BE PROG MY FRIEND 2017
30 de junio y 1 de julio de 2017 / Poble Espanyol (Barcelona)
Promotora: Madness Live Prod.

Amor y miedo, que fina es la línea que les separa. Cuando estamos enamorados unas burbujitas nos invaden el estómago y nos complicamos la vida. Caminamos componiendo sinfonías con nuestros sentimientos más arraigados para liberar a nuestro corazón de su confuso caparazón. Si no logramos desatar lo encerrado, entra en juego el miedo, la duda y lo enrevesado.

El camino del amor/miedo y la música progresiva se parecen demasiado. ¿Sabéis por qué? por querer liberar un sentimiento u experiencia. Se busca hacerlo mediante el cuarto arte y dada la intensidad de lo sentido, de inmediato se cae en lo complejo: en lo progresivo.

El festival Be Prog My Friend nació como un punto de encuentro para todos aquellos que, hartos de buscar en soledad, ven en una melodía las puertas para expresar su karma. Organizarlo cada año no es fácil, un género tan especifico tiene un público determinado y siendo realistas: excepto por dos/tres bandas, circula un gran desconocimiento entre la inmensa mayoría.

A parte de la dificultad comentada, la edición de 2017 tenía un plus: el gran punto de encuentro coincidía, en la mismas fechas y ciudad, con el Rock Fest Barcelona. ¿Afectó? para que negarlo, si. Parecía que iba a caer una gran tromba de pérdidas sobre la organización; no fue así, la promoción que hace Madness Live! hacia el extranjero fue clave para mantener el nivel de asistencia.

VIERNES, 30 DE JUNIO
Si os parece, trasladémonos a finales de junio. Año tras año, subimos la montaña mágica de Barcelona con ganas de ver sus murallas. Al entrar, la torre de Utebo nos lanza un embrujo que solo puede ser roto por la mejor de las armonías. Hablo del Poble Espanyol, el museo al aire libre que reproduce elementos arquitectónicos de la geografía hispánica. La plaza mayor fue un año más la sede central del Be Prog.

Una buena entrada y un público siempre inquieto, bien viendo conciertos, comentando una banda anterior, asistiendo a una firma de discos o manteniendo un debate que ampliase su conocimiento. El enfoque que se le ha querido dar al festival, más de búsqueda musical que de fiestero, funciona y satisface las necesidades de los asistentes.

Podíamos comer un rico bocadillo, o satisfacer nuestra sed sin espera, sin necesidad de dejar de ver una banda y con una grata higiene, ir al baño sin peligro alguno. Gran idea la forma de organizar la zona de merch pues podías acceder a él sin sufrir las clásicas colas, que brillaron por su ausencia, típicas de otros festivales.
Pese a que el nivel musical no decreció en ningún momento, el cansancio si que afectó. Cuando pasaba eso podíamos encontrar asiento fácilmente sin necesidad de renunciar a ver los conciertos.
Como en todo directo, el sonido es una parte clave de él. Con un sonido claro en todo momento; dependiendo de donde estuvieses tenías un volumen u otro, lo normal en cualquier recinto. Algún que otro problema sacudió el escenario. Sino que se lo pregunten al bueno de Devin Townsend que, con mucho humor, sufrió el más llamativo dada su reacción. Pese a esos percances puntuales, todos los horarios se cumplieron.

Después de haber visto el glaseado que recubre ese punto de encuentro llamado Be Prog llegamos al momento de entrar en su interior. El line up de 2017 gozaba de experiencia y frescura y pese a que muchos opinaban que el segundo día era más fuerte que el primero, ambas jornadas estuvieron a la altura. El viernes no llegué hasta Animals As Leaders empezados, como consecuencia me perdí el espectacular concierto que me dijeron que hicieron Caligula’s Horse.

Vayamos a lo que interesa: los primeros temas que escuché de los americanos eran bastante revulsivos, llenos de energía y un color especial. Pero conforme pasaban los minutos se difuminó esa idea y a la cabeza me vino el concepto de show estático. Desconecté hasta que Mike Portnoy apareció en escena. Su Shattered Fortress era uno de los grupos que más curiosidad suscitaba de todo el cartel. Se anunciaba que el concierto consistiría en la interpretación de la Suite de 12 pasos, compuesta por el baterista americano en su etapa en Dream Theater, y alguna rareza. Para ello se rodeó de los miembros de Haken y Eric Gillete de la Neal Morse Band.

El resultado no se hizo esperar y lo anunciado se cumplió a nivel de set. Por otro lado, un Portnoy discreto dejó el protagonismo a sus acompañantes. Ellos justificaron su elección con cada segundo de show y nos hicieron recordar otras épocas gracias a un saber estar digno de los grandes. Eché un poco de menos a Petrucci y compañía, la magia que transmite su simple presencia no se puede sustituir. Pese a ello no puedo negar que el nivel fue excelente por todas las partes.

Haciendo el cambio en el tiempo estipulado, los legendarios Marillion salieron al escenario. Desde su primer minuto, Steve Hogarth creó un aura hipnótica con una expresividad perfecta y que tardaré años en ver de nuevo sobre el escenario. No podías quitar el ojo de él, era imposible habiendo tal ambiente; si a eso les sumas la elegancia del resto de componentes da como resultado la perfección hecho concierto.

