan Hemlin (Nordman), Einar
Solberg (Leprous), Vesa-Matti Loiri, Tomi Joutsen (Amorphis), Björn «Speed» Strid (Soilwork) y Anneke Van Giersbergen. ¿Cómo surgieron esas colaboraciones?
EH: Fueron geniales. Todos los vocalistas son amigos excepto Håkan Hemlin y Vesa-Matti Loiri, que son artistas con los que nunca había trabajado. Una de las cosas que buscaba a la hora de realizar las colaboraciones es que fueran cercanos a mí, no quería tener a gente que no conocía de nada. Cuando trabajé en el tema «Storm», mi productor Nino me mencionó a este vocalista sueco de la banda Nordman, que es un dúo de folk escandinavo y que tienen unos cuantos éxitos y son muy populares. Estuve abierto a trabajar con él porque su línea vocal era la idea para «Storm» y esa colaboración fue muy bien. Vesa-Matti Loiri es un actor y músico finlandés que tiene una carrera, así que me puse en contacto con él a través de un amigo que lleva a actores fineses y también estoy muy contento con esta canción. Con Tomi lo hemos hecho aquí, en el estudio de Helsinki… el resto de artistas lo ha hecho como ha podido debido a la pandemia, pero al final el resultado es el que es y ha funcionado para mí.

EM: Para un futuro disco de Silver Lake ¿Tienes algún vocalista en mente?
EH: Ahora estoy con todo lo que concierne al debut, probablemente es algo pronto para pensar en los vocalistas. Me gustaría volver a trabajar con todos los cantantes que hay en este disco, pero cuando me ponga a trabajar en ese material veré si pegan sus voces (risas).

EM: ¿Hay algún plan de presentación de Silver Lake?
EH: Me han contactado algunos promotores por si estoy interesado en hacer algo en directo con Silver Lake y absolutamente es un sí, pero es bastante duro el tener que buscar a todos los vocalistas en el mismo sitio y seleccionar las canciones, quizás para algunos festivales sea más fácil… La idea me gusta, pero tendremos que ver como lo organizamos.

EM: Si tuvieras que tocar una canción de Silver Lake con Amorphis. ¿Cuál sería?
EH: ¿Con Amorphis? Creo que sería la canción que tengo con Tomi, ya que le sería familiar… aunque no creo que el resto de la banda esté interesado en mi proyecto en solitario (risas). Si la tuviéramos que tocar sería «In Her Solitude» que es en la que canto con Tomi Joutsen.

EM: Amorphis anda grabando el sucesor de ‘Queen of Time’ ¿sabrías decirme cuando
sabremos algo acerca del nuevo disco?
EH: Sí. El nuevo trabajo de Amorphis saldrá a comienzos de 2022, ahora mismo estamos en el estudio grabando el disco y Jens Bogren nos está produciendo de nuevo. Las baterías y las guitarras ya están grabadas, Tomi está ahora centrado en las voces y los teclados… Espero que todo esté grabado para finales de verano, ahora es todo algo estresante, pero estoy muy contento y creo que gustará a los fans de Amorphis.

EM: A día de hoy tenemos plataformas como Youtube o Spotify ¿Cómo te sientes con que la gente use estás herramientas para escuchar música como artista?
EH: Pienso que estás plataformas son geniales para promocionar a las bandas, no creo que con la cantidad de artistas que existen la gente esté gastando en comprar tantos discos físicos, así que como herramienta de promoción está muy bien, de hecho, ahora mismo con esta
situación viene bien para todos los artistas sin poder tocar en directo. Volviendo a la pregunta, como herramienta de promoción está bien, pero nada más.

BENEDICTION
‘SCRIPTURES’
Nuclear Blast

Benediction, una de las bandas emblema en los noventa dentro del Death metal vuelve a la carga trece años después de su último disco, editado en 2008. Los ingleses regresan a escena tras bastante tiempo sin editar nada nuevo y estar prácticamente fuera de los principales escenarios dentro del Death metal, siendo por ello esta vuelta una gran noticia para los amantes de esta banda, y seguidores del Death metal en general, quienes vieron hace años como poco a poco desaparecía de escena uno de los grupos más queridos dentro de la música extrema.

Con inmensas ganas de poder catar nuevo material de Benediction, la intranquilidad estaba en el ambiente. Una intranquilidad moldeada por la pregunta obligada de qué encontraríamos en este nuevo material lanzado por la banda. Una excitación máxima que solo sería resuelta una vez enfrentados cara a cara con su nuevo trabajo. Elevadas esperanzas (eso creo) que al fin, hemos tenido la oportunidad de resolver, y a continuación exponemos. Una sensación que se ajusta bastante, o eso quiero pensar, a la creada por sus fans quienes coincidirán que estamos ante un regreso de calificación notable; porque es así. El regreso de estos ingleses al terreno de juego con este nuevo trabajo titulado ‘Scriptures’ está a la altura de lo exigido para un nombre como el de Benediction.

