RHAPSODY OF FIRE
‘GLORY FOR SALVATION’
AFM Records

No engaño a nadie, a estas alturas, si digo que la salida de un nuevo disco de Rhapsody of Fire (o Rhapsody en cualquiera de sus versiones y formas) es, para mí, motivo de alegría.

En esta ocasión, además, estamos ante lo que debería ser la consagración de este ‘nuevo’ quinteto comandado por el ínclito Alex Staropoli y encabezado por Giacomo Voli (de ‘La Voz’ al cielo). Porque sí, es innegable que ‘The Eighth Mountain’, primer trabajo oficial (‘Legendary Years no dejaba de ser un refrito) con el vocalista de Correggio, fue sólido y agradó a los fans, pero quedó lejos de los grandes hitos de una banda que aglutina algunos de los mejores LPs y temas de la historia del heavy/power metal.

Teniendo en cuenta todo esto, la trayectoria de Staropoli, la calidad de los músicos que lo acompañan y, por qué no decirlo, el enorme peso que supone cargar el nombre de Rhapsody y la responsabilidad que ello conlleva, seguramente no sea del todo justo enfrentarse a un trabajo como ‘Glory for salvation’. Por el agravio comparativo, claro.

Pero, qué narices, el metal, la música, se basa en emociones, en sensaciones, en momentos vitales (aunque hay quien, de forma respetable, prefiere ahondar más en cuestiones técnicas) e intentando liberar mi mente de prejuicios y abandonar mi propio bagaje con la historia de los italianos, me lancé a escuchar, no con voracidad sino con cierta distancia, un trabajo que, sin duda, me ha sorprendido y gustado a partes iguales.

Cabe destacar, para más inri, que el primer single que se pudo escuchar, ‘I’ll be your hero’, me dejó frío como un témpano (y, a la postre, por suerte, ha acabado siendo el tema más plano y ‘olvidable’ del álbum).

Sin embargo, podemos decir casi con rotundidad que lo que Staropoli y los suyos nos presentan en ‘Glory for Salvation’ es un ejercicio de brillantez al alcance de unos pocos.
Rhapsody lo hace, además, de forma inteligente; adentrándose en caminos que sabe que domina, que tiene bajo control, que puede recorrer con comodidad, esto es, moviéndose entre el power metal más clásico, la épica absoluta y la narrativa lírica y teatral que envuelve un conjunto, aunque con algún altibajo, en general, fantástico.

La sensación, en definitiva, que invade mientras el disco va avanzando, es la de estar recorriendo el camino con el protagonista, con el héroe. Las letras, llenas de valentía, garra, lucha, amor, decepción y redención, ayudan obviamente a ello.

De esta forma, mientras que el inicio con «Son of vengeance» apuesta descaradamente por la épica más coreable (con ese teclado casi militar y esos coros grandilocuentes), lo sucesivo se moverá, como decía antes, entre el power metal más canónico de «The kingdom of ice» y «Glory for salvation» y temas marca de la casa, que podrían encajar en casi cualquier trabajo previo, como el tremendo «Maid of the secret sand». Claro está, con la sorpresa de «Eternal snow» / «Terial the hawk», con las que Staropoli se deja mecer por un sonido folk que dista mucho de ser definitorio del quinteto pero que, a mi juicio, encaja a la perfección en la globalidad del LP.

Ahora bien, es en la segunda mitad donde llega el do de pecho. ¡Y de qué manera! «Abyss of pain II», que recoge el guante de la intro de «The Eighth Mountain», y que se convierte en el segundo tema más largo de la banda, es el resumen, la muestra, de las raíces clásicas que siguen inundando la música de Rhapsody of Fire y del propio Staropoli como compositor. Una ópera en sí misma. Una tragedia (desde el punto de vista narrativo) que te lleva, te estremece y te deja vacío al finalizar y que pasa, directamente, a mi top de temas favoritos de la banda.

De ahí, como decía, hacia arriba. Una dosis descomunal de heavy metal -power ballad incluída, ojo- que finaliza con otro HIMNO como es -será… al tiempo- «Chains of Destiny». Vello de punta.

Querría destacar también la labor del propio Voli. En la primera escucha del trabajo tuve la sensación de que sonaba poco heavy, de que su voz estaba muy escondida, tapada por una producción que casi había decidido dejarla en segundo plano. Y… nada más lejos de la realidad. Lo que han conseguido entre Staropoli y el propio Voli es aprovechar los casi infinitos recursos del bueno de Giacomo, no solo en lo vocal sino en lo interpretativo. Y es que estamos ante un cantante que es más, mucho más, que un tipo que puede gritar muy agudo. Puede emocionar, puede guiarte por el camino que dictan la letra y el ritmo, puede transmitir pasión y violencia con una naturalidad pasmosa. La labor de Giacomo Voli en ‘Glory for Salvation’ es SUPERLATIVA y, sin atisbo de duda, es mucho más vocalista e intérprete de lo que habíamos comprobado hasta ahora. Muestra inequívoca de madurez y de conexión orgánica con la banda.

Así pues, estamos ante un trabajo que presenta muy pocas fisuras, que, sin innovar en demasía, nos zarandea con calidad, con un sonido cristalino y con la fuerza y la épica que, a día de hoy, se exige a una banda como esta y a unos músicos como los que la componen.

Es posible que los laureles de Rhapsody (al menos, de la parte capitaneada por Alex Staropoli) ya nunca puedan lucir tan verdes como hace 20 años, pero hay motivos para ponerse en pie, levantar el puño, mover convulsivamente el cuello y sonreír con agradecimiento.

¡Por siempre Rhapsody of Fire!

Dani Ruiz

BEAST IN BLACK
‘DARK CONNECTION’
Nuclear Blast

Pues ya están aquí de nuevo las huestes del señor Kabanen con su nuevo material. Parece mentira, pero ya han pasado cuatro años desde aquel 2017 donde Anton Kabanen decide lanzar a su nueva banda después de separarse de Battle Beast.