En serio, desde el foco más minúsculo hasta la nota más oculta estaban puestas a conciencia para llegar al espectador mientras interpretaban, prácticamente, toda su nueva obra “F.E.A.R.”. No hubiésemos dicho que no a escuchar algún clásico de la banda en vez de tanto tema nuevo pero es que ante tanta maestría se nos olvidó cualquier otra cosa. Alguien escuchó nuestros pensamientos y con “Gaza” dijeron adiós a un show sin precedentes.

Tras el elegante cortejo al que nos sometieron los británicos, era el turno de Ulver con su asesinato a Julius Caesar. Más de uno abandonó la contienda después de lo vivido con Marillion pero los que nos quedamos disfrutamos de un show electrónico, oscuro y progresivo y con un juego de luces a la altura. Mientras sonaban temas como “1969” o “Transverberation”, la voz de Kristoffer Rygg te envolvía y transportaba cuidadosamente a una fresca noche de Noruega. Gran show donde, pese al cansancio de todo el día, disfrutamos y salimos del recinto de Montjuic embriagados en dulces melodías extraídas del mismísimo corazón.

SÁBADO 1 DE JULIO
Cambiamos de día y dejando de lado la resaca que muchos sufríamos por haber abusado de tan buena música fuimos a por el metro con destino la montaña barcelonesa. Pese al agotamiento y a unas nubes que amenazaban con descargar en cualquier momento, con Jardin De La Croix ya había un nutrido público en la plaza mayor del Poble Espanyol. Muchos estaban sentados pero eso no importaba, los 45 minutos de show instrumental de los madrileños fueron un anticipo de que estábamos en una velada repleta de calidad.

De la genialidad a la locura solo hay un paso y Devin Townsend Project es un ejemplo de ello. El genio canadiense llevaba a escena de todo el “Ocean Machine” en un marco tan especial como lo es el festival catalán. Cada una de las 13 canciones que forman el cd, interpretadas en estricto orden, catapultaron a la estratosfera a los presentes. Respetando en todo momento su esencia, elevó su música a un directo lleno de carcajadas, especialmente a su inicio, emoción y mucha adrenalina. No todos los días se celebra un veinte aniversario y normal que Devin estuviese con una sonrisa mayor a la que tiene habitualmente.

Si creíamos que no se podría jugar más con el sentimiento de nuestro corazón nos equivocábamos. Anathema salieron puntuales y empezaron con las dos partes de “Untouchable”; como consecuencia los saltos y las lágrimas estuvieron garantizados durante toda su actuación. Cuando sonaba cualquier tema de “The Optimist” debo reconocer que el nivel de aceptación era alto pese a que el cd no ha convencido demasiado ¿Será la magia del directo? tal vez. Hay algo que me llamó la atención y que ensombreció el show, desconozco que le ha pasado a Daniel Cavanagh pero su desmejoramiento físico y enérgico es un tanto preocupante. “Distant Satellites” fue el punto y final a un concierto que, pese a tener sombras, cumplió gracias a un Vicent congratulado por tocar en el festival barcelonés.

Todavía quedaba calidad por derrochar y Jethro Tull se encargaría de ello. Ian Anderson, toda una figura legendaria dentro de la escena, visitaba por primera vez Be Prog! My Friend como un reclamo importante: el set iba a contener lo mejor de su carrera. No decepcionó, desde “Living In The Past” hasta llegar a “Locomotive Breath” hubo un no parar de grandes éxitos que dejó satisfecho a los presentes. El titán escocés nos embaucó en una odisea hipnótica, cuál flautista de Hamelín, en un show muy entretenido, lleno de sorpresas como el momento de la “Toccata and Fugue in D Minor” de Bach que no nos dejó parar en ningún momento. Se retiró por la puerta grande y dejándonos con una sonrisa en la cara, pero es que todos los días no se ve un concierto con una energía digna de los más jóvenes.

Hablando de juventud, la experiencia dejó paso a la osadía con unos Leprous que congregaron a más gente de lo que me imaginaba. El set list estaba hecho por fans para fans mediante un sistema de votaciones. Las mejores canciones de los noruegos cayeron: “The Valley” despertó, “MB. Indifferentia” sorprendió y “Contaminate Me” fue el éxtasis hecho canción. Con el estreno en directo de “From The Flame” el resultado fue que más de una cervical salió volando. No es de extrañar entonces que nos sorprendieran con un encore sorpresa marcado por “Slave”.

Al acabar la actuación de Einar y los suyos se ponía un punto y final a la edición de 2017. ¿Se había alcanzado la meta? únicamente diré que lejos de cualquier jolgorio o festividad etílica lo que se creó en Be Prog My Friend fue perfecto.
Todo estaba en su sitio en esta gran cita anual; sentimos la razón para acudir de cualquier rincón del mundo ya que cada uno salía con una experiencia propia a esa búsqueda musical. Las cosas fluyen mejor de forma natural y en el Poble Espanyol se dio un paso en el enriquecimiento personal; todo ello junto a los grandes maestros en una banda sonora de ensueño en una edición que quedará en nuestro recuerdo.

