DEAFHEAVEN + MYRKUR
02.03.2016, La 2 Apolo, Barcelona
Promotor: To Be Confirmed

Hay carteles que por sí solos dan para debate, para pensarse si ir o, por el contrario, elegir otra de las suculentas ofertas que presenta la ciudad en la misma noche. Recordemos que el mismo día tocaban en Barcelona Masterplan en la sala Bóveda y Magrudergrind en RockSound.

Pero Deafheaven y Myrkur conformaban un paquete altamente atractivo. Primer concierto de una gira que les va a llevar a recorrer Europa. Y, claro está, el primer concierto suele ser muy excitante para las bandas.

Llegaba desde Dinamarca la rubia, de aspecto frío, Myrkur, adorada por unos y denostada por otros. Acompañada por Teloch, Sir y Oyvind Myrvoll, todos ellos de Nidingr, presentaba su primer trabajo, “M”. Puesta en escena sencilla, ataviada con vestido rigurosamente blanco y con un pie de micro en forma de árbol con dos micrófonos, uno para las voces limpias y otro para los gritos desgarrados. Su actuación se sucedió a ritmo de vértigo y consiguieron que nos sumiéramos en un ambiente oscuro y tétrico en el que reinaba la voz de Amalie intercalando elementos Folk con un Black Metal crudo y sucio. Cantar en noruego, utilizar tonos suaves e introducir la épica en su música la aproxima a formaciones como Storm. No quiero decir que sea lo mismo ni que esté al mismo nivel pero, sin duda, es un referente en su propuesta.
Cerró el concierto con la versión de “Song to hall up high” de Bathory. Un concierto de muchos quilates el suyo y, a tenor de la respuesta del público, esperemos que vuelva pronto.

Y llegaba la hora de Deafheaven, con sold out en la sala. Sonido demoledor y actitud distante de los músicos salvo de su frontman, George Clark, que fue un torbellino sobre el escenario, haciendo partícipe al público de su actuación. Los otros músicos, como si la cosa no fuera con ellos, con miradas perdidas, sin empatizar con el público, sin interactuar. El resto lo hacía un repertorio implacable con el que ejecutaban notas con precisión suiza. La repercusión de su “New bermuda” ha comportado que hayan tocado el disco al completo y en el mismo orden para terminar añadiendo un repaso breve a su pasado.

La fuerza y el ímpetu inicial se tornó en monotonía mediada su actuación. El público quería más y se entregó a la causa en todo momento, pero no todo eran caras de satisfacción. “New bermuda” ha sido uno de los trabajos más destacados de 2015 para prensa y fans y eso se notó. Personalmente, disfruté de su concierto, aunque noté muchos altibajos y quizá no solo sea debido a que era el primer concierto de la gira. A la salida hubo opiniones encontradas y es que recuerdo pocas giras tan polémicas: que si Myrkur es un producto de marketing, que si Deafheaven han sampleado en exceso las voces, que si Myrkur está sobrevalorada mientras otros la ven como una diosa; que si Deafheaven han pasado de ser un referente a ser un timo en vivo… Y así podríamos continuar…
Sea como fuere, en este inicio de gira, Myrkur se llevó el combate a los puntos.

Texto y fotos: Marc Gutiérrez

Ante todo, muchísimas gracias por concedernos unos minutos y más aún teniendo la inauguración de la nueva showroom de Error! Design entre manos, de la que luego hablaremos.
Me hace mucha ilusión hacer esta entrevista, principalmente, porque soy una enamorada de tu trabajo y también de tu música, para quien no lo sepa, así que espero hacer una buena entrevista.

Xavi Forné, la cara oculta de Error! Design. Eres diseñador gráfico, ilustrador, cartelista musical y músico, pero…
¿No preferirías estar en un estudio de publicidad, sueldo fijo, horario, vacaciones? ¿Puedes contarme por qué apostaste por Error! Design?
Bueno, ya trabajé en agencias de publicidad con todo lo que eso conlleva, e incluso monté un estudio de publicidad con un amigo para no tener “jefes” y la verdad… No volvería a ese tipo de trabajo ahora mismo. Siento que, en el mundo del diseño, es muy importante que cada trabajo te haga sentir realizado, que tenga tu toque personal; si no, acabas aburriéndote y se convierte en algo rutinario como todo lo demás. Es por eso que siempre he creído que si alguna vez dejase lo que hago, me buscaría un trabajo totalmente alejado del mundo del diseño. Por esa razón quise apostarlo todo con lo que era mi hobby hace unos años. Algo que complementaba mi rutina aburrida de trabajos poco motivadores (pero que me daban de comer). Hago algo que junta mis dos grandes disciplinas favoritas: música y arte.

