PAIN OF SALVATION
‘PANTHER’
Inside Out

Tres años han tenido que esperar los seguidores de la banda sueca para poder disfrutar de nuevo material desde su excelente ‘In The Passing Light Of Day’ (Inside Out, 2017). Si en aquella ocasión Daniel Gildenlöw nos hacía partícipes de lo que supuso para él poder escapar de las garras de la parca y nos brindó un disco conceptual en el que se abría y mostraba todas aquellas sensaciones y sentimientos, con este ‘Panther’ pasa a la acción y se mete en la piel de quien tiene que seguir luchando por mantener vivo su espíritu. Cada vez resulta más evidente que Pain Of Salvation es más un proyecto individual de Daniel que no un grupo en su concepto clásico. Si bien es cierto que la formación ha pasado estos años sin cambios desde la reincorporación a la banda de Jonah Hallgren, la grabación del disco ha sido trabajo de un solo hombre en el que, salvo las baterías de Léo Margarit y un solo de guitarra, todo ha sido compuesto, interpretado y grabado por Gildenhöw. Y es que da la sensación de que la idea sobre cómo debía sonar el disco la tenía muy clara, y que para que se pudiera reflejar en los surcos no había otra opción que encargarse de todo.

El disco comienza con lo que fue el primer adelanto, “Accelerator”, un tema en el que las texturas iniciales generan una agobiante sensación, recrean la opresión que el protagonista del tema está sufriendo hasta que la canción se abre y comienza su particular lucha a medida que aumenta la intensidad del tema. Los arreglos más propios de la música electrónica, que por otra parte son una tónica general en este “Panther”, demuestran una ambición por evolucionar y crecer en los amplios parámetros del prog metal. Es muy interesante la transición hasta “Unfuture”, donde recuperan la sonoridad más clásica con unas graves guitarras acústicas, potentes riffs y la expresividad vocal de Gildenhöw, en el que el ambiente distópico se mueve entre la densidad y la oscuridad siempre acompañada del excelente trabajo de baterías de Léo Margarit. Las nuevas sonoridades electrónicas vuelven con “Restless Boy” donde el continuo tic tac de un reloj va quedando oculto tras los ritmos y la modulada voz robótica de una forma calmada hasta que las guitarras y la batería irrumpen cuando menos lo esperas, transformando el tema en una curiosa mezcla en la que podrías reconocer elementos de grupos tan dispares como Depeche Mode, Meshuggah o Shinedown, y todo eso en apenas tres minutos de canción. Pero si hay algún tema en el que el sello clásico de Pain Of Salvation se pueda estampar es en “Wait”, una auténtica delicia donde destaca el inicio, con un piano en bucle haciendo sonar una hipnótica melodía mientras Gildenhöw usa el famoso auto-tune como un efecto (el que conozca la banda sabe que no necesita de un elemento así para afinar) para dotar a la voz de cierto tono oscuro y sombrío que contrasta con claridad del tema cuando rompe en el sencillo pero efectivo estribillo. Por supuesto los elementos electrónicos no desaparecen pero es, junto con “Icon”, probablemente el tema más puramente progresivo de los que componen el disco.
“Keen To A Fault” sigue un poco esa línea del sonido clásico de la banda aunque a más de uno la construcción del tema podría llevarle a pensar en alguno de los últimos trabajos de Anathema. Para el que escribe este es un tema de transición que es posible que pase algo más desapercibido, quizás por romper con la línea del disco. Eso sí, su letra refleja perfectamente la intención de ‘Panther’ de mostrar la continua lucha que los protagonistas de esta historia han de realizar por ser considerados “normales” en esta sociedad. Es posible que este vuelo bajo el radar sea buscado y deliberado, ya que tras “Fur”, un breve instrumental con ciertos aires a Danny Elfman, llega el tema que da título al disco. La introducción de “Panther” con bases electrónicas lo ponen como gran candidato a iniciar los (ojalá) conciertos de presentación. El scatting vocal que usa Daniel, propio del rap o hip hop junto con las afiladas guitarras hacen de este un tema cercano al nu-metal en alguna de sus partes, para pasar a la delicadeza de una voz limpia acompañada de un piano mientras repite “que se siente como una pantera en un mundo de perros”. Pero todas las historias tienden a terminar, y las contundentes capas sonoras de las que está compuesto este disco ceden el protagonismo a una intensidad más emocional con un par de temas que
podríamos decir que llevan la marca de la casa. “Species” con esa narrativa lírica que llevan brindando desde “Road Salt One” en la que pone de manifiesto algo que también suscribo, y es que a veces, cuando miras a tu alrededor, uno lo que quiere es cambiarse de especie.
Y al igual que en su último trabajo, el tema final queda reservado para uno de esas canciones que hacen que el tiempo se reduzca a la mitad mientras lo escuchas sin darte cuenta de que los trece minutos que dura ya han pasado. El contraste del bello pasaje de piano y las delicadas notas de bajo con la entrada de las guitarras y la batería le dan a “Icon” un cierto aire épico de tema de conclusión de una banda sonora.

Y es que ‘Panther’ no deja de ser la banda sonora de una historia en la que ese personaje que Gildenhöw ha creado representa y defiende las voces de todos los que han tenido que luchar por superar una dificultad tras otra y que tienen que enfrentarse a ella cada día. De hecho ya lo avisa en cuanto abres el libreto: “La normalidad no tiene cura”. Que Pain Of Salvation es el proyecto personal de Daniel queda muy claro desde ‘In the Passing Light Of Day’ en el que la enfermedad que estuvo a punto de acabar con él sirvió de inspiración y motivación para escribir el disco. En este ‘Panther’ es el autismo, que Gildenhöw conoce tan bien, el que sirve como hilo narrativo de esta historia. Quizá esa complejidad sonora que ha querido darle y el uso de elementos electrónicos sea lo que puede hacer que la primera escucha del disco resulte extraña, pero es realmente interesante ir descubriendo los diferentes matices y cómo es capaz de reflejar con su música sentimientos y sensaciones como la angustia o el miedo para acompañar las letras. Destacar no solo la música si no también el apartado gráfico y el diseño de su edición especial, en el que curiosamente no hay ninguna foto para mantener ese aire de cómic de superhéroes, sólo que esta vez el héroe es mucho más humano y cercano aunque por dentro sea una pantera.

Maese Leiva

BE PROG! MY FRIEND 2018
30.06 – 01.07.2018, Poble Espanyol, Barcelona
Promotor: Madness Live

La quinta edición del Be Prog dejó constancia de un par de cosas. La primera es que más allá de ser un evento es casi el punto de reunión de una familia que cada año se hace más numerosa. La segunda es que el festival se ha ido consolidando a nivel internacional gracias al trabajo y las ganas de hacer las cosas bien, ya que hay pocos puntos mejorables en este evento de dos días. Y todo ello, sin apenas apoyo mediático mas allá de la prensa especializada.

El pistoletazo de salida recayó en el grupo andorrano Persefone, que tuvo la difícil tarea de romper el hielo mientras el público iba llenando sobre todo las zonas de sombra de la plaza del Poble Espanyol. No tiene que ser nada fácil hacer que la gente abandone esos pequeños oasis cuando el sol más aprieta. Pero doy fe que, gracias a una intensa descarga en la que repasaron sus dos últimos discos, consiguieron congregar frente al escenario a la mayoría de los presentes. En solo seis temas demostraron con creces el porqué se les están abriendo las puertas del mercado internacional.