Texto: Alex Hidalgo (https://www.facebook.com/mayhemoflexus)

Fotos: Irene Serrano (www.ireneserranophotography.com) (www.facebook.com/ireneserranophotography)

Oceans of Slumber están asentándose en una escena complicada y hasta saturada, pero la calidad de sus composiciones y la personal y pasional voz de Cammie Gilbert les confiere una distinción más que notable. Días antes de que aterricen en España en un espectacular cartel junto a Enslaved y Ne Obliviscaris, charlamos con su guitarrista Sean Gary sobre su último trabajo, “Winter”, y la gira que llevan en ciernes. Yo que tú llegaría pronto para ver el cartel completo de esta gira porque dará mucho que hablar. Palabra de Empire.

Por Carlos De La Puente

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenas tardes, ¿Qué tal?
SEAN GARY (SG): Bien, toca un poco de promoción antes de nuestro tour por Europa con Enslaved y Ne Obliviscaris (Ndr: La entrevista fue realizada dos días antes de su fecha en Berlin).

EM: Vamos a hablar un poco de “Winter”: ¿Qué me puedes contar acerca de él?
SG: Bueno, muestra un poco elementos muy clásicos. Es un poco oscuro, duro, todo lo que puede tener una banda de Death Metal.

EM: La portada muestra un precioso paisaje en invierno, ¿El disco habla exactamente del frío y la soledad?
SG: La portada está conectada con todo lo que es el disco, así como a nuestra vida personal. Todo el disco es bastante personal para nosotros, de hecho representa muy bien lo que has dicho.

EM: ¿Es “Nights in White Satin” una balada?, lo digo porque es el sentimiento que me ha transmitido…
SG: Oh sí, es una canción de amor. En realidad, todo el disco es una canción de amor, es una balada en general. Somos una banda de Metal Extremo, pero no queríamos hacer lo mismo que hacen esas bandas, nos gusta mezclar el Rock ‘n’ Roll con el Metal Extremo.

EM: El contraste entre voces limpias y gritos es muy interesante. ¿Cómo decidisteis usar ambos tipos de voces?
SG: Bueno, somos una banda de Metal Extremo. Este tipo de bandas suelen usar este tipo de registro, como las bandas de Death Metal, Black o Doom Metal. Así que cuando nos pusimos a trabajar con nuestra música, pensamos que sería lo mejor.

EM: La voz de Cammie es muy dulce, muy personal, transmite calor, pero por momentos también puede transmitir frialdad. Parece que habéis sabido transmitir ambos sentimientos con su voz…
SG: La voz de Cammie es bastante especial, puede transmitir bastantes sentimientos. Eso es muy bueno a la hora de transmitir nuestra música al público. De hecho, si te fijas, es la propia voz de Cammie la que transmite las sensaciones de frío o de calor a lo largo del disco. El sentimiento que transmite con su voz es único, así que es muy bueno el hecho de que transmita esas sensaciones al público, para que no sea siempre el mismo tipo de pasaje.

EM: ¿Hay algún tipo de sentimiento o emoción que podamos ver en el disco?
SG: Hmmm… Tristeza. Creo que es lo que más representa el disco, también oscuridad. El disco trata de una tragedia, de una vida muy oscura y de depresión. Todo el disco tiene una oscuridad muy dramática, es algo muy natural para nosotros.

EM: ¿Por qué “Winter” es el título del disco?
SG: Fue… Cómo decirlo, en invierno la gente suele estar más apagada. Todo lo que pasa en el invierno es más apagado, es un tiempo más oscuro, más depresivo, más triste y, como el disco hablaba de una tragedia, todo encajaba. Entonces es una manera de mirar al futuro, no de manera muy pesimista pero tampoco como si no hubiera problemas en el mundo.

EM: Es curioso, desde que Juego de Tronos está en activo, muchas bandas usan la palabra Winter en sus letras o títulos…
SG: (Risas), es verdad. Bueno, la verdad es que el Heavy Metal, tradicionalmente, ha sido bastante más frío y oscuro por lo que dudo que sea a raíz de la serie que las bandas estén usando esto a modo de referencia; quiero decir, muchas bandas tratan muchos temas personales o serios de alguna manera, entonces este tipo de conexiones pueden ser frecuentes con esos mundos aunque poco tengan que ver.

EM: En unos días vendréis a España, ¿Qué idea tenéis de lo que pasará en esas fechas?
SG: Oh, ¡qué puedo decir! Para mí es un placer tocar en España con la banda. He escuchado mucho acerca de vuestro país a través de otros artistas, he oído bastantes maravillas de vuestro país que tenemos ganas de comprobar por nosotros mismos, como es el tocar en vuestro país.

EM: Bueno, para acabar… Me gustaría que me comentaras algunas bandas que te gusten.
SG: Me gustan muchas bandas típicas, pero también nos gustan algunas nuevas como Leprous o Textures… No sabría cuáles decirte, nos suelen gustar las bandas en las que los artistas suelen presentar en sus directos lo que han grabado en sus discos.