Regresan Epica y lo hacen con ‘Omega’, un trabajo conceptual en el que siguen desarrollando su estilo musical. Charlamos con Simone Simons, que nos atiende con suma amabilidad, acerca del presente de la banda, tapas, Amaranthe y Anime entre otras cosas. Carlos meets Simone!

Por Carlos De La Puente

EMPIRE MAGAZINE (EM): Buenos días Simone, felices fiestas y feliz año nuevo. ¿Qué tal
estás en estos últimos días del 2020?
Simone Simons (SS): ¡Hola Carlos! Muchas gracias e igualmente. Estoy genial, promocionando el nuevo disco de Epica y deseando ver que nos llega en 2021, siento el retraso pero es que he tenido unas entrevistas que se han alargado.

EM: Vamos a hablar de ‘Omega’, vuestro nuevo disco. ¿Qué me puedes contar de él?
SS: Es nuestro octavo disco de estudio y, por supuesto, estamos muy orgullosos de él. Es un álbum cinemático como puedes comprobar con las letras y creo que es nuestro mejor trabajo de lejos. 73 minutos de música (risas). Nos tomamos un descanso antes de componer este trabajo para que nuestra inspiración fluyera mejor, estar con las pilas cargadas… Está vez hemos hecho un pequeño cambio a la hora de componer que creo que se puede apreciar a lo largo del disco. Creo que los fans van a amar este trabajo, hasta el momento tenemos dos singles (posteriormente salió «Rivers», ndr.) y saldrá a la venta a finales de febrero.

EM: ¿Por qué elegisteis ‘Omega’ como título?
SS: Ese fue Mark (risas), es el que suele elegir los títulos del disco cuando finalizamos la trilogía de «Kingdom of Heaven» y el disco tiene bastante influencia de Omega. El punto de ‘Omega’ es básicamente el espíritu científico de todo el universo, todo viene en su conjunto. También es el final de «Kingdom of Heaven», pero no es el final de Epica… Empezamos a pensar en el punto de ‘Omega’ cuando queríamos crear algo más potente, además es que suena bastante rudo Epica Omega (más risas).

EM: La portada es bastante bonita y en ella podemos ver un Ank, así como un laberinto. El Ank significa “Vida” pero, ¿qué es lo que representa el laberinto?
SS: Básicamente el Laberinto significa que todos tenemos un laberinto en nuestra vida, puede ser espiritual o físico. Lo que transmite ese laberinto es el camino por el que queremos ir en nuestra vida, si estuviéramos fuera de ese laberinto implicaría el fin de nuestra vida, estaríamos perdidos. En nuestra vida tomamos decisiones a veces duras, a veces no tanto, otras las toman por nosotros, al final todas las decisiones acaban conduciéndonos por un camino o por otro.

EM: Recuerdo que cuando me dejó mi ex, me culpaba a mí mismo, no quería hacer nada…
Creo que un par de días después quedé con unos amigos, me di cuenta de que había mucha
más vida y que no valía la pena lamentarse por algo que no tenía solución…
SS: Eso implica que te topaste con un muro y luego decidiste explorar otros caminos del laberinto, eso es la vida. Muchas veces nos encontramos con ciertos muros que no sorteamos, que no atravesamos y cuando podemos avanzar, nos da miedo y nos quedamos parados en la misma zona.

EM: «Abyss of Time» y «Freedom – The Wolves Within» han sido vuestros adelantos. ¿Cómo han sido recibidos por los fans?
SS: Bueno, «Abyss of Time» fue nuestro primer adelanto y fue bastante bien recibido, también el vídeo. Nuestro segundo single «Freedom – The Wolves Within», que es una de mis canciones favoritas, es un vídeo animado y en él puedes ver a toda la banda con animación, pero la historia de la canción habla básicamente que tenemos dos lobos en nuestro ser y representa básicamente el yin y el yang, ya sabes… tenemos esperanza, amor, felicidad en un lado y en el otro tenemos tristeza, ira, odio… Representa unos balances que tenemos que tener en nuestra vida, si no los tuviéramos no seríamos nosotros mismos. Hay dos singles más que están por salir, así que estad atentos.

EM: «Seal of Solomon» se ha convertido en mi canción favorita del disco y me gustaría preguntarte su conexión con el anillo con el Rey Solomón, así como si tiene relación con que sea el sucesor de la estrella de David para el pueblo judío.
SS: La letra para «Seal of Solomon» ha sido escrita por Mark. El Rey Solomón ha sido uno de los grandes que aportó a la ciencia, de hecho él instauró la Kabbalah, enseñó la ciencia en las escuelas… Además «Seal of Solomon» es la sexta punta de la estrella de David, que es la que representa los elementos mágicos en el universo… Básicamente es la unión mística de estos dos elementos que son la creación.

EM: En directo habéis colaborado con Floor Jansen (Nightwish) y en disco con Tony Kakko (Sonata Arctica) ¿Habéis pensado en incluir alguna colaboración en algún disco? ¿Con
quién?
SS: Creo que uno de los artistas con los que me gustaría trabajar un día son Rammstein, es una de mis bandas favoritas y creo que Opeth también, con esas dos bandas me gustaría trabajar algún día.

EM: Con tantos discos a vuestras espaldas, será difícil seleccionar un setlist. ¿Cómo creéis que estará formado el del Tour que haréis junto a Apocalyptica?
SS: Estamos planeando una gira con dos cabezas de cartel, así que el plan es ver cuál de las dos bandas es más popular en el país y establecer un buen setlist para cada concierto. Tendremos unas cuantas canciones de ‘Omega’, ya que lo estaremos promocionando, así como clásicos de la banda.

