WHITE STONES
‘KUARAHY’
Nuclear Blast

Tras el nombre de White Stones se esconde el nuevo proyecto del bajista de Opeth de Martin Méndez. Un proyecto bastante personal y para el que se ha rodeado de grandes músicos, Eloi Boucherie y Jordi Farré de Vidres a la sang han puesto voz y batería respectivamente, mientras que las guitarras rítmicas las ha tocado el propio Martin, y los solos han ido a cargo de su compañero en Opeth Fredik Akesson salvo uno, en el que cuenta con la colaboración de Per Eriksson, conocido por su trabajo en Katatonia y Bloodbath.

Con esos ingredientes se gesta ‘Kuarahy‘; este disco tiene su punto de partida allá por 2016, cuando, tras año y medio girando con Opeth presentando ‘Sorceress’, Martin llega a casa y comienza a componer compulsivamente. De aquello acabaron tomando forma seis temas que se decidió a grabar en forma de EP; para ello acudió a los estudios Farm of sounds de Terrassa, localidad donde reside actualmente, y tras conocer a Eloi, quién está al frente de ese estudio, abandonó la idea de ser él mismo quién pusiera voz a esos temas, dejando para Boucherie esa labor. Cuando la discográfica de Opeth, la todopoderosa Nuclear Blast, escucha esas demos, le pide a Martin un LP completo; así que se ponen a ello y nacen otros cuatro temas que completan este trabajo.

Como he empezado diciendo, y pese a todo el personal involucrado, se trata de un proyecto personal de Martin Méndez. Tan personal como para ponerle el nombre del barrio del que es originario, Piedras Blancas, allá en Montevideo. Desde su traslado a Suecia, el bajista uruguayo ha estado aprendiendo y creciendo al lado de músicos de mucho nivel, pero nunca ha olvidado sus orígenes, ni locales, ni musicales; y es que Martin es, básicamente, un fan del death metal desde temprana edad; y gran parte de eso la encontramos en este disco.

«Kuarahy», “sol” en el idioma charrúa de los nativos de aquella tierra, es la introducción instrumental que nos advierte de lo que nos vamos a encontrar; atmósferas densas, oscuras, mucha referencia al death metal y sí, por supuesto, algo del sonido Opeth con el que lleva más de 20 años trabajando; no nos equivoquemos, esto no es un intento de rescatar a los Opeth de comienzos de siglo, es un disco de death metal con ese regusto especial, con esos tintes progresivos y con multitud de matices que lo hacen único. El tema que sigue, «Rusty Shell», es quizás el que más nos puede evocar a la banda sueca, y aún así, tiene una personalidad propia que veremos desarrollar a lo largo de todo el disco, y elaborando un conjunto muy homogéneo. «Worms» tiene algunos de los riffs más pesados del disco, pero con sus cambios de ritmo y sus detalles progresivos, empieza a dar forma a ese conjunto del que os hablo. A estas alturas ya te invade un aire de oscuridad y melancolía que mezclado con el death metal de base y esos cambios de ritmo te atrapan.
«Drowned in time» comienza con una parte acústica que va creciendo para dar forma a un tema de los más compactos del disco, con una base de cadencia pesada y unas melodías instrumentales que dibujan el paisaje del tema bajo los growls de Eloi. Tema que da paso a «The One» donde la base death metal conduce a través de melodías que vuelven a incurrir en esa cadencia pesada; destacar el solo magnífico de esta canción que es el que rompe la dinámica aquí, aunque se recupera para el final.
«Guyra», “el pájaro”, es un tema que se inicia con unos riffs de guitarra que nos acompañan durante toda la canción, y donde es la batería la que marca, con sus cambios de ritmo, la pauta de este tema. Le sucede Ashes, que nos devuelve al death metal pero que nos enseña la vertiente más progresiva de Martin; voy a ser osado, y escribiré mi primera impresión sobre este tema: King Crimson tocando death metal. Esa fue mi primera idea, y seguramente ha crecido en mí esa idea inconscientemente, pero esas guitarras las podría firmar Fripp tranquilamente, salvando las distancias, claro.
Da paso este tema, de mis favoritos, por cierto, a «Infected Soul» tema que va desde un inicio tranquilo hace un ritmo que es interrumpido por el pasaje que precede al solo, que vuelve a variar el rumbo del tema, para devolverlo a su cauce original y dejarlo acabar donde pretendía desembocar, en una aceleración controlada donde todo suena a la perfección. Cuando llegas a «Taste of blood» el album ya te tiene donde quería, estás sumergido en su oscura atmósfera, y su riff inicial te conduce a la locura que encontramos en la sección central de este tema; para, acto seguido, devolverte a ese riff progresivo que da paso al solo, otra vez, extraordinario.
Finalmente, «Jasy» nos despide como se nos recibió, recordándonos que hemos estado atrapados durante más de 40 minutos por ese ambiente cargado de riffs, de melodías, de death metal, de progresivo.

En definitiva, hemos recorrido el universo musical de Martin Méndez, en un viaje que sabes que tienes que repetir para seguir empapándote de todos los matices que ofrece. Con suerte podremos ver algunas fechas de White Stones presentando este trabajo, siempre que la actividad de Opeth lo permita, la suerte aquí es que al compartir manager y compañía, todo es más fácil. Ya se anunció que este proyecto en directo llevará a Albert Martí y Joao Sasseti a las guitarras, así que esperamos esas fechas, c

Toni López

SONS OF APOLLO
‘MMXX’
Inside Out

Cuando en 2018 se anunció que una nueva banda llena de pesos pesados de la música se juntaban para ofrecer al mundo un derroche de técnica y calidad como el que encontramos finalmente en ‘Psychotic Symphony‘ hubo quien pensó que, como en muchas otras ocasiones, solo sería flor de un día. Pues bien, dos años después tenemos en nuestras manos el tercer trabajo de Sons of Apollo tras su reciente directo ‘Live at Plovdiv‘. El disco de debut puso el nivel muy alto a este segundo trabajo en estudio, pero cuando los nombres de Portnoy, Sherinian, Sheehan, Thal y Soto se mezclan bien, el resultado final es toda una obra de artesanía musical, en la que los desarrollos, los cambios y las melodías enlazan como un todo y no como la mera suma de sus partes. Sí, hay momentos de
lucimiento individual a lo largo del disco, pero la sensación de conjunto sobrevuela en cada
uno de los ocho temas de los que consta el disco. Una hora de virtuosismo continuo pero
asequible desde la primera escucha sin resultar para nada pesado. Y creo que parte de la
culpa de que eso sea así es del excelente trabajo vocal melódico que ofrece Jeff Scott Soto en este ‘MMXX‘. A medida que se suman las escuchas del disco, los pequeños detalles van apareciendo y acaban envolviéndote.