Tras ellos, uno de los grupos con más proyección e interés dentro del Stoner más Prog, Baroness. Entraron en el cartel como sustitutos de Katatonia y, tras unas fechas haciendo shows en acústico por la ausencia del batería, llegaron a Barcelona con la formación al completo y las ganas acumuladas de descargar toda su repertorio eléctrico. La incorporación de Gina Gleason a la guitarra y los coros dota al grupo de una frescura y fuerzas renovadas. El set de una hora, aun bajo un sol castigador, lo conformaron sobre todo temas de “Purple” y del doble “Yellow & Green”, con los que demostraron que se encuentran en plena forma y con ganas de ser una banda más importante. La descarga final con “Isak” dejó a los asistentes con una sonrisa de oreja a oreja. El único inconveniente que se le puede poner a su actuación es que, al tocar con la luz del día, el juego de luces con el que les gusta adornar sus temas, quedaba diluido y apenas se apreciaba.

Tras Baroness llegó el turno de los suecos Pain Of Salvation que volvían al Be Prog con la intención de sacarse la espina de su último paso por el festival. En aquella ocasión Daniel Gildenlöw volvía a los escenarios tras una convalecencia que estuvo a punto de costarle la vida. Por si eso no fuera suficiente aquella noche todo lo que pudo salir mal en su actuación, salió mal. Pero con su último (y excelente) trabajo y la reincorporación a la guitarra de Johann Hallgren la banda ha renovado sus fuerzas. Se les ve más compactos, más como una banda y no un grupo de individualidades. Las interacciones entre ellos son frecuentes y se percibe que en el seno del grupo algo ha cambiado. Si además de la actitud presentas un repertorio sólido y bien ejecutado, las posibilidades de hacer un bolo para enmarcar son muy elevadas. “In the Passing Light Of Day” ocupó la mayoría del setlist en el que destacó el inicio demoledor con “Full Throttle Tribe”, “Reasons” y “Meaningless”. Las sorpresas del set vinieron de la mano de “Inside Out”, “Beyond The Pale” y la ausencia de “Ashes”, cuya interpretación hubiera significado (para mi) un concierto diez. Aun así aprovecharon la hora y cuarto de concierto para demostrar la calidad que tienen y que aquella actuación de hace dos años fue una (mala) anécdota a olvidar.

Y llegamos al gran reclamo de la edición de este año. Hacía catorce años que A Perfect Circle ni ofrecían material nuevo ni tocaban en estas tierras y eso se notó en el ambiente del recinto, que se llenó hasta dejar muy pocos huecos libres en la plaza del Poble Espanyol para disfrutar del supergrupo. Una impecable puesta en escena con los teclados y la batería flanqueando, cada uno en sus propios pedestales, a Maynard James Keenan, que permaneció durante todo el concierto en la penumbra ataviado con un poco discreto traje rosa y una peluca rubia. Ejerciendo de frontman el guitarrista Billy Howerdel, secundado al bajo Matt McJunkins (Eagles of Death Metal). Con “Eat the Elephants” y “Disillusioned” comenzaron dos horas de auténtico delirio para los que allí nos congregamos. El público se entregó por completo a una banda que respondió con la misma intensidad y energía ofreciendo una actuación llena de buen gusto musical capaz de repartir por igual caricias y knockouts sonoros. Su tema “The Hollow” se llevó la primera ovación de la noche. Fue uno de los clásicos que sonó en un repertorio en el que le dieron mucho espacio a su último trabajo “Eat The Elephants” interpretando hasta ocho cortes del mismo. En el repaso de su trayectoria incluyeron además una excelente versión de “People are People” de Depeche Mode. Poco a poco, durante la dos horas de concierto, Kennan nos fue llevando de la mano por múltiples parajes sonoros hasta dejarnos en una cima de felicidad en el tramo final en que sonaron “Counting Bodies…”, “The Outsider”, “The Package” para rematar con un último tema de su trabajo más reciente “Feather” que sirvió para cerrar este círculo perfecto del que esperemos no tarden tanto en volver a mostrarnos.

Sólo debe haber una cosa más difícil que abrir un festival a las cuatro de la tarde, y es cerrar la jornada. En cuanto A Perfect Circle comenzaron a recoger su escenario, hubo una desbandada de público, dejando el Poble Espanyol medio vacío. Lo siento por los que abandonaron la nave pero Oranssi Pazuzu demostraron con creces por que son una de las bandas más sorprendentes y frescas del panorama actual. Y eso que su estilo no es precisamente de fácil asimilado. Puede resultar engorroso, incómodo, farragoso… pero cuando quieres darte cuenta, tu mente conecta con sus riffs y esos ritmos y ya no puedes escapar de ello.

Fue una hora catártica que quitó de un plumazo los signos de sueño y cansancio que pudieran haber aflorado a esas horas. Para mi, la revelación de esta edición y de los que estoy convencido que volveremos a ver en un par de años ocupando un lugar más importante en el cartel. Un fantástico punto final a un primer día del que sólo podría decir una cosa negativa, y es el sonido de los primeros grupos. Bajo y batería estaban a un volumen para mi gusto excesivo por el hecho de que las voces quedaban diluidas. Persefone y Baroness fueron los más afectados. Pain Of Salvation tuvo el sonido un poco más equilibrado aunque faltó un poco de voces. A partir de ahí todo sonó en su justa medida, una tendencia que por suerte continuaría en la segunda jornada.

Texto: Sergio Leiva
Fotos: Irene Serrano

Os presentamos el cartel al completo de Be Prog! My Friend 2018, el que creemos es, sin lugar a dudas, el cartel más completo del festival hasta la fecha.

Para el sábado 30 de junio se une el legendario Steve Hackett con su Genesis Revisited, que interpretará los clásicos imperecederos de Genesis y otros temas de su extensa discografía.

Para cerrar el festival tenemos el orgullo de presentar la reunión de los suecos Burst, que interpretarán al completo Lazarus Bird, su obra maestra, y otros temas de su discografía.

¡Esperamos que os guste!

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PRECIOS

LINE UP
En su afán por ofrecer carteles de calidad Be Prog! siempre ha apostado por bandas de nivel contrastado, calidad, bandas no tan conocidas y por repetir a las bandas que el público demanda. Por ello, el cartel de 2018 presenta un line up ecléctico y de un excelente nivel.

PAIN OF SALVATION
Pain of Salvation se han coronado con su último disco “In the Passing Light of Day”. Perfecto, redondo, colosal… Si ya “Remedy Lane” o “Road Salt” llevaron a la banda a convertirse en un referente de la música progresiva a nivel mundial, su último trabajo simplemente se sale.

SONS OF APOLLO
¿Sons of Apollo son una superbanda? ¡Sí! Mike Portnoy, Derek Sherinian, Ron “Bumblefoot” Thal, Billy Sheehan y Jeff Scott Soto unen fuerzas en este emocionante proyecto que editara su disco debut el pasado mes de octubre.
No son una super banda sólo por los nombres de sus integrantes; las mentes brillantes sólo pueden crear música brillante. Y Sons of Apollo es el ejemplo de la excelencia.

PERSEFONE
Los andorranos Persefone son ya todo un nombre y una institución por derecho propio en el Prog Metal. Ya lo dejaron claro con el impresionante “Spiritual Migration”, un disco donde combinan el Prog y el Metal de una forma elegante y poderosa pero sin llegar a la brutalidad de otras bandas del género.
“Aathma” es su quinto disco y desde luego los consolida en la escena de forma definitiva. Un pequeño guiño a los elementos electrónicos sin perder un ápice de fuerza traen un disco redondo.