EM: Sois una banda que suele venir frecuentemente a España. ¿Qué es lo que más os gusta de nuestro país?
SS: La cultura, la gente, la comida (risas), el buen tiempo… hay muchas cosas de vuestro país que son únicas. El jambo que es jamón con patatas y un sabor picante. Amo las tapas, creo que es un país bastante bonito, el idioma, somos una banda internacional y viajamos alrededor del mundo para giras y para festivales, creo que tenemos un festival en España, el Leyendas del Rock (lo pronuncia en español… ndr) y mantengo mis dedos cruzados porque se realicen algunos festivales el año que viene.

EM: ¿Habéis pensado en hacer una canción en español?
SS: ¡Lo hemos hecho! Hemos grabado cuatro o cinco, no lo recuerdo, versiones de nuevas canciones y una de ellas es en español.

EM: En 2017 lanzasteis un EP de covers del anime ‘Ataque a los titanes’. ¿Cómo surgió la idea?
SS: La idea provino de nuestro manager, que nos comentó la idea de hacer una versión del opening de ‘Ataque a los titanes’. No conozco la serie, de hecho no estoy muy familiarizada con el anime o con el manga, el único que conoce ese mundo es Rob. Así que empezamos a escuchar o ver la serie para conocer la historia, fue un proyecto bastante interesante, un reto muy divertido y era la primera vez que teníamos que traducir las letras del japonés, así que Mark y yo nos pusimos a traducir. Creo que solo las hemos tocado una vez en directo, quién sabe si en el futuro las incluiremos en nuestro setlist.

EM: ¿Estaríais interesados en hacer otro EP de un anime? ¿o de canciones que os gusten?
SS: Quizá… realizar una versión de canciones navideñas es algo divertido, pero por ahora nos vamos a centrar en ‘Omega’ y en crear nueva música, no necesariamente versiones de algo.

EM: ¿Cuáles dirías que han sido tus discos favoritos de 2020?
SS: Diría que las canciones de Navidad ya que este año ha sido para olvidar. Pero si tuviera que elegir uno, sería ‘Manifest’, el nuevo trabajo de Amaranthe, que me ha gustado mucho. Epica y Amaranthe estuvimos en el estudio al mismo tiempo, no en el mismo, pero los dos estuvimos grabando nuestros trabajos a la vez. También vi a Amaranthe tocando con Sabaton en enero de este año, Elize es una gran amiga mía, al principio pensamos lanzar ambos trabajos al mismo tiempo pero finalmente decidimos retrasarlo a comienzos de 2021 y Amaranthe lo lanzaron en octubre, el día del nacimiento de mi hijo. Creo que es un gran disco, bastante variadito, un trabajo con el que se puede trabajar.

MOONLIGHT HAZE
‘LUNARIS’
Scarlet Records

Ya en mi poder el nuevo trabajo de Moonlight Haze que esperaba con muchísimas ganas dado el éxtasis que me produjo su primer trabajo, ‘De rerum Natura’, y del cual ya hice reseña con anterioridad (http://empirezone.es/2019/07/04/moonlight-haze-de-rerum-natura/).
La portada es, sencillamente, sublime en la que ofrecen una representación de tiempo y espacio sobre las nubes asemejando a unas alas de ángel. Ha sido realizada por Beatrice Demori, una artista italiana bastante reconocida allí y que también les realizó la portada de su primer
trabajo ‘De rerum natura’.

La banda sigue siendo la misma de su primer trabajo con Chiara Tricario a las voces, Giulio Capone a la batería y teclados, como miembros fundadores. La completan Alberto Melinato y Marco Falanga a las guitarras y Alessandro Jacobi al bajo (también bajista en Elvenking).

¿Y en lo musical, preguntareis? Pues en lo musical se han sacado un grandísimo disco de debajo de la manga como se suele decir. Once temazos de symphonic metal en onda Nightwish pero con las señas de identidad que ya marcaron en su primer trabajo.
La voz de Chiara me parece una de las mejores del panorama actual, navega entre tonos operísticos con una destreza sobrada, cambia el registro a tonos más rasgados y agresivos cuando la canción lo requiere y canta con una dulzura envidiable en los temas más relajados.
De lo mejor de la actualidad en cuanto a líneas vocales.
El resto de la banda demuestra tener una calidad apabullante a la hora de ejecutar la música, incluso atreviéndose en algún tema a meter líneas más agresivas e incluso alguna incursión en voces guturales. Todo esto demuestra que no se han estancado en la formula que les dio el éxito del primer álbum. Incluso se han atrevido a hacer un tema en su idioma natal, el italiano, con «Enigma» y del cual, como extra, incluyen la versión en inglés.
La batería suena contundente, los riffs de guitarra tienen una densidad abrumadora, el bajo suena muy bien y al mismo volumen que el resto de la banda y los teclados le dan el toque sinfónico y épico que requiere este tipo de música. Un grandísimo trabajo a nivel musical y de producción.

De los temas en sí, todos están muy bien, es este un trabajo que no puedes dejar de escuchar desde el momento que lo empiezas, así que difícil me va a resultar destacar algún tema, pero voy a hacer el esfuerzo para que todo el que lea sepa por donde empezar a escucharlo. «The rabbit of the moon», que fue el primer single, es la muestra de lo que se puede encontrar dentro del disco, symphonic metal en estado puro; «‘Till the End» por ser el tema quizás más agresivo, una grandísima elección para abrir el disco y donde Chiara canta con más agresividad; y, por último, destacar el tema «The Dangerous Art of Overthinking», donde hay más cambios de ritmo, de voces y donde incluso se atreven a acercarse a sonidos más extremos con la introducción de guturales y baterías cercanas al death o al black metal en algunos pasajes del tema.

Una gran obra que va directa al top 10 de 2020. Ahora espero poder ver a la banda en directo en algún sitio cuando acabe toda esta situación que nos esta tocando vivir a todos.