Regresan con un disco de puro Death metal de manual. Pesado, rápido, aniquilador, los ingleses no han sentido necesidad alguna de dar giro alguno a su música. Vuelven como se fueron, con el sello que les caracterizó desde que emergieron como banda. Cierto es que la banda, en el pasado, intento darle a su música, dentro de su estilo, una cierta adaptación a los tiempos, algo que pudo ser patente en la franja que se abrió entre sus tres primeros trabajos, los venerados ‘Subsconcious Terror’, ‘The Grand Leveller’ y ‘Transcend the Rubicorn’, donde podemos apreciar un death metal más añejo, más de la época, frente a una segunda parte, el otro lado de la franja, en la que podemos apreciar un death metal más actual y perdiendo cierta esencia sombría y/o arcaica consiguiendo una mayor accesibilidad sonora. Esto vino estampado en sus siguientes cuatro discos del que cabe resaltar, como quizá el disco resumen de esta segunda parte, “Grind Bastard”. Es en este disco donde podemos apreciar de forma simplificada cual fue el camino de Benediction tras dejar atrás sus tres primeros discos. Además, también podríamos utilizar este álbum como el último trabajo que fue capaz de mantener a flote a la banda, tras ese ligero cambio musical, antes de empezar a desaparecer de escena. Tras dicho trabajo, la banda entró en una etapa de desequilibrio de la que parecían incapaces de salir, algo que se comprobó que así fue. Con ciertas variaciones, varios vimos como Benediction fueron desapareciendo del mapa poco a poco hasta llegar a volatilizarse.

Ahora, y para este nuevo disco, las grandes noticias y principales argumentos positivos para el destacado regreso de Benediction, son la reincorporación a las voces de Dave Ingram, quien salió de la banda tras el mencionado “Grind Bastard”. Y la viveza de su tándem original a las guitarras Darren Brookes y Peter Rew. Dave Ingram vuelve a darle el magnífico tono vocal a la banda, algo que se agradece ya que nos remonta a los mejores momentos del grupo. Y la columna vertebral musical, sus dos guitarras originales, nos ofrecen un nuevo recital de riffs, composiciones y resolución, mostrándonos la mejor versión de su música.
Con los bastiones de su formación clásica al frente de este ‘Scriptures’ era de esperar que cuanto menos pudiésemos encontrar un material a la altura de lo esperado por una banda como Benedicion. Y así ha sido. Yo diría que incluso han superado con creces lo esperado. Han grabado un disco donde han recuperado la pegada que siempre tuvieron, sonando mejor de como se fueron y despejando las dudas de quienes dudaban de poder escuchar un trabajo interesante por parte de estos ingleses. Y es que, cuando la banda colgó los adelantos de lo que sería su nuevo disco, los temas “Stormcrow” y “Iterations of I”, creo que la gente se olía lo mejor. Se intuía que este disco de regreso iba a ser bueno pero aun así era mejor esperar a tener el disco completo entre las manos. Y llegó; y se acertaron las predicciones.
Gran regreso de Benediction. Gran disco de Death metal. Poco más podemos decir. Bueno sí, que no tarden en ofrecer una continuación a este genial ‘Scriptures’.

F.

https://www.youtube.com/watch?v=M1vv1zPiJUE

https://www.youtube.com/watch?v=MUcd_koHUn8

https://www.youtube.com/watch?v=Sc768twHo90

https://www.youtube.com/watch?v=1wMKHP2sdFs

https://www.youtube.com/watch?v=cpCidH68oqk

https://www.youtube.com/watch?v=Ac1zcCV_uzk

https://www.youtube.com/watch?v=AAHXsoRzDIg

MICHAEL SCHENKER GROUP
‘INMORTAL’
Nuclear Blast

Michael Schenker es una leyenda. Un rock star 100%. Un genio. Y cuando aparece un nuevo disco bajo un nombre así, puede ser, en muchas ocasiones, un lastre más que una ayuda.
Sin embargo (spoiler), ‘Immortal’ no ha de preocuparse por lastre alguno. ‘Immortal’ es una pieza memorable de puro hard rock, una obra cumbre, un reflejo de la esencia del talento de Schenker y del rock mismo.

