TOUNDRA + ALCEST + JARDIN DE LA CROIX + VIVA VELGRADO
30/04/2016 Barclaycard Center ( The Box ), Madrid.
Promotor: Holy Cuervo, Madness Live! Prods

Toundra llevan años ocupando portadas, espacios radiofónicos y televisivos, escenarios por todo el país incluyendo los más importantes festivales, y siendo protagonistas de muchos y diversos debates musicales. Ellos encabezan, desde hace un tiempo y a base de mucho trabajo y esfuerzo, ese estilo llamado Post-Rock tan popular últimamente, incluso entre un público al que no le interesaba en demasía esto del Rock y el Metal.

Así que, para finalizar la extensa gira española que les ha llevado por incontables ciudades presentando su flamante “IV”, su disco con mayor número de ventas si no me equivoco, a los madrileños se les antojó despedir esta gira a lo grande, en su ciudad y en un inmenso Palacio de los deportes (ahora Barclaycard Center, nombre horrible, por cierto) junto a tres bandas relacionadas con ellos como eran los cordobeses Viva Belgrado, Jardín de la Croix y los franceses Alcest.

Obviamente, el Palacio estaba acotado a la mitad, ¿o alguien pensaba que un estilo musical como este reuniría a 15.000 personas? Ya lo harían Muse a la semana siguiente…

Lo de la pasada noche fue dedicación, ilusión y riesgo, los únicos factores culpables de una noche inolvidable para bandas y público. Hay cosas que hay que hacerlas sí o sí, y Toundra han sabido hacerlo en uno de los mejores momentos de su carrera, si no el mejor. Arriesgaron, apostaron y ganaron.

 A las siete y media de la tarde y cumpliendo con los horarios programados, salían a escena los cordobeses Viva Belgrado con su Post-Rock apocalíptico y enérgico y con la desquiciante voz de Cándido Gálvez como hilo conductor y discordante a la vez. A medida que la banda iba descargando con más intensidad temas como la inicial “Báltica”, “De carne y flor” o “Archipiélagos”, el Barclaycard Center empezaba a acoger a más y más gente mientras miraban atónitos la estridente descarga de Viva Belgrado, quienes durante la media hora escasa de actuación dejaron anonadados a gran parte del público.

Jardín de la Croix poseen talento como para llegar a donde han llegado Toundra o más aun si cabe. Técnica y virtuosismo de vértigo son las señas de esta potentísima banda que suena aún con más pegada en directo, comparado con el estudio, especialmente quienes se sustentan en los vertiginosos tappings de guitarras dobladas por parte de Ander Carballo y Pablo Rodríguez además de las impresionantes líneas de bajo de Nacho Hernández. Si a todo esto le sumamos un impactante y efectivo juego de luces y la energía de sus miembros en vivo da como resultado una descarga que, si bien no sonó lo nítida que merecía, resultó apabullante.

Alcest era la banda “rara” en este mini-festival y a priori menos conocida por la gran mayoría, ya que su propuesta no encajaba demasiado con la fiereza de Viva Belgrado, Jardín de la Croix o Toundra, bandas que provienen de otras sonoridades alejadas del Shoegaze con tintes blackmetaleros de los franceses. Cuando Alcest salieron, tímidos, a escena bajo un manto de humo azul, el madrileño recinto ya presentaba un lleno considerable. A Neige lo de ser frontman le va grande, siempre le ha ido, y si a su melancólica propuesta le sumas sus quehaceres en el escenario pues queda lo que quedó, una descarga descafeinada y falta de pegada que solo convenció a los más acérrimos de la banda entre los que me incluyo, pero reconociendo que la intensidad musical sobre el escenario disminuyó notablemente.

Que sí, que estuvieron mucho mejor que en el primer Be Prog! My friend Festival, pero ni las guitarras sonaron con la distorsión que debieran ni supieron llegar a un público al que les llegaron a resultar pesados. A pesar de eso, fue inevitable disfrutar y dejarse el cuello con “Percées de Lumière” uno de los momentos álgidos del concierto, “Autre temps”, “Souvenirs d’un autre monde” o la que cierra su último de estudio, “Délivrance”, con Neige solo en el escenario, despidiéndose.

Y tras Alcest llegaba el plato principal de este exquisito menú servido en uno de los sitios más selectos de Madrid para la música en vivo. Tras muchos meses de trabajo, veíamos cómo subía el telón del concierto más ambicioso que han dado nunca Toundra hasta la fecha.

Sabíamos que iban a estar acompañados por una orquesta, lo que no sabíamos era que esta estaría en una planta superior sobre el escenario, dejando abajo espacio para la banda y creando visualmente un magnífico cuadro irrepetible. En medio de un inquietante silencio abrió tímidamente la sección de cuerda orquestal mientras Toundra tomaban posiciones para entrar a matar con “Ara Caeli”.

La banda estaba exultante, eufórica, en especial Esteban (guitarra), quién no dejó de animar a un público entregadísimo mientras, en el otro lado del escenario, Maca y sus punteos nos hacían disfrutar como a niños. La gran cantidad de láseres distribuidos por el escenario, incluso entre los miembros de la orquesta y la enorme pantalla de LEDs que separaba a banda y orquesta eran espectaculares, encajando perfectamente con los temas elegidos entre los que se encontraban “Zanzíbar”, “Oro rojo”, la preciosa “Requiem” o “Bizancio”. Para terminar, y en forma de bis, cerraron con “Magreb” y, desgraciadamente, con “Cielo Negro” en el tintero por culpa de la organización, algo que ni les iba ni les venía y que pudo haber sido el broche de oro de una jornada inolvidable para todos los que estuvimos allí para contarlo.

