ANTIMATTER
«LEAVING EDEN»
Prophecy

Hay artistas tocados con una varita mágica que les permite crear algo que va más allá de la música, algo que trasciende los sentidos. Hay artistas que están en el lugar adecuado y en el momento adecuado, bajo unas circunstancias muy concretas y deciden coger una guitarra. Y de ese instrumento, de esas manos que lo acarician, de esa mente y sobretodo de ese corazón nacen cosas hechas con todo el sentimiento del mundo y quizá sin toda la intencionalidad que requieren. Es así como nació «Leaving Eden».
Mick Moss publicó «Leaving Eden» en 2007 pese a que fue compuesto en 2004, mientras pasaba por una depresión profunda. Fruto de ese estado de ánimo nacieron sus canciones más oscuras y aunque el título del primer corte, «Redemption», puede ejemplificar el efecto curativo de estas canciones, lo cierto es que «Ghosts», «Another face in a window» o «Leaving Eden» ofrecen desgarros que salen directamente del alma. Escribe Mick sobre causas perdidas, mentiras o traiciones y consigue meterte en su mundo, consigue hacerte partícipe de sus miedos y sus frustraciones.
Musicalmente se trata de un trabajo oscuro, de cadencia pausada, introvertido en lo lírico y que muestra gran cantidad de paisajes acústicos que dan relevancia a su caída anímica. Y todo ello lo hace acompañado de su gran amigo Danny Cavanagh de Anathema que se encarga de las guitarras principales y el piano. Le sigue acompañando también Ste Hughes, su bajista desde «Planetary confinement» (2005).
Para celebrar el décimo aniversario de este trabajo Mick ha decidido reeditarlo en formato doble cd, donde se incluye el disco original y un segundo cd con todas las canciones comentadas y desgranadas por Mick con un audio formidable. A todo ello hay que añadir dos remixes, de los temas «Ghosts» y «The immaculate misconception», que mejoran las versiones iniciales dotándolas de más luz.
No cabe duda que «Leaving Eden» resiste el paso de los años sin mostrar arrugas ni desgaste y luciendo la elegancia a la que nos ha acostumbrado con los años Mick Moss, todo un maestro de la sensibilidad, la educación musical y el sentimiento como conducto para mostrar las emociones.

Marc Gutiérrez

THE DARK RED SEED
“STANDS WITH DEATH”
Prophecy Productions

Ha pasado un año desde el lanzamiento de “Sex”, el último álbum de estudio de King Dude. El músico de Seattle desafió al oyente a explorar el tema de la sexualidad, inspirado por nuestro buen señor Lucifer a través del Rock n’ Roll, dando lugar a uno de los mejores discos de su carrera y, posiblemente, futuro referente del Dark Folk.

Tosten Larson, guitarrista de King Dude, es el que ahora sale a la luz con nuevo proyecto en solitario: The Dark Red Seed. Dicho proyecto se autodefine como una metáfora del corazón, representando una referencia directa a la vida y la muerte. En Empire hemos tenido el placer de escuchar su primer EP, “Stands With Death”, que constituye el prólogo del que será su próximo larga duración (“Becomes Awake”, verano de 2018).

“Stands with Death” es un oscuro y polvoriento discurso de distorsionado Rock n’ Roll. Cada una de las tres canciones que conforman el EP representan varios aspectos de la muerte: la muerte de América, la muerte de la cultura y la muerte de la realidad a través de la tecnología y la globalización. Larson nos transmite pérdida y desolación a través de acordes sureños, ritmos firmes y voces lejanas en un estilo Country / Blues que suena a Cash, a Swans, a Zeppelin, a Young. Todo esto en una pequeña introducción que prácticamente nos dice que la vida solo plantea preguntas, pero puede que encontremos alguna respuesta en la muerte.

David Hernández

SOROR DOLOROSA
“Apollo”
Prophecy Productions

Prophecy Productions nos trae el nuevo y más completo trabajo hasta la fecha de los franceses Soror Dolorosa. El grupo liderado por el polifacético Andy Julia (Nuit Noire, Mütiilation, Peste Noire, Celestia…) ha estado en constante evolución desde su formación en 2001 ya que sus primeros trabajos eran más crudos, duros e incluso faltos de cohesión musical.