En el tema del diseño, ilustración y fotografía, los que nos movemos en esto sabemos que es complicado y que es siempre bastante cuesta arriba, ¿Cómo fueron tus comienzos? ¿Cómo te abriste hueco en el sector musical sabiendo que es bastante complicado, ya que está, en mi opinión, tan saturado de propuestas y diseñadores?
Los primeros años no ves para nada que pueda convertirse en un negocio. Me refiero a un negocio que te da lo justo para sobrevivir. Empecé haciendo posters muy cutres con el Word para los conciertos de mis bandas de punk a principios del 2000, y luego realizaba la imagen y todo lo que giraba en torno a una discográfica DIY que monté en 2005. Digamos que siempre tuve una gran conexión con el mundo de la música, y es por eso que solía hacer carteles para otra gente, bandas o amigos. Con asistir a ese concierto gratis me contentaba. Era mi moneda de cambio… Hasta que llegó el día en que ya no tenía mucho tiempo para dedicarme a todo, y fue cuando me di cuenta de que tenía que poner precio a mi trabajo y a mi tiempo. Combiné varios trabajos (mi estudio de publicidad, media jornada en la discográfica BCore de Barcelona y Error! Design) hasta que en 2012 decidí dejarlo todo y centrarme al 100% con lo que de verdad me hacía feliz. ¡Funcionó!

Sí, es algo que de alguna manera se ha asociado mucho a la imagen de Error! Design, pero que creo que distancia también bastante de otros trabajos y técnicas que suelo utilizar. La técnica de los grabados libres de derecho es una técnica muy usada en el mundo de los diseñadores gráficos, sobre todo si estos no saben ilustrar. Desde que empecé a hacer diseño, usaba grabados o ilustraciones hechas a mano que iba encontrando, pero luego descubrí libros de donde sacar muchas de esas ilustraciones y coincidí también con el trabajo de varios artistas que usaban el mismo método, incluso también para carteles (Rob Jones, Status Serigraph, Münster Studio, etc.). Supongo que lo exploté mucho y por eso la gente lo asocia a mi marca…

Uno de los grandes problemas que se encuentra un diseñador a la hora de hacer un proyecto para un cliente, y supongo que a ti te pasará lo mismo, son las limitaciones que os ponen a la hora de crear algo nuevo, siempre hay cambios que no terminan de gustar al diseñador, ¿Te suele pasar esto a ti, o los clientes con los que trabajas te dan total libertad?
Es algo común en todas las disciplinas. Lo veo normal y lógico dentro de lo que cabe… Aunque sí, bastantes veces es algo que toca la moral ¡jaja!. Hay clientes que te contratan por lo que haces y confían plenamente en ti. Así que esos trabajos suelen terminar sin cambios de por medio. Pero luego hay otros que son eternos y con miles y miles de cambios… Pero oye, tiene que haber de todo para que el trabajo sea un poco amor/odio, ¿no?

Hablemos del Be Prog! My Friend, supongo que eres consciente de que hiciste mella con tu gráfica en este proyecto; todo el mundo se enamoró, literalmente, de la imagen del festival, algo complejo por el género que representa y con un público minoritario. ¿Podrías contarnos un poco más cómo fue el encargo y qué te inspiró para crear la imagen del festival de progresivo que más está dando que hablar últimamente en España?
Había trabajado puntualmente con algún cartel para Madness Live! y había mantenido la relación con Juan Antonio (director), así que lo del Be Prog! salió de forma bastante natural. Le propuse hacer un cartel alternativo para poder serigrafiarlo y distribuirlo. El resultado gustó y decidió que para las próximas ediciones yo debía encargarme de toda la imagen (incluyendo página web y demás). Tanto él como yo, teníamos claro qué tipo de imagen necesitaba el festival, así que fue más o menos fácil trabajarlo.