Texto: Jero García
Fotos: Irene Serrano

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The Aristocrats
24 de enero de 2016, Razzmatazz 2, Barcelona
Promotor: Madness Live!

Estaréis de acuerdo conmigo si afirmo que no suele ser habitual, en la mediana de las Razz, ver una cola que va de puerta a pie de calle, escalinata incluida, a diez minutos de la apertura de puertas. ¿El motivo? Pues que, mal nos pese, si bien este internacional super-power-trío jamás llegará a llenar estadios, sí consiguen congregar allá donde vayan un buen amasijo de fieles incondicionales, deseosos de clavarse en las primeras filas para contemplar al detalle cada uno de sus movimientos. Hecho comprensible, como ya demostraron el año pasado en su anterior visita a la Ciudad Condal, cuando preguntaron cuántos músicos había en la sala, y tres cuartas partes de Luz de Gas alzó la mano. No todos los meses puede un músico contemplar tan asombrosa alineación de astros sobre unas tablas; a Tres Caballeros representando, cada uno de ellos, los más altos exponentes de maestría en los instrumentos mínimos e indispensables de una banda de rock.

La espera para entrar se hizo eterna, puesto que por motivos de seguridad, se cacheó o registró a cada uno de los asistentes antes de entrar en sala, y por ello la cola avanzaba lentamente. Cuando me encontré cerca de la ansiada puerta, miré atrás para comprobar que la cola no había hecho más que aumentar en longitud, y esto era indicativo de que la fiesta empezaría tarde, aunque el buen ambiente lo íbamos a tener asegurado. Ya una vez dentro, pude amenizar la espera charlando con multitud de amigos y conocidos. Cuando el aforo de la sala y la paciencia de algunos se acercaban a sus límites, el respetable empezó a reclamar a la banda a golpe de silbido.

Y ya no se demoraron más. Majestuosamente, ante el clamor popular, tomaron sus posiciones los tres Aristócratas, y de un súbito se formó un silencio casi sepulcral, digno de auditorio, que se cortó de golpe con ese helicóptero militar armado hasta los dientes que es “Stupid 7”. ¡Y qué manera de despegar! A pesar de encontrarme en el foso disparando mi cámara a ritmo de tan endiablados compases, el sonido –aún viniendo de los monitores– se percibía cristalino, incluso en la batalla de instrumentos que es este tema, y en la que se me hacía imposible no sumarme al juego, bailoteando con la cabeza en cuando apartaba el ojo del visor para cambiar de posición dentro de la trinchera. Y es que, mientras estos tres genios tocan, emanan un “buen rollete” de lo más contagioso; se les nota tan sueltos, relajados y cómodos que cualquiera diría que se encuentran entre amigos, disfrutando de su pasatiempo favorito. Y no solo cuando tocan, puesto que en cada pausa, como ya viene siendo tradición, no dejan de soltar chascarrillos y contar las divertidísimas anécdotas que hay tras cada tema. Es una experiencia del todo singular. Lo único que sí se les puede achacar es que son parcos en cuanto a movilidad por el escenario, aunque ya viendo la colocación del equipo se antojaba tan previsible como comprensible, donde los tres gurús quedan recogidos en un reducido espacio donde acaparar simultáneamente las miradas de todos.

El derroche de talento en cada uno de los temas es descomunal. Asistir a un concierto de este calibre es, para muchos, una oportunidad ineludible para presenciar una triple masterclass, el dominio del instrumento es absoluto y la creatividad y la “lírica” no se ven mermadas ante semejante derroche de talento. El lucimiento de cada intérprete va variando en función de quién escribió cada pieza. Por ejemplo, en “Texas Crazypants” el bajo de Beller suena arrollador, y lo tañe al unísono de la centelleante mano de Gurthie, sin despeinarse en el intento, como quien tricota una bufanda. En la siguiente, “Preasure Relief”, Marco nos cuenta acerca de su ex-novia barcelonesa, y deja a todos boquiabiertos, ¡tocando un sintetizador de su móvil a mitad del tema! Y en el ya emblemático tema homónimo de su anterior trabajo, “Culture Clash”, Gurthie Govan se marca unos cambios de ritmo que nos dejan a todos con la cadera torcida, y que el Dr. Minnemann nos recoloca con un incesante blast-beat final.

Texto y fotos: Meri Gaig

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Be Prog! My Friend 2015
11 de Julio de 2015, Poble Espanyol, Barcelona

Introducción
Segunda edición del “niño bonito” de Madness Live! o lo que es lo mismo, el Be Prog! My friend. En esta segunda convocatoria, esperadísima por un gran número de acérrimos al festival, la organización tomó nota de los errores del año pasado y los solucionó, aunque no estuvieron exentos de nuevos como, por ejemplo, la inclusión de un segundo escenario del cual os hablaremos más adelante, decisión no muy acertada, por cierto.