Enrique Sobrino

RAINOVER
‘TRANSCENDING THE BLUE AND DRIFTING INTO REBIRTH’
Wormholedeath Records

Parece como si Rainover estuviesen navegando a contracorriente de las mayores tendencias de la escena metal actual. De hecho, mientras que hoy en día quedan muy pocas bandas fieles al sonido típico del gothic metal de finales de los noventa, la primera obra de esa banda (que antes se hacían llamar Remembrances), originaria de Murcia tiene como un sabor a magdalena de Proust para quienes les gustaba esa época. ‘Transcending the Blue and Drifting Into Rebirth’ tiene al mismo tiempo un poco del Theatre of Tragedy de ‘Aègis’, del Paradise Lost de ‘One Second’, del Lacuna Coil de ‘In a Reverie’, del Tristania de ‘Widow’s Weeds’, del Tiamat de ‘Skeleton Skeletron’, del The Gathering de ‘Nighttime Birds’ o del Within Temptation de ‘Enter’. Pero lo tiene todo con un enfoque melódico bastante pop, similar a bandas más recientes como Delain o Evanescence, muchas veces con canciones directas y animadas.
Obviamente, Rainover tiene un excelente sentido melódico y combinan un poco todas sus influencias musicales, sin embargo logra a formarse una identidad propia.

Otro aspecto importante de la banda es la voz de Andrea Casanova, la cual es prominente en el disco. También se escucha una voz masculina secundaria, a veces de canto saturado, a veces limpio, en un estilo similar al de Nick Holmes y que solo viene para dar un poco de contraste de vez en cuando. Pero al escuchar al disco, queda claro que Andrea no necesita a nadie para que su voz brille. Nunca suena forzada como si necesitara demostrar algo, al contrario, siempre suena increíblemente natural, como si fuera paseando sin esfuerzo dentro de los temas musicales y, aún así, se hace muy versátil, a veces fuerte, a veces frágil, como una combinación del lado rock de Cristina Scabbia y la delicadeza aérea de Vibeke Stene, pero siempre con cierta sensualidad que, muchas veces, le hace falta a las cantantes de metal.

‘Transcending the blue and drifting into rebirth’ tiene sus imperfecciones y no está sobreproducido pero es parte de su belleza, una forma de espontaneidad, de autenticidad y, aunque ese disco salió hace ya seis años (la banda ahora esta a punto de salir su segundo disco), es una obra que merece que se la descubra por su sinceridad, por traer un poco del espíritu de los noventa y por el gran potencial que tiene la banda.

Vivien Scalbert
Corrección: Hellen Lasombra

MOONLIGHT HAZE
‘DE RERUM NATURA’
Scarlet records

Muy buen disco de debut de esta banda italiana que practica un power metal sinfónico con voz
femenina y donde destaca la voz de Chiara Tricarico, dulce, fuerte, aguerrida y operística, un lujo de cantante con una voz preciosa y cautivadora.
Las guitarras potentes y con un sonido muy compacto hacen que las canciones suenen melódicas y cañeras a la vez. Las bases con bajo y batería y teclados son muy prominentes dotando al disco entero de una fuerza y unas melodías geniales y que harán las delicias de los seguidores de power metal y de metal sinfónico.
Empieza el disco muy potente y pegadizo con ‘The moon and back’ y ‘Ad astra’, cortos y directos con unas melodías y estribillos muy pegadizos, ideales para corear en directo. También destacar ‘Time’ con el cruce de voces operísticas y guturales en los estribillos que funcionan muy bien y en la que colaboran Mark Jansen (Epica, Mayan) y Laura Macri (Mayan). Con ‘Dark Corners of Myself’ desatan su lado mas progresivo y sinfónico con unos cambios muy buenos y donde destacan el bajo y los teclados.
En definitiva un grandísimo disco de debut para seguidores de power metal y metal sinfónico recomendable 100%.

Enrique sobrino

DIABULUS IN MUSICA
«Dirge For The Archons»
Napalm Rercords

Antiguas leyendas cuentan que cada vez que muere una sirena del mar nace una en la tierra; ella crecerá y junto a un maestro en la música crearán melodías inimaginables. Yo me pregunto: ¿podría ser real? La voz de Zuberoa Aznárez y la maestría de Gorka Elso me lo hacen pensar.
Desde sus inicios, Diabulus In Musica no han parado de progresar. Han publicado su cuarto trabajo, “Dirge For The Archons”, donde la madurez adquiere un nuevo nivel dentro de una epopeya musical. Dejad que os cuente: empezamos in crescendo con “Battle of Atlantis” para acabar en la futurista “Marble Embrace”; quedamos hipnotizados con los poderosos growls de Gorka, pero despertamos por culpa de “Earthly Illusions” donde agresividad y sinfonía se hacen una. “Invisible” y «Crimson Gale» hacen soñar con un mundo de fantasía, repleto de aventuras, antes de ir al teatro con “Ring Around Dark Fairies’ Carousel”. Cerramos los ojos ante la belleza de “A Speck In The Universe” para caer en la cascada de “Hiding From You”. La calidez del coro de “The Voice Of Your Dreams” te envuelve para que “The Hawk’s Lament” te conduzca a la paradisíaca “Bane”. El apocalipsis llega con “The River Of Loss” pero resucitamos gracias a «Zauria» y su luz celestial.
Si las leyendas existen, Diabulus In Musica son parte de ellas; han editado un disco perfecto para realizar un viaje astral, a un lugar lleno de sentimientos, mientras suena una perfecta sinfonía repleta de metal.