Si se marchó o lo echaron de Battle Beast por intentar hacer la música que está realizando ahora, lo mismo me da pero gracias mil por ello. Y si hablo en singular es porque Anton Kabanen es el compositor y escritor de toda la música y letras del disco así que, aunque la banda es Beast in Black, bien podría llamarse Anton Kabanen Band.

La formación es la misma desde los principios allá por 2017 con el único cambio en la batería que se produjo entre el primer y segundo disco. Así pues, la banda está formada por Anton Kabanen a las guitarras, teclados y sintetizadores; Yannis Papadopoulos a las voces; Kasperi Heikkinen a las guitarras; Mate Molnar al bajo; Atte Palokangas a las baterías; y la incorporación de Cynthia a los sintetizadores y teclados y que, sinceramente, espero que se una como miembro permanente, sobre todo para dar mas veracidad a los conciertos y no tener que llevar los teclados y los sintetizadores pregrabados.

Y en cuanto al trabajo en sí, según el propio Kabanen, esto es como el final de una trilogía, que comenzó con ‘Berserker’, continuó con ‘From Hell with Love’ y que acaba con este ‘Dark connection’.

La portada ha vuelto a correr a cargo de Roman Ismailov y de primeras ya nos da a entender que nos vamos a adentrar en mundos futuristas, ciberpunks y temáticas similares. Lo que me sorprendió muchísimo fue que, a primera vista, no se veía la mascota, la bestia que aparece en las anteriores portadas y me resultó muy extraño. Menos mal que cuando me llegó el cd pude observar con más detenimiento la portada dándome cuenta que sí está la Bestia, compartiendo la mirada con la mujer fatal de la portada, detalle que me ha encantado por no ser apreciable a primera vista.

Además, este disco lo dedican íntegramente a la memoria de Kentaro Miura, creador de series manga como ‘Berserk’, y que ha sido fuente de inspiración de Kabanen y compañía, y que falleció mientras estaban grabando el disco.

Y en lo musical, nos vamos a enfrentar a lo que yo he denominado power-techno-metal, porque la presencia de los sintetizadores es la mayor de la historia de la banda, dándole un aura futurista a todas las canciones y transportándote al mismo tiempo a mundos futuros y a discotecas de los setenta u ochenta. Para mi gusto, un excelente trabajo pues ya sabemos la predilección de Kabanen por entremezclar el power y el heavy con los sonidos más electrónicos.

El resto de la banda, como ya pasara en el anterior disco, roza la perfección siendo el complemento perfecto a las ideas de Kabanen. Y lo de la voz de Yannis es de mención aparte.
Este tío canta como quiere, llegando a unos agudos casi imposibles, rasgando la voz con una agresividad sublime y acariciando sus cuerdas vocales en los temas más tranquilos haciéndote pensar que hay varios cantantes en el disco, pero no, solo esta él. Aparte lo he notado mucho más agresivo en los temas más cañeros que en anteriores ocasiones.
Y en cuanto a las canciones tenemos a Beast in Black en plena efervescencia. Me explico, las partes más heavys son las más heavys que han hecho y las partes techno son las más techno que han hecho. Así que la mezcla es Beast in Black elevado al máximo exponente.
Posiblemente al publico menos acostumbrado al sonido de la banda, todo esto le chirriará mucho, pero para los fans este trabajo colmara su sed de música.

Temas como «Blade Runner» o «Revengeance machine» te harán mover la cabeza sin parar, por su
velocidad y contundencia. «Bella Donna» es la conexión con los primigenios Beast, más heavy y menos teclados, que me ha recordado infinitamente al tema «Blind and Frozen» de su primer disco ‘Berserker’. También tenemos las partes más techno y discotequeras como pueden ser «Hardcore» y «One night in Tokyo» con las cuales te dan ganas de ponerte unos calentadores e ir a una pista de baile y que me parecen dos temazos bailables al 100%.
Lo que sí he añorado en este disco es una balada, como sucedió con «Ghost in the rain» o «Oceandeep». Aquí lo más parecido es el tema que cierra el disco, «My Dystopia», que es un medio tiempo mega sensible donde Yannis sobresale de manera espectacular pero no llega a ser una balada como tal.
A modo de bonus tracks nos ofrecen dos versiones de lo más variopintas como son «Battle Hymns» de Manowar, que suena realmente bien y muy épico con la incorporación de los teclados y donde Yannis casi iguala a Eric Adams en la forma de gritar; y, por otro lado, «They Don`t Care About Us» del rey del pop, Michael Jackson, muy bien enfocada desde el prisma de Beast in Black.

En resumen, un grandísimo disco que colmará las expectativas de los fans (como yo) y donde han demostrado que a los sonidos más heavys se les pueden intercalar sonidos mas technos y que suenen realmente compactos y poderosos.
A mí me han convencido y espero que a vosotros también, aunque hay que escucharlo con la mente abierta y no cerrándonos en el “truísmo”.

Enrique Sobrino

https://www.youtube.com/watch?v=EF2PrtDjR50

https://www.youtube.com/watch?v=7iu2YjG88AQ

https://www.youtube.com/watch?v=KUKIXEK2o9c

https://www.youtube.com/watch?v=gVixaG76Ldg

https://www.youtube.com/watch?v=tXZK2PIL3pc

https://www.youtube.com/watch?v=jLt-L1spOHI

SKELETOON
‘THE 1.21 GIGAWATTS CLUB’
Scarlet Records

Regresa el mes de octubre y con ello volvemos a tener nuevo material de los reyes del Nerd – Metal (como gustan llamarse ellos mismos).
Sí amigos, nuevo material de Skeletoon, maestros del power metal basado en historias que todos los que empezamos a peinar canas conocemos.
Si en el 2019 nos daban una bofetada musical con su ‘They Never Say Die’ basado en la mítica película ‘The Goonies’ y en el 2020 nos aplastaban con ‘Nemesis’, en el cual ellos eran los superhéroes, en este 2021 nos presentan este ‘1.21 Gigawatts Club’ donde nos narran las peripecias de Marty McFly en ‘Regreso al Futuro’.
Valga decir que este año 2021, debido a la pandemia, está siendo tan y tan prolífico en cuanto a lanzamientos musicales, que creo que nos estamos empezando a saturar un poquito.