GAZPACHO
Gazpacho, una de las bandas más solicitadas y queridas desde que Be Prog! My Friend comenzara su andadura, llegan a esta quinta edición del festival.
La banda de Art Rock Neo Progresivo, tal y como ellos se autodefinen, es en realidad difícilmente clasificable. Comparados con Radiohead o Porcupine Tree por muchos, lo cierto es que nos flipan y su último disco “Molok” les llevó a agotar multitud de salas durante su gira presentación.

PLINI
El virtuoso guitarrista australiano Plini estará en Be Prog! My Friend 2018 tras su tour de éxito presentando “Handmade Cities”
A pesar de su juventud, Plini ya se ha posicionado como una de las figuras emergentes del progresivo. “The End of Everything” o “Sweet Nothings” son sólo otros ejemplos de las auténticas joyas que colman su discografía; siempre con una puesta en escena dinámica y fresca que encandilará a todos los asistentes al festival.
Plini comenta que «Barcelona es una de mis ciudades favoritas en todo el mundo, es un auténtico regalo ir allí, a un lugar tan magnífico, a tocar lo que seguro será una actuación épica. ¡No puedo esperar!»

ORANSSI PAZUZU
Hipnotizantes, sobrecogedores, melancólicos… así podríamos comenzar a definir a los indefinibles Oranssi Pazuzu. Escuchar ‘Värähtelijä’ es embarcarse en un escurridizo y complejo viaje sonoro a través de atmósferas densas, oscuras y aterradoras.
No, no son para todos los públicos; no es una banda apta para no iniciados… Pero ‘Värähtelijä’ fue nombrado como uno de los mejores discos de Metal de 2016 por algo. Algo difícil de explicar, desde luego, porque tienes que escucharlos para entenderlo.
Su directo en Poble Espanyol te sumergirá en un oscuro y terrorífico océano en el que, te recomendamos, te dejes llevar y disfrutes de la experiencia.
Si no conoces aún a los finlandeses Oranssi Pazuzu, Be Prog! My Friend 2018 será sin duda la mejor oportunidad para descubrirles.

A PERFECT CIRCLE
Tras muchos años de negociación A Perfect Circle serán los indiscutibles cabezas de cartel en la quinta edición de Be Prog! My Friend 2018. Para la organización es todo un honor tener a Maynard James Keenan y Billy Howerdel quienes formaron el super grupo en 1999. Singles como “Weak and Powerless”, “Passive” o su disco de 2004 ‘eMOTIVe’ pronto encumbran la formación del miembro de Tool.

BARONESS
Baroness se forman en 2003 y pronto la banda estadounidense destaca por su visión del progresivo, definido por algunos como Sludge / Stoner / Progressive, así como por el magnífico artwork de sus trabajos realizados por el mismo John Dyer Baizley.
Su disco ‘Red’ es toda una obra maestra y llegan al mainstream con el tema “Take My Bones Away” de ‘Yellow & Green’.
Su más reciente obra, ‘Purple’, es sin embargo considerada el encumbramiento de la discografía de Baroness con temas “Shock Me” o “Chlorine & Wine”, cortes llenos de fuerza y desgarradora belleza que enamoraran a todos los asistentes a Be Prog! My Friend 2018.

BURST
¡Reunión especial de Burst para Be Prog! My Friend 2018!
Queríamos tener a Burst en Be Prog!, necesitábamos verles en el Poble Espanyol. Aunque la banda se disolvió en 2009, tras la obra maestra “Lazarus Bird”, a nosotros no nos importaba. Burst unirán fuerzas y nos volverán locos con su show.
A pesar de su corta vida como banda, tienen una de las discografías más queridas y respetadas por el público. ‘Origo’ es simplemente magnífico ¿Has escuchado “Where the Wave Broke”? Pues amarás a Burst.
La banda sueca es el anuncio perfecto para completar el cartel de 2018.

STEVE HACKETT
En 2018 Steve Hackett volverá a tocar sus temas de Genesis en Be Prog! My Friend 2018, incluyendo muchos de los hits de “Wind and Wuthering” así como grandes temas como “The Musical Box” entre muchos otros.
Hackett ha editado más de 30 discos en solitario además de los 7 de Genesis; productivo y de enorme calidad, ¡Hackett es un músico imprescindible! Le acompañan Roger King (teclados), Gary O’Toole (batería y percusión), Rob Townsend (saxo y flauta), Nick Beggs (bajo) y Nad Sylvan a las voces.

HORARIOS
Viernes 29 de Junio
Apertura de puertas: 16:30h.
Persefone 17:15h.
Baroness 18:30h.
Pain of Salvation 20:10h.
A Perfect Circle 22:35h.
Oranssi Pazuzu 00:50h.

Sábado 30 de Junio
Apertura de puertas: 16:30h.
Plini 17:15h.
Gazpacho 18:30h.
Sons Of Apollo 20:20h.
Steve Hackett 22:20h.
Burst 00:50h.

PRECIOS
Abono días 29 y 30 de Junio ► 130 €
Día 29 de Junio ► 85 €
Día 30 de Junio ► 75 €
Taquilla abono días 29 y 30 de Junio ► 140€
https://ticketmadness.es/22-be-prog-my-friend-2018

VENTA ENTRADAS DE TACO
Barcelona ► Revolver
Madrid ► Escridiscos
Bilbao ► Power Records
Murcia ►Discos Tráfico
Sevilla ► Record

El festival barcelonés ( y cada año más y más internacional a lo que público se refiere ) acaba de confirmar al cabeza de cartel de la edición 2018. Tras muchas cábalas, diles y diretes, las sospechas han sido ciertas y la banda de Billy Howerdel y el líder de Tool, Maynard James Keenan, A PERFECT CIRCLE serán el plato fuerte de la edición del año próximo.

Pero no queda ahí, la cosa, no. También los finlandeses post-black-metaleros ORANSSI PAZUZU a quienes pudimos ver hace escasos meses en nuestro país, se unen al cartel, así como lo suecos KATATONIA quienes repiten esta vez con un set especial recordando en directo e íntegramente su aclamado álbum «The Great Cold Distance».

Sábado, 17.06.2017
Un día soleado nos espera en esta segunda jornada en la que no nos hemos recuperado del maratón del primer día.

Monolithe es otra recomendación de esas que no decepcionan. Funeral Doom opresivo y elegante a primera hora de la mañana, con una puesta en escena cuidada en la que sus tres guitarras y bajista empiezan dando la espalda al público hasta que se desatan unas primeras notas con reminiscencias al sonido de los primigenios Paradise Lost en una versión actualizada. Pesada y de cadencia lenta resulta la introducción a la espera de que aparezca Richard Loudin, su vocalista, que con los brazos abiertos y un gruñido desata los primeros aplausos y puños en alto de una concurrencia ya respetable. La banda ha logrado pulir con los años un sonido imponente, contundente y con atmósferas capaces de hipnotizar tus sentidos y eso es lo que pudimos sentir en su breve concierto.