Se evitaron, aunque no totalmente, las colas de acceso al recinto, se reubicaron los puestos de compras de fichas para la bebida evitando las colas del año pasado, el merchandising estaba estratégicamente instalado, se inauguró un stand de firmas donde los fans pudieron hacerse fotos con un buen número de artistas y llevarse firmado lo que trajeran de casa, etc…

Riverside
Pasados los breves –aunque subjetivamente interminables– controles de seguridad, nos abalanzamos deprisa y corriendo sobre la Plaza Mayor del Poble Espanyol para contemplar, un año más, y con una sonrisa de oreja a oreja, la singularidad de un emplazamiento tan maravilloso como ese, ya notablemente abarrotado de prog-heads enfrente del escenario principal.

Estaban ya presenciando, atónitos, bajo un achicharrante sol, la actuación de los polacos Riverside, quienes decidieron abrir la tarde con la inédita “Lost (Why should I be frightened by a hat)”, de su inminente álbum “Love, Fear and the Time Machine”. Unos títulos tan chiflados fijo que solo pueden haber salido de la cabeza del genial y alocado teclista del grupo, Michał Łapaj (sí, acabo de buscar el nombre en Wikipedia). Un tema con muchos dejes de los mejores Queen, acompañado casi en su totalidad del estruendoso Hammond de Michał, y que funcionó tan bien como introducción como seguro lo hará en el disco que aún está por salir.

Messenger
Tras la deliciosa descarga de Riverside y sin dar ni diez segundos de respiro, daba inicio la actuación de los ingleses Messenger en el Second Stage, o lo que es lo mismo, la pérgola esquinada que se encuentra dentro de la misma plaza del Poble Espanyol.
Es obvio que Madness ha querido hacer crecer el festival, debido a la demanda por parte del público y bandas propiamente dichas para tocar en él pero, desafortunadamente, los peores parados fueron aquellos que tuvieron que tocar en dicho escenario. La visibilidad era prácticamente nula y a no ser por los músicos que se atrevían a salir fuera de la carpa y dejarse ver entre las columnas, como fue el caso de Ross Jennings de Haken, la interacción con el público era inexistente.

La actuación de Messenger, que estrenaban el Second Stage, compuesta por cuatro de los siete temas que componen “Illusory blues” a pesar de algún que otro problema de sonido y su corta duración, fue toda una demostración de rock setentero con tintes psicodélicos que hizo vibrar a los seguidores de los sonidos más clásicos. [JG]

Ihsahn
Tras Messenger, turno para uno de los artistas más esperados del festival, ni más ni menos que el prolífico y en estado de gloria Ihsahn.

El noruego, quien pisaba la península por primera vez, a pesar del horrible sol con el que tuvo que lidiar, ejecutó una actuación para recordar. No sabemos el motivo, pero no contó con bajista para la ocasión, así que tuvo que apañarselas únicamente con un nuevo pupilo a la guitarra, a quien se le vio inseguro en ocasiones pero que lo dio todo, y con el salvaje Tobias Ørnes de los también noruegos Shining, quien demostró por qué es uno de los mejores baterías de la actualidad.

En “Darkest Light” brilla el trabajo al bajo de Conner Green, el último fichaje de la banda, y del que tenemos unas ganas locas de escuchar sus aportaciones en el siguiente larga duración.
La reducida visibilidad de su escenario no supuso mayor problema para la banda londinense, puesto que no dudaron en sacar la cabeza entre las gruesas columnas de granito, o de darse un paseo por la pasarela frontal como hicieron el vocalista o Diego cuando se colgó del hombro su imponente keytar.

Pero es una pena que a estos chicos nunca les haga justicia la mezcla cuando Jens Bogren no está tras las mesas, un hecho del todo comprensible, puesto que sonorizar unas composiciones tan intrincadas como las de Haken tiene que ser uno de los mayores retos a los que pueda enfrentarse un técnico de sonido, quien bien debería considerarse como el séptimo miembro de la banda.

No obstante, se le resta importancia al asunto cuando consigues hacer saltar, corear y bailar a la mitad de tu audiencia con “Cockroach King”, himno instantáneo del grupo, y que consigue que la viva, cada vez más, cuando la escucho en directo.
Y para cerrar, los 19 minutitos de la maravillosa “Crystallised” que nos supieron a auténtica gloria, y a la que solo le faltó a Mike Portnoy al Gong, aunque visto lo visto, todo se andará. [ML]

Katatonia
Con algunos minutos de retraso sobre la hora programada, salían a escena los suecos Katatonia, con bastante buen sonido y abriendo con “Buildings” de su último “Dead End Kings”. La banda, que desde Septiembre no pisaba un escenario, basó su repertorio en los últimos tres discos de estudio, olvidándose de épocas pasadas, algo que muchos no les acabamos de perdonar, y rescatando tan solo “Ghost of the sun” del ya clásico Viva Emptiness. Pudimos ver a un Jonas Renske bastante más delgado y “algo”, solo “algo” más cercano y comunicativo, haciendo incluso algún que otro juego de palabras con Katatonia-Catalonia, pero poco más. Al que también vimos con bastantes menos delirios de grandeza y más concentrado en su tarea fue a Anders “Blakkheim” Nÿstrom, quien se despachó a gusto con sus inconfundibles y oscuros riffs, y a un Niklas Sandin al bajo activo como pocas veces hemos podido ver. Obviamente, echamos de menos a un pilar básico en la banda como fue durante muchos años el gran Daniel Liljekvist a la batería, ocupando su sitio desde su ida el también prolífico Daniel Moilanen. Cómo no, los temas más celebrados por el público fueron aquellos pertenecientes a “The great cold distance” como “Soil’s song”, “My twin” o “July”.