¿Porqué digo esto? Pues porque después de flipar con ‘They Never Say Die’ y alucinar con ‘Nemesis’, me enfrenté a este disco y me llevé tal chasco que no podía creérmelo. No podía ser que uno de mis grupos favoritos en los últimos años me defraudara. Así que decidí meterlo en la “nevera” y dejarlo reposar, pues en mi surgía el presentimiento de que al final el disco seria de mi agrado.
Y dicho y hecho, lo dejé reposar y madurar, cuál buen vino, y el resultado ha sido el esperado.

La portada, como ya viene siendo usual, hace referencia a la historia que nos cuentan, en este caso es el típico reloj de los viajes en el tiempo del sr. McFly y una simulación de lo que sería un túnel del tiempo, sencilla pero muy efectiva y llamativa. Y como siempre obra del maestro ilustrador Stan W. Decker.

En el seno de la banda se ha producido un cambio en las guitarras quedando la banda compuesta por Tommi Fooler a las voces, Andrea Capellari y Fabrizio Taricco a las guitarras, Giacomo Stiaccini al bajo y Enrico Sidoti a las baterías. Además han tenido las colaboraciones de Simone Bertozzi (Ancient Bards), Simone Mularoni (DGM) y Alessio Lucatti (Vision Divine). Y todo ello lo han grabado, como siempre, en los Domination Studios de Simone Mularoni.

Después de las presentaciones vamos al turrón. Musicalmente nos vuelven a dar esa dosis de power metal rápido a la par que melódico, contundente a la par que dulce, y que actualmente pocos grupos conjugan con esta maestría. Incluso atreviéndose a no crear tantos temas tan rápidos han conseguido conjugar un gran disco, que sigue la estela de sus predecesores.

Vamos, que manteniendo sus señas de identidad, han buscado darle una vuelta de tuerca más a su sonido, consiguiendo un resultado impactante, aunque difícil de entender a primera escucha.
El más claro ejemplo de que no se han olvidado de hacer temas hiper rápidos es el pelotazo «Holding On», donde parece que los parches de los bombos de Enrico van a explotarte en los oídos, ¡qué velocidad!
Y después tengo que destacar un cuarteto de temas que son los mejores del disco y es ahí donde creo que han arriesgado más dentro de su sonido y son los que más me gustan de todo el disco.
«The Pineheads» presenta un aire más hard rockero y resulta sublime; «2204» tiene unos sintetizadores que le dan un aire más moderno al tema y unos coros que se te clavan en la cabeza, imposible dejar de canturrearlos; la balada «Enchant» es embriagadora y envolvente; y «We don’t Need Roads» es lo más similar a Helloween que les he escuchado nunca. Si cierras los ojos en los puentes y estribillos de este tema puedes ver a las calabazas dando caña.
Y para finalizar el disco se desmarcan con una versión del mítico «Johnny B. Goode» llevada a su terreno que les ha quedado realmente bien.

Total, que después de once temas y unos cincuenta minutos de música, me queda la sensación que hice bien dejando reposar el disco pues sumergiéndote en él con la mente despejada consigues sacarle todo el potencial que tiene.
El mundo nerd sigue en todo su apogeo y no me queda otra que esperar al siguiente episodio.

Enrique Sobrino

BRAINSTORM
‘WALL OF SKULLS’
AFM records

Ya tenemos el nuevo material de Brainstorm en las manos y, sin hacer nada novedoso, nos vuelven a embarcar en un viaje sonoro marca de la casa. Me explico, Brainstorm ya tiene un sonido propio y en este nuevo trabajo nos vuelven a demostrar que son maestros en lo suyo, ofreciendo lo que buscan y demandan los fans pero siempre aportando algún nuevo matiz a su música que hace que cada disco sea algo novedoso pero sin salirse de los patrones ni del
camino marcado ya hace años, cuando comenzaron a darnos esta mezcla de heavy – power melódico.

Y es que una banda que lleva en activo desde la década de los 90, no necesita reinventarse ni cambiar sus señas. Como dice un amigo, no hace falta hacer la cuadratura del circulo. Con 12 álbumes de estudio a sus espaldas, han demostrado de sobras lo que pueden hacer y con este decimotercer disco de estudio, han vuelto a dar con la tecla idónea. La mezcla perfecta de metal melódico y power metal aderezado con unos estribillos que se meten en la cabeza y que no puedes dejar de canturrear. Potencia, intensidad y melodía a partes iguales.

Con una portada espectacular a cargo del artista húngaro Gyula Havancsak, diseñador de portadas para Accept, Stratovarius, Ensiferum o Warkings entre otros, vuelven a darnos un artwork sublime, basado en una especie de muro de lamentaciones pero con calaveras, en referencia al titulo del álbum, ‘Wall of Skulls’. Un portadón, seña de identidad de la banda.

Producido por Seeb Levermann (líder de Orden Ogan y reputado productor) han conseguido un sonido realmente compacto y contundente, a la par que melódico, lo cual hace que suenen todos los instrumentos con mucha nitidez y que las líneas vocales sean el conductor ideal de los temas.

Mención aparte merecen las líneas de batería de este disco. Dieter Bernert ha realizado un trabajo sobresaliente; cómo mantiene los ritmos y cómo hace evolucionar las canciones desde su kit de batería me parece espectacular. De los mejores baterías del genero sin duda. Algo que en tiempos actuales me sorprende y que me agrada mucho es que la banda se mantiene con la misma formación desde 2007, estando formada por Andy B. Frank a las voces, Dieter Bernetr a las baterías, Antonio Ieva al bajo, Torsten Ihlenfeld y Milan Loncaric a las guitarras tanto rítmicas como solistas. Es una cuestión que me encanta, porque considero que así es como se mantiene la identidad de una banda, pero esto es una apreciación mía.

