Okkult Session 2018

Noche dedicada a explorar los sonidos más oscuros.

GODFLESH
“Post Self” es el nuevo disco de GODFLESH tras más de dos años en los que la banda ha explorado su lado “menos metal”. Influencias del post punk de los 70 y 80’s de manos de los ingleses tras “A World Lit Only by Fire”. Referencia del post y el metal industrial y ya con treinta años de historia a sus espaldas, G.C Green y Justin K. Broadrick mantienen la maquinaria intacta y recuperan su sonido más agresivo y depurado.

AMENRA
Mass VI es su nueva creación, llena de pesimismo, dolor y trágicos pasajes que te hacen cerrar los ojos. Un disco que te lleva hasta lo más profundo y oscuro de este mundo. Así son Amenra, un susurro en la noche, un grito al despertar y un sudor frío que te recorre la espalda.

DOOL
Algo se agita bajo los humos industriales de Rotterdam. Entre el maloliente tráfico, las grasientas bandejas de carne manufacturada y la incontrolable energía que fluye por toda la ciudad; del vació que surgió de la omnipresencia del materialismo y la tecnología, algo nuevo se manifiesta. Dando la espalda a esa identidad de masas de las metrópolis y al individualismo urbano, tiene lugar el inevitable nacimiento de Dool.

SINISTRO
Destilan espíritu, elegancia, pureza y crudeza en su sonido. Los grandes miedos existenciales encuentran su lugar en Sangue Cássia. “Hay discos buenos, y discos grandes. El nuevo de SINISTRO pertenece a la segunda categoría” comentan desde Decibel Magazine. Un viaje entre los sentimientos, un alma que visita paisajes de oscuridad y luz. Así lo define su vocalista.

LOUISE LEMÓN
Una voz que oscila en el vacío; notas que suben y bajan marcando el ritmo de la música. La belleza que transmite la música de LOUISE LEMÓN se materializa en su omnipresente y magnífica voz. “Appalacherna” o “Egyptian Darkness” son reflejo de la sinuosa cadencia que define a Louise Lemón.

Sábado 29 de Septiembre, 16:00 hrs.
Sala Mon (Madrid)
Anticipada: 25€ oferta lanzamiento

Venta de Entradas:  TicketMADNESS.es, Escridiscos, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es y en el teléfono 902 150 025

La Bestia de Gevaudan es una banda chilena que tiene sus orígenes a mediados del 2010, inicialmente como un proyecto solista de Diego Yañez Aguilera, quien durante ese año lanza el split LBDG/JOV que integra canciones de su banda anterior (JohnsonOverdrive) y otras del nuevo proyecto.
El 2012 una vez asimiladas las herramientas técnicas de composición y grabación, comienza la producción del disco «Traidor», que fue compuesto y grabado por Yañez con la invaluable colaboración de Eugene S. Robinson (Oxbow) en la canción «The March of Beware».

Ya producido el disco se une al proyecto el baterista Alonso Bustamante, quien le da una interpretación propia a cada canción impregnando una nueva dinámica en lo que de ahí en adelante funcionaría como un dúo, con esta formación lanzan el Ep “Haller” (2013) y el Lp “Feral” (2015). A comienzos del 2016 se unen al proyecto Eduardo Román en el Bajo y Camilo Lincolao en visuales, quien luego asumiría funciones como ruidista y voz de apoyo en el escenario; Durante este mismo año se graba el concierto de “En Vivo en Sala Master” el cual ve la luz como audio y video el primer semestre del 2017.

Las influencias de la Bestia de Gevaudan son variadas respecto a estilo pero pueden compartir un fondo común: La transmisión de energía a través de la música. Es por esto que es innegable la relación del proyecto con bandas como Neurosis, Godflesh, This Will Destroy You, Envy o incluso Explosions in the Sky en sus momentos de mayor catarsis instrumental. Actualmente la banda se encuentra en etapa de producción de su nuevo Lp que cuenta con la colaboración de Mike Armine (Rosetta) y otros invitados. Éste último espera estrenarse a principios del 2018.

Video

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BÖIRA
«SI DE LA RUNA NAIXÉS
AUTOEDITADO (2015)
Escucha/compra el disco aquí

Golpe a golpe

Llevaban los catalanes Böira entrando y saliendo de la madriguera estanca de grabación ya cosa de tres cuartos de año, sacando adelante -golpe a golpe, verso a verso-, su primer larga duración que aglutine esta primerísima etapa de su sonido, también casi recién nacido, con dos años escasos de vida a las espaldas y unos cuantos bolos que nunca dejan indiferente por cuanto tienen de matemática salvaje y anárquica.

La boira (voz catalana que significa «niebla») define acertadamente el conjunto de ideas que confluyen en la propuesta musical del grupo, que baña abundantemente de ruido melódico y lineal sus composiciones que se abren paso, inevitablemente, por cada recoveco. Böira, por momentos, no solo deja su impronta en la mente del que escucha; se desplaza con frecuencia hasta las tripas y se agarra fuerte. Podría decirse que se mueven en los terrenos compositivos que ocupan bandas como Maybeshewill o Explosions in the sky.