El tema con el que abren este trabajo es «Goodbye Divinity», una perfecta carta de presentación en la que Sherinian nos invita a entrar, a través de una melodía espacial que pronto se endurece dando paso a un riff demoledor y a la potente voz de Soto, que nos brinda uno de sus estribillos marca de la casa y en el que encontramos una muestra de la calidad de cada uno de los músicos. A partir de aquí, un disco sin fisuras en el que, al contrario que en el primer trabajo, no hay ningún tema instrumental y que en conjunto muestra un lado más duro de la banda. Un buen par de ejemplos son «Wither in Black», el tema más directo y corto y «Asphyxiation», por el que planea la sombra de Dream Theater y su giro al metal ‘Train of Thoughts‘.
Y cuando se hace difícil destacar entre la excelencia, aparece «Desolate July», tema que Soto compuso tras la muerte de su compañero de banda David Z. Un sentido homenaje en forma de balada épica que enlaza con «King of Delusion» mediante un piano con cierto aire flamenco que va oscureciéndose poco a poco hasta explotar en el contundente riff de uno de los temas más duros y completos del disco. Sin duda alguna los dos temas sobresalientes del disco. «Fall To Ascend», el segundo single, y «Resurrection Day» son los temas más “sencillos” dentro de esta compleja amalgama de sonidos que nos ofrece la banda, y con los que muestran que también pueden ser directos, sobretodo en el primero de ellos en el que la vertiente más heavy de la banda se desata en poco más de cinco minutos. Los sonidos arábigos de «Resurrection Day» sirven como base para una nueva muestra individual en la que destaca un Sheehan que, no se si de manera intencionada o no, se aleja de su sonido más tradicional para acercarse al estilo de Marcel Jacob (Talisman). Para cerrar el disco, y siguiendo la estructura de ‘Psychotic Symphony’ el tema más largo del disco, “New World Today”, que sirve como perfecto resumen de lo que es la banda: desarrollos perfectamente encajados, coros y pasajes que evocan a Dream Theater, la fuerza y potencia vocal de Soto planeando en todo el tema, y Ron “Bumblefoot” Thal, que remata en este tema el excelente trabajo a las seis cuerdas que ha ofrecido durante todo el disco.

La última parte instrumental nos va llevando poco a poco y sin darnos cuenta a un épico final con el que se cierra una hora de virtuosismo y que, espero que no sea el final de la historia, ya que en un principio la banda tenía contratados tres trabajos.
Sinceramente espero que en esa trilogía musical su directo sea sólo un «spin off» y aún nos quede una oportunidad más para escuchar un nuevo trabajo de esta banda.

Maese Leiva

THE NEAL MORSE BAND
13.04.2019, Sala Salamandra (L’Hospitalet de Llobregat)
Promotor: Madness Live

Voy a ser sincero. Con la facilidad en la que se dispone de información en estos días, un concierto como el de Neal Morse podría ser fácilmente reseñable, incluso antes de que la banda haya pisado el escenario. Porque, al igual que hizo con el disco anterior, esta gira de presentación se basa en interpretar su última obra de manera íntegra y dejar para los bises algunos temas de su extensa discografía. Pero de esa forma se perderían muchas cosas por el camino. La intensidad, la energía, la fuerza y la emoción que Neal Morse transmite en cada una de sus actuaciones quedarían diluidas en pro de la mera información, y eso lo único que provoca es la propia muerte de la música.
‘The Great Adventure’ es un disco que hay que consumir tranquilamente, con tiempo, escucharlo en su integridad y meterte en la cabeza de ese joven que comienza el viaje iniciático de la vida. Y eso es lo que ofrece Morse, que compartas con él ese viaje.

Con una audiencia impaciente por ver de nuevo a la banda, empezaron a escucharse los primeros acordes de la “Overture” que dan comienzo al disco y, en el escenario, la presencia de Neal Morse y del teclista Bill Hubauer poniendo en marcha esa gran aventura. El resto de músicos irían uniéndose durante el tema tras esa introducción casi narrada hasta fluir en el pasaje instrumental que nos permitió comprobar, una vez más, la excelencia de todos y cada uno de los músicos que conforman The Neal Morse Band.
Y es que una de las grandes virtudes que ha tenido Neal Morse ha sido siempre la de rodearse de un equipo ganador y este lo es. El reparto de las tareas vocales entre el guitarrista Eric Gillette, Bill Hubauer y Mike Portnoy, en menor medida, hace que haya diferentes matices para cada uno de los personajes que nuestro héroe se va encontrando en este viaje. Grandes pasajes instrumentales, grandes fragmentos vocales, estribillos pegadizos y coreables… ¿qué podía salir mal en un concierto así? Pues aquello en lo que el músico no tiene control absoluto, los problemas técnicos. Un problema con el pedal de sustain en el teclado de Morse al término del tema “To The River” hizo que nuestro héroe tuviera que hacer un alto en su camino y descansara unos minutos mientras se solucionaba la inesperada complicación. Y esta es una de las maravillas que puedes disfrutar por asistir en vivo a un concierto. Más allá de enfadarse o recoger trastos y salir del escenario hasta que encontraran una solución decidió explicarnos pequeñas anécdotas.

Como que le daba pena terminar la gira por una parte, pero vino a decir, parafraseando a Dorothy en El Mago De Oz, que “No hay lugar como el hogar”, que la experiencia del baño en un bus de gira es algo muy duro, o saber, de boca de Mike Portnoy, que Neal Morse es el único músico con una caja de tissues integrado en el teclado porque es raro el dia en que no llora al acabar el concierto, o que en la presentación del disco por los mass media, el tema “The Great Adventure” podría haber sido tocado, según Eric Gillette, como si fuera un country. Son pequeños detalles que hacen que ese concierto no sea uno más. Por ejemplo, Portnoy hizo un guiño rítmico en un momento del tema mientras Gillette lo miraba con una sonrisa cómplice. Sin solucionar del todo el problema técnico retomaron la andadura hasta el descanso que sirvió para encontrar un arreglo tranquilamente.