No fue hasta 2012, aprovechando una gira europea con sus compañeros de bandera Alcest y Les Discrets, cuando empezaron a ganar reconocimiento y coherencia gracias a la presentación de nuevas canciones pertenecientes a “No More Heroes”, su segundo LP, donde empezaron a definir su asentamiento en la escena del Rock Gótico y el Cold Wave con la inclusión de sintetizadores, sonidos programados y otros elementos típicos de los mismos.

Dicho esto, “Apollo” no solo termina de definir esta evolución sino que además incluye nuevas influencias en su estilo. Prácticamente todo el álbum va marcado por el lento y constante ritmo del bajo que acompaña al resto de instrumentos en un tranquilo viaje de melodías oscuras, ambientales y románticas. Se escuchan influencias de Fields of the Nephilim, The Cure, la etapa más ambiental de Brian Eno y, como no podía ser de otra forma, las guitarras con “efecto eco” y punteos melódicos tan típicos del Shoegaze francés. Pero por encima de todo destaca el gran trabajo de Andy como cantante que aporta una melodía melancólica de forma elegante y emotiva.

Como punto negativo hay que reconocer la innecesariamente extensa duración del álbum que, a pesar de incluir tres pequeños interludios (“That Run”, “Yata, “Long Way Home”) para hacerlo más ameno, llega a resultar un viaje algo pesado y repetitivo. A pesar de ello, no defraudará a los fans del género, o a los que necesiten algo de inspiración para echarse una cabezadita en el sofá.

David Hernández

DARK SUNS
“EVERCHILD”
Prophecy Records

Existe una frase hecha que dice que “los caminos del Señor son inescrutables”. Es en lo primero que pensé tras leer la historia y escuchar el nuevo trabajo de Dark Suns, “Everchild”. Leipzig, la tierra de Johan Sebastian Bach, es la cuna de esta banda que se funda en 1997. En 2002 lanzan “Swanlike”, autofinanciado y desde entonces han evolucionado de un sonido comparado con Opeth o Katatonia, un Death Metal cuidado, a paisajes progresivos de alta calidad donde la versatilidad instrumental es capaz de transmitir los sentimientos idealizados en la mente de Dark Suns.
Los growls vocales se han convertido en un sutil registro (Niko Knappe) muy cercano a Porcupine Tree. “Everchild” es otra de esas inmensas obras de este recién terminado 2016. Dark Suns no conocen límites en su expresión, 11 cortes contenidos en 81 minutos. Ocho músicos dispuestos a desarrollar composiciones que sincronicen con las emociones humanas. Ekkehard Meister logra un sonido especial en el Hammond y en los arreglos de piano mientras el saxo de Evgeny Ring y la trompeta de Govinda Abbott logran fusionarse de forma perfecta y minimalista en los paisajes musicales creados por Dark Suns. Grandes temas que brillan con luz propia en el caso de “The Only Young Ones Left”, “Escape With The Sun”, la inmensa “Codes”, “Everchild”, y las suites “Morning Rain” y “Yes, Anatasia”.

Juan Espinoza

GERM
“Escape”
Prophecy Productions

Hasta hace unos años Australia era un completo desconocido en su cultura underground. Hoy somos testigos de una eclosión brutal en cuanto a bandas que logran fusionar diferentes géneros con brillantez inigualable. Desde Wollongong, Nueva Gales del Sur, llega a nuestros oídos “Escape”, el nuevo trabajo de Germ. En activo desde 2003 trabajan los géneros Post-Black / Shoegaze / Electrónico, su discografía consta de cuatro trabajos y Tim Yatras en el main man. Si a esto le añadimos líricas que versan sobre emociones y depresión, espacio y naturaleza, el resultado es una potente y nostálgica obra de Post-Black Metal cubierto en atmósferas sobrecogedoras de tristeza sutíl como “Under Crimson Skies” o “The Old Dead Tree”. Las atmósferas parecen dejarte flotar como una pluma a lo largo de cada tema, en especial “I’ll Give Myself To The Wind”. Riffs ortodoxos propios del género con los agónicos y lacerantes gritos de Tim Yatras logran tener cautiva tu atención y sensibilidad a través de toda la obra. A su vez resultan dstacables los detalles minimalistas en forma de arreglos de piano y guitarras limpias “V” e intro de “With The Death of A Blossoming Flower”. Si alguna vez actúan en directo no dudes en ir a verlos pues es realmente difícil verlos, tan solo en dos ocasiones se han presentado sobre el escenario en toda su carrera.