Has trabajado para bandas como Anathema, Russian Circles, Turbonegro, Soundgarden, Tortoise,
¿Qué sientes cuando bandas de este calibre te llaman para confiarte un trabajo? ¿Es difícil dar con la idea que ellos buscan o te resulta fácil cuando son bandas que sigues?
El sentimiento puede variar en función de cómo te llega el encargo. Es decir, la mayoría (al menos los primeros años) te llegan a través de promotores de conciertos locales (la mayoría colegas) y de forma totalmente desinteresada. Es el caso de To Be Confirmed, la promotora que organizaba los conciertos en Barcelona de bandas como Russian Circles, Melvins, Mono, etc. Pasaba lo mismo con Tortoise, Turbonegro y muchas otras bandas. No tenía contacto directo. Pero con el paso del tiempo, algunas de esas bandas se transformaron en clientes. Cuando realmente te golpea un sentimiento de mariposillas y orgullo es cuando contactan contigo directamente la banda o el manager de la banda. Es allí cuando realmente te das cuenta de que lo que estás haciendo vale la pena. Por poner algún ejemplo, hice el primer poster de Red Fang para un concierto que organizaba un amigo en Donosti. Lo hice en 15 minutos, me molaba mucho el disco y me salió solo. Al día siguiente, me escribía John (batería) para decirme que habían visto el diseño en la red y que les encanta. Querían hacer camisetas si les daba mi permiso. ¡Por supuesto! Recuerdo levantarme de la silla y decirle a mi entonces compañero de piso “¡FLIPA, TÍO!”. La relación que he forjado después de eso con la banda, es de esas cosas que te hace amar tu trabajo.

El estudio es la base de la nueva ubicación. Es el negocio que ya funciona, y el motor de todo. Pero quisimos darle la vuelta y aprovechar el movimiento, así que decidimos tener espacio para montar una galería de arte y showroom. Por la galería pasará una exposición mensual de artistas no expresamente musicales con gustos muy distintos: diseñadores, ilustradores, fotógrafos, etc. Intentaremos también invitar a artistas internacionales que nos tienen locos. Esto lo amenizaremos siempre con música en directo, ya sea una banda (acústico) o un DJ. Y por supuesto, nuestros amigos de Moritz Barcelona pondrán la cerveza.

El showroom no es nada más que un pequeño espacio donde se podrán ver algunos productos de merchandising que hacemos en Error! Design aparte de los carteles. Fundas de teléfono, camisetas, pegatinas, artprints, figuras, tazas… La gente podrá hacer el pedido online y pasarlo a recoger in situ para ahorrarse el envío.

Eres también músico, estuviste en Syberia, una banda de rock instrumental de Barcelona, y aparte, tienes un proyecto personal instrumental bastante atractivo, donde compones pequeñas piezas intimistas y con mucho sentimiento. Ulmus es uno de tus proyectos con un estilo Dark Folk, acústico, ¿Puedes hablarnos un poco sobre esto para los más curiosos? ¿Es solo un proyecto a nivel personal o tienes pensado algo más?
La verdad es que empecé a tocar la guitarra al mismo tiempo que intentaba diseñar cosas. He tocado en varias bandas de punk/hardcore, varios proyectos en solitario, etc. Formé Carontte (post-metal) y pocos años después de dejarlo me incorporé a Syberia hasta hace algunos meses, cuando decidí tomarme un respiro para pensar qué es lo que realmente quería (musicalmente hablando). Es ahora cuando he empezado un proyecto nuevo con dos buenos amigos. Se llama Malammar (sludge-doom).

Ulmus nació como autoterapia en un momento muy oscuro que sufrí hace 2 años a causa de (por ponerle un nombre) agorafobia. Sentí la necesidad de ponerle un nombre y compartirlo con el resto del mundo. Creo que se pueden ver claramente los sentimientos que hay detrás de cada nota, y es por eso que pensé que podría ayudar a otras personas a relajarse o encontrarse. Aunque ahora mismo el proyecto está parado, tengo casi todo el disco nuevo compuesto. Así que, en cuanto pueda, entraré a grabarlo en Wave Factory Studio (Barcelona).