Grabado en Bloq Estudi (Barcelona) y masterizado en Audiosiege (Portland), el sonido de Böira ya lo desgranamos en el artículo que dedicamos a aquel bolo catártico en Razz3, que se resume en un torrente melódico cimentado riffs y frases de ruido puro, sin abundar en grandes armonías, con la presencia constante del teclado como argamasa unificante y el uso del contraste expresivo que entrega el paso del pianissimo al fortissimo en un par de segundos. Böira, por momentos, no solo deja su impronta en la mente del que escucha; se desplaza con frecuencia hasta las tripas y se agarra fuerte.Es una montaña rusa hecha de cierta alevosía en idas y venidas, pero su efecto se agudiza sensorialmente igual que algo nos parece mucho más ácido después de haber probado algo dulce. Ese contraste de complementarios y esa anarquía estructural son, por definición, parte de una propuesta Post-Rock que mete la cabeza tímidamente en los postulados del Math Rock de principios de los 90. La química funciona porque la fórmula es estable; las partes se equilibran correctamente y el conjunto, aun dentro de esa niebla de sonidos, se escucha limpio y perfectamente empastado.

«Si de la runa naixés» («Si del escombro naciera») lleva en su sintaxis y en su contraposición de conceptos inorgánico/orgánico la acción poética antigua de una banda de nuevo cuño que se vale de ritmos y armonías tectónicas, de apego al hogar, al bosque y a la montaña musical que han creado a base de empujones de delicadeza tonal e ímpetu; son cuarenta minutos estructurados en cinco cortes largos que se descomponen en movimientos con cierta jerarquía entre sí. Se diría que una canción es como una muñeca rusa que se monta y se desmonta dependiendo de cuánto se obstine en ir y venir en sus ideas fundamentales expresadas en el tema.

El cosmos de «Si de la runa naixés»: tema a tema.

· «El que escolten els arbres» abre el álbum como lo hacen muchos, con la declaración de intenciones de lo que está por venir, letra por letra. Así, encontramos un tema que «amanece», lírico y enigmático, y llena su vaso melódico poco a poco y en crecimiento paulatino. Amantes de las notas a contratiempo en el ritmo y del paso del tempo al medio tiempo (o al doble tiempo según marque el pulso de la batería), Böira nos mete de lleno en su pauta musical, que es la de los silencios enfrentados al ruido y los riffs cargados contra los arpegios aéreos de piano y sintetizador. Tras el paso por un primer interludio que sirve de nexo para la siguiente parte del tema, aparece el cambio de los compases cuaternarios a los de amalgama (8/4), uno de los atrevimientos compositivos de los del Baix Llobregat que forma un pie quebrado imperfecto y vivo para anticipar, más tarde (y tras una distorsión estiradísima hasta los 45 segundos), el siguiente tema.

· «Glasgow» entronca directamente con la apertura del disco en un fraseo que discurre conducido por una progresión de delicados acordes arpegiados de piano. Lo siguiente que vendrá será la entrada de la guitarra eléctrica limpia, reverberaciones largas, paso al fortissimo y un súbito protagonismo del sintetizador. Más amalgama tras el cuaternario, más batería llenísima, cuerdas muteadas y armonías celtas en un sintetizador final que recuerda a una gaita solitaria que atraviesa el bosque de ruido. Todo queda fundido en una letanía de verde y bruma para dar paso al siguiente corte.

· «Volcano» constituye un ataque constante a la nota, ahogada por un mute en la guitarra de desarrollo casi barroco que se mueve sobre los mismos cambios de compás. Paso a un interludio de voces que introducen un nuevo tema que recupera, poco más tarde, combinándose, el anterior como verso de vuelta. El tema es optimista y enérgico, y queda coronado por las mismas voces sobre un medio tiempo de riffs de guitarra de zarpazos de un oso, pesadísimos y violentos. Final abrupto.

· «Allau» está lleno de ecos y progresiones lentas de piano que forman una masa blanca gigantesca que desciende por una ladera. La batería entra a los dos minutos, llenándose de redobles que aumentan de forma física el efecto. Entra la distorsión y el tema crece y se multiplica en complejidad justo antes de escuchar la única letra cantada de todo el álbum. Es un grito agresivo que no llega al estilo del metal extremo, pero acompaña al alud que vivimos hasta llegar a una letanía de arpegio pesado que nos lleva a un refugio donde resguardarnos de la tempestad.