Lo que vino tras los 15 minutos de descanso se puede catalogar de sublime. Esta vez sin interrupciones por problemas técnicos pudimos disfrutar de la segunda parte del disco llena de momentos brillantes. Incluso el carismático bajista, Randy George, tuvo su momento vocal en esta segunda parte, y no cesó de repartir sonrisas a los asistentes y buen humor.
Claro, que esto es extensible al resto de la banda, a los que se les veía disfrutar sobre las tablas de un Salamandra lleno. Tanto disfrutaron que consiguieron que el tiempo pasara volando y que, un visiblemente emocionado Neal Morse le diera la razón a Mike Portnoy y no parase de coger pañuelos para secarse las lágrimas una vez terminado el concierto.

Pero aún quedaban unas pocas golosinas musicales de las que disfrutar. Para los bises interpretaron un gran medley en el que se pudo escuchar un tema casi de cada uno de sus discos en solitario en orden cronológico. Gracias a eso pudimos hacer un recorrido musical a su obra posterior a su redención religiosa, desde el primer volumen de ‘Testimony’ del que disfrutamos “The Land Of Beginning Again” hasta ‘The Similitude of a Dream’ con “Broken Sky / LongDay” encargada de cerrar el concierto. En definitiva casi tres horas de excelencia musical con un Neal Morse en estado de gracia y un Mike Portnoy que, cuando deja de ser el centro de atención, mejora las cualidades que se le atribuyen para ser uno de los mejores baterías del mundo y que estoy seguro que lleva años disfrutando de la música que sus ex-compañeros no acaban de ser capaces de hacer. Si Neal Morse vuelve a tocar y tienes oportunidad, no lo pienses mucho, un concierto suyo es un seguro de diversión y calidad garantizado.

Texto: Sergio Maese Leiva

DEVIN TOWNSEND estrena un vídeo para el tema «Genesis»; ¡El primer single de su disco EMPATH!

El artista canadiense y líder indiscutibles del progresivo, Devin Townsend ya anunció que tenía un nuevo disco bajo el brazo el cual tendrá por título ‘Empath’ y saldrá a la venta el 29 de marzo de 2019. Hoy, Devin nos muestra un pedacito de lo que tiene entre manos con el primer vídeo de su primer single «Genesis». Puedes verlo ya haciendo click:

Devin comemta: “Hola a todos :)

Es un gran orgullo (y una buena dosis saludable de trepidación) el poder finalmente presentaros una canción del disco ‘Empath’. En cada ciclo del álbum hay un dilema sobre que canción debería «liderar» el mismo, no sólo para emocionar a la gente, sino también para tener una visión global del proyecto.

Como la naturaleza musical de ‘Empath’ se turna de canción a canción, (desde el teatro musical, Death Metal, jazz con toques prog y elementos más comerciales) fue una decisión complicada. Algunas personas querían ir directamente a por la canción «Spirits Will Collide» mientras que otras querían la cinemática «Evermore». Finalememte elegimos «Genesis» como la canción a presentar ya que no sólo contiene 5 estilos diferentes (para ser honestos, algunos bastante estresantes :) sino que también incluye a tres baterías, coro, una orquesta, y básicamente hasta el fregadero de la cocina también.

La canción es definitivamente sobre cómo enfrentarse al miedo, al igual que es un análisis de la relación que se tiene con el pasador para proceder al progreso. El disco tiene un tema general sobre cómo me gustaría ver la «esperanza» en tiempos caóticos. He estado trabajando en este disco desde hace más de un año, y representa una especie de cambio para mi en mi mundo personal y profesional del cual estoy bastante orgulloso. Por primera vez en unos cuantos años hago algo así, y creo que «Genesis» representa la naturaleza caótica del proyecto (y el mundo actual en general) de la forma más precisa que he podido hacer en este estado de mi vida.

Me gustaría agradecer a todo el equipo de impresionantes músicos y artistas que me han ayudado a actualizar este material al igual que a InsideOut y Northern Music por su ayuda y apoyo.

¡La crisis en mitad de la vida!

Devin :)”

También ha anunciado recientemente las fechas de la gira de presentación de ‘Empath’. Puedes ver todas las fechas a continuación:
15 de noviembre– Salle Pleyel, Paris, Francia
16 de noviembre – Trix, Antwerp, Bélgica
17 de noviembre– 013, Tilburg, Países Bajos
18 de noviembre – Grunspan, Hamburgo, Alemania
20 de noviembre – Logomo, Turku, Finlandia
21 de noviembre – Cirkus, Helsinki, Finlandia
23 de noviembre – Münchenbryggeriet, Estocolmo, Suecia
24 de noviembre – Sentrum Scene, Oslo, Noruega
25 de noviembre – Amager Bio, Copenahue Dinamarca
27 de noviembre – Astra, Berlin, Alemania
28 de noviembre – Roxy, Praga, República Checa
29 de noviembre– A2, Wroclaw, Polonia
30 de noviembre – Barba Negra, Budapest, Hungría
2 de diciembre – Simm City, Viena, Austria
3 de diciembre – X Tra, Zurich, Suiza
6 de diciembre – Academy, Dublin, Irlanda
7 de diciembre – Limelight, Belfast, UK
9 de diciembre – SWG3 Galvanisers, Glasgow, UK
10 de diciembre – Albert Hall, Manchester, UK
12 de diciembre – Roundhouse, Londres, UK
13 de diciembre – Rock City, Nottingham, UK

Entradas disponibles aquí: https://www.hevydevy.com/tourdates/

Como promoción a este nuevo disco, Devin invita a los fans a caminar a través de ‘Empath’ con una serie de episodios grabados como conversaciones telefónicas durante las grabaciones del nuevo disco. Puedes ver el primer episodio aquí: https://youtu.be/y4sJ8odko2Y

En los años pasados, Devin ha tenido una gran notoriedad por sus trabajos lo que le ha dado el poder de controlar su propio destino en cuanto a creatividad se refiere. El reciente estreno de su DVD del concierto, con entradas agotadas, en el Royal Albert hall, o su disco de 2012 ‘Retinal Circus’, o su último álbum DVD del directo en Plovdiv ‘Ocean Machine’ con orquesta; le ha posicionado en un punto en el que ahora ‘Empath’ termina de definir al músico en sí mismo como una fuerza musical completamente inclasificable en un género particular.