Dentro del disco, encontramos dos colaboraciones de autentico lujo para los amantes del género. Peavy Wagner (Rage) y Seeb Levermann (Orgen Ogan) comparten tareas vocales con Andy B. Frank en los temas «Escape The Silence» y «Turn Off The Light» respectivamente. Muy buenas colaboraciones desde mi punto de vista.

Si eres fan o conoces los trabajos anteriores, este no te defraudara para nada, y si por el contrario, no los conoces, te recomiendo encarecidamente que lo escuches y que retrocedas en su discografía, ya que si te gusta este genero musical, aquí tienes un baluarte importante a seguir.

¿Quieres temas rápidos y contundentes? Pues nos atacan con «Where Ravens Fly», «Escape The Silence» o «Turn off the light», por poner algunos ejemplos.
¿Quieres temas algo más melódicos pero sin perder un ápice de intensidad? Nos deleitan con «Glory Disappears» o «Holding on» por destacar alguno.

En resumen un gran trabajo de heavy / power metal, con todas las señas de identidad que la banda ha ido forjando durante el transcurso de los años y que les ha otorgado el status que poseen en la escena actualmente.
Disco que va directamente a mi top anual, y creo que irá al de muchos amantes del género porque han grabado un gran trabajo.

Enrique Sobrino

HELLOWEEN
‘HELLOWEEN’
Nuclear Blast

Pues ya tenemos aquí el sueño de muchos seguidores, entre los cuales me incluyo, desde que allá por la década de los 90 Kai Hansen y Michael Kiske abandonaran el barco Helloween. El retorno de los hijos pródigos para grabar nueva música para la banda de las calabazas. Pese a que casi todo en esta vida se sustenta en el maldito dinero, y este caso no iba a ser menos, me alegra esta reunión ya han mantenido la formación que ha sustentado el nombre de Helloween en las peores épocas del Power Metal incorporando a los dos miembros “huidos” para completar un combo realmente espectacular.
¿Y en qué me baso para hablar de dinero? Pues en que la carreras, tanto de Michael Kiske en solitario, como la de Kai Hansen con Gamma Ray, estaban de capa caída. La unión de ambos en Unisonic, aun siendo una esperanza de retorno, no dio los frutos deseados. Y Helloween, por su parte, no se encontraban en su mejor momento ni compositivo ni de reconocimiento.

¿Y qué mejor manera de relanzar la carrera de todos? Pues generar un hype enorme anunciando la reunión de la banda junto a sus baluartes caídos en tiempos pretéritos. Y no contentos con eso, empezar a dar conciertos para ir evaluando la reacción de los fans ante tal magno proyecto. El resultado no pudo ser menos que espectacular ya que la gente estaba deseosa de volver Hansen y Kiske en el seno de su banda madre.

Y entretanto piensan ¿y si grabamos un tema nuevo y evaluamos como reacciona el mundo del metal? Ahí surge “Pumpkins United” y el universo del metal se vuelve loco. Ante tal tesitura y viendo la reacción de medios y fans deciden embarcarse en la grabación de un nuevo disco.

Se lo han tomado con calma, aprovechándose del parón mundial causado por la pandemia y ha generado tanta expectación como críticas. Muchos pensaron que crearían un nuevo ‘Kepper of the seven keys’ y sería un retorno al sonido clásico de la banda. Nada más lejos de la realidad.

Han gestado una gran obra de metal pero con sonido actualizado al siglo XXI. Así que si todavía no lo habéis escuchado y esperáis un viaje a la década de los 80-90 con otro ‘Kepper’ os vais a llevar una decepción. Si lo escucháis como lo que es, un disco del siglo XXI con una de las mejores formaciones que hay en la actualidad, vais a alucinar.
Y después de situar el contexto de la banda durante los últimos años, recordemos la alineación de los Helloween actuales: Andi Deris y Michael Kiske a las voces; Kai Hansen a la guitarra y voces; Michael Weikath y Sascha Gerstner a las guitarras; Markus Grosskopf al bajo; y Dani Löble a la batería. Siete miembros para este mega combo. Y la verdad, es que delante de esta formación todo lo que creen ha de ser bueno casi por obligación.

La portada y el artwork interior ha corrido a cargo del reputado ilustrador israelí Eliran Kantor, autor de portadas para grupos como Iced Earth, My Diyng Bride, Testatemt, Fleshgod Apocalypse, Sodom, Soulfly y un largo etcétera de bandas.
La portada es lo mejor que he visto en años, de hecho es la mejor portada del año 2021, con referencias de todas las épocas de las calabazas, el guardian de las siete llaves de la década dorada, el arcángel con la trompeta en la mano izquierda y los anillos en la mano derecha, haciendo clara referencia a los primeros trabajos de Deris como son ‘Master of the Rings’ y ‘The time of the oath’ y algunas referencias más que están ocultas.

Y en la parte musical, como dije antes, estamos delante de unos nuevos Helloween, resurgidos cual ave fénix de sus dos etapas, entremezclando matices y detalles de las dos épocas y plasmándolo en un grandísimo álbum que hará las delicias de cualquiera que no se haya quedado anclado en el pasado.

Estamos delante de 14 o 15 temas, según la edición de la que se disponga y el resultado no puede ser mas positivo y gratificante.
En todos los temas nos encontramos referencias y matices de las dos épocas. En todas las canciones tenemos la alternancia de las tareas vocales repartidas entre Deris, Kiske y Hansen y en todos los temas disfrutamos de heavy/power metal de calidad y con sonido de siglo XXI.