Gautier Serré es el nombre detrás del proyecto Igorrr, innovador en su fusión de estilos tan distintos como el Break Beat, el Barroco, el Death Metal y el canto lírico operístico. Se trata de una fusión entre Wife, Shpongle y Diamanda Galas o como él mismo lo define “la forma musical en total libertad”. Imponente y brutal sonido de los samples y un batería exigido al máximo entre cambios de ritmos y blast beats complementan el show dramático – teatral que llevan sus dos vocalistas, ella elegante enfundada en un vestido corto de látex negro; en cambio el hombre del pantano, una versión de Mel Gibson en Braveheart, llevaba hasta su micro a juego con unas rastas prominentes. Y como es de esperar, el protagonismo se lo lleva Gautier con un solo de samples con los ojos vendados que es lo más parecido a asistir a una batalla de armas futuristas y efectos especiales. Una brutal puesta en escena, desbordantes cambios y giros en una fusión de géneros difícil de describir que rompe con todo. Si buscas nuevas emociones o romper límites ésta es la mejor opción.

Nails son una apisonadora sobre el escenario, sin concesiones, un torbellino de ira desatada dispuesto a llevarse todo por delante. Fieles a su propuesta no podíamos esperar menos de los californianos con un Todd Jones pletórico y con apariencia de galán de película juvenil, con chaqueta de piel incluida. Todd desprendía ira por sus poros en cada gesto y frase que ejecutaba mientras tocaba los acordes de su guitarra. La corta duración de sus temas de Hardcore extremo logran un set list cargado de temas y muestra de lo que digo es “You will never be one of us”, “Made To Make You Fall” o “Savage Intolerance”, cortes de su último trabajo. John Gianelli también acompaña de forma brutal el show rasgando las cuerdas de su bajo con furia y vehemencia y las pulsaciones las lleva Taylor Young con precisión y rapidez llegando a someter sus brazos a giros y cambios de velocidad sorprendentes. Se metieron a todo el mundo en el bolsillo.

Los Folk / Viking Ereb Altor es otra de esas recomendaciones que no te puedes perder por nada del mundo. Aunque temprano, aquí estamos, ante una gran descarga. Con un sorprendente juego de voces entre Mats y Ragnar, los dos guitarras de la banda, llevan el Folk a un terreno épico diferente, los tambores afinados en notas bajas hacen que suenen a tambores de guerra, imponentes en los golpes de Tord. Logran una gran acogida y presencia de seguidores y la satisfacción de los que asistimos a su concierto es difícil de ocultar. Espero volver a verlos pronto con más conocimiento de su carrera.

Con D.R.I. llega la hora de revivir una de las gloriosas bandas de los ochenta. Arriesgados en su tiempo al fusionar Thrash, Punk y Hardcore resultan la razón ideal para la creación del mosh. Nunca gozaron de una multitud de seguidores pero es verdad también que sirvieron como inspiración a una gran cantidad de bandas que vendrían luego. Su música suena fresca y orgánica 30 años después, está claro que eso da fe de su autenticidad. La voz de Kurt Brecht se mantiene intacta y el sonido de las guitarras de Spike Cassiddy se puede reconocer sin necesidad de ser un erudito. En la Warzone no cabía más gente, mientras que en la parte frontal del escenario se levantaba el polvo por un circle pit constante. Es verdad que los años no pasan en vano y la movilidad de los músicos no es la misma de sus inicios, pero se agradece la actitud. Hasta Spike se anima para presentar “Acid Rain”, todo un clásico junto a “Who Am I?” con la que iniciaron el show. Tras “Acid Rain” nos presentaron temas de su aclamado “Thrash Zone” para retornar en el tiempo con “Manifest Destiny” a 1988 y “4 Of A Kind”. Para el final se guardaron el tema que causó revuelo en su época, “The Five Year Plan” incluido en el disco de culto “Crossover” y que luego daría nombre a toda esa forma de ejecutar la fusión de géneros. Este tema y “I Wind You Lose” cerraron una tarde gloriosa de calor y polvareda.

Bajo un sol imponente el público abarrota el recinto para presenciar el show de una de las glorias de la NWOBHM y que con dignidad han sabido sobrevivir y lograr un gran legado, Saxon. Abren con “Battering Ram” de su último disco y a partir de ahí un greatest hits con “Motorcicle Man”, “Power And The Glory”, “Heavy Metal Thunder” o “747 (Stranger In The Night)”. Dentro de este primer bloque de temas han sabido incluir temas de sus nuevos trabajos con gran acierto como “Sacrifice”. Biff Byford ha sabido mantener su estilo con el paso de los años y la banda es una garantía sobre las tablas. Con una excelente descarga de Heavy Metal añejo la parte final se antoja apoteósica con la monumental “Crusader”, Wheels Of Steel”, “Denim and Leather” y el broche final para un gran show, “Princess of the night”, con el público en pie coreando al unísono “Crusader” mientras Biff Byford ofrecía el micro al público para que nos hiciéramos escuchar. Si estos cuatro temas finales Byford los anuncia mirando su reloj (haciendo gala de la puntualidad inglesa) sabe que el discurso tiene que ser rápido y corto. También decir que me queda la curiosidad de saber cómo suenan el cover de Christopher Cross “Ride Like The Wind” y “Broken Heroes” en directo. Un show inmenso que finalizó con la venia de la banda en medio del escenario.

En 2017 se cumplen 20 del lanzamiento de “Entropia” con el que Pain of Salvation dejaban con la boca abierta al mundo a través de su tema “I (Foreword)”. El show en Hellfest se inicia con “Full Throttle Tribe” y le siguen “Reason” y “Meaningless”. El juego de silencios intrincados, que son una buena marca de la propuesta de Pain Of Salvation, mezclado con partes emotivas, oscuras y la voz de Daniel logran el cóctel perfecto. Luego de presentar temas de su nuevo disco queda tiempo para que suene “Linoleum”, incluido en “Road Salt One”, mientras que la gloria llega con temas de “Remedy Lane”, como “A Trace Of Blood”, “Rope Ends”, “Chain Sling”, “Second Love” o “Beyond The Pale”. Esto no desluce el espectáculo ni la admiración por la banda y el público está entregado y la mejor forma de agradecerlo es dejar caer “Ashes”, uno de sus grandes temas, ya ineludible en sus repertorios. Las emociones desbordan mi mente con este tema y es coreado por todos los presentes. Nos queda tiempo para que borden el concierto con “On a tuesday”, tema que abre su nuevo trabajo y que pone a dar botes tanto a la banda como a los asistentes. Un final por todo lo alto, pocas veces superable.

Wardruna representan el misticismo ancestral escandinavo, o Folk simplemente; otra manera de sentir el apego a la Madre Tierra. Las túnicas negras de los músicos resultan más que adecuadas para lograr engrandecer la atmósfera y las expectativas son satisfechas con creces. Música ceremonial con una carga emotiva incontenible, el entorno y la iluminación logran la atmósfera que acompañará el concierto. Una experiencia extrasensorial única que invade y posee tu mente y que resulta difícil de describir. El minimalismo está presente en esta propuesta y el juego de sombras y antorchas nos deja encerrados en un mantra anterior a una guerra provocado por tambores, un violín y voces como las de Lindy Fay Hella. Lo suyo resulta un viaje en el tiempo a cuando los vikingos poblaban los bosques. Algo irrepetible, impensable, único, orgánico y purificador.

Mikael Akerfeld es un músico innovador donde los haya y su carrera con Opeth así lo atestigua. El recital se inicia con “Sorceress”, con ese ritmo pesado y asfixiante. Sin duda, a lo largo de los años han logrado afinar mejor un set list de una hora de duración y hoy resultó muy intenso. El segundo tema es un clásico desde Ghot Reveries, “Ghost of Perdidtion”, con los asistentes coreando el tema de principio a fin. Mikael pidió luces para Martin Mendez y llegó “Cups Of Eternity” y que no deja de ser una muestra de su musculo creativo y que enlazaron con “Heir Apparent”. El concierto lograba un equilibrio de su discografía y los discursos de Akerfeldt, “Era” y “Deliverance” terminaron por completar un show corto, compensado y en el que la banda mostró su evolución musical y su legado.