Claro está, 11 años de “silencio” son una eternidad, y teníamos muchas ganas de volver a escuchar un álbum editado, precisamente, bajo la bandera de MSG. Y para el retorno (aunque Michael Schenker nunca se fue, obviamente), el guitarrista alemán lo ha hecho todo bien.
De entrada, se ha rodeado de enormes talentos. Algunos, veteranos, veteranísimos en esto del metal, como Ralf Scheepers, Derek Sherinian o Michael Voss y otros, estrellas emergentes, como Ronnie Romero (que, ya sabéis, tiene el don de la ubicuidad).

Pero, ojo, la cuestión no radica solo en contratar buenos músicos, o vocalistas mediáticos, sino en componer canciones que encajen con sus respectivos estilos. Y ahí, el bueno de Schenker ha dado absolutamente en el clavo.
No podemos pasar por alto, ante todo, que nos encontramos ante un disco de hard rock y heavy metal con unas composiciones de muy altos quilates. Y, por qué no decirlo, algo heterogéneo. Creo que los fans reconocerán al Schenker de UFO, al de Scorpions y al del propio MSG. Para todos los gustos.

Lo más destacable, a mi juicio, es que el genio alemán ha reunido en ‘Immortal’ todos y cada
uno de los elementos clave que debe tener un disco de hard / heavy: temas veloces y directos, auténticos himnos coreables, de esos de poner los puños en alto («Drilled to kill», «Knight of the dead»), temas capaces de absorber, como decía anteriormente, la esencia pura del rock, ese ritmo, esa personalidad y ese carisma macarra y canalla que tanto nos gusta («Devil’s daughter», «Come on over» o «The queen of thorns and roses», que parece sacada directamente de, qué sé yo, 1983), una balada -qué digo, un BALADÓN-, edulcorada, pasional y casi mística («After the rain»… hasta el título es tópico; saquen los mecheros), un sonido DESCOMUNAL, potente y agresivo pero limpio y cristalino y, no lo olvidemos, aunque en este caso sea apenas un destello, algo de crítica social / política (de nuevo «Drilled to kill», que abre el trabajo y fue el primer single, es toda una declaración).
Quisiera, también, hacer un aparte para hablar de «Sangria Morte» e «In search of the peace of
mind», que cierran el disco y se desmarcan completamente de las ocho canciones que las preceden. En la primera, el guitarrista, con Joe Lynn Turner -casi declamando, más que cantando- a las voces, apuesta por la épica al más puro estilo Sabaton (por poner un ejemplo actual), con un tema más pesado y menos incisivo, denso y, quizá, demasiado repetitivo. Por contra, en la segunda da rienda suelta a su versión más excéntrica, pseudo-psicodélica, y nos presenta algo que me recordó -disculpen la comparación- a la mítica «Innuendo», de Queen. Para todos los gustos, sí.
No podemos dejar de banda otro aspecto fundamental, que muchas veces pasamos por alto. Es un disco de la banda de Michael Schenker. Los temas son de Michael Schenker. Las guitarras, los solos (¡qué solos!) son de Michael Schenker… pero es capaz de ser humilde, de brillar sin eclipsar; de ceder protagonismo a las canciones, a la música, a quienes le acompañan. A girar la cara al concepto de guitar hero, y poner su clase y su carisma al servicio de esos temas y el resto de músicos, y no al revés. Y eso, no nos engañemos, beneficia el conjunto final.

Así pues, ‘Immortal’ se posiciona como un álbum de hard rock sólido, sin fisuras, repleto de temas que son oro molido, incluidos dos clásicos inmediatos -«Drilled to kill» y «Knight of the dead», que sonarán seguro en directo mientras Schenker siga girando-, con el propio Michael Schenker a su nivel habitual, es decir, estratosférico, en la composición y la ejecución, encajando todas las piezas del puzzle a la perfección y redondeando un LP que, lo digo ya, será de los mejores de 2021, y que contiene todo aquello que hace grande al género y todo lo que un fan quiere escuchar.

Una auténtica maravilla capaz de hacer que quien se acerca a él se emocione, vibre, tenga ganas de menear la cabeza adelante y atrás, hacer cuernos con las manos y disfrutar de la
vibración de las cuerdas y los parches. ¿Y qué es el rock, sino pura pasión?
Gracias, Michael. Lo has vuelto a hacer.

Dani Ruiz

ACCEPT
‘TOO MEAN TO DIE’
Nuclear Blast

Pues empieza el 2021 tal y como acabo el 2020, lanzamiento tras lanzamiento, poniéndonos las cosas muy difíciles a todos los amantes del heavy metal. Y es que la mítica banda Accept se descuelga con su nueva obra, la decimosexta de estudio y el quinto trabajo ya con el vocalista Mark Tornillo al frente.