Destacaré «Skyfall» por ser el primer single, por los desarrollos, los cambios y por ser el resumen perfecto de los nuevos Helloween; «Fear Of The Fallen», donde Deris se sale literalmente y donde más se notan los primeros años de Deris en las calabazas; «Best Times» es un tema sencillo y directo, en la línea de Unisonic pero con una efectividad tremenda y que estoy convencido de que irá directo al nuevo setlist de directo.

Es un super trabajo en el cual nos han demostrado que han aparcado rencillas o temas internos, y se han centrado en hacer metal de muchísima calidad y a fe que lo han conseguido. Pero para poder apreciarlo en todo su esplendor hay que escucharlo con mente abierta y no pensando en que han retornado a la época de los ‘Kepper of the seven keys’ y ‘Walls of Jericho’.
Con él, Helloween han llegado al número 1 de ventas en España y seguro que estarán en los tops anuales de muchos de vosotros. En mi caso será el 2…

Así que estamos delante de lo que muchos han calificado el disco de la década. Ahora solo queda sentarse con una cervecita fresquita, un buen equipo estéreo y a disfrutarlo de principio a fin.

Enrique Sobrino

MENTALIST
‘A JOURNEY TO THE UNKNOWN’
Pride & Joy Music

Aquí estamos otra vez, y como me pasó el año pasado, delante del que para un servidor es EL DISCO DEL AÑO. Al igual que en 2020, esta banda ha cautivado el corazón de este humilde redactor y ya de entrada os digo que ni Helloween ni nada, el top 1 de este 2021 es este viaje a lo desconocido de los alemanes Mentalist.

Poniéndonos un poco en situación, la carrera de la banda esta siendo meteórica dada la
calidad musical de toda la banda. Comenzaron en 2018 cuando Peter Moog y Kai Stringer deciden contactar con Thomen Stauch (ex Blind Guardian) y con Rob Lundgren (Reveal) y deciden dar rienda suelta a las ideas de banda y de metal que pasan por la cabeza de Peter.
Y de este compendio de músicos y de ideas nace Mentalist, una banda basada e influenciada por bandas del power metal y de la NWBOHM tales como Helloween, Blind Guardian e Iron Maiden entre muchas otras. Además, como muchas bandas del género, tienen a su propia “mascota”, el Mentalista. Y curiosa es la forma en la cual surge, ya que fue un sueño del guitarrista y fundador Peter Moog.
En 2020, con la edición de su debut ‘Freedom of Speech’ dieron el do de pecho siendo uno de los mejores discos debut que un servidor ha escuchado en su vida y, como comenté antes, fue directo a mi top 1 anual. En ese disco encontramos todas las influencias antes comentadas pero con un sonido y una personalidad propia que me sorprendió sobremanera. Temas como «Freedom of press», «Digital Mind» volaron mi cabeza sin piedad y «Life» se convirtió en himno de la banda y de un servidor. Una canción que incluso me ha ayudado a salir adelante en momentos difíciles durante esta mierda de pandemia.

Y después de todo esto, y como consecuencia de la ausencia de giras por el Covid, estos pedazo de músicos se meten de nuevo al estudio y nos regalan esta maravilla sonora.
Once temazos de puro estilo Mentalist, sin concesiones dentro de su forma de entender el heavy metal y que a todo el que ame y sienta esta música le pondrá las pilas y erizará el bello.

La portada ha corrido a cargo de Andreas Marschall, reconocido artista por artworks de bandas como Blind guardian y Running Wild entre otros muchos. En ella vemos otro impresionante diseño en la cual se ve al Mentalista emprendiendo su propio viaje a lo desconocido (lo que nos está pasando a casi todos en estos tiempos locos que estamos viviendo). Si la portada de ‘Freedom of Speech’ ya me pareció genial, ésta llega a los niveles de obra de arte.

La producción ha corrido a cargo de Jacob Hansen (productor de Volbeat, Amaranthe, Pretty Maids…) y ha conseguido un sonido espectacular al cual solo le saco una pega y es que el bajo debería estar un poquito más presente, pero vamos, que es una apreciación muy personal. Por el resto el sonido es homogéneo, potente y envolvente.

La banda esta formada por Rob Lundgren a las tareas vocales, Peter Moog y Kai Stringer a las guitarras tanto rítmicas como solistas, Florien Hertel al Bajo y Thomen Stauch a las baterias.
Hay que hacer mención a algún cambio provisional en la banda, ya que Florien, bajista original de la banda, ha estrenado paternidad durante el proceso de grabación y el sustituto elegido para las 4 cuerdas ha sido ni más ni menos que Mike Lepond (Symphony X).
Destacables son, también, las colaboraciones de Henning Basse (ex Metallium, ex Firewind) en los coros de todas las canciones y en el dueto vocal junto a Rob en el último tema del disco, «Live Forever»; y la aportación a los teclados de Oliver Palotai (Kamelot) en todos los temas.
Con estas colaboraciones y la calidad de la banda en sí, ¿qué puede fallar? Pues nada.

Desde que arrancan los primeros acordes de la intro «Horizon» hasta que finalizan las últimas notas de «Manchild», nos adentramos en el viaje de Mentalist camino hacia lo desconocido y en el cual los fans y los oyentes recorremos un camino repleto de power metal de relumbrón.
La pegada de Thomen tras su kit de batería es alucinante, le imprime una potencia a los temas difícilmente superable por cualquier batería del estilo. Trabajo sublime tras los bombos y dando la marca más identitaria al sonido de la banda.
Las rítmicas y los solos ejecutados tanto por Peter como por Kai, son cuasi perfectas, dándole la velocidad, la intensidad y el sentimiento correcto a cada tempo, a cada riff y a casa solo, haciéndote navegar por los temas cual velero por el mar.

El bajo es quizás el único pero del disco, ya que me da la sensación que está un poquito por debajo del resto.
¿Y qué decir de Rob? Trabajo vocal sublime, transmitiendo los sentimientos precisos en cada nota que sale de su garganta.