Si por la tarde pudimos ver a D.R.I., por la noche nos esperaban Suicidal Tendencies, con Mike Muir como único miembro original tras la pérdida de su bajista, Tim Williams, en 2014. La inclusión del gran Dave Lombardo en la batería era una de las atracciones de este Hellfest 2017. Nuevamente la War Zone a reventar a sabiendas que un show de los Suicidal es garantía de diversión. Un lánguido personaje con un pañuelo en la cara es el preámbulo y enseguida suena “You Can’t Bring Me Down”. La actitud de Mike es inmejorable, como siempre, y pese a su edad y su peso no para de saltar, correr y agitar los brazos. El repaso a su discografía recuerda “I Shot The Devil”, “Freedumb” o “War inside my head”. Pese a la hora y el cansancio del personal, el público no se rinde y sigue eufórico con “Possessed to Skaet” o “Trip at the Brain”. Como de costumbre, el escenario se llenó de público para “Pledge your allegiance”, al final del concierto.

Texto: Juan Espinoza
Fotos: Elena Marco, salvo indicado

Galería de fotos:

Pain of Salvation pasa por ser una de las bandas esenciales del nuevo Metal Progresivo pese a llevar ya más de treinta años de carrera y más de veinte desde su debut. Resulta fácil charlar con Daniel Gildenlöw y aunque no soltó prenda de la salida de Ragnar y la entrada de Hellgren sí que nos ofreció una extensa entrevista muy introspectiva y cargada de momentos personales que no tienen desperdicio.
Por Xell

EMPIRE MAGAZINE (EM): Hola, Daniel. ¿Cómo está yendo el tour de momento?
Daniel Gildenlow (DG): Genial. Hemos recibido un montón de feedback, todo positivo, los temas nuevos están funcionando muy bien en directo y el público está muy contento con ellos.

EM: He mirado un poco el setlist por encima y veo que tocáis bastante de vuestro nuevo álbum ¿No os habéis encontrado con los típicos fans pidiéndoos material viejo?
DG: (risas) No, parece que están todos encantados con el nuevo material. Siempre hay alguno que quiere otro tema aquí o allá, pero por lo general lo que todo el mundo pide es “Beyond the Pale” y “Ashes” y ambas están en el set.

EM: Han pasado unos tres meses desde que publicasteis “In the Passing Day of Light” y si no me equivoco está todo yendo rodado, ¿no?
DG: ¡Sí! Tanto prensa como fans están encantados.

EM: ¿Ha resultado ser todo lo que esperabas que fuera?
DG: Siempre intento no esperar nada cuando publicamos un álbum (risas). Solía hacer eso y, sabes, es muy difícil saber qué va a querer la gente y contentarlos.

EM: No, no lo que esperaba tu público si no lo que tú esperabas. Es decir, quiero esto y lo he conseguido…
DG: Oh, bueno, sí. La verdad es que con ninguno de los discos que he grabado con Pain of Salvation he resultado estar al 100% satisfecho. Pero también creo que es algo bastante común cuando eres músico y es una de las principales motivaciones para continuar creando, haciendo algo nuevo.

EM: Como un reto.
DG: Sí. Es una manera de forzarte a seguir mejorando, aunque es una manera algo dura de hacerlo (risas). De todas maneras creo que lo de estar satisfecho no es lo mío.

EM: No está en tus propósitos.

DG: Oh, sí lo está. Simplemente soy terriblemente malo en ello (risas).

EM: Con este álbum parece ser que has vuelto de nuevo al “Metal”. ¿Tuviste demasiado viaje a los 70 de la mano de los “Road Salt”?
DG: Eh… últimamente todo el mundo habla como que los “Road Salt” fueron una especie de bluesi discos y… no sé, coges cualquiera de los discos de Hard Rock de los 70 y es bastante patético en comparación con el material más duro que hemos hecho en los “Road Salt” (risas). Simplemente los tiempos cambian y ves las cosas con distinta perspectiva dependiendo de en qué tiempo te encuentras. Para mí, ambos discos fueron una manera de volver a mis raíces dentro del Metal pero, como digo, los tiempos cambian y vuestras raíces no son las mismas que las mías.

EM: Claro, de ahí que dijera “Metal”, entre comillas (risas)
DG: Exacto. No sé, para mí fue… a ver, había perdido la banda que creía mi familia y era muy importante para mí llevar esta nueva formación hacia otros caminos. Porque es como tener una relación muy duradera y de golpe romper. Y no porque ya no os queráis el uno al otro, sino por razones meramente logísticas. Y así, de sopetón ¡tienes una nueva esposa! (risas) Y puede que no te interese ir a ese restaurante favorito que tenías con tu antigua esposa con tu nueva pareja quieres probar nuevas cosas y tomarte un tiempo de todo aquello que te recuerda lo que una vez fue. Así que creo que esta era la razón con más peso para tomar la dirección que tomé entonces.

EM: Entiendo, pero para el “Road Salt” aún estaban Fredrik y Hallgren.
DG: Sí, pero ya solo cambiar de batería fue un gran paso. Un cambio de proporciones bíblicas. Cuando Johan se unió a la banda él tenía 14 años y yo 16. Es decir, estuvimos muchísimo tiempo juntos y teníamos una relación, una dinámica, muy especial. Me explico. Yo tengo una manera muy peculiar de tocar la batería y él era completamente distinto a mí. Así que los primeros trabajos de Pain of Salvation eran una manera muy extraña de combinar nuestra manera de tocar la batería. Y eso creó un ambiente en concreto para la banda. Yo haría un montón de cosas extrañas mientras escribo y él básicamente me diría que eso era imposible de tocar e intentaría, de una manera muy estratégica, adaptarlo a su manera de tocar pero conservando mi esencia. Sentí que esa relación tan especial era imposible de replicar.

EM: Entonces, ¿los “Road Salt” fueron tu manera de superar esa ruptura?
DG: Sí, algo así. Además, la música que hacemos en “Road Salt”, daba pie a improvisar y la forma que tiene Leo de tocar la batería es mucho más abierta y no íbamos a intentar Johanizarle (risas).

EM: Ha pasado ya algún tiempo de toda esa ruptura… ¿Cómo estás con la nueva formación? ¿Quieres seguir casado con ellos? (risas)
DG: Sí, eso creo (risas) El asunto es que con cada formación que hemos tenido es lo que he pensado. La diferencia es que con las formaciones pre-“Road Salt”, cuando alguno de los miembros tenía hijos o se casaba, cambiaba la perspectiva de ver la banda. La formación que tenemos ahora está hecha de personas más como yo, que saben seguro que esto es lo que quieren hacer y aquí es donde quieren estar. Cuando algún miembro dejaba la banda porque quería centrarse en la familia y dejar a un lado la música, es porque ellos podían hacerlo. Yo soy incapaz de parar tan siquiera por un tiempo. Podría ser capaz de dejar la banda, pero la música seguiría dentro de mí y seguramente estaría incluso más ausente y estaría frustrado continuamente. Entiendo por qué lo hicieron y les apoyo totalmente, simplemente no me puedo ver reflejado en sus acciones. Por ejemplo, Johan vendió todos sus instrumentos salvo un set de batería y estuvo como unos 10 años sin tocar. Para mí era como “wow, ¿cómo eres capaz de hacer algo así?” (risas) Siempre fue así, los dos tan diferentes y a la vez tan fascinados por cómo era el otro.