Alex Hidalgo

En Empire llevamos largo tiempo hablando de “King of kings”, viviéndolo desde dentro y haciendo partícipes a nuestros lectores de todo lo referente a este trabajo. El último capítulo es la entrevista que mantuvimos hace unos días con Liv Kristine sobre él y otros aspectos como su reunión con Raymond I. Rohonyi. Todo lo que necesitas saber sobre “King of kings” te lo cuenta Liv en Empire, porque para nosotros no tienes secretos y siempre habla sin tapujos.
Por Marc Gutiérrez

Creo que “King of kings” tiene todos los elementos de vuestros trabajos previos, quizá excepto “Lovelorn”. Están los elementos Folk de “Meredead”, los sinfónicos de “Symphonies of the night”, las estructuras de “Vinland saga” y “Njord”; el riff inicial de “Blazing waters” me recuerda al de “Hymn to the lone sands”… ¿Queríais hacer de “King of kings” un best of de todos los elementos de Leaves’ Eyes?
Para nosotros estaba claro que ésta iba a ser nuestra mayor producción y la más intensa. Además teníamos en la cabeza la idea de una banda sonora y un concepto que hemos seguido desde el principio. Creo que tienes toda la razón cuando mencionas la influencia de nuestros discos previos. Esa experiencia previa ha fluido como una influencia en “King of kings”.
Los tres (Alex, Tosso y yo) somos artistas diferentes con mucha experiencia y cada uno de nosotros sigue su propio camino. Obviamente “King of kings”, en cuanto a concepto y temática, tiene una cierta conexión con nuestro segundo disco, “Vinland Saga”. Sin embargo en este caso todo es más grandilocuente, épico y expresivo que cualquier disco que hayamos editado antes.

“Halvdan the black” es una canción muy potente y la imagino en el setlist junto a “Melusine” y “Hell to the heavens” juntas y de una tacada ¿lo ves posible?
Absolutamente, me parece una gran idea! Esa es la razón por la que la banda y AFM escogimos esta canción para el teaser del disco. La hemos estado tocando en directo desde el año pasado (desgraciadamente en España la excluyeron del setlist a principios de 2015, ndr.) y parece que al público le ha gusta!

Alex + Tosso + Liv = Equipo ganador ¿Quién llega al estudio con la primera idea de las canciones?
¡Muchas gracias! Sí, somos como un dream team y además viejos amigos. En cuanto a técnicas de estudio hemos dado un gran paso adelante y como banda estamos muy contentos del increíble apoyo que estamos recibiendo de AFM Records. Eso es algo genial porque estamos en nuestro mejor momento como banda. Además me siento muy orgullosa pues los tres seguimos siendo el corazón de la banda, como en los inicios. Componemos, escribimos las líneas vocales, el concepto y las letras y todo progresa de forma paralela.
Decidimos que el disco tendría doce canciones, temáticamente estaría estructurado en doce capítulos sobre Harald “Cabellera Hermosa”. Hemos necesitado dos años para editar este disco. No hemos trabajado canción a canción, que hubiera sido el proceso normal, sino que hemos seguido una corriente más creativa y pasional. A medida que avanzábamos con la composición y las grabaciones fuimos contactando con instrumentistas Folk profesionales. Cada instrumento se ha grabado de forma natural y eso se refleja en un sonido más terrenal y más cálido. Dejábamos que nuestros invitados escucharan las canciones o partes de las canciones y les dábamos libertad para aportar sus propias ideas. Realmente queríamos impresionar con este disco.
También me gustaría hacer hincapié en el aspecto técnico de esta producción ¡A veces Alex tenía hasta 300 o 400 canales para mezclar una sola canción! Me resulta increíble y definitivamente Alex era la persona adecuada para encargarse de ello. Es fantástico tener nuestro propio estudio con un excelente equipo y con los increíbles conocimientos de Alex sobre grabación y producción.

Victor Smolski es algo así como el sexto miembro de Leaves’ Eyes, confiáis en él al 100% pero ¿qué aporta Victor a vuestra música?
¿Cómo nació la colaboración del coro de Londres y cómo fue trabajar con ellos? ¿Ha sido “King of kings” la producción más cara en la historia de Leaves’ Eyes?
Queríamos que este disco fuera más impresionante que nunca. Trabajar con el London Voices (La Guerra de las galaxias, El señor de los anillos, Harry Potter) en los Angels Studios de Londres y con la orquesta Blanca de Rusia dirigida por Victor Smolski en Minsk ha sido algo absolutamente increíble. Todos son músicos excepcionales y ambos coros y la orquesta han añadido un sentimiento especial, épico y de banda sonora a nuestras canciones.
Hemos trabajado muchas veces con Victor Smolski en el pasado y es un buen amigo nuestro y además sabemos que tiene un talento y una experiencia excepcional dentro del Metal!

Creo que “Blazing waters” es la mejor canción de la historia de Leaves’ Eyes desde el primer momento que la escuché en la listening session en Mastersound Studio. Creo que todos los ingredientes de la banda están ahí y todos hacéis un trabajo increíble. Háblame de esta canción, su composición y algo desconocido sobre ella.
¡Muchas gracias por tu cumplido! Éste es el hijo de Tosso en el disco, una obra maestra muy épica de unos ocho minutos. En la introducción y en el final de la canción puedes escuchar a Lindy-Fay Halla (Wardruna) tocando de forma brillante.
Snorri escribe sobre la gran, decisiva y definitiva batalla en Hafrsfjord. La historia que hay tras la letra de la canción es la siguiente: Harald hizo un voto sagrado ante los dioses en el cual no se iba a peinar o cortar el pelo hasta que hubiera dominado Noruega y por ello se le apodó “pelo enredado”. Mantuvo su promesa y conquistó treinta o más pequeños reinos de Noruega después de ganar una gran batalla naval durante el año 872 –la gran batalla de Hafrsfjord, que se describe en el texto “Heimskringla” de Snorri.
Blazing waters –se dice que 20.000 hombres fueron a luchar y al menos la mitad murieron al borde del acero. Las sagas explican que murieron muchos líderes y el vuelo de Kjøtve. Harald había vencido. Hafrsfjord fue una batalla decisiva y esa victoria le proporcionó un gran reconocimiento a Harald porque su hazaña fue contada por todos los cronistas.
La batalla allanó el camino a Harald para obtener un mayor control en la costa oeste de Noruega y por todo ello, acertadamente, se proclamó a sí mismo rey del país.
Colocó un conde en cada provincial que gobernó. El rey Harald “Cabellera Hermosa” es recordado y honrado por los historiadores medievales como el primer rey de Noruega, como hemos hecho nosotros en Haraldskvæði, otra canción de “King of Kings”.