En este disco Devin ha decidido ver qué pasaría si todos los estilos por fin se juntan y se representan en uno solo. Quitarse el miedo a la expectaciones, y simplemente hacer lo que tiene que hacer en términos de creatividad. ‘Empath’, acorde a su título, trata sobre dejar a que la audiencia sienta una emoción en la variedad musical. El dinamismo musical representado en este disco es amplio, desafiante e inmenso.

Acompañando a Devin en este disco está el ex alumno de Frank Zappa, Mike Keneally como director musical, al igual que Morgan Ågren (Mats And Morgan, Frank Zappa, Fredrik Thordendal), Anup Sastry (Monuments, Periphery), Samus Paulicelli (Decrepit Birth, Abigail Williams), Nathan Navarro, Elliot Desagnes, Steve Vai, Chad Kroeger, Anneke Van Giersbergen, Ché Aimee Dorval, Ryan Dhale y el coro Elektra Women.

Una planteamiento audaz con valores de producción masivos y una musicalidad dinámica y sin compromisos. Esta es una afirmación sobre no sólo perseguir la libertad creativa en una escena conservadora sino también intentar que la música dura sea realmente una herramienta musical válida.

Hacía mucho tiempo, quizá desde hace cerca de dos años que por los mentideros del Rock corría el rumor del cese de BeProg! My Friend y, desgraciadamente, hoy se ha hecho oficial la noticia con el siguiente comunicado:

Comunicado Be Prog:
Be Prog dice adiós. Tras cinco ediciones ha llegado el momento de despedirnos del festival que una vez soñamos organizar y que tras mucho esfuerzo pudimos hacer realidad. Han sido cinco ediciones fantásticas donde hemos tenido el honor de trabajar con bandas con las que ni en esos sueños habríamos imaginado poder colaborar y donde el cariño que vosotros, los asistentes, nos habéis demostrado nos emocionó en muchas ocasiones.
Ese cariño quizás nos lleve a replantearnos en un futuro la posibilidad de recuperar el festival, pero ahora vamos a centrarnos en otros proyectos.
Gracias a tod@s por vuestro incondicional apoyo. Vosotr@s sois Be Prog!
* Permaneced atent@s al 15 de octubre, ya que anunciaremos un nuevo festival.

La asistencia de público o la coincidencia de fechas con Rock Fest son dos factores que han podido llevar a BeProg a tomar esta difícil decisión. Los más puristas siempre acusaron al festival de no ser un festival de Prog al uso y de introducir bandas poco relacionadas con el Progresivo.

Una pena para la música Prog, para la ciudad de Barcelona porque pierde un referente europeo en este estilo y para todos sus fieles seguidores.

Un marco incomparable como el Poble Espanyol ha acogido durante cinco años un festival especial, elegante, potente pero sutil donde los paladares más exquisitos han saciado sus inquietudes musicales con actuaciones de relumbrón.
A continuación os dejamos los reportajes de las cuatro ediciones que hemos cubierto en Empire:

Crónica de 2015: http://empirezone.es/2015/07/22/be-prog-my-friend-fest/
Crónica de 2016: http://empirezone.es/2016/08/12/be-prog-my-friend-2016/
Crónica de 2017: http://empirezone.es/2017/07/12/be-prog-my-friend-vuelve-a-ser-un-punto-de-encuentro-musical/
Crónica de 2018 (I):http://empirezone.es/2018/08/22/be-prog-2018-i/
Crónica de 2018 (II): http://empirezone.es/2018/08/22/be-prog-2018-ii/

SONS OF APOLLO
«PSYCHOTIC SYMPHONY»
Inside Out Music

Da la sensación de que de un tiempo a esta parte la proliferación de supergrupos está a la orden del día. Quizás sea por la necesidad de dar un paso hacia una zona alejada del confort o simplemente por inquietud artística, la cuestión es que este es otro de esos casos en que cinco genios se juntan, conectan y trabajan para ofrecernos uno de los discos del año.
Detrás de este proyecto están unos de los culos más inquietos de la música, Mike Portnoy, y su antiguo compañero en Dream Theater, Derek Sherinian. Y al escuchar este trabajo, podemos afirmar que la química de aquellos tiempos no se ha perdido. El origen de este disco hay que buscarlo en una colaboración puntual previa con ellos en la que Tony Macalpine y Billy Sheehan completaron la banda, y de la que quedó un sublime directo como prueba. Aquello despertó el interés por hacer un disco juntos, aunque al final Ron “Bumblefoot” Thal fue el escogido para las guitarras. Pero no querían que esta vez fuera instrumental, y si hay un vocalista que les iguale en curiosidad y se caracterice por estar en mil proyectos, ese es Jeff Scott Soto.
Con un quinteto así pueden pasar dos cosas, que la lucha de egos diluya un prometedor proyecto o, como es el caso, el talento navegue en una dirección común y presenten un disco a la altura de las circunstancias y los nombres. Con la primera escucha de «Psychotic Symphony» uno entra de lleno en los complejos paisajes musicales que la banda nos presenta con la inicial «God Of The Sun», cuyo exótico inicio nos lleva por un viaje en tres etapas a lo largo de los once minutos que dura (el corte más largo del disco), con un estribillo que se engancha enseguida y un pasaje instrumental en el que parece como si los cuatro músicos se batieran en duelo y que hará las delicias de los seguidores más clásicos de Dream Theater.
Pero no todos los cortes destilan tanta complejidad, la carta de presentación de este «Psychotic Symphony» vino de la mano de dos temas muy directos, «Coming Home» y «Sing Of Times». Estos, junto a «Alive», serían los temas más radiables, aquellos singles que en estos últimos años Dream Theater no ha conseguido tener. «Laberynth» es la prueba que demuestra porqué la de Soto debería ser considerada una de las voces definitivas del Rock, tanto por los rangos como por los matices y la intensidad que ofrece en cada interpretación. Este es otro tema épico en el que además destaca el excelente trabajo de todos los músicos.
Y si buscamos algunas diferencias más con Dream Theater es en las voces y los teclados donde las podemos encontrar. Sherinian tiene un sonido mucho más clásico y elegante llegando a recordar a John Lord en un tema como «Divine Adiction» o en los dos instrumentales que completan el disco. También hay espacio para los riffs más duros de «Lost In Oblivion» o «Sign Of Times». En definitiva, un disco que es capaz de mostrar tal multitud de detalles que hacen que cualquier aficionado al progresivo tenga un motivo para escuchar cualquiera de las canciones y pueda seguir disfrutando del disco al completo antes de dejarlo en un lugar privilegiado dentro de la colección privada de cada uno.