Otro apartado muy destacable, y muy de agradecer, es la cercanía que tienen con los fans, ya que tanto en el primer video clip «An Ocean So Deep» como en el segundo «A Journey Into The Unknown», han contado con la participación de los fans de la banda (entre los cuales me incluyo).
Y en lo estrictamente musical, destacar algún tema por encima del resto siempre es difícil, pero en este trabajo lo es más aun porque todos rozan casi la perfección, así que intentaré ser lo mas objetivo posible.

«A journey into the unknown», «Torture King» y «Live Forever» son los temas más representativos del sonido Mentalist, bases power, toques metaleros y desarrollos tirando al progresivo pero sin enrolarse en cosas imposibles. Temas enormes que demuestran todo el potencial de la banda.
«Evil Eye» es el claro ejemplo de las raíces de las cuales surge Mentalist. Temazo rápido y contundente de la escuela de los Blind Guardian de los noventa.
El tema «Dentalist» es la nota divertida del disco si mi pésimo ingles no me ha fallado, ya que creo que han hecho como Helloween en los ochenta con temas como «Rise and Fall» o «Dr. Stein», un tema irónico y divertido pero sin perder la esencia powermetalera (en la edición fan box viene un hilo dental, entre otras cosas).

Y mención especial a «An Ocean So Deep», un tema a medio tiempo, con un sentimiento hacia el mundo y la naturaleza que me emociona a cada escucha y creo que hay que tener mucha valentía para presentar un tema así como primer single.

En resumen, después de varias escuchas, para un servidor no hay duda, es el disco del año y la confirmación de que la banda está lista para relevar y ocupar su puesto dentro del power metal europeo. Solo nos queda tener la oportunidad de verlos encima de un escenario, para que nos hagan volar tal y como hacen en sus discos.

Enrique Sobrino

PHOENIX RISING
‘ACTA EST FABULA’
Autoeditado

Algoritmos, cadenas de datos, no sé como lo hacen las redes sociales, pero tienen el don (o mejor dicho los que las diseñan) de acertar casi siempre que te hacen una sugerencia de algún grupo musical acorde con tus gustos o con tus visitas a páginas de otros grupos o vídeos musicales.
Y eso es lo que me pasó, hace ya unos meses, cuando descubrí a estos Phoenix Rising, una bandaza de power metal española que me sugirió Facebook. Y gracias a la sugerencia y a investigar un poquito en su discografía, me convertí en fan de la banda, llegando a participar en su crowdfunding para que pudieran editar este ‘Acta est Fabula’, que ha visto la luz en este 2021 y que va a representar la grata sorpresa de este año. Vamos que van a romperla en todos los sentidos a poco que los medios les demos un poco de apoyo ya que se han sacado un mega disco de las entrañas del power metal de los 90 – 2000 pero con un sonido acorde a este 2021… Increíble que con “pocos medios” hayan podido grabar un discazo con este sonido ya que la composición va en el ADN de los músicos y por las venas de Phoneix Rising corre power de altísimo voltaje.
Y ojo, que aunque pudiera parecerlo, no son nuevos en esto ya que llevan en activo desde 2007, cuando comenzaron bajo el nombre de Quinta Esencia. En 2009 ya como Phoenix Rising editan su primer trabajo ‘Ne Bis in idem’ de la mano del productor español Fernando Asensi (Dragonfly y Opera Magna).
En 2011, después de las buenas criticas recibidas por su primer disco, fichan por Sonic Attack y les «obligan» a ponerse un nombre mas internacional, Phoenix Rising / Fire & Ashes, para dar a conocer su música en el extranjero. De la mano de Enrique Mompó (Opera Magna ) y Fernando Asensi graban su segundo disco, ‘MMXII’, tanto en inglés como en castellano y se llegó a publicar en Japón, ahí es nada.
Y en 2013, cuando parecía que todo iba rodado para la banda, después de pasar por varios problemas con su discográfica rompen de mutuo acuerdo el contrato con Sony Attack y deciden que para la continuación de su segundo disco lo mejor es volver a la auto producción. Y así en 2014 publican su tercer disco ‘Versus’, autoeditado. Después de girar por España, Francia y Bélgica durante 2016, la banda se queda en stand by hasta 2018, cuando empieza a tomar forma la idea de volver a escribir nueva música. Tras varios cambios de formación, comienzan con la composición y se decantan por organizar un crowdfunding para ayudar con la autoedición del disco. Y gracias a sus mecenas, en este 2021 ha visto la luz su cuarto trabajo, ‘Acta est Fabula’, un disco que espero les coloque en el lugar que creo merecen dentro de la escena del metal de España y Europa.

La banda actualmente esta formada por Miguel Gonzalez a la guitarra y voces, Daniel Martinez a la otra guitarra, Jesus Martin a los teclados y orquestaciones, Cristian Rodriguez al bajo y coros y Carlos Vivas a la batería.
Y entrando en materia, lo único menos bueno es la portada, con un guerrero bajo la luz de la luna. Bastante sencilla y poco acorde con la calidad de la música. Un detalle que la banda debe mejorar, bajo mi punto de vista. Menos mal que no estamos en los años 90 cuando comprabas discos por las portadas…

Nos enfrentamos a diez temas de puro power metal clásico noventero y deudor de bandas como Stratovarius, Rhapsody, Avalanch, Tierra Santa e infinidad de bandas tanto nacionales como internacionales. Pero ojo, que nadie piense que esto es un refrito, todo lo contrario, son diez temas de lo mejor que he escuchado en este estilo en varios años. Le han imprimido un sonido actual y contundente y suenan compactos y frescos. La nueva ola del power del siglo XXI esta aquí.

Desde la intro “El portal de Thalogrim”, que quedaría perfecta como banda sonora de cualquier película bélica, pasando por el tema homónimo “Acta est Fabula”, hasta el tema final “El caminante”, la banda nos transporta a los mejores tiempos del género, pero bajo su prisma, más moderno y adaptado a estos tiempos pero sin perder la esencia de las mejores etapas del power metal de los 90 – 2000.
La voz de Miguel no es la típica voz chillona de los grupos de power de la época y pienso que es la seña de identidad más clara de la banda, dándole una textura y una tonalidad a los temas ideal e irrepetible. Sin duda, de lo que mas me ha gustado del trabajo.