Vaya por delante que Accept, nunca a sido una banda que me haya terminado de enganchar del todo, ya que desde las décadas de los 80 y 90 siempre he sido un seguidor intermitente. Temazos como «Fast as a Shark», «Restless and Wild» o «I’m a Rebel» siempre estarán en mi cabeza, pero no he sido constante con ellos.
Todo eso cambio en 2017 cuando llego a mis manos el trabajo ‘The rise of Chaos’. Cuando sonaron los primeros acordes y los primeros gritos de Mark Tornillo dije “guau”, cómo me gusta esto y comencé a indagar un poco. Descubrí los constantes cambios de miembros en la banda, la entrada de Mark Tornillo en sustitución de UDO y reconozco que, desde entonces, sí me puedo considerar fan de la banda. Igual llego un poco tarde, pero como dice el refrán, mas vale tarde que nunca.

Y tras el gran ‘The rise of Chaos’ y el conciertazo que tuve la suerte de disfrutar en Rock Fest en 2018 esperaba con ganas el nuevo material en estudio. Y la verdad es que la espera ha merecido la pena, pues vaya trabajazo se han sacado de la manga los germanos.
De la mano del productor Andy Sneap, han conseguido mantener la llama y la esencia de los Accept de toda la vida pero con un sonido actualizado y acorde con el siglo XXI.
Diré una locura, pero me gusta más la voz y la forma de cantar de Mark que la del propio Udo. Así de sencillo, y más diré, la voz de Mark es la que me ha hecho “enamorarme” de la banda. La agresividad, la tonalidad y la textura de sus cuerdas vocales me fascina.
Y bueno, lo de Wolf Hoffman no tiene nombre. Tantos años, tantos discos y se le ve disfrutando como a un principiante. Espectacular.
En este disco han cambiado por completo el esqueleto de la banda, siendo la más destacada la guitarra por cuanto han pasado de dos a tres guitarras dotando de un mayor empaque al disco. Philip Shouse (Ace Frehley) se une a la dupla Hoffmann / Lulis. Shouse ya colaboró en el concierto que grabaron con orquesta en Wacken.
¿Y qué pensó Wolf cuando el bajista Peter Baltes abandono la banda? Pues se busca sustituto y se continua la carrera. En este caso Martin Motnik se ha encargado de las 4 cuerdas y la verdad es que el resultado es óptimo.

Con una portada de lo más sugerente, con el diseño de una serpiente metálica sacando su bífida lengua para esparcir su veneno, la banda nos “escupe” once temas y unos cincuenta minutos de metal sin concesiones. Duro y a la encía que decían Def Con Dos.
Temas como el que abre el disco, “Zombie apocalypse”, nos muestran la buena salud musical de la banda ¡qué trallazo! Y de ahí en adelante caña y mas caña marca de la casa y con sonidazo.

Destacaría sobre todo el disco, el tema «The Undertaker» que, a parte de ser el primer single, es el tema que más me ha sorprendido del disco por sus ritmos pausados a la par que contundentes. Quizá el tema menos Accept pero sonando a Accept. Ritmos pesados y densos, unos coros que están ideados para directo y una fuerza, en general, que es diferente a la caña que nos acostumbran pero que le da un encanto al tema que me flipa.
Del resto del disco pues lo típico de la banda, no ha reinventado la rueda. Caña a doble bombo, guitarras afiladas y agresivas, bajos atronadores y la gran voz de Mark machacando tímpanos sensibles.
Una muy buena manera de empezar el año con este ‘Too Mean to Die’, porque como el propio título dice “somos demasiado malos para morir” y este bicho (covid) no va a acabar con nosotros. Accept está de vuelta y con mas fuerza que nunca.

Enrique Sobrino

https://www.youtube.com/watch?v=tHwCTnH5_Z8

https://www.youtube.com/watch?v=DQy6npwdwsY

Regresan Epica y lo hacen con ‘Omega’, un trabajo conceptual en el que siguen desarrollando su estilo musical. Charlamos con Simone Simons, que nos atiende con suma amabilidad, acerca del presente de la banda, tapas, Amaranthe y Anime entre otras cosas. Carlos meets Simone!

Por Carlos De La Puente

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenos días Simone, felices fiestas y feliz año nuevo. ¿Qué tal
estás en estos últimos días del 2020?
Simone Simons (SS): ¡Hola Carlos! Muchas gracias e igualmente. Estoy genial, promocionando el nuevo disco de Epica y deseando ver que nos llega en 2021, siento el retraso pero es que he tenido unas entrevistas que se han alargado.