EM: Entiendo. Entonces, siendo tan apasionado de la música, ¿cómo lo haces para mantener un buen equilibrio entre la música y tu familia?
DG: Recuerdo el primer tour que hice, no teníamos aun hijos pero tomamos la decisión de que nos íbamos a llamar cada día. Al final, eso estaba causando más problemas que beneficios estaba aportando porque la vida de gira es impredecible. He intentado explicar esto a personas que nunca han estado de gira y es que es esa extraña combinación de tener un montón de tiempo para no hacer nada y de no tener tiempo para hacer nada. Es como que tienes 10 minutos aquí, 20 minutos allí… pero no tienes tiempo para hacer algo y estar realmente concentrado en ello. Supongo que dependerá de cómo es cada uno mentalmente, yo personalmente no puedo estar un tiempo para ser yo mismo y dejar de lado el horario que tenga estipulado para la gira. Así que en vez de prometernos llamarnos cada día y fallar en ello ahora nos escribimos mucho más e incluso intentamos hacer algún cara a cara con los niños pero, básicamente, hemos aceptado que estar de gira significa que son tiempos difíciles y poco placenteros para la relación (risas). Así que simplemente tenemos que pasar por ello y llegar hasta el final. La gente piensa que ahora es más fácil, con todo lo que han avanzado las tecnologías, pero no, es incluso más difícil. Cualquier día recibes un mensaje de tu hijo de 7 años, que está triste y te echa de menos. Él te lo ha mandado justo antes de irse a dormir y tú llegas a leerlo a las tres de la mañana, cuando por fin ya has acabado de recoger y tienes tiempo de coger tu teléfono. Pero a las 3 de la mañana ya no puedo hacer nada, no puedo contestarle y sé que mi hijo se ha ido triste a dormir. Así que digamos que cada dos o tres días, mi corazón se rompe en mil pedazos. Por ejemplo, cuando estuvimos de gira en Estados Unidos íbamos a coger un viaje en un crucero y nos encontramos con una familia mexicana. Había un niño corriendo por ahí y se cayó. La simple escena de ver al niño llorando y su padre consolándolo me puso triste.

EM: En plan, “no es mi hijo pero necesito abrazarle y consolarle”, ¿no?
DG: ¡Exacto! Así que sí, es realmente duro, pero es el precio que hay que pagar por esta vida.

EM: Volviendo al tema de tu último disco, entiendo que la temática refleja lo que pasaste con tu enfermedad.
DG: Algo así, sí.

EM: ¿Cómo ha afectado, si es que lo ha hecho, a tu forma de escribir y componer la música?
DG: Uhm… no lo creo. Es decir, la dirección del álbum es algo que teníamos ya decidido incluso antes de acabar en el hospital. Ir en una dirección más pesada de nuevo, era algo que estaba predestinado que pasara para la banda. Y fue retrasado por mucho tiempo por diversos factores. Primero porque “Road Salt” necesitó dos discos y no estaba planeado que pasara así. Luego hicimos el disco acústico, el cual no estaba planeado y acabó en un tour del mismo álbum que por supuesto tampoco estaba planeado. El tiempo pasó y yo acabé en el hospital. Y, bueno, fue muchísimo tiempo. Probablemente lo que puedas ver en el disco de los cuatro meses que pasé en el hospital fue, que siendo la persona tozuda que soy, después de haber pasado ese tiempo en el hospital necesitaba recuperarme y necesitaba hacerlo con una venganza. No voy a ir simplemente a rehabilitación y ponerme bien en un año, que es lo que ellos esperaban que pasara. Me dijeron “necesitas un año de rehabilitación antes de que tu cuerpo pueda volver a cualquier tipo de normalidad”. Volví al ruedo en tan solo un mes. Estaban todos los festivales de verano programados y, en especial el Sweden Rock, y me dije a mí mismo “voy a estar encima de ese escenario”. Creo que no he estado tan nervioso por un concierto desde que tenía 15 años. Minutos antes de entrar a escena no sabía ni como mi cuerpo o mi voz iban a aguantar el concierto. Para mí era como empezar una actuación con un cuerpo completamente nuevo y no sabía qué iba a pasar encima del escenario. Y todo fue genial. Luego estuve agonizando de dolor, claro. Pero era ese dolor en el que no se te ha roto nada, si no causado por usar el cuerpo de una manera en la que no lo habías hecho en muchos meses. Pero no solo me conformé con eso si no que empecé a correr, capoeira, parkour… Así es como soy. Si hay que recuperarse de algo, hazlo con una venganza. Y eso probablemente está presente en la música. Es decir, en las letras es muy obvio que está presente.

EM: Líricamente es bastante similar a lo que pasó con “Remedy Lane” ¿no?
DG: Sí, exactamente. Es básicamente una continuación de “Remedy Lane”. Por un tiempo estuvimos pensando en llamarle “Remedy Lane pt2”.

EM: Eso hubiera estado gracioso teniendo un disco como el “The Perfect Element pt.1” que no va a llegar a tener una segunda parte.
DG: “Scarsick” es la segunda parte, solo que no lo dijimos nunca (risas). Si miras bien en el libreto está escrito “The Perfect Element pt.2”. Está bastante escondido, pero ahí está.

EM: Lo buscaré al llegar a casa ¡nunca me di cuenta!
DG: Muy poca gente lo ha hecho (risas).

EM: Habéis sacado un vídeo increíble a la par que bastante turbio para el tema de “Meaningless” y hay algo que no acabo de entender. Al final del vídeo, se ve como dos mujeres están sonriendo…
DG: Sí, bueno, es la mujer que hemos visto minutos antes manteniendo relaciones sexuales con un cadáver (risas).

EM: Sí, pero hay otra, en primera fila, que también sonríe y sus motivos se me escapan. Quizás es cosa mía que me he fijado demasiado en pequeños detalles. Pero no sé, no entiendo por qué está sonriendo en medio del funeral.
DG: ¡Porque tienen secretos! Creo que ese era el objetivo del guión, yo no lo escribí pero me hubiera parecido muy gracioso si el cura al final también hubiese estado sonriendo, pero creo que les pareció demasiado (risas).

EM: Entonces, ¿no estuviste involucrado en la creación del vídeo?
DG: Bueno, estuvimos poniendo y quitando algunas ideas, aquí y allá, pero en general todo lo que pasa fue idea suya.