Maese Leiva

En una carrera que se ha extendido a 30 años y durante la cual han vendido más de 8 millones de álbumes y han sido nominados a dos Grammy, la banda estadounidense de metal progresivo Dream Theater nunca han hecho lo predecible. Esto era evidente sobretodo gracias a sus ambicioso último disco de 2015 ‘The Astonishing’ y a su elaborado tour que vino tras este disco.

Ahora Dream Theater están orgullosos de anunciar que han firmado un contrato discográfico con Sony Music en todo el mundo, a través del sello (ahora de Sony) de progresivo InsideOutMusic, para sacar el décimo cuarto álbum de estudio de la banda. Así que ahora, Dream Theater se encuentra entre un impresionante roster de bandas muchas de las cuales no existirían sin ellos habiéndoles abierto camino e inspirando también a un montón de jóvenes músicos de principios de los años 90.

La banda comenta: ¡Estamos muy emocionados de firmar nuevo contrato discográfico con InsideOut/Sony! Conocemos a Thomas Waber desde hace mucho tiempo y es genial el tener por fin la oportunidad de trabajar juntos. El entusiasmo de Thomas, la energía , la experiencia en la industria de la música y su visión de futuro positiva para la carrera de Dream Theater ha sido perfecta para atestiguar, y ¡no nos cabe duda de que ser parte de la familia de InsideOut/Sony va a ser una experiencia creativa y profesional para todos nosotros!

El director y A&R del sello Thomas Waber añade: “Esta es la situación por la que la frase «se cierra el círculo» fue inventada. Hemos seguido a la banda de una forma muy cercana desde que empezaron a girar por Europa en 1993, y ha habido un montón de historia y amistad entre la banda y nosotros desde hace 25 años. Los pasos hasta el plato para unirse con ellos en este nuevo e importante capítulo de su carrera se hace sentir de una forma natural y como forma correcta de hacer las cosas. ¡No puedo esperar más a que esto empiece!”

Philip von Esebeck de Sony Music Germany CFO continúa: “¡Esta es una firma importante en nuestro objetivo para apoyar y hacer crecer al sello the InsideOutMusic como marca, y estamos muy emocionados de dar la bienvenida a Dream Theater y de tenerlos en el roster de Sony como prioridad!”

Desde que completaron la etapa teatral de presentación de ‘The Astonishing,’ Dream Theater han estado tocando por todo el mundo celebrando el 25 aniversario del álbum más querido por los fans de la banda y disco de oro ‘Images & Words,’ álbum que hizo mella y consiguió estar en el Top 10 gracias al hit “Pull Me Under.”

A principios de 2017, la banda ha estado tocando en Europa, Japón Australia, India, Sudeste Asiático y Oriente Medio y justo acaban de terminar su tour por Norte América.

Durante casi 25 años,InsideOutMusic ha sido uno de los sellos líderes en música progresiva y parte del grupo Century Media Label Group, una división de Sony Music.

MOONLOOP + THE HYPOTHESIS
21.09.2017, RockSound, Barcelona
Promotor: Kivents

No sé si los jueves son los nuevos viernes pero sí es cierto que cada vez me ponen más los conciertos en ese día, no hay mayor dosis de energía para encarar el fin de semana. Y en esta ocasión la opción musical era (casi) insuperable.

Los finlandeses The Hypothesis nos visitaban por primera vez para presentarnos su debut de 2016, “Origin”. Reconozco que me gusta mucho del Death Metal melódico pero creo que dotarlo de tantos teclados como ellos al desvirtúa el resultado final. Pero como esto es música y los que la sentimos tenemos la capacidad de dejarnos sorprender ahí estábamos para corroborarlo.
El sonido del que gozaron no fue bueno, sonó embarullado y los detalles se difuminaban. Eso les perjudicó pero a mí como oyente me benefició pues sonó más sucio, más Death Metal y menos edulcorado y, oiga usted, por momentos los llegué a disfrutar. Eso, unido a la entrega de la banda, hace que uno se acerque al escenario a intentar disfrutarlos más de cerca. “Eye for an eye”, “Shades to escape” o “Second chance” estuvieron presentes en un repertorio de una hora que les hizo ganar algunos fans y que les permitió darse a conocer por estos lares aunque tengo serias dudas que actuar con Moonloop sea el cartel ideal para ellos.

Y es que Moonloop, amigos, juegan en otra liga. Aunque “Devocean” lleva ya algún tiempo en el mercado siempre es una buena oportunidad de ”volver a tocar en tu ciudad” como dijo Eric Baule. Desde el primer momento a la banda se la vio muy compacta y muy responsable de volver a tener a “su” gente delante.
La mejora del sonido fue notable y una música como la suya lo agradece puesto que la multitud de detalles necesita de nitidez. Aunque fueron intercalando temas de sus dos discos, la presencia de “Devocean” evidenció que es su trabajo más reciente. Si “Megalodon”u “Oceans” fueron dos momentos estelares y Strombus esa composición en la que quizá “hubieran fumado” “Medusa” supuso” uno de los momentos álgidos junto a “Interglacial”.

Ver y escuchar a Moonloop es una gozada por tratarse de cuatro virtuosos, por tener una química especial que se transmite a través de sus canciones y porque se les ve disfrutar de lo que hacen. Casi hora y media que se pasaron deprisa entre estructuras enrevesadas y un Prog Metal que cada vez tiene un sello más personal y que no cesa en busca de una perfección que no solo tienen las bandas de fuera ¡¡¡Benditos Moonloop, que no tarden en volver!!!