Juan Carlos Espinoza

NEGURA BUNGET
“ZI”
Prophecy Productions

Desde la ciudad de Timisoara nos llegan los nuevos sonidos Black Folk atmosféricos y progresivos de Negura Bunget, que según Negru (Gabriel Mafa), significa La Negra Niebla que procede del denso negro y oscuro bosque, los bosques de Transilvania. Desde 1994, que inician como Rede Wicca, a día de hoy han desarrollado un sonido único y personal apabullante.

“ZI” (“Día”) es el título de su trabajo de 2016, publicado bajo el sello Prohpecy Records. El primer corte “Tul-ni-ca-rind” nos sirve de enlace con su trabajo de 2015, “Tau”, con el sonido de esos cuernos que nos indican el inicio del viaje, del ritual, de la ceremonia. El nombre del tema se repite como un mantra, que poco a poco, unido a los tambores ancestrales, preparan nuestra mente al viaje estelar Gradina Steletor.

Un trabajo con atmósferas de fondo que mantienen la tensión en la música, delicado y minimalista, que desde “Brazda de Foc” nos lleva a la impresionante “Baciu Mosneag”, uno de los mejores temas de esta placa por su fusión de ideas musicales. En “Stanciu Gruiul” escuchamos sonidos de folklore rumano, muy bien integrados en el concepto global. El corte final, “Marea Cea Mare” (“Gran mar”), recrea una atmósfera acuática en su sonido que genera esa sensación de flotar en un inmenso mar. Una obra genial.

Juan Espinoza

Neige y Winterhalter forman un duo mágico y sus discos así lo reflejan con un desarrollo musical sofisticado y creativo que les ha llevado hasta la edición de «Kodama» con el cual quieren regresar a sus raíces y endurecer lo compuesto en «Shelter». Neige es nuestro interlocutor para ésta y muchas otras cosas.

Por Carlos De La Puente

Empire (EM): Buenos días. ¿Qué tal estás?
Neige (N): Bien, ¿tú?
EM: Bien
N: (Interrumpe), hoy es día de promoción para el nuevo disco y estamos teniendo muchos feedbacks muy buenos, así que estoy muy contento.

EM: Vamos a hablar un poco de tu nuevo disco de estudio, «Kodama». ¿Qué me puedes contar de él?
N: No lo sé, ¿Qué es lo que quieres saber concretamente?
EM: Letras, la conexión con Japón…
N: Ah sí… Claro, es un disco muy diferente a “Shelter”, que fue muy melódico, era bastante más tranquilo. Ahora, con “Kodama”, hemos querido hacer algo más diferente, algo más agresivo, tiene un contraste bastante duro, las guitarras suenan más potentes y hemos vuelto a usar guturales. Es un contraste muy grande en comparación, también me gustaría añadir que la atmósfera es más oscura, más enfadada, la producción ha sido muy especial porque queríamos contener un sonido bastante más real, más orgánico.
Acerca de la relación con Japón… Se debe a que siempre he estado enamorado de Japón, y he estado allí un par de veces y quería transmitir eso con mi música. No es un disco que hable sobre Japón, solo tiene una pequeña conexión en la portada, en el título y a veces en las melodías, sobre todo en un par canciones.

EM: Tengo curiosidad… ¿Por qué has decidido hablar de la cultura japonesa en este disco?
N: El disco no es que hable de Japón, no es un disco conceptual sobre Japón, es más bien una manera de combinar el estilo con nuestra música, se puede notar perfectamente en la portada y esto es porque es un país que amo. He estado en Japón en un par de tours, tengo una conexión especial con el país, así que quería transmitirlo de alguna manera.

EM: ¿Qué significa Kodama?
N: Es el espíritu de un árbol en japonés pero también significa eco.