· «Refugi» es el punto final donde todo confluye y recupera los tonos mayores, como si nos hubiera dado la oportunidad de superar una jornada de oscuridad que deja entrever los primeros rayos de sol. Será este uno de los temas más reconocibles de Böira, que vuelve a fijar sus tópicos musicales en otro tema de casi 10 minutos. Preludio corto de guitarra que anticipa el tema y batería sincopada en subdivisión ternaria, el piano definidor y manso, ecos de calma, resonancias y vibraciones que sumen a la canción en un morendo que da paso a un a tempo fulgurante, gigantesco, violentísimo que vuelve, sin embargo, al medio tiempo y desarrolla un cambio de tema tras una distorsión larguísima mientras las frases de piano languidecen en tempo rubato. Y vienen los efectos de reverso y todo se llena de criaturas nocturnas antes de rubricar un final abierto lleno de matices.

En definitiva, no esperéis en «Si de la runa naixés» un disco variado que se embarre navegando entre varios estilos para contentar a nadie; el álbum no es para un oído que no esté habituado al Post-Rock, todo hay que decirlo. Con esto en la cabeza, la conclusión es que los del Baix Llobregat han llegado enteros al final del primer camino que se han propuesto y lo han hecho con solvencia y sensibilidad. Hay decenas de capas que destapar en cada nueva escucha y es por eso que aconsejo darle tiempo y calma; es disco de volumen alto, sofá y media luz. Hacedme caso: se agarra fuerte.

LES DISCRETS –
LIVE AT ROADBURN
Prophecy Productions

Si preguntamos a algún aficionado del estilo Shoegaze por nombres de bandas, seguramente le vengan a la cabeza las puntas del tridente francés formado por Alcest, Les Discrets o los extintos Amesoeurs; tres formaciones que -cabe decir-, comparten o han compartido la mayoría de sus miembros, y cada una de ellas contempla un acercamiento distinto a este melancólico estilo.

Hallamos con Les Discrets –el proyecto liderado por Fursy Teyssier–, la propuesta más calmada de las tres, puesto que es la que más rehuye de las extremas estructuras del Black Metal que conforman el denominado estilo Blackgaze, últimamente popularizado gracias a bandas emergentes como Deafheaven o Altar of Plagues.

“Live at Roadburn”, el álbum en directo que hoy reseñamos, probablemente sirva a la banda como epitafio de su habitual sonido, el cual se presume –según Fursy– que dará un inesperado vuelco en el ansiado nuevo trabajo que ha estado componiendo durante los últimos meses, ya sin contar con la ayuda de Winterhalter en la batería.

Fuera como fuese, los antológicos temas de sus dos anteriores larga duración le permiten conformar un conciso álbum en directo que nos transporta, a través de un caudaloso río de emociones, a uno de los escasísimos conciertos que Les Discrets (y tan discrets) han ofrecido.

Brindaron al afortunado público neerlandés de un setlist impecablemente escogido, arrancando con “Linceul d’hiver”, una melodía tan rematadamente escandinava que hiela el alma, que empalma con los –para mí incomprensibles– cantos en francés de “L’Échappée”, y traslada al oyente de golpe y porrazo a la Galia más ensoñadora. Temas más animados como “La nuit muette” generan el balance perfecto en un disco que se hace más corto de lo que ya de por sí es.

Antes del cierre del concierto, les regalaron en exclusiva a los asistentes del Roarburn, una versión de «Gas in veins”, uno de los temas más bellos de Amesoeurs, que inexplicablemente no han incluido en este disco, para finalmente concluir con los atronadores ecos de “Song for mountains”, cuya sobrecogedora atmósfera nos deja anhelando ese álbum venidero.

Meri Gaig

«L’Échappée»

SOUL ASIDE + BÖIRA
22.05.2013, SALA RAZZMATAZZ 3
Promotor: Blood Fire Death

Los estadios y el Rock, el matrimonio indisoluble y siempre bien avenido. Las luces incontables y el escenario troposférico, el montón de ceros a la derecha del aforo máximo -y vendido en media hora- y la fama, la experiencia y el grado. Todo es un mastodonte inabarcable y te sientes nimio junto a otras cincuenta mil almas saltando allí, sudando el sonido, recibiendo el rebote pectoral de cada bajo vibrante de un cono que bien podría tener el tamaño de tu tórax. Y lo pasas en grande, y no lo olvidas, imposible. El Rock, en esas dimensiones, alcanza la épica que lo eleva más allá de cualquier techo.

Luego hay matrimonios más tortuosos, como los del local pequeño y el grupo que empieza. Unas veces, son gente joven con ganas de hacer algo que perdure de algún modo. Otras tantas, simplemente, se juntan para tocar y alquilan un local para dar un bolo. Igual es un lugar de dimensiones raquíticas, mal iluminado, donde te clavan cinco euracos por una cerveza. Estas cosas pasan: la realidad del grupo local que se abre paso no tiene nada que ver con el consolidado que saca el oficio por cada poro. Aquí no hay técnico de luces y te jodes con unos LEDs rojos en contraluz perpetuo. Y el sonido tampoco es increíble pero ¡ah!… La acústica de la sala pequeña. Y esa media entrada tan cómoda y a la vez tan ambientada. Porque es un público que trae de fábrica un familiar/amigo por cada dos asistentes y esos, por supuesto, se entregan el doble y generan una suerte de efecto contagio.