EM: Vamos a hablar de ‘Omega’, vuestro nuevo disco. ¿Qué me puedes contar de él?
SS: Es nuestro octavo disco de estudio y, por supuesto, estamos muy orgullosos de él. Es un álbum cinemático como puedes comprobar con las letras y creo que es nuestro mejor trabajo de lejos. 73 minutos de música (risas). Nos tomamos un descanso antes de componer este trabajo para que nuestra inspiración fluyera mejor, estar con las pilas cargadas… Está vez hemos hecho un pequeño cambio a la hora de componer que creo que se puede apreciar a lo largo del disco. Creo que los fans van a amar este trabajo, hasta el momento tenemos dos singles (posteriormente salió «Rivers», ndr.) y saldrá a la venta a finales de febrero.

EM: ¿Por qué elegisteis ‘Omega’ como título?
SS: Ese fue Mark (risas), es el que suele elegir los títulos del disco cuando finalizamos la trilogía de «Kingdom of Heaven» y el disco tiene bastante influencia de Omega. El punto de ‘Omega’ es básicamente el espíritu científico de todo el universo, todo viene en su conjunto. También es el final de «Kingdom of Heaven», pero no es el final de Epica… Empezamos a pensar en el punto de ‘Omega’ cuando queríamos crear algo más potente, además es que suena bastante rudo Epica Omega (más risas).

EM: La portada es bastante bonita y en ella podemos ver un Ank, así como un laberinto. El Ank significa “Vida” pero, ¿qué es lo que representa el laberinto?
SS: Básicamente el Laberinto significa que todos tenemos un laberinto en nuestra vida, puede ser espiritual o físico. Lo que transmite ese laberinto es el camino por el que queremos ir en nuestra vida, si estuviéramos fuera de ese laberinto implicaría el fin de nuestra vida, estaríamos perdidos. En nuestra vida tomamos decisiones a veces duras, a veces no tanto, otras las toman por nosotros, al final todas las decisiones acaban conduciéndonos por un camino o por otro.

EM: Recuerdo que cuando me dejó mi ex, me culpaba a mí mismo, no quería hacer nada…
Creo que un par de días después quedé con unos amigos, me di cuenta de que había mucha
más vida y que no valía la pena lamentarse por algo que no tenía solución…
SS: Eso implica que te topaste con un muro y luego decidiste explorar otros caminos del laberinto, eso es la vida. Muchas veces nos encontramos con ciertos muros que no sorteamos, que no atravesamos y cuando podemos avanzar, nos da miedo y nos quedamos parados en la misma zona.

EM: «Abyss of Time» y «Freedom – The Wolves Within» han sido vuestros adelantos. ¿Cómo han sido recibidos por los fans?
SS: Bueno, «Abyss of Time» fue nuestro primer adelanto y fue bastante bien recibido, también el vídeo. Nuestro segundo single «Freedom – The Wolves Within», que es una de mis canciones favoritas, es un vídeo animado y en él puedes ver a toda la banda con animación, pero la historia de la canción habla básicamente que tenemos dos lobos en nuestro ser y representa básicamente el yin y el yang, ya sabes… tenemos esperanza, amor, felicidad en un lado y en el otro tenemos tristeza, ira, odio… Representa unos balances que tenemos que tener en nuestra vida, si no los tuviéramos no seríamos nosotros mismos. Hay dos singles más que están por salir, así que estad atentos.

EM: «Seal of Solomon» se ha convertido en mi canción favorita del disco y me gustaría preguntarte su conexión con el anillo con el Rey Solomón, así como si tiene relación con que sea el sucesor de la estrella de David para el pueblo judío.
SS: La letra para «Seal of Solomon» ha sido escrita por Mark. El Rey Solomón ha sido uno de los grandes que aportó a la ciencia, de hecho él instauró la Kabbalah, enseñó la ciencia en las escuelas… Además «Seal of Solomon» es la sexta punta de la estrella de David, que es la que representa los elementos mágicos en el universo… Básicamente es la unión mística de estos dos elementos que son la creación.

EM: En directo habéis colaborado con Floor Jansen (Nightwish) y en disco con Tony Kakko (Sonata Arctica) ¿Habéis pensado en incluir alguna colaboración en algún disco? ¿Con
quién?
SS: Creo que uno de los artistas con los que me gustaría trabajar un día son Rammstein, es una de mis bandas favoritas y creo que Opeth también, con esas dos bandas me gustaría trabajar algún día.