Me gustaría destacar el homónimo “Acta est Fabula”, donde dejan claro lo que vamos a recibir al pinchar el disco. El abc del power metal: velocidad, épica, coros, etc… y «El Doblón de la Muerte”, otro tema muy destacable por la intro en acústicas, dulce y que pone los pelos de punta, para desembocar en un tema cañero y fiestero a partes iguales con una temática de piratas. Y el último, y por encima del resto del trabajo, “Deriva Speranza”, donde el trabajo de Carlos Vivas detrás de los bombos es sublime, tan pronto suena como Rammstein, como Rhapsody o como te dan pinceladas de black metal. Trabajo alucinante tras su kit de batería y temazo que sobresale dentro de la genialidad de todo el disco.

Discazo, sorpresón de este 2021, y una banda que dará mucho que hablar ya que su calidad es incuestionable, la técnica es cuasi perfecta y las ganas de triunfar son férreas.
Háganme caso y escúchenlo, es más, cómprenlo, ya que estamos delante de una de las gratas sorpresas del 2021 y como siempre digo, no hace falta irse a parajes inhóspitos para encontrar música de calidad, la tenemos más cerca de lo que creemos.

Enrique Sobrino

ORDEN OGAN
‘FINAL DAYS’
AFM Records

Hay bandas con las que conectas a primera escucha y con Orden Ogan lo hice desde los primeros acordes y el flechazo fue inmediato. Andabamos todos confinados, allá por marzo – abril de 2020 y cuando empezaron a dejarnos hacer algo de «deporte», o sea, salir a caminar, un día me dio por ponerme a esta banda en Spotify (de la cual había visto el video «Gunmen» por sugerencias de youtube) para que me acompañara en mi paseo vespertino y, desde entonces, me he convertido en fiel seguidor de la banda ¡Gracias algoritmos de redes sociales por descubrirme a Orden Ogan!
‘Gunmen’ me voló la cabeza de principio a fin. Me compre la edición especial y empecé a retroceder en su discografía descubriendo himnos como «We are pirates», «F.E.V.E.R», «Ravenhead»…

Paradojicamente, como si de ciencia ficción se tratara, ‘Final days’ se ha ido retrasando y retrasando debido a la pandemia. Desde julio de 2020 que lanzaron el primer single y video de un tema nuevo, «In the dawn of the I.A.» he estado ansioso por poseer este disco. En cuanto salió la opción de pre-order ahí estaba yo comprando la edición especial y, desde entonces, he ido descontando días del calendario hasta la fecha.
Gracias a Empire Zone Magazine, he tenido la fortuna de poder disfrutar antes de este trabajo y vaya por delante que, no igualando a ‘Gunmen’ (cosa que veo muy difícil), han editado un enorme trabajo que entra directo en mi top 10 anual por méritos propios. Desde 2017 que llevamos esperando nuevo material y tras los retrasos por fin lo vamos a tener. Y para un servidor, la espera ha merecido la pena.

Varios cambios han acontecido dentro de la formación desde el ultimo lanzamiento, allá por 2017. Tobias Kersting (guitarra) decidió abandonar la banda por motivos personales. Sebastian Levermann (guitarra, teclados y voz) también ha abandonado la guitarra, por una lesión en una mano, para centrarse solo en la voz y ser el frontman en directo. Ante este panorama, Niels Löffler, bajista hasta 2018, ha cambiado las cuatro cuerdas de su bajo por las seis de la guitarra. Para cubrir el bajo han reclutado a Steven Wussow (ex-Xandria y ex-Domain) y para la otra guitarra han fichado a Patrick Sperling (ex-Earacle y ex–Delirius).
Estamos ante un trabajo de unos cincuenta minutos y diez temas de pura esencia Orden Ogan. No han inventado nada nuevo, ni falta que les hace. Se les quiere por el power metal melódico y pegadizo que nos ofrecen siempre. Han explorado algún matiz nuevo como alguna voz sintetizada, algún desarrollo algo más largo, pero todo reconocible a la primera escucha y 100% Orden Ogan.

Como en casi todos sus trabajos, escogen una temática alrededor de la cual gira el disco. El Western en ‘Gunmen’, los monasterios en páramos en ‘Ravenhead’, mundos apocalípticos en ‘To the end’ y para este ‘Final Days’ han escogido una temática futurista como es la Inteligencia Artificial o como la propia banda ha descrito, un concepto «Dark-Scifi».

La portada realizada por Sebastian Jerke (diseñador de Gloryhammer y Alestorm entre otros) muestra una mezcla de androide y humano tapado por una máscara de gas como queriendo salir de una especie de máquina del tiempo o agujero negro. Algo extraña e insulsa. Menos mal que la musica compensa este fallo en el artwork.

El disco tiene un inicio arrollador. «Heart of the Android» y «In the dawn of the IA» son dos trallazos de power metal melódico que me han dejado sin aliento. Coros pegadizos, velocidad, energía y magia. Y después de un arranque tan bonito ya todo va rodado. Melodias power metaleras marca de la casa, estribillos pegadizos y grandilocuentes y alguna incursión con algún elemento nuevo, como sintetizadores en la voz. También haydos colaboraciones de lujo como son Gus G. (guitarrista de Firewind y ex-Ozzy Osbourne) que ha metido un solo 100% Firewind en «Interstellar» y la voz de Ylva Eriksson (vocalista de Brothers of metal) en la bella y épica balada «Alone in the Dark».
Destacable también son los temas «Let the fire rain», con unos coros fabricados directamente para cantarlos en cualquier concierto (cuando nos dejen), y «Absolution for our Final Days», con unos riffs pesados y a medio tiempo ideales para botar, saltar y cantar con ese estribillo que penetra en tu cabeza cual cuchillo a la mantequilla.