Impecable actuación de los suecos a la que solo les faltó haberse celebrado bajo el manto de las estrellas. [JG]

Vincent Cavanagh
A las 20:30, guitarra en mano, aparecía el bueno de Vincent Cavanagh quien, in extremis, y gracias a la buena relación con Madness, aceptó sustituir a los ingleses IQ, quienes cancelaron una semana antes su actuación por desavenencias con la promotora, agencia, etc…

Era la primera vez en su carrera que Vincent aceptaba un reto de tal envergadura y, como no podía ser de otra manera, salió airoso. ¿A quién le desagrada escuchar en directo “Fragile dreams”, “Deep”, “Thin air”, “Flying”,“The beginning and the end” o “Distant satellites” en formato acústico? A nosotros no, desde luego.

Suponemos que, como guiño al idioma, sorprendentemente y con dudoso éxito, el de Liverpool acabó con una versión del tema “Mentira” de Manu Chao. Aparte del final incompresible, Vincent se lo pasó en grande ratificándose, por segunda vez, amante incondicional del Be Prog! My friend. [JG]

Devin Townsend Project
Según palabras del bueno de Devin, veinte largos años han pasado desde su anterior visita por estas tierras y, dada su destacada posición dentro de la escena progresiva, hacía que las ganas de verle fueran máximas, tanto que podría incluso haber figurado como principal cabeza de cartel del evento. Su puesta en escena es digna este estatus en el que se encuentra, figurando constantes y exagerados gestos y expresiones, soltando divertidos chascarrillos cada dos por tres; como el de «¡La puta Rana Gustavo!» –cosas de tener un roadie de por aquí–, y sin olvidar su mastodóntica nueva guitarra humeante, con chiribitas por doquier.

En temas como «Supercrush!», «Kingdom», o la frenética «More!» echamos mucho en falta la colaboración de nuestra amada Anneke al micrófono y, aunque todos teníamos la vacua esperanza de que saltara al escenario en cualquier momento, nos conformamos con la espléndida suplantación del canadiense. De «More!», queremos destacar el lucimiento que se marcó el señor van Poederooyen a los parches. Todo un portento.

Leprous
Antes os hablaba de un podio de gustos personales, ¿recordáis? Pues, si lo menciono de nuevo, es para introduciros a los noruegos que lo encabezan de manera indiscutible. Lo de Leprous no ha hecho más que despegar, y ya consiguen mover unas notorias masas con los fans más sibaritas del metal progresivo, de los que me encontraba totalmente rodeada en segunda fila.
Abrieron su ESPECTÁCULO con “The Flood”, un tema que hizo de intro con su suavísimo inicio, pero con ese repentino clímax que llega sin avisar, y que se me antoja como uno de los mejores arranques de directo que he podido presenciar de esta banda.

Continuaron con “The Price”, otro tema de su novísimo disco “The Congregation”, y del que las primeras filas del Second Stage coreamos su pegadizo fraseo inicial a pleno pulmón y de manera constante. Esto me dificultó comprobar cómo sonaba la interpretación de Einar Solberg en los falsetes, puesto que es la parte que peor parada sale de las actuaciones de los de Notodden. Lo que sí quedó clara fue la soltura de Baard Kolstad en los temas donde ha colaborado, reproduciendo fielmente las líneas de batería originales, a diferencia de su pasada actuación por estas tierras, donde se mostró más “creativo”.

La fogosidad del público se templó un poco con “Chronic”, en la que ya conseguimos escuchar unos curiosos arreglos vocales en los falsetes de Einar, y quien hizo gala de su nueva técnica de canto rasgado en las partes más intensas de la canción, que le permite rayar a un mejor nivel durante toda la actuación.
La épica “Rewind” volvió a hacer enloquecer al respetable y, para que no decayera, empalmaron con otro clásico temazo como es “The Valley”.

¿Quién necesita una guitarra de puente flotante pudiendo contorsionar el cuerpo de esta como hace TorO? Así es como arranca “Slave”. El guitarra estuvo magnífico, pero nos apenó no poder oír demasiado su voz en los coros. Ya con estas, nos presentaron en directo las que, para mí, son las mejores pistas de su último trabajo, y fue una auténtica gozada. Y para los que se quedaban con ganas de temas más antiguos, decidieron cerrar con la imprescindible “Forced Entry”, una grandiosa canción que esconde bastante picaresca entre sus letras…

Si bien tanto el emplazamiento del escenario como la claridad del sonido mellaron un poco en su espectáculo, cabe decir que fue una de las actuaciones clave de la noche, que sin duda nos deja ávidos de acudir a su próxima cita a este país dentro de unos meses. [ML]

Camel

Camel, quienes lograron atraer a una gran cantidad de seguidores independientemente del festival en si, pagando estos tan solo por verles a ellos, ofrecieron un show de una calidad pasmosa logrando enmudecer a todo el recinto, en parte gracias a los majestuosos solos del señor Latimer. Aunque los británicos estuvieron en la sala Barts del Paralelo hace unos meses, nada impidió que su público volviera a volcarse con ellos.
Con un sonido cristalino y un juego de luces hipnótico, Camel ofrecieron toda una selección de clásicos; abrieron con la preciosa “Never let go” con una banda, a pesar de las edades de sus miembros, engrasada y meticulosa como siempre lo ha sido.