¿Crees que la moda que hay por la serie de televisión “Vikings” ha influenciado a vuestros fans o a vosotros mismos de algún modo? Quiero decir que vosotros cantáis sobre esa temática casi desde vuestros inicios pero quizá hay gente que se está acercando a vosotros ahora por toda la iconografía vikinga.
Descubrí a Lindy-Fay Halla y Wardruna a través de “Vikings”. Me encanta la serie y disfruto mucho viéndola pero Hollywood ha “manipulado” algunas cosas. Siempre me han interesado la historia, especialmente la de los vikingos, el idioma y el mundo de las sagas.
El concepto de este disco, como te decía antes, está basado en un evento especial del siglo IX de la historia de Noruega.
Sorprendentemente todo eso sucedió donde yo nací y crecí. Mi lugar de nacimiento y toda esta herencia juegan desde el principio un papel fundamental para la banda. Además, “Crecí bajo el mar, jugué bajo el sol”… esas fueron las primeras palabras de un poema y una canción que titulé “Norwegian lovesong” que escribí en 2003, un poco antes de formar Leaves’ Eyes. Esas líneas jugaron un papel fundamental en la historia de nuestra banda. Desde nuestro debut con “Lovelorn” siempre he sentido una conexión muy profunda con la historia, la cultura y la naturaleza de mi país de origen, Noruega.

¿Te identificas a ti misma con Lagertha o alguno de los protagonistas de “Vikings”?
Creo que Lagertha es uno de los personajes más sexis de la serie. Katheryn Winnick, que caracteriza a Lagertha, mujer de Ragnar e imponente escudera, es una excelente actriz. Es mi favorita junto a Scarlett Johansson.
Espero que nuestros fans y oyentes se puedan visualizar a sí mismos en la historia, las letras y los personajes descritos en el concepto de nuestro disco. Definitivamente “King of kings” podría ser una banda sonora y en cierto modo lo es. Nuestro objetivo es hacer que el publico sueñe, que bucee en un mundo diferente y tiempos pasados, alejados de la modernidad y el frenético ritmo de vida del día a día. Si ves “The waking eye” y el artwork del disco… es como una película. Además también tenemos mucho material documentado grabado con nuestros propios.

Esta semana habéis llegado a 200.000 seguidores en facebook ¡enhorabuena! ¿Qué significa eso para ti?
Muchas gracias. Estoy muy agradecida a nuestros fans y amigos por hacer esto posible. Sin todos vosotros nunca habríamos girado por todo el mundo ni editaríamos discos durante 25 o 30 años. Estoy en deuda con vosotros y siempre recordaré todo esto, en los buenos y en los malos momentos.

¿Qué esperáis de AFM Records? Supongo que una mayor promoción que era uno de los problemas con Napalm Records. De momento han editado la edición especial de las espadas.
Era el momento adecuado para cambiar de discográfica. Hemos dado un paso de gigante en lo referente a técnicas de grabación y además, como banda, hemos crecido. Estoy muy contenta por el grandísimo apoyo que estamos recibiendo por parte de AFM Records porque estamos en el momento más alto en la carrera de Leaves’ Eyes.

El otro día pensaba en todos los músicos que han pasado por Leaves’ Eyes en toda vuestra historia ¿de quien guardas mejores recuerdos?
Ahora mismo me siento muy contenta de toda la constelación de músicos que han pasado por la banda. En su momento todo el mundo estaba muy motivado y mirando el futuro. Algunos músicos decidieron irse de la banda, es cierto, pero siempre miro hacia delante.
Sander Van der Meer decidió dejar la banda y las giras continuadas a principios de año porque prefería un trabajo de 9 a 5, quería asentarse y viajar menos. Además sufrió un accidente que le causó una enfermedad en la espina dorsal y tenía que ir con cuidado. Nuestro viejo amigo Pete Streit, guitarrista original de Elis, se unió en primavera a la banda. Se trata de un buen chico, humilde y talentoso y con mucha experiencia.
Felix, ex batería, nos dejó justo antes de la gira asiática de 2013 sin previo aviso porque estaba en otra banda. Fue muy raro, desapareció del Metal. Llamamos a Joris, batería de Atrocity, y le pedimos ayuda. Es un héroe, se aprendió los temas de la gira en solo cuatro días. Un gran chico y uno de los baterías con las piernas más rápidas.
JB, ex bajista, fue un caso extraño. No apareció para el ensayo más importante para Wacken Open Air así que tocamos sin él. Fue su propio error. Ahora mismo estamos buscando bajista aunque ya tenemos puestos los ojos en alguien ¡Cruzo los dedos!

¿Imaginas que Leon toque algún día en Leaves’ Eyes como miembro fijo de la banda o es solo una fantasía?
¡Leon es cantante! Es un vocalista con talento, aunque él no lo vea todavía yo lo sé… Además nació con un oído perfecto, como yo. Espero que descubra todo esto algún día. Para él buscar notas musicales es aburrido así que ante esta situación solo me queda sonreír. Recientemente lo he enviado a estudiar música aunque debo admitir que por el momento no está funcionando del todo bien (risas).

Ahora quiero hacerte un par de preguntas sobre tu carrera en solitario puesto que en diciembre actuarás con Raymond I. Rohonyi de Theatre of Tragedy. Sé que estás negociando más fechas europeas ¿hay algo más cerrado ya en Europa además de Nagold y Rusia? Por otra parte muchos de tus fans latino americanos me preguntan por las fechas allí ¿qué les puedes decir al respecto?
De momento solo te puedo decir que estéis atentos a las fechas europeas de diciembre porque se van a añadir conciertos. Sobre América Latina justo ahora lo estamos planificando todo y podemos decirle a nuestros fans que estaremos allí en octubre de 2016 ¡no puedo esperar a volver allí! Y esta vez con un setlist especial.