EM: Me ha gustado mucho el disco, pero en lo personal adoro “Eclosion” ¿Qué me puedes contar de esta canción?
N: Es una canción que tiene una gran melodía comparada con el resto del disco, tiene un sonido bastante similar a nuestro debut, aunque en este caso todo el disco tiene ese sonido. Es un sonido bastante rápido, algo que es bastante natural para mí. No sé que más podría decir, es una canción que tiene muchas influencias de diferentes grupos, por ejemplo Smashing Pumpkins, y se nota que tiene diferentes pasajes y un sonido que tiene muchas influencias.

EM: “Kodama” es un disco más duro en comparación con “Shelter” ¿Cuál crees que es la diferencia?
N: Como ya te he dicho antes, en “Shelter” la atmósfera era bastante más tranquila, el sonido era más diferente, mientras que en “Kodama” tenemos un sonido más furioso, los guturales, un sonido más oscuro. Otra diferencia notable es que “Shelter” tenía un sonido más cercano al Indie, mientras que este tiene un sonido más metalero.

EM: La portada podría presentar perfectamente un manga, una serie o una película japonesa ¿Qué es lo que me puedes contar de ella?
N: Pues no sabría qué decirte realmente, sí que tienes mucha razón en ese sentido y parece representar lo que dices. Lo que pasó es que recientemente vi la película de la Princesa Mononoke y eso fue lo que me inspiró, de hecho creo que fue lo primero que me inspiró a la hora de crear Kodama.
EM: Hablando de la Princesa Mononoke, ¿has visto otros títulos como “El viaje de Chihiro” o “El viento se levanta”?
N: Sí, sí. He visto muchas películas de este estilo, de hecho creo que son muy buenas. “Chihiro” fue la primera película que vi y rápidamente empecé a seguir este tipo de películas. También he visto “El Castillo Ambulante”. Pienso que el artista que las creó es un genio y que tiene una gran imaginación. También me gustan bastante los dibujos japoneses (ndr: aquí habla del manga o anime), como por ejemplo “Ghost in the Shell”.

EM: También me gustaría preguntarte por el tema de los guturales, ya que el disco tiene bastantes, ¿Cómo te has sentido al volver a hacerlos?
N: Pues la verdad es que tras “Shelter” queríamos hacer algo más agresivo, para mí ha sido bastante natural realizar los guturales, porque la propia música de “Kodama” los pedía. De hecho tienes que ver que algunos de los pasajes de “Kodama” son bastante intensos, pienso que usar los guturales no es algo exclusivo de las bandas de Death Metal o Black Metal, sino que también se pueden usar en momentos que la música te lo pida, es algo bastante obvio, para mí ha sido un placer volver a realizarlos.

EM: ¿Habrá planes para presentar este disco en Europa? ¿Y en España?
N: En Europa sí, en España no lo sé. Por el momento nadie nos ha reservado o eso nos ha comentado nuestra agencia de contratación. Nadie ha pedido llevar a Alcest a España.

EM: ¿Haréis festivales?
N: Sí, ya hemos tocado en bastantes festivales en Europa. Este año por ejemplo hemos tocado en Wacken, así que ahora con la publicación de “Kodama” nos pedirán estar en algunos festivales, supongo que en los más grandes.

EM: Bueno, eso es todo por parte de Empire. ¿Tienes unas últimas palabras para tus fans en España?
N: Sí, espero que pronto podamos volver a España ya que llevamos un tiempo sin ir por allí, será un placer volver a vuestro país y espero que “Kodama” guste a nuestros fans españoles.

Nunca hemos escondido las bandas fetiche de esta redacción y nuestros lectores saben que Antimatter es una de ellas. «The Judas table» es uno de los discos del año (http://empirezone.es/2015/10/05/antimatter-the-judas-table/) y Mick Moss siempre tiene un hueco para Empire.
Repasamos con él su última obra, las últimas giras y hasta del renacer del vinilo. Mick Moss al aparato…

Por Carmen Espejo

“The Judas Table” es un álbum conceptual que explora la mala energía producida por una relación con una persona tóxica. ¿Qué te llevó a escribir sobre ello?
Supongo que sencillamente llegué a hartarme de ser el objetivo de gente narcisista y clínicamente enferma: manipuladores, aprovechados, sociópatas, y abusones. Tengo una gran empatía, así que caigo presa fácilmente de la crueldad y la insensibilidad, aunque hoy en día estoy haciendo todo lo que puedo para identificar ciertos patrones de comportamiento de una forma más rápida, de modo que pueda distanciarme de ellos y así protegerme. Pero, durante los últimos veinticinco años, he sido víctima de este tipo de personas, y ello me ha causado muchas depresiones y un montón de vida malgastada; mi vida. He tomado la determinación de que los próximos veinticinco años no serán así, y “The Judas Table” viene a afirmar un montón de poderosas conclusiones a las que he llegado recientemente.