Otras de las piezas que fueron desgranando paulatinamente fueron la exquisita “Spirit of the water”, la mística “Air born” con esa flauta que pone el vello de punta a cualquiera, o “Lady fantasy” del imprescindible «Mirage», con la que cerraron una de las actuaciones más brillantes de esta edición. [JG]

The Algorithm
Tras la fuga masiva de los que solo se acercaron a la montaña de Montjuïc a ver a Latimer y los suyos, turno para el francés Rémi Gallego en el mini escenario, que bajo el nombre de The algorithm ofreció media hora de auténtica locura musical, mezclando metal y electrónica sin compasión. Curiosa propuesta que sirvió, todo sea dicho, para que muchos aprovecharan para descansar, cenar o lo que fuera necesario… [JG]

Meshuggah
Era la una y media de la madrugada cuando los suecos Meshuggah, cuestionados por muchos por su inclusión en el cartel, fueron los encargados de destrozar por último el escenario principal. Muchos ya habían abandonado el recinto, presas del cansancio y de las largas doce horas de música en directo bajo un sol de justicia; aún así, fueron muchos, la mayoría de edades tempranas, los que aguantaron hasta el final para apoyar a los pioneros del Djent.

Una vez más, problemas de sonido al finalizar “Rational gaze”, que no se solventaron hasta pasado el ecuador del concierto, cuando empezó la apisonadora sueca a aplastar cráneos como solo ellos saben hacer. Espectacular juego de luces y atrezzo en un escenario con banderas a ambos lados y con un Jens Kidman, como siempre, desquiciado y desgarrando su voz como nos tiene acostumbrados. Sobredosis de contundencia y virtuosismo musical que no hizo más que confirmar que la contratación de Meshuggah fue más que un acierto. [JG]

Robot Porn y cierre
El dúo Robot Porn formado por el guitarrista Achokarlos y la Dj Lorena Frantic con su propuesta Metal/Dubstep fueron los encargados de bajar los interruptores hasta el año que viene en el que, según parece, volveremos a disfrutar de una tercera edición. En Empire ya estamos haciendo quinielas con las posibles confirmaciones de cara al 2016. [JG]

Fotos:
[IS] Irene Serrano Photography

Textos:
[JG] Jero García
[ML] Meri «MeriLET» Gaig

Galería Flickr del evento:

Steven Wilson es una de las más rutilantes figuras del Rock Progresivo, un referente para toda una generación, bandas incluidas. No fue fácil acceder a él pero los astros se alinearon y Meri Gaig charló abiertamente con él, de tú a tú, transformando su música en palabras, deconstruyendo una historia para construir su escenario perfecto, desnudando “Hand. Cannot. Erase.” Para vestir una obra madura y compleja.

Por Meri Gaig

“Hand. Cannot. Erase.” es un álbum que atrapa ya desde la propia portada. Cuéntanos acerca del enigmático y cautivador artwork creado por Lassie Hoile.
Creo que todo, desde el artwork, el sitio web, la música, las letras; la historia básica detrás del disco, es un relato sobre una joven que al crecer se va a vivir al corazón de una enorme y ajetreada área metropolitana (que en mi cabeza es Londres aunque podría ser cualquier gran ciudad), y quien, gradualmente, se va retirando del mundo y se aísla a sí misma, hasta el punto en que esencialmente borra su propia existencia y desaparece totalmente, se vuelve invisible. Estaba totalmente fascinado con esta idea, ya que está basada en hechos reales, en la tristísima historia de una joven llamada Joyce Carol Vincent, quien fue encontrada muerta en su piso de Londres y su cuerpo estuvo allí durante tres años sin ser descubierto. Esto inició el proceso de hacerme pensar cuán fácil es desaparecer hoy en día en pleno bullicio, y si además eres una persona predispuesta a querer evitar el contacto con el mundo y el resto de la gente, cosas como internet te lo pueden facilitar mucho.
El artwork, pues, ilustra todo esto. Cuando me senté con Lassie, estuvimos hablando sobre la historia de esta chica, desde su infancia hasta en toda su esencia, de cómo pudo haber llegado a este punto de su vida donde quiere apartarse del resto de la humanidad.

Así pues, todo el artwork gira alrededor de este personaje ¿no? Se han sacado cientos, si no más de mil fotografías centradas exclusivamente en la figura de la chica.
¡Totalmente cierto! El hecho de que el personaje se encuentre en una situación de total reclusión hace que todo gire alrededor del personaje. Realmente, no hay otros personajes en la historia más que los que ella guarda en su memoria o incluso su imaginación. Todo es acerca de este diálogo interno que ella mantiene consigo misma; y al leerlo no puedes estar muy seguro de si se trata de realidad o fantasía y me encanta la ambigüedad que presenta el personaje en este sentido.

Algo que ha sorprendido a tus seguidores es el haber contado con una cantante femenina, Ninet Tayeb, en dos de las pistas del disco. Sí es cierto que en el álbum “Insurgentes” colaboraste con otra cantante pero ¿Qué ha motivado este cambio?
Principalmente creo que, dado que toda la historia del álbum gira alrededor de esta chica, era muy lógico que tuviera una fuerte presencia femenina. Sí es cierto que en “Insurgentes” ya colaboré con una cantante, pero no de un modo tan patente como en este caso. Es algo bastante nuevo para mí y realmente me resultó bastante difícil poner las letras en boca de otra persona (fue una experiencia casi surrealista) y el hecho de escucharlas salir de la boca de una cantante fue algo raro, en el mejor de los sentidos, puesto que Ninet hizo un gran trabajo.