Texto y fotos: Marc Gutiérrez

ON THE RAW
“BIG CITY AWAKES”
Red Phone Events

Podemos decir que vivimos en tiempos de etiquetas y tendencias. Si no estás etiquetado estás etiquetando y si no sigues una tendencia no eres nadie. En realidad existe una contracorriente en favor del esfuerzo neuronal, en favor del arte musical en este caso. La banda barcelonesa On The Raw nos presenta su trabajo “Big City Awakes”, una fusión de las influencias y gustos musicales de sus integrantes por el Jazz, el Rock Progresivo y Hard Rock de los 70 y 80, en formato instrumental. Excelentes arreglos en teclados (Jordi Amela) y guitarra (Jordi Prats) para crear atmósferas donde los instrumentos de viento (Pep Espasa) llevan la voz cantante máxime si un saxo ejerce de voz masculina y una flauta traversa de voz femenina para encadenar diálogos perceptibles en forma de armonías. La batería (Alex Ojea) y el bajo (Toni Sánchez) dejan pinceladas de maestría entre explosiones de velocidad y adornos exuberantes de calidad. Un viaje agradable e intenso a través de 65 minutos y una creatividad destacable para una gran obra que merece ser escuchada de principio a fin. Aunque recomiendo escuchar la obra completa, hay canciones con las que disfruto y me recreo como “Big City Awakes”, “Day 49”, “On The Raw”, “Dreams In A Box” o “Looking For Mr. Hyde”. Recomendado para mentes abiertas.

Juan Espinoza

Pain of Salvation pasa por ser una de las bandas esenciales del nuevo Metal Progresivo pese a llevar ya más de treinta años de carrera y más de veinte desde su debut. Resulta fácil charlar con Daniel Gildenlöw y aunque no soltó prenda de la salida de Ragnar y la entrada de Hellgren sí que nos ofreció una extensa entrevista muy introspectiva y cargada de momentos personales que no tienen desperdicio.
Por Xell

EMPIRE MAGAZINE (EM): Hola, Daniel. ¿Cómo está yendo el tour de momento?
Daniel Gildenlow (DG): Genial. Hemos recibido un montón de feedback, todo positivo, los temas nuevos están funcionando muy bien en directo y el público está muy contento con ellos.

EM: He mirado un poco el setlist por encima y veo que tocáis bastante de vuestro nuevo álbum ¿No os habéis encontrado con los típicos fans pidiéndoos material viejo?
DG: (risas) No, parece que están todos encantados con el nuevo material. Siempre hay alguno que quiere otro tema aquí o allá, pero por lo general lo que todo el mundo pide es “Beyond the Pale” y “Ashes” y ambas están en el set.

EM: Han pasado unos tres meses desde que publicasteis “In the Passing Day of Light” y si no me equivoco está todo yendo rodado, ¿no?
DG: ¡Sí! Tanto prensa como fans están encantados.

EM: ¿Ha resultado ser todo lo que esperabas que fuera?
DG: Siempre intento no esperar nada cuando publicamos un álbum (risas). Solía hacer eso y, sabes, es muy difícil saber qué va a querer la gente y contentarlos.

EM: No, no lo que esperaba tu público si no lo que tú esperabas. Es decir, quiero esto y lo he conseguido…
DG: Oh, bueno, sí. La verdad es que con ninguno de los discos que he grabado con Pain of Salvation he resultado estar al 100% satisfecho. Pero también creo que es algo bastante común cuando eres músico y es una de las principales motivaciones para continuar creando, haciendo algo nuevo.

EM: Como un reto.
DG: Sí. Es una manera de forzarte a seguir mejorando, aunque es una manera algo dura de hacerlo (risas). De todas maneras creo que lo de estar satisfecho no es lo mío.

EM: No está en tus propósitos.

DG: Oh, sí lo está. Simplemente soy terriblemente malo en ello (risas).

EM: Con este álbum parece ser que has vuelto de nuevo al “Metal”. ¿Tuviste demasiado viaje a los 70 de la mano de los “Road Salt”?
DG: Eh… últimamente todo el mundo habla como que los “Road Salt” fueron una especie de bluesi discos y… no sé, coges cualquiera de los discos de Hard Rock de los 70 y es bastante patético en comparación con el material más duro que hemos hecho en los “Road Salt” (risas). Simplemente los tiempos cambian y ves las cosas con distinta perspectiva dependiendo de en qué tiempo te encuentras. Para mí, ambos discos fueron una manera de volver a mis raíces dentro del Metal pero, como digo, los tiempos cambian y vuestras raíces no son las mismas que las mías.

EM: Claro, de ahí que dijera “Metal”, entre comillas (risas)
DG: Exacto. No sé, para mí fue… a ver, había perdido la banda que creía mi familia y era muy importante para mí llevar esta nueva formación hacia otros caminos. Porque es como tener una relación muy duradera y de golpe romper. Y no porque ya no os queráis el uno al otro, sino por razones meramente logísticas. Y así, de sopetón ¡tienes una nueva esposa! (risas) Y puede que no te interese ir a ese restaurante favorito que tenías con tu antigua esposa con tu nueva pareja quieres probar nuevas cosas y tomarte un tiempo de todo aquello que te recuerda lo que una vez fue. Así que creo que esta era la razón con más peso para tomar la dirección que tomé entonces.

EM: Entiendo, pero para el “Road Salt” aún estaban Fredrik y Hallgren.
DG: Sí, pero ya solo cambiar de batería fue un gran paso. Un cambio de proporciones bíblicas. Cuando Johan se unió a la banda él tenía 14 años y yo 16. Es decir, estuvimos muchísimo tiempo juntos y teníamos una relación, una dinámica, muy especial. Me explico. Yo tengo una manera muy peculiar de tocar la batería y él era completamente distinto a mí. Así que los primeros trabajos de Pain of Salvation eran una manera muy extraña de combinar nuestra manera de tocar la batería. Y eso creó un ambiente en concreto para la banda. Yo haría un montón de cosas extrañas mientras escribo y él básicamente me diría que eso era imposible de tocar e intentaría, de una manera muy estratégica, adaptarlo a su manera de tocar pero conservando mi esencia. Sentí que esa relación tan especial era imposible de replicar.

EM: Entonces, ¿los “Road Salt” fueron tu manera de superar esa ruptura?
DG: Sí, algo así. Además, la música que hacemos en “Road Salt”, daba pie a improvisar y la forma que tiene Leo de tocar la batería es mucho más abierta y no íbamos a intentar Johanizarle (risas).