Bueno, Xavi, no quiero entretenerte más, que estarás ultimando detalles para la inauguración a la cual estamos deseando ¡ir, ver y comprar! Así que muchas gracias por habernos dedicado este tiempo a Empire y te deseamos una inauguración con mucho éxito. Nos vemos en la apertura de Error! Design, donde contaremos in situ cómo se desarrolla.

A todos nuestros lectores, no os olvidéis de asistir a la inauguración en Torrent de les Flors, 115 (Barcelona) el 24 de Septiembre a partir de las 18:00h

¡Un abrazo muy fuerte!
¡Muchas gracias a vosotros por el apoyo! ¡Larga vida a la música!

No nos despedimos sin dejaros a Ulmus

Os dejamos a continuación los links con más info:

Inauguración showroom

Web

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MONO + HELEN MONEY
02.05.2015, La [2] d’Apolo, Barcelona
Promotor: To Be Confirmed

20:00 de la tarde, sala Apolo [2] de Barcelona. Me dispongo a acceder a la sala y ya hay una pequeña cola que se amontona en la puerta para ver, o más bien sentir, a los japoneses en todo su esplendor. El ambiente es acogedor: la pequeña de las Apolo, a pesar de tener el escenario bajo (lo que dificulta la visibilidad desde la parte de atrás), desprendía un aire de melancolía bucólica que nos preparaba para lo que íbamos a ver poco después.

De un modo muy sigiloso, salía a escena Helen Money, un violonchelo y su sobria presencia. No conocía nada de ella y tampoco escuché nada previo al concierto; preferí sorprenderme de primera mano, y así fue. Las distorsiones largas, duras y bruscas que salían de su violonchelo te cortaban el aliento: temas largos y lentos, agonizantes y quebradizos, una joya en bruto que explosionaba con cada nota como quejidos que enmudecían la sala. Creo que no fui la única que se quedó boquiabierta con esta mujer y su destreza para crear distorsiones sobre distorsiones dentro de su inmensa pedaleara que iba superponiendo para crear su música. Si cerrabas los ojos, no parecía que estuviera sola, parecía que fuera acompañada por una enorme banda y, realmente, todos eran ella.

Helen Money, a pesar de parecer una mujer frágil y delicada, en sus escuetas interacciones con el público, sacaba pedazos de ira cuando su arco rompía las cuerdas del violonchelo. Fueron 45 minutos de agonizante melancolía que terminó con un largo aplauso y el entusiasmo de los allí presentes.

Minutos después, con algo de retraso, los Japoneses Mono comienzan a tejer con el quejido de la guitarra de Takaakira Goto “Recoil, Ignite” de «Rays Of Darkness». Poco a poco van uniéndose el resto de los componentes: Tamaki con su inmenso bajo, Yoda con la segunda guitarra y, para dar el toque final, Yasunori Takada en la batería. Como si de una tela de araña se tratase, muy lentamente, iban creando el primer tema. Casi podía escuchar cómo se les aceleraba el corazón a todos los que estaban pegados al escenario. Mientras el tema iba subiendo cada vez más, con un incansable crescendo de melodías y acordes, poco a poco se iban metiendo en el corazón de la gente. Las caras de los japoneses parecían sufrir con cada nota, lo viven tanto que es imposible no entrar en su mundo. Cuando comienza la explosión de todas esas melodías, se precipitan en tu cabeza como una cascada y desbordan millones de sentimientos, ahí es cuando te atrapan; es el primer tema y ya te tienen dentro de “su tela de araña” dentro de “su mundo” dentro de «tu mundo».

Casi sin levantar la cabeza de sus enormes y casi interminables pedaleras, con sus cabelleras negras tapando parte del rostro y con una iluminación tenue de tonos azules y violáceos, continuaron con “Unseen Harbor” del “For my Parents” como un lamento al infinito, las dos guitarras y el piano de fondo ensordecían toda la sala. Su peculiar púa-contrapúa me recordaba el sonido de una bandurria antigua, como si quisieran transportarnos a su cultura tradicional japonesa.