¿Es la propia Ninet quien aparece en el arte del disco?
No, para ello contamos con una modelo.
Oh, vaya, en cualquier caso se parecen bastante.

“The raven that refused to sing” fue claramente influenciado por los oscuros escritores de novela gótica del siglo XIX y una profunda melancolía. De primeras, el concepto de “Hand. Cannot. Erase.” se presenta como una historia bastante oscura también. ¿Hubo alguna otra influencia externa aparte de la historia de Joyce Carol Vincent?
Oh, ¡Buena pregunta! Realmente, la mayor parte de la inspiración proviene de todo lo que rodea esta historia y su documental, pero también de otros tipos de cine. En mi mente, se trata de una historia muy cinematográfica. Hay una película del año pasado (una de mis películas favoritas y, definitivamente, la mejor del año pasado) llamada “Under the Skin”, con Scarlett Johansson interpretando el papel de un alien que vive en una ciudad, y donde trata de imitar al resto de personas con el fin de poder encajar de algún modo con la sociedad. Toda la película gira en torno a esta perspectiva, esa extraña sensación donde alguien se siente aislado y desconectado del resto. Así pues, aportó otro punto de vista diferente que me ayudó bastante en el proceso compositivo del álbum. Es más, también está patente mi propia experiencia en él puesto que viví veinte años en Londres y comprendo perfectamente cómo esto le podría llegar a pasar a alguien… El sentimiento de paranoia, de miedo, de confusión, de vivir en un sitio tan loco como Londres.

¿Y sobre el proceso compositivo? Tu obra está en una constante evolución pero, ¿Qué motivó un giro tan drástico, desde ese estilo Jazz-Rock a lo Frank Zappa, hacia un Rock mucho más ecléctico, con partes electrónicas e incluso con cierto regusto Pop?
Pues dos cosas, en realidad: La primera, la aversión que tengo de repetirme a mi mismo dos veces. Hubiese sido algo muy fácil hacer “The raven that refused to sing, part II” dada la gran aceptación que tuvo el anterior álbum y, probablemente, era lo que estaban esperando y querían algunos fans. Pero mi sensación es que esto es lo último que querría hacer, por muy exitoso que haya sido el anterior álbum. Y la segunda, es que la historia en sí misma requería un mundo musical muy diferente. Si miramos a “The raven that refused to sing”, como apuntabas, se trata de un álbum inspirado en historias de fantasmas clásicas y para mí, directamente, sugería una sonoridad más vintage incluso, pasada de moda. Ahora con “Hand. Cannot. Earase.” nos situamos en el mundo moderno, en pleno siglo XXI, en el corazón de una metrópolis, lo que me lleva a buscar música electrónica, sonidos casi industriales, y también pensé: “¡Estoy relatando la vida entera de alguien!”, tenía la oportunidad de reflejar todas las fases de la vida de una persona, la alegría, la soledad, la depresión, ¡La rabia!, por lo que, inmediatamente, me conduce a reflejar todos estos estados de ánimo y etapas en un solo disco, así que por eso creo que tenemos un disco más ecléctico, variado y con un sonido más contemporáneo.

En esta ocasión, vuelves a contar con los mismos músicos de sesión que en el anterior disco aunque Theo Travis tiene mucha menos presencia en este álbum.
Theo solo está presente en una pista en esta ocasión. No es que sea culpa suya, Theo es un músico increíble, he trabajado mucho con él estos últimos años como seguro sabrás pero, en este álbum, por la razón que fuera, no me dio por escribir para flautas ni saxos, no lo sé, fue a raíz de cómo evolucionó el trabajo, y seguramente debido al concepto e historia de la obra.

Supongo que “Hand. Cannot. Erase.” no fue grabado en vivo en el estudio como tu anterior trabajo, tal y como se grababan los álbumes clásicos de Jazz, ¿Qué enfoque buscabas para esta nueva producción?
Sí, tienes razón, este álbum es mucho más “construido en estudio”, si se me permite la expresión, que su antecesor, el cual fue grabado mayormente en directo y donde, al reproducirlo, escuchas a seis músicos tocando juntos en vivo. El nuevo disco se aleja totalmente de esa premisa, con un acercamiento más experimental desde el estudio, hay mucho overdubbing, se involucran una gran cantidad de fuerzas musicales en el álbum, como coros, una orquesta, cantantes femeninas, una actriz que lee la historia en “Perfect Life”, hay tres guitarristas, dos baterías distintos… Aunque Marco hiciera la mayor parte del trabajo, contamos incluso con un segundo batería en alguna de las canciones, incluso hay una pista en la que soy yo quien está tocando todos los instrumentos, ¡Un auténtico tema en solitario! Así que, como decía, en esta ocasión la tendencia en el estudio fue mucho más experimental.

Bueno, tus seguidores no echamos tanto de menos Porcupine Tree si vas y te subes a un barco con unos tripulantes como Marco Minnemann, Gurthie Govan, Nick Begs y Adam Holzman. ¿Cuál es tu principal motivación para elegir estos músicos de primerísimo nivel, aun cuando no pueden estar contigo la gira entera?
Bueno, creo que una de las principales razones por las que siempre he querido ser un artista en solitario (de hecho ese era el plan desde el inicio de mi carrera) era ponerme en la situación de ser como un director de orquesta, yo no tenía la más mínima intención de ser guitarrista, de hecho ¡no quería ni ser cantante! Lo que yo quería hacer eran discos, ser quien lleva la batuta y poder contar algún día con todos estos músicos de primer nivel y crear la música para que ellos la interpretaran. De hecho, mi carrera acaba de llegar a este punto, lo cual es fantástico.