A este paradigma último se ajustaron, punto por punto, y alojados la noche del 22 de mayo en la pequeña de las Razzmatazz (BCN), Soul Aside y Böira. Productos ambos de la tierra, con estilos arraigados en el Post-Rock y el Alternativo, demostraron en un bolo sin pretensiones que hay en ellos desparpajo, oficio incipiente y cosas importantes que contar. Aquello olió, una vez terminada la faena, a principio de muchas cosas buenas.

Razzmatazz 3 tiene calor de caverna británica y bajo su pentágono luminoso se han estrenado bandas de toda índole. Ese viernes era el día de presentación de «Canvas», el primer larga duración de Soul Aside, auspiciado por un mecenazgo colectivo que ha hecho posible su autoproducción. No era, no obstante, la primera gran fecha que vive la banda barcelonesa en su historia reciente, ya que han sido teloneros hace poco de God is an astronaut; aquella fue una gran noche.

Pero sigamos hablando del 22. Vino desde el Baix Llobregat a subirles el telón la banda de Post-Rock Böira, con primer disco en plena producción y nuevo batería (Llobet), previa semana infernal de ensayos para empastar su técnica al sonido del resto. Y el resultado fue, a todas luces, satisfactorio: Böira ofreció a aquella media entrada una demostración de fuerza semicontrolada, contenida en una bolsa de sonido que emerge lento hasta que revienta a borbotones de ruido melódico y lineal, sin desperdiciar armonías gratuitas ni querer demostrar que hay polifonías que aún no se han explorado. Tienen un color definitorio y se adhieren a él sin complejos, desarrollando temas dentro de un estilo reconocible que no cae, afortunadamente, en redundancias. Incorporan a este ruido personal una teclista (Clara Aguilar) que refuerza la base melódica, arpegiando cada riff de guitarra para hacerlo casi legible. Desprenden sus temas algo de Sigur Rós, de Maybeshewill o incluso, por momentos, de Lisabö.

Abrieron sobre las 9 menos cuarto con «El que escolten els arbres», un inicio poderoso donde la batería marcó la cadencia general que llevaría casi todo el concierto. La declaración de intenciones era manifiesta: taciturnos, concentrados, instrumentales casi en su totalidad, Böira enlazó cinco temas largos en los que la tónica sorpresiva era el arma oculta. Pasaban de unas progresiones de estructuras melódicas trenzadas con insistencia en ostinatos de piano, un bajo de apoyo sustancial (Marc Ríos) y dos guitarras (Guillem Alberich y Aleix Archs), a la explosión -en el cielo- precedida por una estudiadísima bajada de marea. Vino «Glasgow» y el coqueteo con los compases ternarios. Y ese subir. Y ese bajar.

Quizá sea la seña de identidad de los del Baix Llobregat el paso del piano al fortissimo pasando por la pausa dramática, porque eso ocurrió más de una vez y funciona, definitivamente. Sin renunciar a este ADN recién adquirido, vinieron los riffs gigantescos y animales, el juego en el escenario con la rabia arrugando la expresión, el pasarlo bien, el tocar porque sí. Y arrastrados por el torrente, llegaron «Volcano» y «Allau», con fraseos de cristal y recorrido lento que crecen hacia lo aturdidor y se llenan con gritos al unísono (nada extremo, la voz natural de cada uno) por parte del grupo.

Acabó la cosa muy pronto, sin embargo, con un tema de esos que tienes para cerrar las actuaciones, de los que sellan pero emplazan para fecha próxima, porque nos quedamos con ganas de más. Así entró «Refugi», con el mismo balance de contrastes, bajo definidísimo, dos guitarras entregadas al riff, un teclado donde cada acento se trabaja y las octavas justas conviven con las armonias de la distorsión y, armada bajo todo el conjunto, una batería que no halló descanso. Y vino el descenso final de ritmo y de volumen (rallentando, diminuendo) y la ola nos llevó a todos por delante con otra subida repentina. Definitivamente, por donde pisa esta gente, la hierba va a tardar en crecer. En Böira hay presente y el tiempo debería refrendarlo.

Fueron tres cuartos de hora mal contados que se quedaron escasos, pero ya se preparaba el plato fuerte de la noche y había que dejarle paso. Pausa de unos veinte minutos y Soul Aside prepara todo el set.