¿Podrían ser estos conciertos con Raymond el primer paso para una posible reunión de Theatre of Tragedy? Me refiero que quizá pudierais hacer algunos festivales de verano, no una reunión definitiva.
Cuando hablé con Raymond hace un tiempo para que fuera mi invitado especial en mis conciertos en solitario respondió “SI” al momento. Pensé que sería bonito hacer un setlist más largo para esas fechas. Es algo que hago para mis fans. En todas partes donde toco con mis bandas (Leaves’ Eyes, The Sirens o en solitario) recibo libretos de Theatre of Tragedy para firmar y me preguntan por una reunión con Raymond.
Pensando en la historia que una vez empezamos y el bagaje musical que tenemos en común aprecio realmente tenerlo como invitado especial y además tocar los temas favoritos de Theatre of Tragedy de nuestros fans. Si el público quiere podemos hacer más conciertos, podemos tocar en cualquier lugar. Yo no dependo de ninguna otra persona de mi ex banda. Ellos nunca nos preguntaron a Raymond o a mí si queríamos unirnos a ellos en una reunión mientras que yo sí le pregunté a Raymond. Raymond y yo somos una gran equipo e introdujimos el concepto shakesperiano junto a Tommy Lindal, Pål Bjåstad y más tarde Tommy Olsson (todos ellos ex miembros) que fueron los que compusieron la mayoría de las canciones en los primeros tiempos de la banda y de las que me siento orgullosa. Raymond (principalmente) y yo escribimos las letras, las líneas vocales y presentamos el concepto de “la bella y la bestia”. Estoy muy agradecida y orgullosa de todo ello y por eso Raymond debe ser mi invitado.

Para terminar déjame preguntarte algo extra musical… ¿Qué equipo ganará la próxima Champions League? Y ten cuidado con tu respuesta porque Leon puede leer esto (risas)
¡Jajajajaja! Hace unas semanas te envié unas fotos de nuestro viaje familiar a Munich y al Allianz Arena ¿recuerdas? Eso te lo dice todo amigo mío! (si le hago esta pregunta a Leon su respuesta será muy diferente, ndr.).

LEAVES’ EYES
“KING OF KINGS”
AFM RECORDS

Suele suceder que escuche los discos de Leaves‘ Eyes con bastante antelación sobre su fecha de salida, pero no lo es tanto que viaje a sus propios estudios para ello.

El 11 de septiembre sale a la venta “King of kings”, el nuevo esfuerzo de la banda, el primero bajo los auspicios de AFM Records, y donde no han estado solos. En esta nueva aventura se han rodeado de elementos esenciales para el sonido final. Las colaboraciones de Simone Simons (Epica), Lindy Fay Hella (Wardruna), el London Voices Choir (El señor de los anillos, Harry Potter, Star Wars y El Hobbit entre otras), la White Russian Symphony Orchestra de Viktor Smolski, y Leon Alexander Krull (sí, el hijo de Liv y Alex que ya empieza a hacer sus pinitos). Por si fuera poco, ha sido grabado en seis países, a saber: Alemania, Noruega, Inglaterra, Belarus, Suiza y Holanda.

SWEVEN – Es la introducción del disco, de corte muy Folk al principio y que se torna épica y con mucha percusión. Liv aporta las primera voces en el dueto vocal más especial de su vida, junto a su hijo Leon.

KING OF KINGS – Un triángulo y elementos de percusión dan paso a coros de fondo y a una música muy orquestal y cinematográfica. De buen principio, el disco empieza a recordar a “Vinland saga” y “Njord” aunque todo llevado un paso más allá, con multitud de coros grandilocuentes y con Alex aportando sus mejores voces. Liv sube sus tonos vocales más y más. Se trata de un tema que contiene la esencia del disco, que aumenta de tempo progresivamente y que deja bien claras las intenciones de la banda.

HALVDAN THE BLACK – Muchos ya conocían este tema porque lo presentaron en Summer Breeze’14. Tiene una onda muy cercana a “Hell to the heavens” y junto a este y “Melusine” puede ser un potente trío pensado para el directo. Los coros del London Voices Choir cobran un protagonismo especial hasta que llega el solo de Thorsten Bauer, cuyo trabajo resulta cada vez más protagonista. La intensidad y la fuerza de las guitarras permiten a Leaves’ Eyes llevar su música a un nivel más duro.

THE WAKING EYE – Es el single del disco y para el que se ultiman los detalles del video clip que están rodando estos días. Se trata de un tema con muchos coros y una importante carga melódica. Sigue la línea de singles anteriores, efectivo y resultón. No es, ni de lejos, de los temas más contundentes del disco, pero les puede servir para enganchar a nuevos fans a su causa. Puede recordarte a determinados momentos de “Njord” como “Take the devil in me”, aunque más grandilocuente.

FEAST OF THE YEAR – Interludio Folk, muy irlandés.

VENGEANCE VENOM – Las melodías festivas de inicio dejan entrever un tema pensado para el directo que desembocarían en el clásico “clap your hands”. Pronto,, la voz de Liv pone orden y Joris a la batería y la voz de Alex aportan fuerza. Un estribillo muy pegadizo hace el resto.

SACRED VOW – Puro Symphonic Metal con un estribillo fantástico, con mucha fuerza gracias a los coros y las orquestaciones que refuerzan la voz de Liv hasta el infinito. La fantasía de Leaves’ Eyes se entremezcla con la épica hasta que aparece Thorsten Bauer para lucimiento personal.

EDGE OF STEEL – ¡Esto es Heavy Metal clásico! Que sí, que tiene teclados y coros pero en este tema encajaría a la perfección la voz de Jorn Lande, Udo Dirkschneider o Biff Byfford. Alex entremezcla su voz con un dúo vocal de ensueño formado por Liv Kristine y Simone Simons de Epica. Un estribillo poderoso y unos coros que llegan muy arriba hacen que lo tengas en mente continuamente. Destinado a ser un clásico de la banda y pieza esencial en directo.