Definitivamente, un discazo con mayúsculas que hará las delicias de los fans, entre los cuales me incluyo y que como referí antes, va directo al top 10 anual. Bien ha merecido la pena la espera de cuatro años.

Enrique Sobrino

Majestica están sacuediendo el Power Metal con su fantasía desbordante y con uno de los más talentosos músicos del momento como es Tommy Johansson. La entrevista fue realmente accidentada con múltiples problemas de conexión. Pese a todo pudimos llevarla a cabo y el resultado es el que tienes aquí.
Por Carlos De La Puente

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas tardes Tommy ¿Qué tal estáis tú y tu familia en esta época tan extraña?
TOMMY JOHANSSON (TJ): ¡Buenas Carlos!, la verdad es que estamos todos bien, es un año muy extraño con eso de no salir de gira, todas las cancelaciones y todo lo que está sucediendo en el mundo.

EM: Antes de comenzar, supongo que vuestro nuevo disco A Christmas Carol, tiene relación con el cuento de Charles Dickens. ¿Has visto las películas de Jim Carrey o de los Teleñecos?
TJ: Exactamente. Y he visto todas las versiones, creo que mi favorita es la de los Teleñecos (The Muppets, ndr).

EM: ¿De dónde surgió la idea de realizar un disco en relación a este cuento?
TJ: La verdad es que queríamos hacer algo innovador, siempre hemos visto a bandas que hacen discos conceptuales en torno a algo que les guste, pero nunca entorno a un cuento / historia y como yo soy muy fan del cuento de Charles Dickens, pensamos que podría ser una muy buena idea.

EM: ¿Habéis pensado en hacer algún disco con villancicos en algún momento?
TJ: Esa era nuestra idea al principio pero luego ves a mil bandas realizar villancicos y al final decidimos realizar otra cosa más original. No me malinterpretes, hubiéramos hecho el disco de villancicos pero si realizas una versión del “Jingle Bells” sabes que otras 50 bandas ya la han realizado en su estilo y acaba siendo otra versión más.

EM: Volviendo un poco al disco, ha sido toda una sorpresa para mí. Me ha gustado mucho, pero por ejemplo en “Ghost of Marley”, hay un momento que me recuerda a una escena de
la película de “La Bella y La Bestia”. ¿Ha sido intencionado o simplemente dejáis que la gente
saque sus propias conclusiones?
TJ: Siempre habrá partes que te recuerden a otras cosas, piensa que muchas veces los músicos están inspirados por otras canciones. Puede que te recuerde a Disney por algún caso en especial, de hecho, soy muy fan de Disney y he visto varias veces las películas, así que lo mismo a la hora de componer puede que se me quedara algo en la cabeza.

EM: ¿Os gustaría realizar un disco de algún cuento en concreto? ¿Por qué?
TJ: ¡Ésta es difícil! Puede que de algún cuento sobre el antiguo oeste, la verdad es que me gustan mucho. Puede que también sobre Disney aunque el teclista de Nightwish (Tuomas Holopainen, ndr.) ya hizo eso con el personaje del Tío Gilito (ndr: Scrooge), así que no sé si la gente lo vería bien o mal.

EM: Si tuvierais la oportunidad de crear la BSO de una película, ¿A qué tipo de película le pondríais vuestra música?
TJ: A alguna película de Regreso al Futuro, son mis favoritas.

EM: ¿Hay algún tipo de plan para presentar este disco en directo? ¿Vendréis a España a
interpretarlo?
TJ: La verdad es que no demasiados. Si hiciéramos algo sería a finales de año aunque lo dudo mucho por tal y como están las cosas. Además, ¿te imaginas que tocáramos Ghost of Marley en pleno verano en un Graspop? Sería bastante raro.

EM: Sois de Suecia, como Hamerfall y Sabaton… ¿Cómo creéis que está la escena del Power Metal actualmente?
TJ: Tenemos Sabaton, tenemos Hammerfall y tenemos Majestica. Desafortunadamente no tenemos tanto Power Metal como antes, quizás en un futuro, pero ahora mismo hay otras vertientes que venden mucho más.

VHÄLDEMAR
‘STRAIGHT TO HELL’
Fighter Records

Pelotazo, discazo, estallido craneal o enganchada son algunos de los adjetivos que me salen al ponerme a hablar de este disco que, por derecho, entra directo al top 5 del año y es serio
candidato a disco del año.
Cuando allá por 2017 los de Bizkaia editaron ‘Against All Kings’ pensé que, aparte de discazo, les costaría superar un trabajo como aquél, pero lo han adelantado por la derecha y a toda velocidad.

Partiendo de una de las portadas mas bonitas y cañeras de toda la carrera de la banda, obra de Darkgrove (portadista de Manowar) con el guerrero que sale en todas, envuelto en una V de fuego tras un fondo azul y pasando por la música, es un disco enorme en todos los sentidos.
Han conseguido un sonido sobresaliente, afilado, contundente, preciso, con unas bases rítmicas aplastantes y la voz de Carlos sonando mas potente y macarra que nunca. Lo de Pedro Monge a la guitarra es sencillamente genial, solos vertiginosos y llenos de técnica y riffs que te penetran como cuchillo en la mantequilla.

Y en cuanto a los temas tenemos de todo, temas más rápidos, temas más power, temas más macarrillas pero todos con sello Vhäldemar y que hacen que empieces el disco y no puedas parar hasta el final viajando a través de los diez al mundo del metal mas contundente.

Quiero destacar «Hell is on fire», que fue su primer single y que tiene un estribillo tan pegadizo que no te lo podrás quitar de la cabeza y «Death to the wizard» con el que abren el disco y que tiene una de las bases rítmicas más apabullantes que he oído en mucho tiempo.
En Resumen, discazo con todas las letras, y que nadie que le guste algo este genero puede dejar
escapar. Directo y contundente y que va directo al disco del año.

Enrique Sobrino