EM: ¿Cómo te sentiste filmando esa escena? La de la autopsia no convencional. Tuvo que ser bastante raro.
DG: Sí, me sentí muy raro y no solo por lo evidente. Estuve tumbado en esa camilla durante seis horas, sin parar. Y la mayor parte del tiempo tuve una sábana encima y el tiempo que no la tenía, estaba con los ojos cerrados. Y me parecía extraño saber lo que iba a pasar pero no poder verlo. Además, me preguntaron si quería tener algo suave y blandito debajo y les dije que daba igual, iluso de mí que no sabía que iba a estar ahí encima seis horas (risas). Los chicos del estudio hicieron un gran trabajo con las luces y, bueno, tenían que mover la camilla en línea recta mientras yo estaba ahí encima, con la sábana por encima. Y sentía que me estaban moviendo de un lado para otro y que estaban teniendo problemas al mover la camilla porque inevitablemente se iba para un lado u otro. Vaya, que no sé cuántas veces tuvimos que rehacer esa escena en la que la mujer rubia me sacaba con la camilla. Porque si la camilla se iba tan siquiera unos centímetros hacia un lado, las luces iban a caer por el lado equivocado y había que empezar desde cero. Y ahí estaba yo, tumbado, sin ver nada y cada vez que oía “toma tal, acción” tenía que estar bien quieto y aguantarme la respiración. Pero cuando llegamos a la parte sexual fue incluso más raro estar ahí quieto, sin hacer nada. Cuando estuve haciendo el vídeo de “Where it Hurts”, donde también hay escenas donde pretendo estar teniendo sexo, también me sentía raro, pero decidimos tomarnos unas cervezas antes y hacer de ello algo divertido. Para este vídeo yo solo tenía que estarme quieto, pero eso es incluso peor, la sensación de tener alguien ahí encima que está aparentando tener sexo contigo y tú solo estás ahí, inmóvil. Así que… fue una experiencia singular.

EM: Regresando atrás en la historia de la banda hace 20 años de la publicación de tu álbum debut “Entropia” ¿Cómo te sientes sobre ello?
DG: Es… ¿Cómo es eso posible? 20 años… No parecen 20 años, eso seguro. Ni siquiera lo había pensado… quizás si hubiera caído en ello antes a lo mejor hubiésemos hecho algo especial, una celebración, no sé (risas). ¡Ni siquiera estamos tocando nada del disco en la gira!

EM: Tiene lógica que hubieseis incluido algún tema. Es decir, son 15 años del “Remedy Lane” y tocáis un buen puñado de temas de ese disco. Supongo que es bastante difícil hacer un set que complazca a todo el mundo.
DG: Esa es la peor parte. A cada disco que sacamos, más difícil es apañar un buen setlist. Y no solo eso. Cuando solo tenías un disco, sabías que la gente que estaba allí era porque les gustaba el disco, si no les gustase el disco no serían tus fans. Pero a cada álbum que sacas, más gente decepcionas y más difícil se hace elegir qué tocar. Incluso volviendo la vista atrás a cuando sacamos el “Remedy Lane” y el “The Perfect Element”, que ahora son considerados como el santo grial de nuestra discografía, hubo gente a la que no le gustó porque no eran como “Entropia”. Y cada país es un mundo. Ahora que estoy haciendo muchas entrevistas, en Suecia suelen decirme “el nuevo disco es genial, aunque no tan bueno como “Road Salt””, pero luego en el resto de Europa puede ser completamente al revés (risas).

EM: Para ir cerrando la entrevista, siempre me gusta saber cuál ha sido el último trabajo musical que te ha impactado o que más has disfrutado. Si no recuerdo mal, me pareció entender en una reciente entrevista que no te gusta prácticamente nada nuevo.
DG: Sí, es cierto, no consigo encontrar nada que realmente me mueva. Pero sí hay un álbum que salió el año pasado que es lo último que más he disfrutado. El último trabajo de Leonard Cohen. El técnico de sonido antes me preguntó qué queríamos que sonara en la sala de mientras y le mandé una lista que contenía un par de canciones de este álbum.

EM: Bueno, esto es todo. ¡Muchas gracias! Si quieres añadir algo más para tus fans…
DG: Estoy muy contento de volver por aquí. Lo divertido de todo es que hace 17 años, estábamos de tour con Arena y cuando hoy me he bajado del bus, he reconocido el lugar. Se supone que debíamos tocar en esta misma sala pero por aquel entonces tuve la brillante idea de ir por la calle con uno de esos patinetes, en plan mini scooter, que le tomé prestado al conductor del bus, y bueno, yo iba a realizar un espectacular giro a bastante velocidad y pararme justo en frente del bus y… me caí, rodé bastantes metros y me rompí los dedos.

EM: ¿Qué?
DG: Sí (risas). Estaba ahí tendido en el suelo e iba notando como partes de mi mano estaban tocando otras partes de mi mano que no debería ser posible tocarlas… Por aquel entonces mi hermano aún estaba en la banda y fue el primero en ver el estado de mi mano y empezó a gritar que mis dedos parecían un bosque muerto, por el color gris que tenían. Estuve todo el resto del tour con un cabestrillo y tuvimos que cancelar el concierto. No obstante, fue algo divertido de hacer (risas). Y el bus está aparcado justo en el mismo sitio. Le he preguntado al organizador del concierto si podía encontrarme algún patinete y así poder vengarme y volver a hacer el giro a toda velocidad pero sin romperme los dedos.

EM: No sé yo si es buena idea…
DG: ¿Tú crees? Sería genial mandarles una foto a los que ya no están conmigo en la banda para que vean que por fin estoy haciéndolo sin romperme los dedos (risas). El organizador me ha dicho que ya veremos, que mejor me espere a después del concierto.

PAIN OF SALVATION + PORT NOIR
08.04.2017, Sala Bikini, Barcelona
Promotor: Madness Live!

Disfrutar de un concierto en la sala Bikini ya es de por sí indicación de que va a ser un buen sábado. Pero además, si el mencionado espectáculo es una banda como Pain of Salvation, la gratificación es mayor. Y qué deciros, la noche fue de diez, de principio a fin. Uno de esos eventos en los que tanto banda como público están en perfecta sincronía y el buen sonido de la sala acompañan en todo momento. Que levante la mano el que no crea que fue así, pero yo pondría la mía en el fuego asegurando que todo el mundo salió de la sala con una satisfacción del 100%.

Antes del plato fuerte, teníamos unos entrantes también de origen sueco y que eran bastante desconocidos por nuestros lares. Port Noir son un trío formado en Estocolmo muy en la onda de bandas como Vola o Leprous (alguno en la sala se atrevió a llamarlos los leprous suecos) y pese a lo mencionado anteriormente, consiguieron adentrarse en el público barcelonés y dejar huella con su actuación. En parte, gracias a la voz de Love Andersson y sin duda gracias a la complicidad que mostraba con sus compañeros encima del escenario. No dispusieron de mucho tiempo sobre las tablas, pero supieron aprovecharlo bien interpretando un repertorio bastante variado: desde temas tan variados como “Onyx” o temas como “Neon” con una base tan setentera disco como si hubiera salido de la banda sonora de Fiebre del Sábado Noche. También hubo lugar para algo de agresividad, donde Andreas Wilberg desplegó todo su talento con las baquetas durante el tema “Tide”. Terminaron el show dando paso a Gildenlow y los suyos con el tema “Thorns”, no sin antes mencionar a un amigo que había fallecido recientemente y al que dedicaban el tema.

Tras el aperitivo, que pese a que fue de nuestro agrado lo único que hizo fue abrirnos más el apetito, llegaba el turno de que Daniel Gildenlow regresara a Barcelona por la puerta grande. Después de ese concierto de Pain of Salvation en la primera edición del Be Prog! My Friend que nos dejó a medias a casi todos, era de menester que viéramos a los suecos en todo su esplendor y con las pilas cargadas. Los chicos han vuelto con uno de los posibles discos del año y así nos lo demostraron desde el primer segundo. Tan solo escuchar el estribillo de “Full Throttle Tribe” sirvió para asentar la base de lo que iba a ser un concierto de proporciones bíblicas. Para la llegada de “Meaningless”, Barcelona entera ya estaba a los pies (desnudos, por cierto) de Gildenlow. Tan solo hubo un pequeño problema, si es que así podemos llamarle y es que pareció haber un duelo de egos entre Daniel y Ragnar durante toda la noche. Hubo miradas, gestos y quién sabe si todo el look del islandés no era una manera de mantener toda la atención del público sobre él. Aun así, la voz de Ragnar complementó a la perfección la de Daniel haciendo de los temas nuevos una delicia.