HARALDSKVAEI – Épico y maravilloso diálogo acústico entre una valkiria y un cuervo en una canción más propia de Wardruna que de Leaves’ Eyes.

BLAZING WATERS – Blazing Waters o el decálogo por excelencia de Leaves’ Eyes. Todo lo que quieras escuchar de la banda está aquí elevado a su máxima expresión. De largo el mejor tema que la banda ha compuesto nunca. El riff inicial de Thorsten recuerda al de “Hymn to the lone sands” y a partir de ahí la épica, los coros, un estribillo pegadizo, un solo vibrante y cualquier elemento que recuerdes de la banda… Es la culminación de su carrera a día de hoy.

SWORDS IN ROCK – Tema muy apropiado para acabar los conciertos, festiva, épica y melódica. Creo que debería sustituir a “Froya’s theme” para dotar de mayor explosividad el final de sus conciertos.

En líneas generales, se trata de un trabajo muy completo en el que la banda ahonda en su sonido más épico, grandilocuente y complejo. El punto de partida es “Vinland Saga” y “Njord” y, a partir de ahí, su sonido crece y crece con la épica que aporta el London Choir Voices, esencial para conseguir el resultado final. Los medios tiempos de «Meredead», la fantasía de «Symphony of the night», la temática vikinga que acostumbran, los duelos vocales Liv/Alex, colaboraciones que complementan pero no resultan definitorias para el sonido del disco y bonus tracks deliciosos en los que también interviene Oliver Palotai, marido de Simone Simons. “King of kings” contiene elementos de toda su discografía salvo de “Lovelorn”, del que no consigo encontrar ninguna reminiscencia.

Si eres fan de la banda, disfrutarás a cada escucha buscando los entresijos líricos y musicales de un viaje sin retorno. Si todavía no has escuchado a Leaves’ Eyes, déjate seducir por «King of kings».

Texto: Marc Gutiérrez
Fotos: Stefan Heilemann (fotos promocionales), Ralf Wilschewski (fotos de estudio)

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MOONSPELL + SEPTICFLESH
@Razzmatazz2, Barcelona, 25/03/15
Promotor: Madness Live!

Hacía mucho tiempo que estaba marcada esta fecha en el calendario por ser uno de los carteles más atractivos de lo que llevamos de año. El evento era de auténtico lujo para los amantes tanto del metal más sinfónico y técnico como del más gótico y elegante. Y, como no podía ser de otra manera las dos bandas, tanto griegos como portugueses, con sendos nuevos discos bajo el brazo para poder presentar ante el público barcelonés.

Seamos sinceros, Portugal y Grecia nunca han sido, ni lo serán, grandes exportadores de bandas de renombre pero, con el tiempo, han sabido colocar a dos de sus mejores representantes en el olimpo del metal europeo. Es por esto que, debido a su constancia, calidad y cercanía con su público, han hecho que Moonspell y Septicflesh no sean desconocidos dentro de este mundo para casi nadie.

El aspecto de la sala, minutos antes de la descarga de Septicflesh, era el mismo de siempre desde hace años. Hasta la mesa de sonido, a rebosar de público expectante y, de ahí para atrás, espacio, mucho espacio… Con los años, uno se da cuenta de que Moonspell, en este caso, ya que eran los cabeza de cartel de este “Road to extinction Tour 2005 Part 1”, nunca serán “grandes” como por ejemplo bandas del estilo como Paradise Lost o Tiamat y siempre tendrán esa etiqueta de “infravalorados” aunque, como pudimos ver una vez más en Barcelona, siempre que los portugueses nos visitan, su público no suele faltar a la cita.

La apabullante descarga de Septicflesh sirvió para presentar en público a su nueva bestia parda tras los platos, que no es otro que Kerim “Krimh” Lechner (ex-Behemoth, ex-Decapitated) sustituyendo a Fotis Benardo y que demostró ser un auténtico metrónomo andante. Impresionante la destreza, habilidad y rapidez que demostró el joven Krimh. A su vez, el papel de guitarra rítmica esta vez fue asumido por Psychon, sustituyendo una vez más al gran Sotiris Vayenas.
El show de los griegos duró una hora de reloj y basaron su repertorio, básicamente, en sus tres últimos trabajos: “Communion”, “The great mass” y, el último, “Titan”. Arrancaron con “ War in heaven” tema que abre el fantástico “Titan” y, desde el primer momento, tanto sonido como actitud fueron impecables. Seth Siro, a la voz y bajo, sabe como nadie liderar una banda que en todo momento se mostró calculadora e imponente en directo. Tras la primera carta de presentación de “Titan”, le tocó el turno a la veloz “Communion”, que aceleró el corazón de muchos y abrió los ojos como platos a aquellos que aún no los conocían. Obviamente, la propuesta de llevar al directo la música de Septicflesh con instrumentos de cámara incluidos es una apuesta costosa, pero deberían planteárselo, aunque fuera en pequeño formato, porque si hay algún “pero” en su directo es la abultada cantidad de música pre-grabada que existe. Objeciones a un lado, los griegos seguían destrozando nucas con temas como “Order of Dracul”, “ A great mass of death” o la vitoreada “Pyramid God”. Tras interpretar “Titan” y “Prototype”, turno para uno de sus últimos buques insignia, “The vampire from Nazareth”, donde Krimh demostró por qué se ha ganado el puesto como batería en la banda helena. Simplemente bestial y mareante la manera de tocar que posee este chaval. Para finalizar, trío de ases con “Lovecraft´s death”, la conocida “Anubis” y “Prometheus”. Un diez para la actuación de unos Septicflesh cada vez más reconocidos pero que olvidan su pasado discográfico limitándose tan solo a los últimos tres álbumes de estudio. Ni tanto, ni tan poco.