Tema tras tema, Mono demuestra que su técnica va de la mano no solo de horas de trabajo, sino de una gran trayectoria musical y repleta de sentimientos, porque cuando salen a escena ponen cada parte de ellos como si desprendieran pedazos de sí mismos. Casi sin levantarse de las sillas, (excepto Tamaki, la única componente femenina de la banda) como si estuvieran anclados en ellas, se mueven y se contorsionan, haciendo aún más agonizantes sus temas. Da la sensación de que lo hacen a propósito para contener toda esa ira y erupcionar como un volcán solo en pequeños momentos de la actuación, cuando Tamaki se levanta guitarra en alto para enfatizar y hacer que todos explosionemos con ellos y termina totalmente tirado en el suelo, creando distorsiones agonizantes en su pedalera.

 

Remontan con  “Where we Begin” como si quisieran darnos una subida de autoestima personal, un arcoíris en el horizonte; como si fuera un renacer en primavera comienzas por sonreír, y es que miraba al público y ¡a todos se les comenzaba a dibujar una sonrisa! Era emocionante ver que Mono hacía lo que quería con nosotros desde ahí arriba. Pero entonces, aparece Tamaki con su xilófono; ya sabemos que viene ahora, ya sabemos que es “Ashes in the Snow”, ese tema que te rompe en mil pedazos.

Empiezan otra vez a resquebrajarnos como jarrones de porcelana, nos vamos rompiendo en mil pedazos, en mil suspiros, y es que no llevaba el tema ni 30 segundos y una servidora comenzó a llorar, me temblaba la barbilla y no paraban de caerme las lágrimas: sí, señores, lloré desconsoladamente durante los 11:45 minutos que dura el tema, pero sé muy bien que no fui la única, así que eso me emociona aún más. Y no es algo que nos debiera sorprender, pero creo que estamos tan poco acostumbrados a expresarnos, a sacar nuestros sentimientos delante de la gente, que cuando viene un grupo de esta categoría y te saca toda la artillería a flor de piel así, sin más, yo, siendo sincera, me quito el sombrero, les aplaudo y no puedo más que sentirme afortunada de poder ser una privilegiada dentro su mundo. Para terminar, nos deleitaron con “Everlasting Light”, seguimos con su «Hymn to the inmortal wind», (cómo no, este discazo tenía que cerrar este encuentro), ya para rematar la faena y sacarnos de nuestro bucólico pesar.

 

Y termino resumiendo el concierto en una frase: En azul, en su tenue mundo, en su halo de luz que les cobija.

Texto y fotos: Irene Serrano

Mono aquella noche en Youtube (HD):

Galería Flickr del evento:

Mono actuará en Barcelona el próximo sábado, 2 mayo 2015, en Sala Apolo La(2).Mono ha actuado en Barcelona en una ocasión, la última vez que actuó en Barcelona fue en 2010 en la sala Sala BeCool.

Otros conciertos de Mono + Helen Money en España:
04 may 2015 Teatro Barceló, Madrid
07 may 2015 Teatro Principal de Santiago de Compostela, Santiago de Compostela
08 may 2015 Sala Sonora, Erandio

Formación:
Takaakira ‘Taka’ Goto (guitarra)
Tamaki (bajo, piano)
Yoda (guitarra)
Yasunori Takada (batería)

Web:
http://www.monoofjapan.com/

Procedentes de la compacta escena de metal/grindcore que surgió en Birmingham, Inglaterra, en 1988, Godflesh abrió rápidamente su propio camino con Streetcleaner y Pure, dos álbumes que detonaron el género y que ejercieron una inmensa influencia en una nueva hornada de grupos que buscaban combinar la contundencia del metal, los beats programados que emulaban los ritmos del primer hip hop y las atmósferas sonoras del punk. Tras su separación en 2002, Broadrick formó Jesu, la aclamada banda de shoegaze-metal. Godflesh se reunieron en 2009 para tocar en una serie de gloriosas apariciones en festivales y en conciertos que agotaron las entradas mientras trabajaban en el nuevo material para próximos discos.

Russian Circles celebran en estos meses su décimo aniversario con una gira de conciertos con invitados muy especiales que culminará el 30 de Enero en su Chicago natal junto a nada más y nada menos que Wovenhand, otro de los grupos que ha conseguido dar al post-metal una vuelta de tuerca con la mirada puesta en el futuro.