Los suecos no solo se dedicaron a presentar su último retoño In the Passing Light of Day, sino que también rememorando el que podría considerarse su hermano mayor, el Remedy Lane: “A Trace of Blood”, “Rope Ends” y sobretodo “Beyond the Pale”. A más de uno se nos cayó el alma durante ese tema y es que Daniel es capaz de poner cuerpo y alma en su interpretación. Recordaron el gran The Perfect Element pt.I con “Ashes” y sorprendentemente apenas recorrieron los Road Salt. Faltaron muchas canciones, por supuesto, pero para que nos complacieran a todos, los suecos deberían tocar unas cuatro horas. Y aunque nos hubiera encantado que Gildenlow y compañía no dejaran la Bikini, el fin estaba cerca y no había mejor manera de anunciarlo que con “The Passing Light of Day”, corte que también cierra su último álbum.

Fue, en definitiva, una noche para recordar ya que no todos los días se ven bandas como estas y menos en unas condiciones tan buenas. Como siempre que nos visita, fue un placer volver a compartir momentos con Pain of Salvation y ese viaje en montaña rusa que siempre nos hace sentir.

Texto: Mary Carmen

Fotos: Irene Serrano (www.ireneserranophotography.com ·  www.facebook.com/ireneserranophotography · instagram: @ireneserranophotography )

A continuación puedes ver toda la galería de imágenes:

Si hace unas horas Ragnar Zolberg era expulsado de Pain of Salvation de mano de Daniel Gildenlöw, es justo al día siguiente que Daniel hace un comunicado también en la misma red social, anunciando su sustituto que no es otro que Johan Hallgren, quien abandonara la banda en 2011 después de grabar Road Salt 2 para centrarse en su hija.

Comunicado de Daniel Gildenlöw:

After a few years of working together with Ragnar, I feel that we have come to a point where it is necessary to part ways. It feels very sad, because we are losing a great vocalist and stage personality in Ragnar. It felt great writing the new album together with him, and I am very thankful for that time. We all are. But with time it has become clear that his true place is not in this band. Musically, it has worked very well, but there are so many other variables that need to click in order to make a band strong and stable.

We are not going into a period of uncertainty, but one of deliberate change and strength. We have a great record label and a great management/booking company that have both told us that they understand our decision, and that they back us up and support us fully through this. All scheduled shows will happen as planned. How? Well, we are happy to announce that, starting today, Johan Hallgren will be returning to the band as a full member again, and we will go full throttle ahead through this. We are very happy about seeing him back onboard, and we are sure you will accept him back with open arms, as will we.

One thing that we are looking forward to a lot is the regained possibility to meet up and rehearse more often, which is one of the main reasons why I started playing music in the first place: to have that small and devoted tribe, standing in a sweaty rehearsing room, sharing a stupid dream. And then making it come true.

So, a new chapter in the life of Pain of Salvation, and yet not. We hurt, we heal, we rise. And we keep delivering, that is a promise. We hope for your love and support through this. We want to thank Ragnar for the good years together with us, and wish him all the luck with his future endeavours. And again, we warmly welcome Johan Hallgren back to our family!

Peace,
Daniel & Pain of Salvation

What the band members and Johan himself has to say about his return to the band:

Johan Hallgren:
“Already when I quit the band, I felt that I really wanted to come back. This feels fun as hell, and I will go into this with full force – hook, line and sinker. I have promised myself to supersede everyone’s expectations of my return. This is something I know well, and I am damn good at it. And more than that, I have really missed them all – it’s a wonderful gang!”

Gustaf Hielm:
«Although I have never truly played together with Johan Hallgren before, I know that he is a great guy, and I am really looking forward to getting to know him better and playing with him.»

Léo Margarit:
“It’s great that Johan is back – a good friend. I am certain the fans will be very happy, he was a beloved band member, and many were sad to see him go. It will be very fun to play with him again!”

Daniel D2 Karlsson:
“I am very happy to see Johan back – I actually feel quite exalted. Johan is a wonderful human being with a warm heart, and he’s got a fantastic charisma as a musician. I am convinced our fans will welcome him with a warm embrace.”

Ayer Domingo, el guitarrista y compositor Ragnar Zolberg fue despedido de Pain of Salvation tal y como explica en el duro comunicado que colgó ayer en su cuenta personal de Facebook y que os dejamos más abajo.

Entre otros muchos motivos, el guitarrista islandés explica que tal y como ha hecho Tobias Forge con Ghost, Daniel Gildenlöw se ha apoderado de la banda.

En dicho comunicado vierte duras acusaciones contra Gildenlöw, relacionadas con ridículos pagos por los servicios prestados durante todo el tiempo de grabación y posterior gira mundial, dónde llegaron a colgar el cartel de SOLD OUT.

Era obvio que la relación entre Daniel y Ragnar se había deteriorado rápidamente en los últimos meses, algo que no sorprende viendo la actitud entre ellos sobre los escenarios y fuera de ellos, donde apenas había complicidad. Cosa que ya intuimos en su última visita a Barcelona cuando durante la sesión de fotos que les hicimos, el islandés no hizo acto de presencia. Un choque de egos tan previsible que a muchos no os sorprenderá.

Comunicado Ragnar Zolberg:

I quit Pain of Salvation in 2013 after having been in the band for 1 year only. It was nothing like what I had expected and I had come to understand why some members before me had also left. At that time Roger stepped in and did the acoustic tour in which he did a very good job!
About one year later I was asked to do one more gig, prognation at sea, I agreed. When I showed up for rehearsals Daniel had been hospitalised and asked me to fill in his shoes for the show, after he got better he asked me to join the band again and write the next album with him. I love to make albums so I decided to stick around a little longer.
Recently, with our album In the Passing Light of Day the band has been doing considerably better. An album which Daniel and I wrote together during a 2 year time period and I also lent some of my previous compositions to it. With a lot of dedication, sacrifices and help from various people we managed to go from almost being dropped from the record label to selling a descent amount of albums and playing to sold out shows. Something that I am very proud of and obviously very grateful for the love shown to us by the kind people attending our shows.
I have had a great time with my friends Gustaf Hielm, Daniel Karlsson and Léo Margarit. I am going to miss hanging out with them as much, they are the biggest reason I managed to stay all this time.
As it turned out, everybody worked on the album as a team, but as soon as our album was finished last year, the band leader started acting in a very similar manner as what we have been seeing of the band Ghost recently. It was clear that this was not “our» album anymore, but his. I got payed a small amount of 1000 euros for my work for those 2 years, that did not even cover my travel expenses.
Although PoS have now been doing quite good business wise, being in this band has been bad business from the beginning and has cost way more than what I’ve had in return, both mentally and economically. Minimum wage is not to be expected when you play to sold out shows and full venues at our standards. Neither is pessimism and criticism after almost every gig.
I have spoken my mind about all of this while still doing what I could to keep a professional relation towards everything, after all it is also my music that we have been playing and I have wanted everything to go as smoothly as possible despite the unjust treatment I have faced.
Instead of making amends, offering better salary or even giving credit where it’s due I was instead asked by Daniel to leave the band yesterday.