Para los que no conozcáis a los de Barcelona, más señas: banda declarada entre el Post-rock y el Alternativo, aunque la mezcla es más heterogénea para mis oídos. Lo que sí puedo decir es que suenan americanos y su directo entrega lo que promete: su disco reciente y su anterior EP. Sonaban igual y eso, para el que espera el desmelene del directo, puede generar algo de decepción. Lo que pasa es que Soul Aside es un grupo de segunda y tercera escucha, de los que hay que rumiar porque muchas veces, cuando te encuentras casos como este, sin un frontman especialmente llamativo en sus formas (Adam V.), con una propuesta gestual de todo el grupo que podría parecer incluso introspectiva (excepto el batería, Marc Prim, pura expresión corporal), puede dar la sensación de que falta ruido blanco, de que todo es de un gris cromático que no acaba de tocar la fibra para ser brillante. Que te pueden dejar incluso un poco frío, viniendo de donde venía la cosa. Pero nada es lo que parece.

Sí que son más mecánicos, pero también son muy técnicos. En esta banda mestiza de estilos, con miembros provinientes de Foscor, Lux Divina y Madee, se crea una música comunicativa y accesible, con amor a las armonías y a la disonancia bien entendida, voces limpias y una mezcla de arraigos que hay que saber digerir. Debe uno llegar a escuchar a esta gente haciéndose a la idea de que aquí no hay fuegos artificiales: aquí hay oficio y mimbres de acero caliente que hay que enfriar para que funcione la maquinaria que se monta. Esto no significa que su música no pueda ser sensorial o emotiva, para nada. Lo que pasa es que hay mucha carga en las letras y los momentos de despliegue de fuerza musical están escogidos para maximizar el choque. Se diría que Soul Aside navega entre dos aguas, en cierto equilibrio entre lo emotivo y lo racional.

Comenzó su noche con «Void», abriendo así la lata igual que abren su álbum. Riffs de guitarra con arpegios limpios que evolucionan hacia el acorde claro (Adam V., Gabi A. G.). Se apoya el conjunto en una batería sincopada, con un tempo moderado casi ejecutado con metrónomo, todo bajo tonos mayores para hilvanar una letra que alude al vacío y a la pérdida. Siguió adelante Soul Aside con el setlist entrelazando algún tema de su anterior EP homónimo, respetando buena parte del orden del LP, y así vinieron los bajos desgarradísimos (Edu Seoane) y la espiritualidad de «Anamnesis», el estribillo contagioso y los ecos de ruido de «White hole», la distorsión de ritmo pausado en «Vortex», la poderosa «Mourn»… Y «Microglia». Y pongo punto y seguido. Porque el tema en cuestión puede justificar la entrada por sí solo y lo colocaron, muy inteligentemente, al final de la noche, para enganchar al respetable con la guardia baja y proyectar un tema enorme que van a repetir, lo tengo clarísimo, en una gran mayoría de sus noches. Eché de menos «Garden of delights», otro tema robusto y enérgico de su EP anterior, pero no se puede tener todo, supongo.

Hubo también momentos para dirigirse al público (en esto son más comunicativos que Böira) y dedicarles tiempo a los participantes de su crowdfunding que propiciaron la producción de «Canvas». En definitiva, Soul Aside sabe lo que se hace y un bolo donde ellos participen es apuesta segura de música de calidad bien rematada, puntada a puntada. Lo que hay que tener claro también es que, igual que su sonido y sus letras acaban siendo casi universales y fácilmente abordables, el doble filo está en la parte de lo experimental o del riesgo que, siendo las cosas como son, ni está, ni se lo espera, ni tampoco creo que lo necesiten.

Recapitulando: la mezcla, si uno sabe a lo que viene, viaja a dos voltajes distintos y no acabo de tener claro, por mucho que el Post-rock sea el factor común de ambas bandas, que el público objetivo sea el mismo. En cualquier caso, con amplitud de miras y ganas de pasarlo bien, aquella fue una velada enorme y aquí hay mucha, mucha tela por cortar aún (y eso es bueno, es margen de mejora). Repetiría.

Texto y fotos: Andrés Vallejo
Vídeo: Eva Carrillo

Vídeo de aquella noche:

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GOD IS AN ASTRONAUT + SOUL ASIDE
7.5.2015 , Sala Music Hall, Barcelona
Promotor: desconocido

Nos dirigimos a la Sala Music Hall de Barcelona, donde teníamos una cita con el Post Rock de lujo de los irlandeses God Is An Astronaut, teloneados por los catalanes Soul Aside que se presentaban por primera vez en directo.

Llegamos a la céntrica sala y la entrada del Music Hall ya estaba bastante llena de gente que esperaba poder entrar y tomar posiciones. Una vez dentro y con la sala medio llena, salen a escena a las 20:30h de la tarde-noche Soul Aside presentando “Canvas”. La agrupación catalana, compuesta por miembros de Lux Divina y Foscor entre otros, nos mostraba un trabajo melódico a caballo entre el Rock alternativo de los 90 y el Post Rock actual de bandas como Porcupine Tree y Riverside.

Los casi 45 minutos de actuación que nos ofrecieron, para ser una de sus primeros directos como banda, dejaron muy buen sabor de boca a los allí presentes. Fue un buen aperitivo para lo que nos espera el próximo 22 de Mayo en Razzmatazz 3 juntos a los catalanes Böira.