EM: Con tantos discos a vuestras espaldas, será difícil seleccionar un setlist. ¿Cómo creéis que estará formado el del Tour que haréis junto a Apocalyptica?
SS: Estamos planeando una gira con dos cabezas de cartel, así que el plan es ver cuál de las dos bandas es más popular en el país y establecer un buen setlist para cada concierto. Tendremos unas cuantas canciones de ‘Omega’, ya que lo estaremos promocionando, así como clásicos de la banda.

EM: Sois una banda que suele venir frecuentemente a España. ¿Qué es lo que más os gusta de nuestro país?
SS: La cultura, la gente, la comida (risas), el buen tiempo… hay muchas cosas de vuestro país que son únicas. El jambo que es jamón con patatas y un sabor picante. Amo las tapas, creo que es un país bastante bonito, el idioma, somos una banda internacional y viajamos alrededor del mundo para giras y para festivales, creo que tenemos un festival en España, el Leyendas del Rock (lo pronuncia en español… ndr) y mantengo mis dedos cruzados porque se realicen algunos festivales el año que viene.

EM: ¿Habéis pensado en hacer una canción en español?
SS: ¡Lo hemos hecho! Hemos grabado cuatro o cinco, no lo recuerdo, versiones de nuevas canciones y una de ellas es en español.

EM: En 2017 lanzasteis un EP de covers del anime ‘Ataque a los titanes’. ¿Cómo surgió la idea?
SS: La idea provino de nuestro manager, que nos comentó la idea de hacer una versión del opening de ‘Ataque a los titanes’. No conozco la serie, de hecho no estoy muy familiarizada con el anime o con el manga, el único que conoce ese mundo es Rob. Así que empezamos a escuchar o ver la serie para conocer la historia, fue un proyecto bastante interesante, un reto muy divertido y era la primera vez que teníamos que traducir las letras del japonés, así que Mark y yo nos pusimos a traducir. Creo que solo las hemos tocado una vez en directo, quién sabe si en el futuro las incluiremos en nuestro setlist.

EM: ¿Estaríais interesados en hacer otro EP de un anime? ¿o de canciones que os gusten?
SS: Quizá… realizar una versión de canciones navideñas es algo divertido, pero por ahora nos vamos a centrar en ‘Omega’ y en crear nueva música, no necesariamente versiones de algo.

EM: ¿Cuáles dirías que han sido tus discos favoritos de 2020?
SS: Diría que las canciones de Navidad ya que este año ha sido para olvidar. Pero si tuviera que elegir uno, sería ‘Manifest’, el nuevo trabajo de Amaranthe, que me ha gustado mucho. Epica y Amaranthe estuvimos en el estudio al mismo tiempo, no en el mismo, pero los dos estuvimos grabando nuestros trabajos a la vez. También vi a Amaranthe tocando con Sabaton en enero de este año, Elize es una gran amiga mía, al principio pensamos lanzar ambos trabajos al mismo tiempo pero finalmente decidimos retrasarlo a comienzos de 2021 y Amaranthe lo lanzaron en octubre, el día del nacimiento de mi hijo. Creo que es un gran disco, bastante variadito, un trabajo con el que se puede trabajar.

THERION
‘LEVIATHAN’
Nuclear Blast

Pues ya esta en mis manos el nuevo trabajo de mis amados Therion. La banda de Christofer Johnsson vuelve a la carga este 2021 para redimirse de su ultimo trabajo, “Beloved antichist”, que no fue muy bien recibido ni entendido por los fans, entre los cuales me incluyo. Creo que el señor Johnsson ha escuchado las criticas recibidas por su anterior trabajo y en este ‘Leviathan’ ha vuelto, en cierta manera, a sus origines pero sin volver a copiar discos como ‘Vovin’, ‘Lemuria’ / ‘Sirius B’ o el aclamado ‘Gothic Kabbalah’. Es decir, siguen sonando a los Therion mas auténticos pero sin copiarse.

He leído ya por ahí que Therion están muertos, que deberían retirarse y demás locuras y, para mi, nada más lejos de la realidad, Therion están más vivos que nunca y se han sacado un disco casi perfecto al cual solo le veo un fallo que luego explicaré.

Para este disco la banda está compuesta por Christofer Johnsson a las guitarras, Cristian Vidal a las guitarras, Nalle Phalsson al bajo, Johan Koleberg a la batería y Thomas Vikstrom a las voces. Además cuenta con las colaboraciones de Chiara Malvastiti y Rosalia Sairem, Marko Hietala (ex Nightwish) en «Tounela», Mats Levén (ex Therion y Candlemass entre otros) en «Psalm of retribution», Lori Lewis en «Leviathan», «Nocturnal light», «Great marquis of hell» y «Psalm of retribution» y Taida Nazaric (The Loudest Silence) en «Tuonela» y «Die Wellen der Zeit» y Noa Gruman como vocalista principal.