¿Crees que la traición forma parte de la naturaleza humana?
Desgraciadamente, sí. Hay estudios que afirman que la así llamada “Generación del milenio” o “Millennials” está alcanzando un mayor nivel en cuanto a privilegios y narcisismo en comparación con la “Generación X” o la del “Baby Boom”, así que la sociedad está produciendo más y más individuos que son cada vez más propensos a traicionar a otros.

Has hecho una grabación comentando el álbum, tratando una a una cada canción. ¿Es más importante con éste álbum entender de qué trata cada tema para conseguir la experiencia completa?
Durante años me he preguntado por qué los artistas no hacían un audio con comentarios de cada canción en sus álbumes; parecía una gran idea. Como también soy un fan rabioso de la música, personalmente me encantaría escuchar a algunas de mis bandas o artistas favoritos grabar algo así. Me aferré a la idea durante un tiempo y esperé al momento oportuno. Sería genial si la idea se extendiera un poco y otras bandas se sumaran a grabar comentarios sobre sus álbumes en el futuro. Creo que me sentiría orgulloso de ello. Grabarlo fue relativamente fácil, ya que normalmente tengo muchas cosas que decir acerca de mis canciones. Los comentarios no llegan en total a los sesenta minutos, y no falta información sobre ninguno de los temas. Escuchándolo de nuevo, estoy contento con el equilibrio conseguido entre los diferentes temas de las letras, detalles técnicos, emociones, y las espontáneas pinceladas de humor. ¡Creo que haré lo mismo para el siguiente álbum!

El diseño del disco ha cambiado mucho en relación a los anteriores. ¿De dónde viene la idea?
El diseño, básicamente, representa esto: si una persona cuerda se encuentra a sí misma en una relación con una persona demente, el trato que recibe puede conducirle a la locura. ¡Y el recuerdo de esa experiencia mantendrá esa locura!

¿Qué tal fue tu última experiencia girando en España? ¿Planeas volver, quizás con la banda al completo?
El concierto en Barcelona fue una verdadera experiencia. Entré en la sala y había tanta gente que olvidé que estaban todos allí para ver el espectáculo. Hasta que me puse en pie sobre el escenario, no me di cuenta exactamente de cuántas personas habían acudido, y estaban TODOS en calma y respetuosos, ciertamente no como recuerdo los conciertos en acústico antes de que los dejase para dar paso a los de la banda en eléctrico. Fue una velada inolvidable, ¡y estoy deseando volver y llevar a la banda la próxima vez!

¿Dónde habéis estado tocando este verano? ¿Algún festival? Háblanos de tu experiencia en el Overload. Tocasteis con grandes bandas, como Mono, Paradise Lost, Riverside, Anathema…
Overload fue maravilloso y había un verdadero sentimiento desde el público de que habían esperado mucho tiempo para ver a Antimatter en directo. Bueno, supongo que “Saviour” salió allí en 2003, ¡así que doce años! Hemos tocado en un montón de festivales este año, más que nunca antes, y ha sido una verdadera curva de aprendizaje. Estuvimos en el Metalhead Meeting de Romanía, Wave Gotik en Alemania, Overload en Brasil y Castle Party en Polonia, por nombrar algunos.

Acabáis de terminar una extensa gira, con el álbum recién editado ¿Cuáles eran tus expectativas, y cómo ha ido?
“The Judas Tour” ha sido el tour más exitoso de Antimatter hasta ahora, así que ha sido una experiencia genial. Había una sensación real de que la banda en directo, al completo, estaba viva y respirando. Las nuevas canciones sonaron genial y fueron un estímulo y un aporte de energía para el set list. ¡Realmente quiero disfrutar este momento, la verdad!