Antes de comenzar a explicar lo que fue God Is An Astronaut, tuvimos la oportunidad de hablar con gente del staff que nos informó de que estuvieron 4 horas probando sonido y es que realmente el sonido en la Music Hall aquella noche fue absolutamente descomunal e increíble, como hacía mucho tiempo que no se había escuchado en ninguna sala de Barcelona: sonaba cada milimétrico detalle de cada tema. En el Post Rock, si no hay buen sonido, los diferentes instrumentos pueden pisarse y convertirse en una melodía empastada; sin embargo, todo sonaba a la perfección.

Tras la salida de Soul Aside, y con un sala llena hasta la bandera, toman posiciones los irlandeses. Muy tranquilamente, aparecen bajo unas luces muy tenues en contraluz cuando comienzan a sonar las primeras notas de piano de “Reverse World” , tema que va aumentando y creciendo por segundos. Un buen comienzo para ir calentando motores. Como ya estamos acostumbrados en el Post Rock, las explosiones melódicas en este tipo de temas evocan un dinamismo entre el público que se balancea y se agita cual liberación de masas.

El público, en una primera instancia, está embelesado, mira a cada uno de los componentes cómo ejecuta los temas con precisión. Torsten Kinsella, con la cabeza siempre baja, levantaba la mirada tan solo en los momentos en los que tenía que meter algunas voces. Me resultó un tanto extraño que, siendo el frontman de la banda, quedara tan escondido.

Sin embargo, a Jamie Dean parece sentarle muy bien esta posición porque rápidamente tomó la batuta y se hizo cargo del ritmo que adquiriría la banda en la hora y media que duraría el concierto, lanzándose, guitarra en mano, al público para tocar junto a ellos, repitiendo esta escena unas tres veces, por no hablar de las mil y una caras que nos mostraba mientras tocaba la guitarra, le daba al teclado o metía los samplers; genio y figura sin lugar a dudas.

Pasaron por temas como “Fragile”, muy especial para mí, con una sensibilidad descomunal y con una melodía que recuerda bastante a temas de los franceses Alcest como “El souvenirs d’un altre monde”, donde las voces casi angelicales de fondo y los acordes infinitos hicieron flotar a toda la sala. Tras esta descarga de sensibilidad, continúan con “Echoes”, una de las señas de identidad de la banda, por sus incesantes subidas y bajadas de ritmo, desencadenantes rasgados de guitarra y parones a melodías sutiles, una exquisitez para el oído.

Uno tras otro fueron aumentando el nivel de entusiasmo en un público que cada minuto se volcaba más y más con ellos, entusiasmo por una banda que despedía su gira aquí en Barcelona, y no era para menos, la efusividad y el dinamismo con el que nos estaban rociando era descomunal. Todo fue reciproco, parecía todo perfectamente estudiado, hubo una simbiosis entre ambas partes que fue digno de admirar desde mi posición.

Seguimos con temas como “ When Everything Dies” que nos metió en un inmenso halo de inquietud y sentimentalismo, con toques más melancólicos que fueron perfectos para cambiar la atmósfera en aquel momento, toques muy electrónicos, bases muy contundentes y guitarras que marcaban de un modo muy fuerte la melodía. Un directo que subía cada vez más de intensidad, sin lugar a dudas.

Tras temas como “The Last March” o “ From Dust to the Beyond”, donde Jamie Dean lo daba todo volcándose absolutamente con el público, pasamos a su aclamadísimo “Forever Lost”, tema insignia de GIAA, y es que con este tema es imposible que no se te erice hasta el último pelo de tu cuerpo. Ya se veía entre el público cómo la gente cerraba los ojos para recibir cada una de los miles de detalles que desprende su melodía, un tema que se introduce en lo más profundo de tu ser, las voces de Torsten y Jamie de fondo totalmente hipnotizantes te introducían en un sinfín de submundos. No podría describir las mil sensaciones que pude percibir en todo el concierto, entre entusiasmo, mariposas en el estómago, ganas de saltar y reír…

Parecía que llegaba el final cuando Jamie, haciendo gala de su sentido del humor, dijo que lo normal sería irse durante un rato mientras el público los reclamaba para un par de bises, pero no fue así, directamente él dijo que harían como que se iban pero no se iban a ir, que se darían la vuelta, que la gente les aplaudiera como si hubiesen salido del camerino ¡y todos tan contentos! Así, sin más. No pude más que reírme y, claro está, aplaudir. Y así fue, tras el aplauso y risas de los presentes finalizaron con “Agneya” y la jaleada “Suicide by Star”.

Foto de fin de gira con todos los presentes para poner punto y final a un directo lleno de dinamismo.