EM: Ha pasado ya algún tiempo de toda esa ruptura… ¿Cómo estás con la nueva formación? ¿Quieres seguir casado con ellos? (risas)
DG: Sí, eso creo (risas) El asunto es que con cada formación que hemos tenido es lo que he pensado. La diferencia es que con las formaciones pre-“Road Salt”, cuando alguno de los miembros tenía hijos o se casaba, cambiaba la perspectiva de ver la banda. La formación que tenemos ahora está hecha de personas más como yo, que saben seguro que esto es lo que quieren hacer y aquí es donde quieren estar. Cuando algún miembro dejaba la banda porque quería centrarse en la familia y dejar a un lado la música, es porque ellos podían hacerlo. Yo soy incapaz de parar tan siquiera por un tiempo. Podría ser capaz de dejar la banda, pero la música seguiría dentro de mí y seguramente estaría incluso más ausente y estaría frustrado continuamente. Entiendo por qué lo hicieron y les apoyo totalmente, simplemente no me puedo ver reflejado en sus acciones. Por ejemplo, Johan vendió todos sus instrumentos salvo un set de batería y estuvo como unos 10 años sin tocar. Para mí era como “wow, ¿cómo eres capaz de hacer algo así?” (risas) Siempre fue así, los dos tan diferentes y a la vez tan fascinados por cómo era el otro.

EM: Entiendo. Entonces, siendo tan apasionado de la música, ¿cómo lo haces para mantener un buen equilibrio entre la música y tu familia?
DG: Recuerdo el primer tour que hice, no teníamos aun hijos pero tomamos la decisión de que nos íbamos a llamar cada día. Al final, eso estaba causando más problemas que beneficios estaba aportando porque la vida de gira es impredecible. He intentado explicar esto a personas que nunca han estado de gira y es que es esa extraña combinación de tener un montón de tiempo para no hacer nada y de no tener tiempo para hacer nada. Es como que tienes 10 minutos aquí, 20 minutos allí… pero no tienes tiempo para hacer algo y estar realmente concentrado en ello. Supongo que dependerá de cómo es cada uno mentalmente, yo personalmente no puedo estar un tiempo para ser yo mismo y dejar de lado el horario que tenga estipulado para la gira. Así que en vez de prometernos llamarnos cada día y fallar en ello ahora nos escribimos mucho más e incluso intentamos hacer algún cara a cara con los niños pero, básicamente, hemos aceptado que estar de gira significa que son tiempos difíciles y poco placenteros para la relación (risas). Así que simplemente tenemos que pasar por ello y llegar hasta el final. La gente piensa que ahora es más fácil, con todo lo que han avanzado las tecnologías, pero no, es incluso más difícil. Cualquier día recibes un mensaje de tu hijo de 7 años, que está triste y te echa de menos. Él te lo ha mandado justo antes de irse a dormir y tú llegas a leerlo a las tres de la mañana, cuando por fin ya has acabado de recoger y tienes tiempo de coger tu teléfono. Pero a las 3 de la mañana ya no puedo hacer nada, no puedo contestarle y sé que mi hijo se ha ido triste a dormir. Así que digamos que cada dos o tres días, mi corazón se rompe en mil pedazos. Por ejemplo, cuando estuvimos de gira en Estados Unidos íbamos a coger un viaje en un crucero y nos encontramos con una familia mexicana. Había un niño corriendo por ahí y se cayó. La simple escena de ver al niño llorando y su padre consolándolo me puso triste.

EM: En plan, “no es mi hijo pero necesito abrazarle y consolarle”, ¿no?
DG: ¡Exacto! Así que sí, es realmente duro, pero es el precio que hay que pagar por esta vida.

EM: Volviendo al tema de tu último disco, entiendo que la temática refleja lo que pasaste con tu enfermedad.
DG: Algo así, sí.

EM: ¿Cómo ha afectado, si es que lo ha hecho, a tu forma de escribir y componer la música?
DG: Uhm… no lo creo. Es decir, la dirección del álbum es algo que teníamos ya decidido incluso antes de acabar en el hospital. Ir en una dirección más pesada de nuevo, era algo que estaba predestinado que pasara para la banda. Y fue retrasado por mucho tiempo por diversos factores. Primero porque “Road Salt” necesitó dos discos y no estaba planeado que pasara así. Luego hicimos el disco acústico, el cual no estaba planeado y acabó en un tour del mismo álbum que por supuesto tampoco estaba planeado. El tiempo pasó y yo acabé en el hospital. Y, bueno, fue muchísimo tiempo. Probablemente lo que puedas ver en el disco de los cuatro meses que pasé en el hospital fue, que siendo la persona tozuda que soy, después de haber pasado ese tiempo en el hospital necesitaba recuperarme y necesitaba hacerlo con una venganza. No voy a ir simplemente a rehabilitación y ponerme bien en un año, que es lo que ellos esperaban que pasara. Me dijeron “necesitas un año de rehabilitación antes de que tu cuerpo pueda volver a cualquier tipo de normalidad”. Volví al ruedo en tan solo un mes. Estaban todos los festivales de verano programados y, en especial el Sweden Rock, y me dije a mí mismo “voy a estar encima de ese escenario”. Creo que no he estado tan nervioso por un concierto desde que tenía 15 años. Minutos antes de entrar a escena no sabía ni como mi cuerpo o mi voz iban a aguantar el concierto. Para mí era como empezar una actuación con un cuerpo completamente nuevo y no sabía qué iba a pasar encima del escenario. Y todo fue genial. Luego estuve agonizando de dolor, claro. Pero era ese dolor en el que no se te ha roto nada, si no causado por usar el cuerpo de una manera en la que no lo habías hecho en muchos meses. Pero no solo me conformé con eso si no que empecé a correr, capoeira, parkour… Así es como soy. Si hay que recuperarse de algo, hazlo con una venganza. Y eso probablemente está presente en la música. Es decir, en las letras es muy obvio que está presente.

EM: Líricamente es bastante similar a lo que pasó con “Remedy Lane” ¿no?
DG: Sí, exactamente. Es básicamente una continuación de “Remedy Lane”. Por un tiempo estuvimos pensando en llamarle “Remedy Lane pt2”.

EM: Eso hubiera estado gracioso teniendo un disco como el “The Perfect Element pt.1” que no va a llegar a tener una segunda parte.
DG: “Scarsick” es la segunda parte, solo que no lo dijimos nunca (risas). Si miras bien en el libreto está escrito “The Perfect Element pt.2”. Está bastante escondido, pero ahí está.

EM: Lo buscaré al llegar a casa ¡nunca me di cuenta!
DG: Muy poca gente lo ha hecho (risas).

EM: Habéis sacado un vídeo increíble a la par que bastante turbio para el tema de “Meaningless” y hay algo que no acabo de entender. Al final del vídeo, se ve como dos mujeres están sonriendo…
DG: Sí, bueno, es la mujer que hemos visto minutos antes manteniendo relaciones sexuales con un cadáver (risas).