Cambio de equipo, de tercio y de estilo musical.

Sonaba “Love you to death” de los grandes Type O Negative por orden expresa de la banda, cuando fueron apareciendo, uno a uno, Mike, Don Aires, Pedro, Ricardo y Fernando para tomar posiciones. Sonaban, grabados, fragmentos de la cabaretera “La Baphomette” del último disco cuando atacaron sin aviso con la fantástica “Breathe (Until we are no more)” también del reciente “Extinct”. Luces azules, una puesta en escena enigmática y muy cuidada visualmente. El kit de batería de Mike Gaspar tras un enorme cráneo astado, Pedro Paixao al teclado y sin ejercer de guitarra rítmica al más puro estilo Tuomas Holopainen, Don Aires Pereira al bajo en la izquierda sin parar de moverse durante todo el show, Ricardo Amorim a la derecha, sobrio y distante como siempre, como único guitarra y el imponente Fernando Ribeiro como maestro de ceremonias. Tras “Breathe”, que sonó un tanto fría, turno para “Extinct”, tema que da nombre a su undécimo trabajo, en el cual han retomado la senda de discos como “Irreligious” o “ Sin/Pecado” pero sin perder su característica agresividad. En definitiva, “Extinct” es la combinación perfecta entre el pasado y el presente musical de Moonspell.

Turno para la dura “Night eternal”, única representante del disco con el mismo nombre en la que un desganado Ricardo Amorim apoyaba a Fernando en los coros guturales sin mucha efectividad. Fernando, con la cercanía que le caracteriza se negó, una vez más, a hablar en inglés ante el público y lo hizo en un español cada vez más perfeccionado. Así pues, nos hizo retroceder hasta el año 1996 cuando “Irreligious” llegó a lo más alto, para presentar el escueto “Opium”, que sigue levantando pasiones como en el día de su publicación. “Opium” sin “Awake!” no es concebible, así que el tercer tema de “Irreligious” enganchó al segundo, construyendo la pareja de temas perfecta.

Dejamos atrás 1996 para volver a nuestros días y descubrir como suena “Extinct” en directo, esta vez de la mano del primer tema que dio a conocer la banda a través de las redes sociales: “The last of us”, el cual suena elegante, refinado y gótico como sólo ellos saben hacer. Como si de unos enérgicos The sisters of mercy habláramos, Moonspell interpretaron la oriental “Medusalem” con un descaro y vacile propio de bandas curtidas en mil batallas teñidas de negro. Como nota negativa, en “Medusalem” el micro le jugó una mala pasada a Fernando, dejando de sonar en unas cuantas ocasiones y donde el portugués, en un ataque de rabia, acabó por estrellarlo contra el suelo. Una vez solucionado el problema, tiempo para uno de los temas más representativos de “Extinct”, “Funeral Bloom”, donde Fernando se dejó la voz literalmente,  alternando como un maestro voces limpias con guturales. Si hay un tema que represente el actual sonido de los portugueses, éste tiene todos los números, al fusionar a la perfección dos estilos tan contrarios como el metal más pesado y el gótico de corte más elegante.

Los majestuosos teclados de Pedro Paixao inundaron la mediana Razz2 con el inicio de “Malignia” tema donde, una vez más, Fernando demostró que su elegante y profunda voz no ha perdido ni un ápice de calidad y personalidad en todos estos años de carretera. Uno de los clásicos atemporales, “Mephisto”, no podía faltar en esta oscura ceremonia, reivindicando una vez más a “Irreligious” como piedra angular en la discografía de la banda.

Con “The future is dark” llegó uno de los momentos más mágicos de la noche. Tema con una notable carga de emotividad musical y lírica donde Fernando, como letrista, abre su alma y narra sus miedos como padre a su propio hijo y donde la vida, la muerte y los sentimientos paternales salen a relucir. Precioso final donde Ricardo, durante el lacrimógeno solo de guitarra final, se ve cubierto de copos de nieve en una melancólica imagen que costará olvidar. Cuidada puesta en escena para el que es para mí el mejor tema de la banda desde hace muchos años. Casi sin tiempo para respirar profundamente, “Domina” nos volvía a poner de nuevo la piel de gallina, conectando emocionalmente con la anterior “The future is dark”, con un Ricardo espléndido a la guitarra hablando a través de ella literalmente con unos solos estremecedores.

Después de la dosis emotiva, turno para el disco de la portada de los lobos. “Vampiria” no podía faltar a la cita provocando, como siempre el delirio por parte del público, lo mismo que con la folclórica “Ataegina” que logró, una vez más, hacer saltar y bailar a toda la sala. Para antes de los bises, Fernando presentó “Alma Mater” como el tema que les abrió las puertas de Europa. Himno donde los haya.

Tras el parón de rigor, grandes tragos de agua, toallas secando el abundante sudor y de fondo, “Wolfshade (A werewolf masquerade)” destrozando gargantas y cuellos a la par mientras los majestuosos teclados de Pedro nos invitaban a su personal jauría de lobos. Muy a nuestro pesar, el generoso repertorio de Moonspell tocaba a su fin y los que bien los conocen saben que con “Full Moon Madness” se baja el telón. Fernando daba las gracias a todo el público asistente por haberse acercado un miércoles a la sala dejando, por unas horas, a un lado obligaciones laborales y estudiantiles.

Personalmente, creo que ha sido uno de los shows de los portugueses más compactos, personales y maduros que he visto de ellos en muchos años. Una banda que gana cada vez más matices en directo y que, en estudio, están demostrando tener inspiración para bastantes discos más. En lo extra-musical cabe decir que, como siempre, la banda fuera del escenario sigue siendo la misma banda cercana y amable que nunca dice no a una foto o a firmar discografías completas si se tercia; algo de lo que no pueden presumir muchas bandas. Por esto y por mucho más, ¡Larga vida a los lusos!

Texto: Jero García
Fotos: Irene Serrano