Ya todos sabemos de la predisposición para ir cambiando de cantantes en los temas así que no sorprende la cantidad de vocalistas que encontramos en el disco aunque a la hora del directo el peso recae en Thomas, Chiara y Rosalia.

Ya el titulo del disco es de lo mas sugerente, ‘Leviathan’, una “bestia” con forma de dragón que decían los antiguos que era un monstruo marino y que, incluso, esta incluido en el cristianismo y el judeísmo, siempre tomando el papel de demonio que siembra el caos.
Y la portada en la que se apoya es sublime, espectacular y grandiosa. El afamado portadista Thomas Ewerhard (diseñador de portadas para Avantasia, At vance, Sons of Apollo, The Neal Morse band, Theatre of Tragedy…) ha conseguido representar con suma maestría a un Leviathan emergiendo del mar. Espectacular aunque no deja de ser relativamente parecida a la de ‘Twilight of the thunder gods’ de Amon Amarth.

Y en lo musical nos adentramos en once temas y unos cuarenta y cinco minutos de Therion en estado puro, épicos, grandilocuentes, dulces, agresivos.. Todos los ingredientes característicos de la banda pero adecuados a sonidos más actuales.
Una producción limpia y cristalina hace que cada instrumento suene cuando debe, cada voz se
escucha con absoluta claridad algo que, quizá, se había perdido un poco en trabajos como ‘Sitra Ahra’ o el propio ‘Beloved antichist’. en lo personalm con cada escucha descubro algún matiz mas que me hace enamorarme más del disco.
Como decía antes, solo le he encontrado un fallo que le hace perder algo de puntuación. El tema «Eye of Algol» tiene unos primeros acordes tanto de guitarra como de batería que son muy, pero que muy parecidos a los primeros acordes del tema «Leviathan». Buscado o no, el parecido es más que razonable.

Por el resto, lo expuesto anteriormente. Discazo que gana con cada escucha y que reafirma las palabras del propio Christofer que decía «hemos decidido darle a la gente lo que pedía. ‘Leviathan’ es el primer disco que hemos hecho deliberadamente con Therion lleno de hits«. Cada canción es un himno e ideal para que las coreemos en directo.

Ardua tarea la de destacar algún tema pues todos me parecen enormes. No obstante destacare» Leviathan» por ser el primer single y por ser 100% Therion, «Die Wellen der Zeit» por ser una balada de lo mas dulce que he oído en años, «Nocturnal light» por ser de lo más épico que le he escuchado a Therion en mucho tiempo y «El Primer Sol» por ser un trallazo cañero y con estribillos en español.
En definitiva, Therion han vuelto y con mas fuerza que nunca.

Enrique Sobrino

https://www.youtube.com/watch?v=ESR1Fe5XfpU

https://www.youtube.com/watch?v=t1h0pdsC6wQ

AMARANTHE
‘MANIFEST’
Nuclear Blast

Si creías que Amaranthe era un proyecto prefabricado que iba en busca del éxito fácil tirando manifiestamente de pop y guitarras heavies… no andabas desencaminado, la verdad. Pero la cosa parece que va en serio y finalmente las nuevas piezas encajan a la perfección hasta el punto de que Amaranthe puede llegar a escalar realmente alto con esta obra. Tres cantantes que brillan sobremanera, desde la coqueta Elize Ryd, pasando por Henrik Englund y subrayando especialmente la labor del “nuevo” vocalista Nils Molin (Dynazty). La combinación de gargantas rasgadas, limpias y femeninas alcanza el clímax en un disco que no conoce el relleno y en el que saltan las sorpresas tema a tema. Noora Louhimo de Battle Beast aparece en “Strong”, Angela Gossow (ex Arch Enemy y manager del propio grupo) asalta “Do or Die”. Pero es que cortes como la inicial “Fearless” o esa maravilla que es “Archangel” demuestran que el hombre detrás de todo esto sabía perfectamente lo que se hacía: Olof Mörck (Dragonland). El guitarrista y violinista compone y dota a los temas de esa sobrecarga tecnológica de sampleados, el complemento que le da al grupo ese elemento capaz de distinguirles a la primera. Tienen su propio sonido y cortes como “Viral” son de los que te quedan a la primera escucha. Y luego aparece gente de Apocalyptica, Jeff Loomis de Arch Enemy y la cabalgata de temas brillantes es inacabable. La balada “Crystalline” va para clásico y hay detalles que van desde Kamelot a Lacuna Coil. Sigue reinando Elize, que es la cara y símbolo del grupo, pero la grandeza de ‘Manifest’ es que todos los miembros del grupo han dado un paso adelante, incluso todo un Morten Lowe (Mercenary) desde la batería. La figura del productor Jacob Hansen completa una alineación galáctica para el disco y la todopoderosa discográfica Nuclear Blast se puede ir frotando las manos.