¿Qué disfrutas más, los acústicos o eléctricos?
Depende de la sala y del público, realmente. Es totalmente inapropiado salir al escenario en un festival de rock y ponerse a tocar canciones sutiles con una guitarra acústica, sin nada que te respalde excepto unos pocos instrumentos desnudos. ¡Créeme, yo lo he hecho, y lo sé! Por otro lado, he ido a algunas salas pequeñas con una capacidad de menos de 100 personas y he intentado tocar un set con la banda completa, lo que también se siente fuera de lugar. La verdad es que hay pros y contras tanto en acústico como en eléctrico y me encantan los dos formatos. Pero tienen que ser en el momento y lugar adecuados.

¿Qué música escuchas últimamente?
Ahora mismo, escucho una gran vieja mezcla de todo. Mi colección digital de música está constantemente sonando en random, así que es una mezcla de cosas. El último álbum que escuché fue “Paper Gods”, de Duran Duran, esta misma tarde. Tengo una buena colección de vinilos en casa con una estantería de folk y rock de los 60 y 70, y otra con synthpop de los 80. Todavía me gusta recolectar vinilos de vez en cuando. Estoy contento de que el vinilo esté de vuelta, aunque no estoy de acuerdo con la mayoría de reediciones en vinilo masterizadas digitalmente que están saliendo últimamente; para mí, se pierde el objeto… ¿Por qué querría alguien escuchar un cd en wax? En mi opinión, el vinilo debería ser AAA (grabación analógica, máster analógico, portadora de sonido analógico) ya que la forma de onda permanece completa.

¿Sigue adelante el proyecto de Sleeping Pulse? ¿Hay alguna fecha en directo programada?
Me reuní con Luis Fazendeiro recientemente en Portugal y tuve un rato para sentarme con él y ver dónde tiene su cabeza ahora mismo, con el fin de planear los próximos años. Luis esta aún terminando un trabajo con su otro proyecto, así que el próximo álbum de Sleeping Pulse debería tardar un tiempo, ya que él necesitará tomar un buen descanso antes de poder empezar a escribir nuevas canciones. Una vez que eso suceda, por supuesto yo necesito empezar a escribir nuevas letras y melodías vocales sobre su música, así que todo el proceso será largo. En una visión global de las cosas, yo imagino que Sleeping Pulse será una trilogía de álbumes. Una vez que el segundo álbum esté grabado y editado, empezaremos a planear algunas fechas de directo, pero, como te comentaba, eso será dentro de algún tiempo.

También has editado un timeline como introducción a Antimatter, con Prophecy. ¿Fue idea tuya o suya?
Realmente, la idea vino de Aftermath Music, quien contrata las actuaciones de Antimatter. La idea original vino del hecho de que en 2015 tuvimos una cantidad de apariciones sin precedentes en festivales, frente a un montón de gente, de entre la cual un gran porcentaje no conocía a Antimatter de antes. La línea de pensamiento fue que esas personas podrían ir a casa y chequear a Antimatter digitalmente, en Spotify, Youtube… Y dar con uno de los álbumes de los comienzos, o con Alternative Matter, o con algo que no representa lo que acaban de escuchar en directo; estar confusos sobre si han buscado a un artista diferente, y dejarlo para ponerse a hacer alguna otra cosa. Estuve de acuerdo en que había una necesidad de un punto de partida digital para los nuevos fans, un punto de partida que estuviese arraigado en el presente.

Has grabado un vídeo para la canción “Stillborn Empires” que para mí es la canción más poderosa del álbum. ¿Estás satisfecho con el resultado?
¡Si! Hice el vídeo con Tomfoolery Pictures en Liverpool. Tenía una idea de cómo podía quedar el vídeo, con marcos lentos entrelazados, y también con el personaje del hombre de negocios con cabeza de cerdo que al final se arranca la ropa revelando el cuerpo de una bailarina de lapdance debajo. Todo se basa en el tema de la canción de utilizar el sexo para progresar en los negocios. Owen, de Tomfoolery Pictures, tomó mi idea y la expandió considerablemente para incluir un montón de imágenes frescas y elegantes, y estoy contento de haber elegido a la gente correcta para trabajar en ello, ya que el video resultante es impresionante.