Y termino con una frase para describir lo que allí pasó: “Mariposas que revolotean entre las notas de un dios que vino en una nave espacial”

Texto y Fotos: Irene Serrano

God is an astronaut aquella noche (tema completo, adelanto de su nuevo álbum) en Youtube:

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RUSSIAN CIRCLES + HELMS ALEE
14 de abril de 2014. Sala Bikini, Barcelona
Promotor: To Be Confirmed

Russian Circles, uno de los powertrios de Post-rock más emblemáticos de los últimos años, decidieron arrancar una gira mundial el pasado mes de diciembre, con motivo del décimo aniversario de la banda. Así pues, la expectación era absoluta, con una notoria cola en la entrada de Bikini a veinte minutos de la apertura de puertas, máxime si consiguieron el sold-out en su anterior paso por estas tierras, en una Apolo[2] que se les quedó diminuta. Es reconfortante que cada vez más promotoras de Metal nacionales apuesten por la Sala Bikini, puesto que su capacidad es cercana a la mediana de las Razzmatazz, pero cuenta con un mejor sonido y visibilidad, al ser esta más cuadrada y con un escenario más alto.

El magnífico cartel internacional de la gira corrió a cargo del reputado estudio Barcelonés “Error! Design”, con el que ya habían trabajado con anterioridad, y en el que aparecen una preciosa pareja de halcones peregrinos posados sobre un cráneo y rodeados por una serpiente acechante. Un cartel de lujo para una ocasión de lo más significativa, impreso por serigrafía en tres pasos de forma totalmente artesanal como se muestra en este vídeo.

Helms Alee fueron los encargados de abrir la noche ante una Bikini ya atiborrada de asistentes. Con pasmosa puntualidad, saltó al escenario una formación tristemente poco habitual en el –y en su– género, formada por el guitarrista Ben Verellen (ex Harkonen), la peculiar bajista Dana James, y la siempre sonriente batería Hozoji Margullis.

Su propuesta es bastante fresca y ecléctica, muy sólida en lo instrumental, aunque no tanto en lo vocal. Mezclan un potente Sludge Metal bastante “punkarra”, con unos pasajes y texturas más propios del Post-rock, todo ello regado con las voces de su guitarrista, al que le acompañan en los coros las otras dos integrantes del grupo. En mi opinión, y con el permiso de Sigur Ros, cuando en la fórmula entra el Post-rock, calladito más bonito. No logran una perfecta harmonía vocal ni aun en sus trabajos de estudio, aunque sospecho que eso es algo totalmente intencionado.

Para el cierre de su espectáculo (de unos 50 minutos), optaron por la insustancial «Dodge the Lightning», que exaltó un poco las ansias del público por el plato fuerte de la noche. Sin duda, seguiremos de cerca la ascendente carrera de los de Seattle, con ganas de atestiguar qué nos depara en su próximo trabajo.

En menos de veinte minutos estaría listo el escenario para dar paso a Russian Circles. Parecía que hacía años desde su anterior visita, aunque no hacía ni año y medio. Supieron dejarnos con ganas de más, y aquí estaban para satisfacernos de nuevo.

Con motivo de su segundo lustro, repasaron toda su discografía, tocando dos temas de cada álbum, a excepción de “Geneva”, del cual solo tocaron su complejo tema homónimo. Supieron entrelazar los temas muy equilibradamente, rehuyendo de su habitual «fórmula ascendente», y consiguiendo encandilarnos ya desde el segundo tema, con “Carpe”, de su primer larga duración, que siempre es un auténtico volcán de emociones en directo.

Cerraron la noche con la siempre vitoreada “Death Rides a Horse” de su primer álbum, que celebramos de tal manera, que a su conclusión, toda la sala nos quedamos plantificados viendo cómo abandonaban el escenario, obviamente sin decir “ni mu”, a la espera de que reaparecieran para marcarse unos bises, aunque –muy a nuestro pesar– no cayó esa breva. Qué hora y veinte más corta… Estos bribones saben cómo hacernos repetir.

Texto y fotos: Meri Gaig

Galería Flickr del evento:

MONO + HELEN MONEY
02.05.2015, La [2] d’Apolo, Barcelona
Promotor: To Be Confirmed

20:00 de la tarde, sala Apolo [2] de Barcelona. Me dispongo a acceder a la sala y ya hay una pequeña cola que se amontona en la puerta para ver, o más bien sentir, a los japoneses en todo su esplendor. El ambiente es acogedor: la pequeña de las Apolo, a pesar de tener el escenario bajo (lo que dificulta la visibilidad desde la parte de atrás), desprendía un aire de melancolía bucólica que nos preparaba para lo que íbamos a ver poco después.