Porcupine Tree empezó como un proyecto en solitario puesto que por aquél entonces no podía encontrar a nadie que tocara mi música, por lo que tuve que aprender a ser un poco guitarrista, manejarme con los teclados, a trastear el bajo, hacer de cantante… ¡Tuve que hacerlo! puesto que nadie más quería tocar mi música por aquel entonces. Es por eso por lo que Porcupine Tree evolucionó gradualmente de un proyecto en solitario, a un grupo de música propiamente dicho. ¡Pero ese no era el plan! El plan era hacer precisamente lo que estoy haciendo ahora mismo: ser el director, tener las ideas para mis proyectos cinematográficos, y simplemente contratar a los mejores músicos existentes para llevarlo a cabo. Y con eso no quiero decir que los músicos de Porcupine Tree no fueran también grandes músicos, claro que lo eran, lo digo en el sentido en que allí me sentía limitado a tener que hacer el papel de guitarrista. Ahora puedo ser el tipo que está de pie, señala al guitarra y le dice lo que debe hacer, lo cual es genial. Así que creo que estoy llegando al punto al que aspiraba desde los inicios, y donde siempre he querido estar…

Pero podemos sentir muy presentes en el álbum los estilos de cada uno de estos músicos… ¿Toman una parte importante en el proceso compositivo? ¿O simplemente escribes teniéndolos a ellos en mente?
Nunca es tan simple como eso… Quiero decir, suelo escribir siempre aislado, no puedo componer si hay otras personas en la sala. Pero claro, sería de necios contar con estos músicos extraordinarios y no permitirles expresarse a sí mismos, ni permitirles participar. Así que digamos que las composiciones están básicamente controladas y estructuradas por mí, pero dentro de esto los músicos pueden aportar su granito de arena para hacer sus arreglos y realzar la música. Es difícil explicar cómo funciona esto exactamente, puesto que ni yo mismo estoy del todo seguro de entenderlo.

Por supuesto, me hago a la idea de a lo que te refieres. Otra pregunta: ¿Te gustaría flirtear algo más con el Metal en un futuro? ¿O empiezas a estar algo cansado del género?
Creo que ya lo hago en este disco realmente, oh, sí, ¡por supuesto! En “Head. Cannot. Erase” hay un par de momentos en los que el Metal “vuelve” a mi sonido, puesto que creo que este género había estado del todo ausente en mis pasadas obras en solitario. Creo que hubo partes tan duras en los tres últimos discos de Porcupine Tree, que cuando eso terminó, sí acabé un poco aburrido del género y tenía ganas de hacer cosas distintas. Pero, habiendo ya pasado algunos años, siento como que el metal forma parte de mi vocabulario musical y viene conmigo. Dudo que vuelva a hacer algo tan metalero como los últimos discos de Porcupine Tree, pero será algo que irá aflorando aquí y allí puesto que es parte del lenguaje musical que usaba para expresarme. Comprendo, está muy patente en el álbum, en pistas como “Home Invasion” que posee un carácter muy metalero, o incluso en “Ancestral”, un tema con un arranque electrónico y que paulatinamente va cambiando al Metal… ¡Exactamente! Me pareció un tema increíble…

Nos comentabas que abogas más por el rol de orquestador en directo pero ¿podrías darnos más detalles sobre tu faceta como intérprete sobre los escenarios?
Pues, francamente, es algo extraño para mí puesto que, como comentaba antes, no era mi intención el convertirme en un cantante o guitarrista, es por esto que aún encuentro un poco surrealista el estar sobre las tablas con todo el público mirándome… Si lo piensas, es algo muy extraño el tener alrededor a 2.000 personas siguiendo tus movimientos, creo que requiere mucho ego el poder lidiar con ello y, siendo honesto, durante años se me ha hecho muy pero que muy difícil, y hubiese hecho cualquier cosa por desviar la atención sobre mí. Pero con el tiempo he encontrado el modo de disfrutarlo y he comprendido que forma parte del paquete, que toda esa gente que tanto te respeta como músico o ama lo que haces desea verte en directo recreándolo. Así que, gradualmente, lo he ido disfrutando cada vez más y, definitivamente, es en mi actual etapa en solitario donde más lo estoy gozando, ya que puedo proporcionar la atmósfera que he deseado desde siempre.

Hablando de los directos… Las fechas para el “Hand. Cannot. Erase. Tour” ya han sido oficialmente anunciadas. Esperamos de nuevo un espectáculo visualmente llamativo y unas actuaciones sobrecogedoras en lo musical ¿Nos podrías ofrecer un pequeño adelanto o resumen?
Básicamente, va a ser una experiencia muy cinematográfica, he pagado derechos de muchas películas para poder ilustrar las canciones y, para todos aquellos que nunca me hayan visto actuar en directo, he de decir que se trata de una experiencia muy inmersiva, puesto que cuento con sonido cuadrafónico colocando altavoces tanto detrás como delante del público, habrá muchas visuales, pantallas con proyecciones… No habrá bandas de apoyo en la gira, por lo que tan pronto llegues a la sala de conciertos ya estás entrando en mi mundo, algo estará ya aconteciendo en la sala aunque los músicos no estén presentes en el escenario. Este tipo de espectáculo tan inmersivo es algo que procuro hacer desde los inicios de mi etapa en solitario. Desafortunadamente, no he acudido a España en muchas ocasiones, solo una, de hecho con mi proyecto en solitario, y aunque es pronto para decirlo, puedo adelantar que seguro que visitaré España a finales de año. Mis actuaciones se resumen en: grandes músicos, proyecciones multimedia y el mejor sonido posible.