Jordi Tàrrega

PRIMAL FEAR
‘METAL COMMANDO’
Nuclear Blast

Ya tengo en mi poder la nueva obra de los alemanes Primal Fear. El decimotercer trabajo de estudio si no me fallan las cuentas y la más de que digna continuación de ‘Apocalypse’ de 2018.
Hablar de Primal Fear es hablar de Heavy Metal clásico, directo, contundente y que no engaña a nadie. Sabes perfectamente lo que vas a encontrar en cualquier disco de su extensa discografia.
Curiosos son los inicios de la banda, dado que por el 1997 Ralph Scheepers era el cantante de Gamma Ray y surgió la posibilidad de que Ralf pudiera entrar en Judas Priest tras la salida de Rob Halford. Ante esa posibilidad, Ralf se alía con Mat Sinner y empiezan a hacer versiones de Judas para preparar a Ralf en una hipotética entrada en Judas Priest. Al enterarse de esto, Kai Hansen lo expulsa de Gamma Ray y mientras tanto Judas Priest ficha a Tim «Ripper» Owens. En esta tesitura Mat Sinner decide fundar Primal Fear junto a Ralf para que éste no se quede sin banda lo cual, con el paso del tiempo, se ha demostrado un acierto enorme.
De una serie de curiosas casualidades, surgió una de las bandas más representativas del heavy metal de la actualidad ¡y qué banda!

En mi humilde opinión, con este álbum han llegado ya para consolidarse definitivamente en el trono del heavy metal. Es su decimotercer trabajo ya, que se dice pronto, y en el cual demuestran una madurez y un empaque que les hace merecedores del cetro del metal.
La banda, aparte de los miembros originales, Ralf Scheepers a las voces y Mat Sinner al bajo, la componen Michael Ehré (ex Gamma Ray) a la batería, Tom Naumann, Alex Beyrodt y Magnus Karlsson a las guitarras.
En cuanto a la portada, he aquí el dato más flojo del disco, una calavera alada que no me gusta mucho, sobre todo después del portadón que se marcaron en su anterior ‘Apocalypse’. Menos mal que lo que importa es lo que hay en el interior del cd.

¿Y qué nos encontramos musicalmente? ¿Qué tipo de música y qué sorpresas nos ofrecen? Pues estamos delante de once temazos de heavy metal puro. Saltando de temas más cañeros y agresivos a otro más melódicos pero sin perder la esencia de Primal Fear.
Como ejemplos de los temas más cañeros tenemos el tema que abre el disco «I’m Alive» que, como su propio título indica, nos demuestra que están mas vivos que nunca. Guitarras agresivas y rápidas acompañadas de una sección rítmica galopante y una voz melódica que, en el estribillo, sencillamente te hace volar. Un grandísimo tema que creo que va de cabeza a sus setlist.
Y como ejemplo de tema más melódico y que no pierde para nada la esencia de la banda es «Hear Me Calling», que empieza muy ochentero y muy a medio tiempo pero va ganando en intensidad a medida que va avanzando y donde resalta la voz de Ralf ya que va otorgando intensidad con la modulación de su voz.
También destacar el tema «I will be gone» íntegramente grabado solo con una guitarra acústica y la voz de Ralf, un baladón muy interesante y que en directo puede quedar genial, con los mecheros o las linternas de los móviles al compás de las notas de las guitarras acústicas.

Este ‘Metal Commando’ es, en resumen, un trabajo espectacular tanto en las líneas vocales como en la parte musical y de producción. Y que nadie se lleve a engaño, si buscas sorpresas o cambios de estilo, este no es tu disco.
Primal Fear llevan 22 años de carrera y son fieles a su esencia, introduciendo nuevos matices pero sin abandonar el estilo que les ha encumbrado. Vamos, no engañan a nadie y ojalá sigan otros 22 años más así.
En resumen de todo lo expuesto, un gran trabajo de Heavy Metal, ni más ni menos y que va directo a la lista de discos del año de este maldito 2020.

Enrique Sobrino