De un modo muy sigiloso, salía a escena Helen Money, un violonchelo y su sobria presencia. No conocía nada de ella y tampoco escuché nada previo al concierto; preferí sorprenderme de primera mano, y así fue. Las distorsiones largas, duras y bruscas que salían de su violonchelo te cortaban el aliento: temas largos y lentos, agonizantes y quebradizos, una joya en bruto que explosionaba con cada nota como quejidos que enmudecían la sala. Creo que no fui la única que se quedó boquiabierta con esta mujer y su destreza para crear distorsiones sobre distorsiones dentro de su inmensa pedaleara que iba superponiendo para crear su música. Si cerrabas los ojos, no parecía que estuviera sola, parecía que fuera acompañada por una enorme banda y, realmente, todos eran ella.

Helen Money, a pesar de parecer una mujer frágil y delicada, en sus escuetas interacciones con el público, sacaba pedazos de ira cuando su arco rompía las cuerdas del violonchelo. Fueron 45 minutos de agonizante melancolía que terminó con un largo aplauso y el entusiasmo de los allí presentes.

Minutos después, con algo de retraso, los Japoneses Mono comienzan a tejer con el quejido de la guitarra de Takaakira Goto “Recoil, Ignite” de «Rays Of Darkness». Poco a poco van uniéndose el resto de los componentes: Tamaki con su inmenso bajo, Yoda con la segunda guitarra y, para dar el toque final, Yasunori Takada en la batería. Como si de una tela de araña se tratase, muy lentamente, iban creando el primer tema. Casi podía escuchar cómo se les aceleraba el corazón a todos los que estaban pegados al escenario. Mientras el tema iba subiendo cada vez más, con un incansable crescendo de melodías y acordes, poco a poco se iban metiendo en el corazón de la gente. Las caras de los japoneses parecían sufrir con cada nota, lo viven tanto que es imposible no entrar en su mundo. Cuando comienza la explosión de todas esas melodías, se precipitan en tu cabeza como una cascada y desbordan millones de sentimientos, ahí es cuando te atrapan; es el primer tema y ya te tienen dentro de “su tela de araña” dentro de “su mundo” dentro de «tu mundo».

Casi sin levantar la cabeza de sus enormes y casi interminables pedaleras, con sus cabelleras negras tapando parte del rostro y con una iluminación tenue de tonos azules y violáceos, continuaron con “Unseen Harbor” del “For my Parents” como un lamento al infinito, las dos guitarras y el piano de fondo ensordecían toda la sala. Su peculiar púa-contrapúa me recordaba el sonido de una bandurria antigua, como si quisieran transportarnos a su cultura tradicional japonesa.

Tema tras tema, Mono demuestra que su técnica va de la mano no solo de horas de trabajo, sino de una gran trayectoria musical y repleta de sentimientos, porque cuando salen a escena ponen cada parte de ellos como si desprendieran pedazos de sí mismos. Casi sin levantarse de las sillas, (excepto Tamaki, la única componente femenina de la banda) como si estuvieran anclados en ellas, se mueven y se contorsionan, haciendo aún más agonizantes sus temas. Da la sensación de que lo hacen a propósito para contener toda esa ira y erupcionar como un volcán solo en pequeños momentos de la actuación, cuando Tamaki se levanta guitarra en alto para enfatizar y hacer que todos explosionemos con ellos y termina totalmente tirado en el suelo, creando distorsiones agonizantes en su pedalera.

 

Remontan con  “Where we Begin” como si quisieran darnos una subida de autoestima personal, un arcoíris en el horizonte; como si fuera un renacer en primavera comienzas por sonreír, y es que miraba al público y ¡a todos se les comenzaba a dibujar una sonrisa! Era emocionante ver que Mono hacía lo que quería con nosotros desde ahí arriba. Pero entonces, aparece Tamaki con su xilófono; ya sabemos que viene ahora, ya sabemos que es “Ashes in the Snow”, ese tema que te rompe en mil pedazos.

Empiezan otra vez a resquebrajarnos como jarrones de porcelana, nos vamos rompiendo en mil pedazos, en mil suspiros, y es que no llevaba el tema ni 30 segundos y una servidora comenzó a llorar, me temblaba la barbilla y no paraban de caerme las lágrimas: sí, señores, lloré desconsoladamente durante los 11:45 minutos que dura el tema, pero sé muy bien que no fui la única, así que eso me emociona aún más. Y no es algo que nos debiera sorprender, pero creo que estamos tan poco acostumbrados a expresarnos, a sacar nuestros sentimientos delante de la gente, que cuando viene un grupo de esta categoría y te saca toda la artillería a flor de piel así, sin más, yo, siendo sincera, me quito el sombrero, les aplaudo y no puedo más que sentirme afortunada de poder ser una privilegiada dentro su mundo. Para terminar, nos deleitaron con “Everlasting Light”, seguimos con su «Hymn to the inmortal wind», (cómo no, este discazo tenía que cerrar este encuentro), ya para rematar la faena y sacarnos de nuestro bucólico pesar.

 

Y termino resumiendo el concierto en una frase: En azul, en su tenue mundo, en su halo de luz que les cobija.

Texto y fotos: Irene Serrano

Mono aquella noche en Youtube (HD):

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