¡Muchísimas gracias, Mick! ¡En Empire nos encanta el nuevo disco y estamos deseando verte pronto en el escenario!
¡Genial! Estoy deseando volver. ¡Saludos!

Antimatter es una banda que no ha recibido aún toda la atención que merece, siendo como es una de las mejores bandas de dark rock actual. Esto bien podría cambiar tras la salida de este fantástico álbum.

El estilo de Antimatter ha evolucionado mucho desde sus comienzos y su época con Duncan Patterson (ex Anathema). Con tintes depresivos y metaleros, pero banda de rock al fin y al cabo, han creado su propia atmósfera gracias a sus melodías y a la increíble voz de Mick Moss.

Tres años después de “Fear of a Unique Identity”, llega su sexto álbum de estudio, con la portada más controvertida y directa hasta ahora y que directamente relacionamos con el tema del disco. “The Judas Table” es un álbum conceptual basado en el engaño, la traición, la falsedad y la hipocresía. Sentimientos con los que todos podemos identificarnos y que se reflejan en las letras, la música y en las sensaciones de calma que produce la escucha.

Nos encontramos ante uno de los mejores discos de Antimatter hasta la fecha, en la línea de “Fear of a Unique identity”, aunque quizás más melancólico, y cercano al estilo y al sonido del fantástico “Leaving Eden”.

Comienza el disco y los primeros acordes ya llevan el sello característico de Antimatter; “Black Eyed Man”, con voz profunda sobre oscuras melodías, es un gran comienzo de álbum, ya que contiene todos los elementos que definen hoy en día a Antimatter.

Destaca “Comrades”, con Mick Moss en esencia pura, sirviéndose de su voz y su guitarra acústica. Con cambios dinámicos y un tono de voz especialmente sombrío, es absolutamente emotiva, y está a la altura de sus mejores temas.

Destacables también “Stillborn Empires” y “Killer”, siendo la primera de ellas una de las mejores composiciones del álbum, moviéndose desde un comienzo melancólico hacia un final pesado y trepidante. “Can of Worms” con un gran solo, y “Holes”, son otras joyas.

En definitiva, melodías de piano y guitarras que crean una atmósfera envolvente, ritmos de batería contundentes, coros que encajan a la perfección… Mick Moss ha formado un conjunto sólido.

Disco con más ritmo; más progresivo y experimental, que saca lo mejor del inconfundible carácter de la voz de Moss. La dulzura, pasión y melancolía que transmite hacen de él un artista único.

Estará disponible a partir del 9 de Octubre en las siguientes ediciones:
CD
Doble CD que incluye comentarios de Mick Moss sobre el álbum
Doble LP limitado a 500 copias con poster incluido
Box Set limitada a 250 copias a través de la tienda online de Prophecy con el doble CD y algunos extras.
Puedes comprar tu edición preferida en:
http://en.prophecy.de/antimatter-the-judas-table.html

DARKHER
“THE KINGDOM FIELD”
Prophecy Productions

Hace unos meses, salió a la venta un trabajo que pasó desapercibido en la redacción. Ante esa injusticia, repasando el archivo musical, me he topado con Darkher y su EP debut, “The kingdom field”.

La amalgama de sensaciones que transmiten estas cuatro canciones confirman aquello de que definir solo es encorsetar. La voz de Jayn H. Wiessenberg recuerda a los grandes nombres de los noventa del Gothic/Doom y, por si fuera poco, ella misma se encarga de las guitarras y programaciones. Apenas dos músicos de sesión completan la formación. No cabe duda que Darkher y Myrkur están marcando una nueva tendencia.

Basado en la guitarra como instrumento canalizador de emociones, Jayn consigue crear un sonido envolvente al que añade capas de teclado muy ambientales para obtener atmósferas sobrecogedoras. No hay sobresaltos ni aspavientos, solo el deseo de transitar por la cornisa de la oscuridad siguiendo una cadencia lenta y de asfixia. No cabe duda de que Darkher han grabado un disco lleno emociones que trasciende más allá de la música ambiental y del Doom.

“The kingdom field” apenas es el aperitivo del disco completo que sacarán en los próximos meses. Darkher están en la discográfica adecuada para desarrollar una carrera consistente.

Marc Gutiérrez