EM: Sí, pero hay otra, en primera fila, que también sonríe y sus motivos se me escapan. Quizás es cosa mía que me he fijado demasiado en pequeños detalles. Pero no sé, no entiendo por qué está sonriendo en medio del funeral.
DG: ¡Porque tienen secretos! Creo que ese era el objetivo del guión, yo no lo escribí pero me hubiera parecido muy gracioso si el cura al final también hubiese estado sonriendo, pero creo que les pareció demasiado (risas).

EM: Entonces, ¿no estuviste involucrado en la creación del vídeo?
DG: Bueno, estuvimos poniendo y quitando algunas ideas, aquí y allá, pero en general todo lo que pasa fue idea suya.

EM: ¿Cómo te sentiste filmando esa escena? La de la autopsia no convencional. Tuvo que ser bastante raro.
DG: Sí, me sentí muy raro y no solo por lo evidente. Estuve tumbado en esa camilla durante seis horas, sin parar. Y la mayor parte del tiempo tuve una sábana encima y el tiempo que no la tenía, estaba con los ojos cerrados. Y me parecía extraño saber lo que iba a pasar pero no poder verlo. Además, me preguntaron si quería tener algo suave y blandito debajo y les dije que daba igual, iluso de mí que no sabía que iba a estar ahí encima seis horas (risas). Los chicos del estudio hicieron un gran trabajo con las luces y, bueno, tenían que mover la camilla en línea recta mientras yo estaba ahí encima, con la sábana por encima. Y sentía que me estaban moviendo de un lado para otro y que estaban teniendo problemas al mover la camilla porque inevitablemente se iba para un lado u otro. Vaya, que no sé cuántas veces tuvimos que rehacer esa escena en la que la mujer rubia me sacaba con la camilla. Porque si la camilla se iba tan siquiera unos centímetros hacia un lado, las luces iban a caer por el lado equivocado y había que empezar desde cero. Y ahí estaba yo, tumbado, sin ver nada y cada vez que oía “toma tal, acción” tenía que estar bien quieto y aguantarme la respiración. Pero cuando llegamos a la parte sexual fue incluso más raro estar ahí quieto, sin hacer nada. Cuando estuve haciendo el vídeo de “Where it Hurts”, donde también hay escenas donde pretendo estar teniendo sexo, también me sentía raro, pero decidimos tomarnos unas cervezas antes y hacer de ello algo divertido. Para este vídeo yo solo tenía que estarme quieto, pero eso es incluso peor, la sensación de tener alguien ahí encima que está aparentando tener sexo contigo y tú solo estás ahí, inmóvil. Así que… fue una experiencia singular.

EM: Regresando atrás en la historia de la banda hace 20 años de la publicación de tu álbum debut “Entropia” ¿Cómo te sientes sobre ello?
DG: Es… ¿Cómo es eso posible? 20 años… No parecen 20 años, eso seguro. Ni siquiera lo había pensado… quizás si hubiera caído en ello antes a lo mejor hubiésemos hecho algo especial, una celebración, no sé (risas). ¡Ni siquiera estamos tocando nada del disco en la gira!

EM: Tiene lógica que hubieseis incluido algún tema. Es decir, son 15 años del “Remedy Lane” y tocáis un buen puñado de temas de ese disco. Supongo que es bastante difícil hacer un set que complazca a todo el mundo.
DG: Esa es la peor parte. A cada disco que sacamos, más difícil es apañar un buen setlist. Y no solo eso. Cuando solo tenías un disco, sabías que la gente que estaba allí era porque les gustaba el disco, si no les gustase el disco no serían tus fans. Pero a cada álbum que sacas, más gente decepcionas y más difícil se hace elegir qué tocar. Incluso volviendo la vista atrás a cuando sacamos el “Remedy Lane” y el “The Perfect Element”, que ahora son considerados como el santo grial de nuestra discografía, hubo gente a la que no le gustó porque no eran como “Entropia”. Y cada país es un mundo. Ahora que estoy haciendo muchas entrevistas, en Suecia suelen decirme “el nuevo disco es genial, aunque no tan bueno como “Road Salt””, pero luego en el resto de Europa puede ser completamente al revés (risas).

EM: Para ir cerrando la entrevista, siempre me gusta saber cuál ha sido el último trabajo musical que te ha impactado o que más has disfrutado. Si no recuerdo mal, me pareció entender en una reciente entrevista que no te gusta prácticamente nada nuevo.
DG: Sí, es cierto, no consigo encontrar nada que realmente me mueva. Pero sí hay un álbum que salió el año pasado que es lo último que más he disfrutado. El último trabajo de Leonard Cohen. El técnico de sonido antes me preguntó qué queríamos que sonara en la sala de mientras y le mandé una lista que contenía un par de canciones de este álbum.

EM: Bueno, esto es todo. ¡Muchas gracias! Si quieres añadir algo más para tus fans…
DG: Estoy muy contento de volver por aquí. Lo divertido de todo es que hace 17 años, estábamos de tour con Arena y cuando hoy me he bajado del bus, he reconocido el lugar. Se supone que debíamos tocar en esta misma sala pero por aquel entonces tuve la brillante idea de ir por la calle con uno de esos patinetes, en plan mini scooter, que le tomé prestado al conductor del bus, y bueno, yo iba a realizar un espectacular giro a bastante velocidad y pararme justo en frente del bus y… me caí, rodé bastantes metros y me rompí los dedos.

EM: ¿Qué?
DG: Sí (risas). Estaba ahí tendido en el suelo e iba notando como partes de mi mano estaban tocando otras partes de mi mano que no debería ser posible tocarlas… Por aquel entonces mi hermano aún estaba en la banda y fue el primero en ver el estado de mi mano y empezó a gritar que mis dedos parecían un bosque muerto, por el color gris que tenían. Estuve todo el resto del tour con un cabestrillo y tuvimos que cancelar el concierto. No obstante, fue algo divertido de hacer (risas). Y el bus está aparcado justo en el mismo sitio. Le he preguntado al organizador del concierto si podía encontrarme algún patinete y así poder vengarme y volver a hacer el giro a toda velocidad pero sin romperme los dedos.

EM: No sé yo si es buena idea…
DG: ¿Tú crees? Sería genial mandarles una foto a los que ya no están conmigo en la banda para que vean que por fin estoy haciéndolo sin romperme los dedos (risas). El organizador me ha dicho que ya veremos, que mejor me espere a después del concierto.