Entendemos, pues, que tus espectáculos no están diseñados para ser recreados en un entorno de festival, pero ¿has considerado, o bien te han ofrecido, acudir al nuevo referente europeo de festivales de música progresiva llamado “Be Prog! My Friend” en Barcelona? ¿Quizás para el próximo año?
Vaya, es la primera vez que oigo acerca de este festival, pero debo decir que no me gusta actuar en festivales centrados en un estilo musical concreto, tengo un pequeño problema con esto… Prefiero los festivales que consiguen congregar más estilos, desde Rammstein hasta los Manic Street Preachers, ya que es ahí donde consigues llegar a un público más diverso. He acudido a alguno durante los últimos años y no es que los evite, pero no me emociona el hecho de actuar ante un público de seguidores de rock progresivo puesto que seguramente ellos ya me conocen. Como apuntabas, es difícil desplegar ahí mi espectáculo al completo por lo que prefiero que vengan a verme a una de mis actuaciones de gira donde podrán disfrutar de la experiencia completa. Aunque desconozco si ese festival aboga por la premisa de la mayoría de festivales de Rock Progresivo, pero como norma, procuro no asistir a festivales basados en un solo género, y eso incluye los de Metal también.

Vaya, así pues te gustarían más otras propuestas como el Primavera Sound y similares ¿no?
Exactamente, prefiero ese tipo de certámenes.

Y vayamos a por una ronda de preguntas más misceláneas… ¿Qué opinión te merece la nueva oleada de bandas que están apareciendo como Leprous y Haken, los cuales están sentando las nuevas bases en lo que al Rock Progresivo se refiere?
Vaya, no conozco a estas dos bandas, lo siento… Aún sigo siendo muy curioso en lo que a la música se refiere aunque, honestamente, el único tipo de música que no escucho es aquel que puede estar remotamente relacionado con el tipo de música que yo hago, se me hace difícil… Es como ir a la oficina un domingo, por lo que prefiero escuchar música lo más diversa posible.

Y lo mejor que he escuchado desde hace mucho es de un artista belga llamado Kreng cuyo álbum “The Summoner” ofrece una propuesta cinematográfica impresionante, tiene de todo, desde una orquestación realmente oscura, música electrónica, incorpora un Doom Metal muy extremo, y todo combinado de algún modo para crear este increíble álbum cinematográfico, bello, oscuro, poderoso. Él es mi mayor hallazgo últimamente, Kreng, de Bélgica.

¡Le seguiremos atentamente, pues! Y puesto que nos has dado una recomendación, te animo a que des una escucha a estas dos bandas que mencionaba y, por lo que comentas, especialmente a Haken, ya que su último álbum “The mountain” ofrece todos estos elementos que te gusta encontrar en un disco, es muy conceptual, fresco, con multitud de pasajes de lo más variados, y seguro que lo disfrutarás.
Muy bien, ¡de acuerdo!

Acerca de tu faceta como productor, has influenciado fuertemente a bandas muy importantes en la escena, como Opeth al producirles, en algunas ocasiones motivándolas a tomar un gran giro en lo a que su estilo se refiere. ¿De qué maneras contribuyes con ellas?
Pues realmente no estoy muy seguro de lo que hago. Creo que este tipo de grupos, como Opeth o Anathema, vienen a mí porque ya les gusta lo que hago, ya son de algún modo fans de mi sonido, por lo que me resulta bastante sencillo. Simplemente, hago lo mismo que haría yo para mi propia música, para mis canciones, no soy consciente de hacer nada en particular, solo escucho su maqueta y les digo “¿Sabéis que? Yo haría esto, o haría lo otro”, por lo que me siento afortunado de que los grupos que acuden a mí simplemente escuchan mi opinión y deciden obrar en consecuencia en la grabación.

Y ya para terminar: ¿Cuál es la principal razón detrás de tu decisión de volver al sello discográfico Kscope (Snapper), y de incluso relanzar con ellos algunas de tus obras más antiguas?
Pues porque ellos entienden de lo que hacen y, créeme, el 95% de las discográficas no tienen ni la más remota idea de lo que están haciendo… (¡Zasca!)

En Kscope hay verdaderos profesionales, son como una familia para mí, conozco a algunos de ellos desde hace más de quince años. A la hora de crear un álbum, me dejan hacer completamente. Apenas interfieren en mi trabajo y confían plenamente en mí. Al vender y promocionar mis obras, lo hacen con pasión y convicción y no caen en ninguno de los errores estúpidos que suelen cometer el resto de discográficas. Y por esta sencilla razón estoy con ellos.

Vaya… el tiempo pasa volando contigo, Steven, ha sido un auténtico placer. Esto ha sido todo, muchas gracias por tu tiempo.
¡El placer ha sido mío!

Espero que volvamos a reencontrarnos en un futuro, quizás en algún festival ecléctico (Risas)
¡Sí! O en uno de mis próximos shows en España a finales de año al menos. ¡Que tengas una buena tarde!

¡Gracias, Steven! Un saludo.